Художественная культура Ренессанса



Мы поможем в написании ваших работ!


Мы поможем в написании ваших работ!



Мы поможем в написании ваших работ!


ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ?

Художественная культура Ренессанса



 

Самые значительные изменения эпоха Ренессанса вызвала в художественной культуре, в искусстве. Именно в этой области разрыв со средневековьем оказался наиболее глубоким и радикальным.

В средние века искусство во многом имело прикладной характер, оно было вплетено в саму жизнь и должно было украшать ее. В эпоху Ренессанса искусство впервые приобретает самоценность, оно становится самостоятельной областью прекрасного. Вместе с этим у воспринимающего зрителя впервые формируется чисто художественное, эстетическое чувство, впервые пробуждается любовь к искусству ради него самого, а не ради назначения, которому оно служит. Никогда еще искусство не пользовалось таким высоким почетом и уважением. Оно воспринимается уже как одно из самых мощных средств познания и в этом качестве уравнивается с наукой. Леонардо да Винчи считал науку и искусство двумя совершенно равноправными способами изучения природы. Он писал: «Живопись — наука и законная дочь природы». Еще более высоко ценится искусство как творчество. По своим творческим возможностям художник Возрождения приравнивается к Богу-творцу. Отсюда понятно, почему Рафаэль получил к своему имени прибавление «Божественный». По тем же мотивам «Комедия» Данте была также названа «Божественной».

Само искусство совершает решительный поворот от средневекового символа и знака к реалистическому образу и достоверному изображению. Новыми становятся средства художественной выразительности. Их основу теперь составляют линейная и воздушная перспектива, трехмерность объема, учение о пропорциях. Искусство во веем стремится быть верным действительности, добиваться объективности, достоверности и жизненности.

Эпоха Возрождения была, прежде всего, итальянской. Поэтому не удивительно, что именно в Италии искусство в этот период достигло наивысшего подъема и расцвета. Именно здесь насчитываются десятки имен титанов, гениев, великих и просто талантливых художников.

Главными фигурами Проторенессанса являются поэт Данте Алигьери (1265—1321) и живописец Джотто ди Бон-доне (1266 или 67 — 1337). Данте иногда называют последним поэтом Средневековья и первым поэтом Нового времени. Это объясняется тем, что в его творчестве тесно переплелись два начала — старое и новое. Первые произведения Данте («Новая жизнь» и «Пир») представляют собой лирические стихи любовного содержания, посвященные его возлюбленной Беатриче, которую он встретил однажды во Флоренции, и которая через семь лет после их встречи умерла. Свою любовь поэт сохранил на всю жизнь. По своему жанру лирика Данте находится в русле средневековой куртуазной поэзии, где объектом воспевания выступает образ «Прекрасной Дамы». Однако выражаемые поэтом чувства уже принадлежат Возрождению. Они вызваны реальными встречами и событиями, наполнены искренней теплотой, отмечены неповторимой индивидуальностью.

Величайшим шедевром поэта стала «Божественная комедия», занявшая особое место в истории мировой культуры. По своему построению эта поэма также находится в русле средневековых традиций. В ней рассказывается о приключениях человека, попавшего в загробный мир. Поэма имеет три части: Ад, Чистилище и Рай, каждая из которых насчитывает 33 песни, написанные трехстрочными строфами. Повторяющаяся цифра «три» прямо перекликается с христианским учением о Троице. В ходе повествования Данте строго следует многим требованиям христианства. В частности, своего сопровождающего по девяти кругам ада и чистилища — римского поэта Вергилия — он не допускает в рай, ибо язычник лишен такого права. Здесь поэта сопровождает его умершая возлюбленная Беатриче. Однако в своих мыслях и суждениях, в своем отношении к изображаемым персонажам и их грехам, Данте нередко и весьма существенно расходится с христианским учением. Так, вместо христианского порицания чувственной любви как греха, он говорит о «законе любви», согласно которому чувственная любовь включается в природу самой жизни.

Если Данте заложил основы новоевропейской литературы, то другой гений — Джотто — явился основателем новоевропейской живописи. Порвав со средневековыми канонами, он внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. Джотто не просто открыл новый этап в истории живописи, но стал одним из ярких ее реформаторов. Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, так называемую античную перспективу,— он сообщил художественному пространству иллюзию глубины, разработал приемы тональной светотеневой моделировки, при помощи постепенного высветления основного, насыщенного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность. В творческом наследии Джотто центральное место занимают росписи капеллы дель Арена в Падуе (1305-1308), построенной по его же проекту. Монументальный фресковый цикл включает композицию «Страшный суд» и 34 сцены из жизни Марии и Христа. Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто для этой церкви, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды».

К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество двух величайших поэтов — Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо. Петрарка в мировой культуре известен, прежде всего, своими сонетами. Творчество Петрарки также отчасти находится в рамках средневековой куртуазной лирики. Как и у Данте, у него была возлюбленная. Ее имя Лаура, которой он посвятил свою «Книгу песен». Вместе с тем Петрарка более решительно порывает связи со средневековой культурой. В его произведениях выражаемые чувства — любовь, боль, отчаяние, тоска — предстают гораздо более острыми и обнаженными. В них сильнее звучит личностное начало. Великий гуманист Боккаччо — автор всемирно известного «Декамерона». Сборник включает 100 новелл, якобы расказанных в течение 10 дней (греч. Декамерон — Десятиднев) для развлечения 10 юношами и девушками, удалившимися на загородную виллу во Флоренции во время «черной смерти» (чумы) 1348 г. Новеллы Боккаччо написаны удивительно ярким, живым, разговорным языком. В них нет скучных нравоучений, напротив, многие новеллы буквально искрятся жизнелюбием и весельем.

Раннее Возрождение окончательна утвердило новые эстетические и художественные принципы искусства. При этом библейские сюжеты по-прежнему остаются весьма популярными. Однако их трактовка становится совершенно иной, в ней уже мало что остается от Средневековья. Родиной Раннего Возрождения стала Флоренция, а «отцами Возрождения» считаются архитектор Филиппе Брунеллески (1377— 1446), скульптор Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди, 1386—1466), живописец Мазаччо (Томмаза ди Джо-ванни ди Симоне Касса, 1401 —1428).

Брунеллески внес огромный вклад в развитие архитектуры. Он заложил основы ренессансного зодчества, открыл новые формы, которые просуществовали целые столетия. Многое он сделал для разработки законов перспективы. Самые характерные для него постройки — капелла Пацци при церкви Санта-Кроче, которая является одним из самых прославленных и совершенных творений Брунеллески, воспитательный дом во Флоренции, а также перестроенная им церковь Сан Лоренцо. Самой крупной его работой является гигантский купол Флорентийского собора, готического здания, заложенного еще в 1295 г. Диаметр купола 43 м, больше Римского Пантеона.

Флорентийский скульптор Донателло — один из наиболее ярких творцов Раннего Возрождения. Он участвует в разработке теории линейной перспективы, возрождает скульптурный портрет и изображение обнаженного тела, отливает первый бронзовый памятник. Созданные им образы являются воплощением гуманистического идеала гармонически развитой личности. Именно Донателло решает проблему постановки человеческой фигуры в рост (фигура апостола Марка для флорентийской церкви Ор-сан-Микеле). Апостол стоит, опираясь на правую ногу, а левая отодвинута назад и согнута в колене, лишь слегка поддерживая равновесие фигуры. Для другой ниши того же здания Донателло исполнил статую святого Георгия, воплощающую ясно выраженный идеал раннего Возрождения: чувство самосознания и уверенности в этом ярко индивидуальном образе подчеркнуто свободной, спокойной позой фигуры, напоминающей колонну.

В бронзовом «Давиде» Донателло возвращается к античным традициям поздней греческой классики. Простой пастух, победитель гиганта Голиафа, спасший жителей Иудеи от ига филистимлян и ставший потом царем, Давид стал одним из излюбленных образов искусства Возрождения. Донателло изобразил его совсем юным; идеально прекрасным, не побоявшись ввести такую деталь, как пастушеская шляпа — знак его простого происхождения. Классической работой Донателло называют и бронзовую статую полководца Гаттаме-латты, первый конный памятник в искусстве Ренессанса. Полководец предстает как настоящий ренессансный герой, мужественный, спокойный, уверенный в себе человек. Статую отличают лаконичность форм, ясная и четкая пластика, естественность позы всадника и коня. Благодаря этому памятник стал настоящим шедевром монументальной скульптуры.

Мазаччо по праву считается одной из главных фигур Раннего Возрождения. Главным творением Мазаччо являются фрески в капелле Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, повествующие об эпизодах из легенд о святом Петре, а также изображающие два библейских сюжета — «Грехопадение» и «Изгнание из Рая». Хотя фрески рассказывают о чудесах, совершенных св. Петром, в них нет ничего сверхъестественного и мистического. Изображенные Христос, Петр, апостолы и другие участники событий предстают вполне земными людьми. Они наделены индивидуальными чертами и ведут себя совершенно естественно и по-человечески. В частности, в сцене «Крещения» удивительно достоверно показан дрожащий от холода нагой юноша. Свою композицию Мазаччо строит с использованием средств не только линейной, но и воздушной перспективы. Из всего цикла особого выделения заслуживает фреска «Изгнание из Рая», где впервые в живописи Возрождения изображены обнаженные фигуры. Их движения, мимика выражают смятение, стыд, раскаяние. Большая достоверность и убедительность образов Мазаччо сообщают особую силу гуманистической идее о достоинстве и значительности человеческой личности. Своими новаторскими исканиями художник открыл пути дальнейшего развития реалистической живописи.

Сделанное Мазаччо было продолжено такими художниками, как Андреа Мантенья (1431-1506) и Сандро Боттичелли (1455—1510). Первый прославился прежде всего своими росписями, среди которых особое место занимают фрески, рассказывающие о последнем периоде жизни св. Иакова — шествие на казнь и сама казнь. Боттичелли же отдавал предпочтение станковой живописи. Самыми знаменитыми его картинами являются «Весна» и «Рождение Венеры».

Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким и пришелся на период экономического и политического

упадка Италии. В это время творят такие титаны, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан.

В архитектуре начало Высокого Возрождения связано с творчеством Донато Браманте (1444—1514). Именно он создал стиль, определивший развитие зодчества данного периода. Одной из его ранних работ стала церковь монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане, в трапезной которой Леонардо да Винчи напишет свою «Тайную вечерю». Слава архитектора начинается с маленькой часовни, именуемой Темпетто (1502), построенной в Риме и ставшей своеобразным «манифестом» Высокого Возрождения. Она имеет форму ротонды, ее отличают простота архитектурных средств, гармония частей и редкая выразительность. Вершиной творчества Браманте является реконструкция Ватикана и преобразование его сооружений в единый ансамбль. Ему также принадлежит разработка проекта собора св. Петра, который начнет реализовывать Микеланджело, внеся изменения.

К числу титанов Возрождения относится, прежде всего, Леонардо да Винчи. В его творчестве уже вполне отчетливо обозначились две важные тенденции, которые будут определять последующее развитие западной культуры. Одна из них идет от литературы и искусства, от гуманитарного знания и покоится на языке, на знании античной культуры, на интуиции, вдохновении и воображении. Вторая идет от научного познания природы и основывается на восприятии и наблюдении, на математике. Для нее характерны объективность, строгость и точность, дисциплина ума и познания, анализ и эксперимент, опытная проверка знаний. У Леонардо обе эти тенденции пока еще мирно уживаются. Между ними не только нет конфликта и противостояния, но, напротив, имеется счастливый союз. Художник в нем неотделим от ученого, когда мышление и рисунок он рассматривает как два способа познания действительности, позволяющих анализировать и понимать ее. Исходя из открытых таким образом элементов, он осуществляет новый синтез, выступающий одновременно творческим процессом, который в одном случае приводит к произведению искусства, а в другом — к научному открытию. Леонардо подчеркивает, что «опыт является общей Матерью искусства и науки», и по своей природе наука и искусство тождественны, так как у них общий метод, цели, а в основе лежит один и тот же творческий процесс. Однако уже в следующем XVII в. пути искусства и науки разойдутся, равновесие между ними нарушится в пользу науки.

Леонардо да Винчи творил в равных видах и жанрах искусства, однако наибольшую славу ему принесла живопись. Одной из самых ранних живописных работ Леонардо является «Мадонна с цветком», или «Мадонна Бенуа». Уже здесь художник выступает как подлинный новатор. Он преодолевает рамки традиционного сюжета и придает изображению более широкий, общечеловеческий смысл, каковым являются материнская радость и любовь. В этом произведении отчетливо проявились многие особенности искусства художника: четкая композиция фигур и объемность форм, стремление к лаконичности и обобщению, психологическая выразительность. Продолжением начатой темы стало полотно «Мадонна Литта», где ярко проявилась еще одна особенность творчества художника — игра на контрастах. Завершением темы явилась картина «Мадонна в гроте», которая говорит о полной творческой зрелости мастера. Это полотно отмечено идеальным композиционным решением, благодаря которому изображенные фигуры Мадонны, Христа и ангелов сливаются с пейзажем в единое целое, наделенное спокойным равновесием и гармонией.

Одной из вершин творчества Леонардо является фреска «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие. Эта работа поражает не только общей композицией, но и точностью. Леонардо не просто передает психологическое состояние апостолов, но делает это в момент, когда оно достигает критической точки, переходит в психологический взрыв и конфликт. Этот взрыв вызван словами Христа: «Один из вас предаст меня». В этом произведении художник в полной мере использовал прием конкретного сопоставления фигур, благодаря которому каждый персонаж предстает как неповторимая индивидуальность и личность. Например, спокойный взгляд Христа еще более подчеркивает возбужденное состояние остальных персонажей, а прекрасное лицо Иоанна контрастирует с искаженным испугом, хищным профилем Иуды. При создании данного полотна художник использовал линейную и воздушную перспективу.

Второй вершиной творчества Леонардо стал знаменитый портрет Моны Лизы, или «Джоконда». Это произведение положило начало жанру психологического портрета в европейском искусстве. При его создании мастер с блеском использовал весь арсенал средств художественной выразительности: резкие контрасты и мягкие полутона, застывшая неподвижность и всеобщая текучесть и изменчивость, тончайшие психологические нюансы и переходы. Весь гений Леонардо заключен в удивительно живом взгляде Моны Лизы, ее таинственной и загадочной улыбке, мистической дымке, покрывающей пейзаж. Это произведение относится к числу редчайших шедевров искусства. На сегодняшний день часть ученых считает, что портрет Моны Лизы не что иное, как автопортрет самого художника.

Рафаэль Санти (1483—1520) является одним из самых ярких гениев Высокого Возрождения. Он пережил трудное детство, рано лишившись матери и отца. Однако затем судьба, не скупясь, ему давала все, что он хотел: многочисленные заказы, огромный успех и громкую славу, богатство и почет, всеобщую любовь, включая любовь женщин. Восхищенные почитатели называли его «божественным». Однако давно замечено, что судьба капризна и непредсказуема. От того, кого она слишком щедро осыпает дарами, она может вдруг отвернуться. Именно так случилось с Рафаэлем, когда в расцвете жизненных и творческих сил он неожиданно умер.

Рафаэль был архитектором и живописцем. Вслед за Бра-манте он участвовал в проектировании и сооружении Собора св. Петра, строил капеллу Киджи Церкви Санта Мария дель Пополо в Риме. Однако невиданную славу ему принесла живопись. В отличие от Леонардо, Рафаэль полностью принадлежал своему времени. В его произведениях нет ничего странного, таинственного и загадочного. В них все ясно и прозрачно, все прекрасно и совершенно. Он с наибольшей силой воплотил положительный идеал прекрасного человека и в его творчестве царит жизнеутверждающее начало. К числу выдающихся творений Рафаэля относятся росписи личных папских покоев (станц) в Ватикане, посвященные библейским сюжетам, а также философии, искусству и юриспруденции.

Однако главной темой его творчества стала тема Мадонны, которая нашла у него непревзойденное, идеальное воплощение. Именно ей посвятил Рафаэль одно из ранних своих произведений — «Мадонна Конестабиле», где Мадонна изображена с книгой, которую листает младенец. Уже в этом полотне ярко проявились важные художественные принципы великого художника. Мадонна лишена святости, она выражает не только материнскую любовь, но воплощает собой идеал прекрасного человека. В картине все отмечено совершенством: композиция, цветовая гамма, фигуры, пейзаж. За этим полотном последовала целая серия вариаций на ту же тему: «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», «Мадонна среди зелени», «Мадонна с безбородым Иосифом», «Мадонна под балдахином», «Мадонна Альба» и «Мадонна в кресле». Все они возвышают и идеализируют человека, воспевают красоту, гармонию и изящество.

Вершиной в развитии темы Богоматери явилась «Сикстинская Мадонна», ставшая настоящим гимном физического и духовного совершенства человека. В отличие от всех других Мадонн, Сикстинская выражает неисчерпаемый человеческий смысл. Она сочетает в себе земное и небесное, простое и возвышенное, близкое и недоступное. На ее лице можно прочитать все человеческие чувства: нежность, робость, тревогу, уверенность, строгость, достоинство, величие. В «Сикстинской мадонне» идеализирующее начало отодвигается на задний план и уступает место трагическому чувству, исходящему от этой идеально-прекрасной молодой женщины с младенцем-Богом на руках, которого она отдает во искупление человеческих грехов. Взгляд мадонны, направленный сквозь зрителя, полон скорбного предвидения трагической судьбы сына. «Сикстинская мадонна» — самая знаменитая картина Рафаэля и, вероятно, самая знаменитая из всех вообще картин, когда-либо написанных. Недаром Поленов писал, что «Сикстинская мадонна» уже давно составляет для европейца «такой же культ, как для араба черный камень в Мекке».

Микеланджело Буонаротти (1475—1564) является третьим великим гением итальянского Возрождения. По масштабу личности он приближается к Леонардо. Он был скульптором, живописцем, архитектором и поэтом. Последние тридцать лет его творчества приходятся уже на Позднее Возрождение. В этот период в его произведениях появляются беспокойство и тревога, предчувствие грядущих бед и потрясений. Среди первых его творений обращает на себя внимание статуя «Замахнувшийся мальчик», которая перекликается с «Дискоболом» античного скульптора Мирона. В ней мастеру удалось ярко выразить движение и страстность юного существа. Две работы — статуя «Вакх» и группа «Пьета»* — созданные в конце XV в., принесли Микеланджело широкую известность и славу. В первой он смог поразительно тонко передать состояние легкого опьянения, неустойчивого равновесия. Группа «Пьета» изображает мертвое тело

'Пьета (от итал. Pieta — милосердие) — в изобразительном искусстве — сцена оплакивания Христа Богоматерью.

Христа, лежащее на коленях Мадонны скорбно склонившейся над ним. Обе фигуры слиты в единое целое. Безупречная композиция делает их удивительно правдивыми и достоверными. Отходя от традиции, Микеланджело изображает Мадонну юной и прекрасной. Контраст ее молодости с безжизненным телом Христа еще более усиливает трагизм ситуации.

Одним из высших достижений Микеланджело явилась статуя «Давид», которую он рискнул изваять из валявшейся без употребления и уже испорченной глыбы мрамора. Скульптура очень высока — 5,5 м. Однако эта особенность остается практически незаметной. Идеальные пропорции, совершенная пластика, редкая гармония форм делают ее естественной, легкой и прекрасной. Статуя наполнена внутренней жизнью, энергией и силой. Она является гимном человеческой мужественности, красоте, фации и изяществу. К числу высших достижений Микеланджело относятся также работы, созданные для гробницы папы Юлия II, — «Моисей», «Скованный раб», «Умирающий раб», «Просыпающийся раб», «Скорчившийся мальчик». Над этой гробницей ваятель трудился с перерывом около 40 лет, но так и не довел ее до завершения. Однако то, что ваятель успел создать, признано величайшими шедеврами мирового искусства. По мнению специалистов, в этих произведениях Микеланджело удалось достичь высшего совершенства, идеального единства и соответствия внутреннего смысла и внешней формы.

Одним из значительных творений Микеланджело является пристроенная им к церкви Сан Лоренцо во Флоренции и украшенная скульптурными надгробиями капелла Медичи. Две гробницы герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи представляют собой саркофаги с покатыми крышками, на которых расположено по две фигуры — «Утро» и «Вечер», «День» и «Ночь». Все фигуры выглядят безрадостными, они выражают тревогу и мрачное настроение. Именно такие чувства испытывал сам Микеланджело, поскольку его Флоренция была захвачена испанцами. Что касается фигур самих герцогов, то при их изображении Микеланджело не стремился к портретному сходству. Он представил их как обобщенные образы двух типов людей: мужественный и энергичный Джулиано и меланхоличный и задумчивый Лоренцо. Помимр скульптур Микеланджело создал прекрасные произведения живописи. Самыми значительными из них являются росписи Сикстинской капеллы в Ватикане.

В искусстве итальянского Возрождения особое место занимает Венеция. Родоначальником венецианской школы является Джорджоне (Джордже Барбарелли да Кастель-франко, 1476—1510), в работах которого окончательно побеждает светское начало. Вместо библейских сюжетов художник предпочитает писать на мифологические и литературные темы, и именно в его творчестве происходит утверждение станковой картины, которая уже ничем не напоминает икону или алтарный образ. Джорджоне также открыл новую эру в живописи, начав писать с натуры. Изображая природу, он впервые сместил акцент на подвижность, изменчивость и текучесть. Прекрасным примером тому является его картина «Гроза». Именно Джорджоне начинает искать тайну живописи в свете и его переходах, в игре света и тени. Великий художник-новатор создал разные по жанру и тематике работы — «Сельский концерт» и «Юдифь». Самым знаменитым его произведением стала «Спящая Венера». Эта картина лишена какого-либо сюжета. Она воспевает красоту и прелесть обнаженного женского тела, представляя «наготу ради самой наготы».

Главой венецианской школы является Тициан (Тициано Вечеллио, ок. 1489-1576), в творчестве которого искусство Возрождения достигает наивысшего подъема и расцвета. В работах первого периода Тициан прославляет беспечную радость жизни, наслаждение земными благами. Например, проникновенным лиризмом наполнено полотно «Мальчик с собаками». Воспеванию чувственного начала, пышущей здоровьем человеческой плоти, вечной красоты тела, физического совершенства человека посвящены такие его полотна, как «Любовь земная и небесная», «Праздник Венеры», «Вакх и Ариадна», «Даная», «Венера и Адонис». Чувственное начало преобладает и в картине «Кающаяся Магдалина», хотя она посвящена драматической ситуации. Но и здесь кающаяся грешница имеет чувственную плоть, пленительное, излучающее свет тело, полные и чувственные губы, румяные щеки и золотые волосы.

В работах второго периода чувственное начало сохраняется, однако оно дополняется растущим психологизмом и драматизмом. Происходящие изменения в творчестве Тициана хорошо видны в картинах «Святой Себастьян» и «Коронование терновым венцом», посвященной эпизоду из жизни Христа. Картины наполнены глубоким трагизмом, они выражают торжество духа, духовного благородства над физической силой. В поздних произведениях Тициана трагическое звучание все более усиливается. Об этом свидетельствует полотно «Оплакивание Христа».

Период Позднего Возрождения отмечен рядом важных изменений в искусстве. Многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру и технику (так называемый маньеризм) великих мастеров Возрождения. Термин «манера», или «маньеризм,*, впервые применил историк искусства Луиджи Лан-ци в 1792 г. для обозначения стиля, царившего в итальянской живописи в период с 1527 г. до начала деятельности братьев Карраччи. Он был использован для обозначения искусства, которое изменяет правде без какой бы то ни было оригинальности и которое основано на имитации и повторении. Сегодня маньеризм принято считать не искажением, а логическим продолжением глубинных изменений в искусстве Ренессанса. Искусствоведы истолковывают данное течение как художественное выражение тревог и беспокойства своего времени, кризиса духовной атмосферы той эпохи. Почти маниакальное стремление к формальной изысканности, поиск необычной и усложненной композиции, спиралеобразные позы, непривычные тона и странные сближения цвета, элементы галлюцинации — все это присуще творчеству маньеристов.

Среди крупных основоположников маньеризма называют Якопо Понтормо (1494—1557) и Анджело Бронзино (1503—1572), работавших преимущественно в жанре портрета. К маньеризму целиком можно отнести творчество Якопо Тинторетто (1518—1594), представителя венецианской школы Позднего Возрождения, пытавшегося соперничать с Микелан-джело в грандиозности замыслов. Он создает ирреальный мир, в котором всегда присутствуют личные эмоции художника. Другой представитель венецианской школы, великий живописец Паоло Веронезе (1528—1588), создавший множество праздничных, светских по духу картин, тем не менее применял маньеризм к декорированию дворцов уже как сознательный прием, разрабатывая одну из самых любимых тем маньеризма — фантастический пейзаж или пейзаж с руинами.

Северное Возрождение. Возрождение, существовавшее вне Италии, обычно называется Северным. Его представляют такие страны, как Нидерланды, Германия, Франция, Англия, Испания. Под Северным Возрождением подразумевают не только чисто географическую характеристику, но и некоторые особенности Ренессанса в указанных странах. Весьма важной особенностью Северного Возрождения было то, что оно происходило в период Реформации, а также то, что в культуре народов этих стран в силу исторических

причин отсутствовало такое обилие ^памятников античности, как в Италии.

Крупным центром европейской культуры, начиная с XV в., становятся Нидерланды. В те времена словом Нидерланды, которое сегодня является неофициальным названием Голландии, обозначались северно-восточная часть Франции, территории Бельгии, Люксембурга и Нидерландов. Как мы уже отмечали, крупнейшим представителем культуры Возрождения Нидерландов был Эразм Роттердамский. Большую популярность гуманисту принесли сатирические произведения «Похвала глупости», «Домашнее беседы» и др., в которых высмеивались суеверия, схоластическое мировоззрение, сословная кичливость и прочие пороки. Сатира гуманиста способствовала воспитанию свободомыслия, стремлению к знаниям, развитию предприимчивости.

Развитие гуманистических идей происходило под влиянием достаточно тесных связей с Италией. В наибольшей степени традиции итальянского Возрождения получили развитие в живописи. Шеренгу блистательных талантов открывает Ян Ван Эйк (ок. 1390—1441). Любое из сохранившихся произведений Ван Эйка — выдающееся явление в мировой живописи: «Гентский алтарь», «Мадонна канцлера Ролен-на», «Человек с гвоздикой», «Человек в тюрбане», «Портрет четы Арнольфини». С именем Ван Эйка связывают выдающееся новшество в европейском искусстве, а именно, распространение живописи маслом (до этого преобладала темпера). Его именуют одним из первых в Европе крупных мастеров портретной живописи, у которого портрет превратился в самостоятельный жанр.

Совершенно иное художественное явление представляет великий нидерландский живописец Хиеронимус (Иероним) Босх (ок. 1460—1516). Каким-то непостижимым образом ему удалось объединить средневековую фантастику, фольклорные, сатирические и нравоучительные тенденции. Все творчество художника пронизывает одна тема: борьба добра и зла, божественных и адских сил. Ранняя картина Босха «Корабль дураков» несет иносказательный смысл: по житейскому морю плывет корабль, которым никто не управляет. Все, кто на нем находятся, — монахи, горожане, крестьяне,— предаются разгулу. Каждая фигура намекает на какой-нибудь порок: невоздержанность, обжорство, пьянство, тщеславие. Фигуры людей намеренно упрощены, лица напоминают гротескные маски. Столь же аллегорическим является триптих «Воз сена», где в традиционное изображение сцен Страшного суда включены фольклорные элементы: сено олицетворяет жизненные блага, предмет человеческих вожделений и раздоров, собака, нападающая на бродягу,— символ зависти. Центральная часть триптиха посвящена судьбе человечества: дьявольская нечисть медленно тащит в ад огромный воз сена. Вслед за ним в ад движутся император и короли, духовенство и дворяне, богатые бюргеры и бедняки.

Не только Босху, но и другим нидерландским живописцам присущ мистический настрой. В отличие от итальянского Возрождения, носившего преимущественно оптимистический характер, Северному Возрождению в целом свойственен гораздо больший пессимизм. В нем сильнее чувствовались трагизм, религиозная мистика, ирония и скептицизм.

Вершиной нидерландского Ренессанса было, несомненно, творчество Питера Брейгеля Старшего, прозванного Мужицким (1525—1569), который как бы продолжил художественную линию Босха. В его творчестве переплетаются фантастика, опирающаяся на библейские сказания и фольклор, и реализм, основанный на глубоком изучении народной жизни. С именем Брейгеля связывают окончательное сложение пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Его эволюция художника-пейзажиста прослеживается от пейзажа-панорамы, фиксирующего мелочные подробности в стремлении показать бесконечность и грандиозность мира, к пейзажу более обобщенному, лаконичному, философскому по осмыслению. Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» из цикла «Времена года» (другое название — «Охотники на снегу»): тонким проникновением в природу, лиризмом и щемящей грустью веет от этих темно-коричневых силуэтов деревьев, фигур охотников и собак на фоне белых снегов и уходящих вдаль холмов, крохотных фигурок людей на льду и от летящей птицы, кажущейся зловещей в этой напряженной, почти ощутимо звенящей тишине. Его поздние произведения — деревенские праздники, ярмарки, танцы — построены на сложнейшем отборе главного, цельны по красочному пятну. Эти декоративные, жизнерадостные, по-народному полнокровные, заразительно-веселые композиции свидетельствуют о рождении бытового крестьянского жанра («Жатва», «Крестьянская свадьба», «Сенокос»).

В начале 1560-х гг. Брейгель создал ряд произведений, где аллегорическим языком выражал трагизм современной жизни своей страны, в которой бесчинства испанских угнетателей достигли наивысшей точк"и («Вифлеемское избиение младенцев»). П. Брейгель не дожил до решающих событий нидерландской революции. Незадолго до смерти он написал картину «Слепые». Пять обреченных судьбой страшных калек, не понимая, что с ними происходит, летят в овраг вслед за оступившимся вожаком. Только один из них обращен к зрителю лицом: на нас смотрят пустые глазницы, страшный оскал рта. Эти людские маски кажутся еще страшнее на фоне спокойного безмятежного пейзажа с церковью, безлюдными холмами и зелеными деревьями. Горькая аллегория! Это самый мощный, завершающий аккорд искусства Брейгеля. Любя свою многострадальную родину, художник не мог простить своим соотечественникам пассивности, глухоты, слепоты, погруженности в муравьиную суету сегодняшнего дня и неспособности подняться на те горные вершины, которые дают прозрение целого, единого, общего. Горе слепым!

Немецкое Возрождение стало завершением духовного (лютеранская реформа) и социального (возвышение крестьянства) кризиса, который длился полвека и сильно изменил средневековую Германию. Не обладая цельностью итальянского Ренессанса, немецкое Возрождение развивалось в хронологически короткий период и не имело своего логического продолжения. Выдающимся представителем Возрождения в Германии был живописец и мастер гравюры Альбрехт Дюрер (1471 — 1528). Считается, что Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц.

К числу высоких достижений художника относятся его автопортреты, картины «Адам и Ева», «Четыре апостола». Помимо живописи, Дюрер известен прекрасными гравюрами на дереве и меди. Одной из первых значительных гравюр на дереве является серия «Апокалипсис», состоящая из 15 работ. Наиболее удачными среди них представляются гравюры «Четыре всадника» и «Битва архангела Михаила с драконом». На первой изображены четыре апокалипсических всадника, воплощающих конец света. На второй показана страшная битва предводителя небесного войска архангела Михаила с ужасным драконом, воплощающим сатану и дьявола. Самыми знаменитыми дюреровскими гравюрами на меди являются «Рыцарь, Дьявол и Смерть», «Святой Иеро-ним» и «Меланхолия». На первой представлен едущий на коне мрачный и суровый рыцарь, которого сопровождают смерть и дьявол. Смысл этой гравюры до сих пор остается загадкой и вызывает споры. На гравюре «Меланхолия» изображена погрузившаяся в глубокую задумчивость крылатая женщина, вокруг которой разбросаны различные предметы и инструменты. В глубине картины видно каменное здание, на стене которого висят песочные часы, весы, колокол и начертан магический квадрат. Парящая в небе летучая мышь несет ленту с надписью: «Меланхолия». Смысл этой гравюры, возможно, заключен в известной библейской формуле: «Умножая знания — умножаем скорбь свою».



Последнее изменение этой страницы: 2021-04-04; Нарушение авторского права страницы; Мы поможем в написании вашей работы!

infopedia.su Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. Обратная связь - 3.236.68.118 (0.051 с.)