История и философия искусства

Вопросы для экзамена

https://ru.wikibooks.org/wiki/%D0%9A%D0%B0%D1%84%D0%B5%D0%B4%D1%80%D0%B0_%D0%B2%D1%81%D0%B5%D0%BE%D0%B1%D1%89%D0%B5%D0%B9_%D0%B8%D1%81%D1%82%D0%BE%D1%80%D0%B8%D0%B8_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%B0_(%D0%BF%D1%80%D0%BE%D0%B3%D1%80%D0%B0%D0%BC%D0%BC%D0%B0-%D0%BC%D0%B8%D0%BD%D0%B8%D0%BC%D1%83%D0%BC)

Из МГУ

Кандид минимум ВАК

http://dissertation-info.ru/index.php/2013-06-20-11-59-55/85-2013-06-15-14-33-04.html

История и философия искусства

Искусствоведение в системе гуманитарного знания. Предмет и задачи искусствоведения. Особенности формирования искусствознания как особой области научной деятельности.

2. Искусствове́дение, искусствозна́ние — комплекс научных дисциплин, изучающих искусство (преимущественно изобразительное, декоративно-прикладное и архитектуру) и художественную культуру общества в целом, отдельные виды искусства и их отношение к действительности, совокупность вопросов формы и содержания художественных произведений. Искусствоведение включает в себя теорию и историю искусства, а также художественную критику.

3. Первые попытки создать теорию искусства предпринимались ещё в античную эпоху, например,Платоном и Аристотелем. Среди трудов античных учёных встречаются практические руководства по искусству (Витрувий), и описания художественных памятников (Павсаний, Филострат). Обширный трактат по античному искусству написал Плиний Старший. Ряд трудов в этом направлении появился в эпоху Возрождения. Главная веха — «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари.

4. Систематизированное изучение произведений искусства, которое предусматривает самостоятельная отрасль науки, появилось сравнительно недавно. Один из первых по этому предмету стал труд И. Винкельмана «История искусства древнего мира». Ценный вклад в развитие данной науки внесли западноевропейские просветители XVIII в. Дени Дидро, Г. Э. Лессинг и др.

 

Музыкове́дение, музыкозна́ние — наука, изучающая музыку как особую форму художественного освоения мира в её конкретной социально-исторической обусловленности, отношении к другим видам художественной деятельности и духовной культуре общества в целом, а также с точки зрения её специфических особенностей и внутренних закономерностей, которыми определяется своеобразный характер отражения в ней действительности. Является одной из областей искусствознания.

В структуру музыковедения входит ряд взаимосвязанных дисциплин исторического (всеобщая история музыки, музыкальная история отдельных национальных культур или их групп, история видов и жанров и т. д.) и теоретического (гармония, полифония, ритмика, метрика, мелодика,инструментовка) направлений, музыкальная фольклористика, музыкальная социология,музыкальная эстетика, а также смежные науки музыкальная акустика, инструментоведение, нотография и др.).

Музыковедение включает в себя следующие отрасли:

· теория музыки

· история музыки

· социология музыки

· философия музыки (также раздел эстетики)

· эстетика музыкальная

· музыкальная этнография

· музыкальная критика

· музыкальная акустика

· музыкальная психология

· музыкальная текстология

· музыкальная фольклористика

· Либреттология

 

2. Современная структура искусствоведческого знания: история искусства, теория искусства, художественная критика, музееведение, их методологические и функциональные отличия.

Современное искусствознание характеризуется двумя уровнями исследовательской мысли: накоплением новых фактов истории искусства и раскрытием закономерностей художественного творчества, когда возникает потребность в методологии, обусловившей формирование теоретического искусствознания в XX веке.

Современные европейские искусствоведы критически настроены к типологии формальной школы, иконологии, семиотике. Представитель Франкфуртской школы Теодор Адорно, как известно, доказывал, что творчество великого художника всегда не укладывается в рамки одного стиля. Отсюда неудачные попытки западных искусствоведов преодолеть релятивизм и догматизм современного сознания (В.Г. Арсланов).

Особая роль принадлежит Эрнсту Гомбриху, который выступает за превращение искусствознания в теоретическую дисциплину, за его связи с культурологией, ориентируясь при этом на междисциплинарный подход: от иконологии к рассмотрению философских проблем и к психологии зрительного восприятия.

Взаимодействие искусствоведения с другими гуманитарными науками способствовало применению таких методов, как: поструктурализм (Р. Барт, Ж. Деррида), феноменология (М. Фуко, М. Мерло-Понти), герменевтический (Х.-Г. Гадамер, П. Рикерт и др.). приходит к выводу, что при стремительном развитии искусствоведения в условиях современной европейской культуры, формировании его методологии, сознательный поиск в нем “истинной середины” пока не обнаруживается. Если XX век опирался на экзистенциальное мировосприятие с ярко выраженной субъективностью автора, то в конце минувшего столетия основной акцент перешел на объективную оценку художественного произведения.

Формирование отечественного искусствоведения как научной дисциплины и его статус в современной России”.

Становление отечественного искусствоведения как самостоятельной науки приходится на 20-е годы XX столетия и связано с ГАХН. Первым шагом стало открытие В.П. Зубовым Института истории искусств в Петербурге (1912 год). Затем был организован при Румянцевском музее Семинар теории искусствоведения и музееведения, ставший школой формального метода ( В.Б. Шкловский, Ю.Н. Тынянов, Б.М. Эйхенбаум). Тем не менее, о методологии советского искусствознания 20-х годов следует говорить на примере “формализма” и “вульгарного социологизма”. В 1924-1925 годы на основе пересмотра методов социологии искусства в соответствии с художественной критикой Луначарского и историей искусства Г.В. Плеханова (А.И. Мазаев), в ней можно выделить два принципа: “социологизм” и “историзм”.

В 1930-1980-е годы искусствознание опирается на фактологию, источниковедение, систематизацию и атрибуцию, что подтверждается в издававшихся альбомах, журналах (“Искусство”, “Творчество” и т.д.). В диссертации обосновывается, что большие достижения принадлежали историческому искусствознанию. В.Н. Лазарев предложил использование иконографического и формального методов для связи художественных особенностей конкретного произведения со всей эпохой. Б.Р. Виппер, выдвигая духовно-исторический метод, переходя от познания искусства определенной эпохи к познанию духа этой эпохи, не нашел ответа на вопрос о первопричинах художественного развития в целом и не признает совершенной методологию западноевропейского искусствознания.

В 1980-1990-е годы продолжает последовательно обосновываться культурологический подход, учитывающий внутрихудожественные особенности развития искусства и общекультурные изменения, влияние ментальности эпохи (О.Э. Кривцун).

В настоящее время осуществляется создание синтетической истории искусств в двух направлениях: фактографическая история искусств и ее эстетический анализ. Исследуются методы научной проверки чувственных данных. Например, семиотические исследования искусства (Ю.М. Лотман). Обобщающим методом формального и семиотического подходов может служить герменевтический (Г.Г. Шпет, М.М. Бахтин). При этом невозможно заменить один подход другим. Изменения в искусствоведении в начале XXI столетия объясняются развитием виртуального искусства.

3. Философия и искусство: сходство, различие, противоречивость отношений.

Исторически изменяющиеся виды духовной деятельности.

Являются ли культурной универсалией?

Ф. нет

И. да.

TASK:

Когда возникают?

Как проявляют себя в разных обществах?

Связь с религией.

Личность представителя.

 

Философия как понятийное мышление.

Искусство как образное мышление.

Искусство и художественная картина мира.

Философская рефлексия об искусстве.

ПРИМЕРЫ: Сократ, Иоанн Дамаскин, Фома Аквинский, Леонардо, Дидро, Кант и Гегель, Ницше и Сартр, Деррида.

 

 

Феномен искусства. Типология искусства. Исторически изменяемые представления об искусстве и задачи его исследования.

Искусство.

Важная особенность китайской культуры, во многом обусловившая не только самобытность китайского искусства, но и способ мышления китайцев, связана с и е р о г л и ф и ч е с к о й п и с ь м е н н о с т ь ю. Сложный иероглиф, воспринимаемый целиком как символ того или иного понятия, составляется из более простых элементов, наделенных своим значением. Необходимость “расшифровывать” письменные знаки формировала и укрепляла способность китайцев мыслить образами и символами. Изобразительно-символический характер иероглифики и трудоемкость техники письма, требовавшей высокого мастерства владения кистью, привели к эстетизации письма, осознанию самоценности его графической основы – линии и появлению самостоятельного вида искусства – каллиграфии. Владение каллиграфией, как и всем комплексом традиционной учености, включавшим знание древних философских трактатов, классической поэзии, живописи, давало через систему экзаменов доступ к успешной карьере, что и породило особый пиетет перед иероглификой, подлинный культ письменности. В каллиграфии существовало множество школ, стилей и почерков.

Единство эстетических принципов сближало каллиграфию с ж и в о п и с ь ю. Сам процесс создания традиционной китайской картины был сходен с письмом. Художник с помощью тех же средств, что и при письме, – кисти и туши – строил композицию, составленную, как и иероглиф, из определенных элементов, написанных каллиграфическими линиями и штрихами.

В VI – XI вв. складываются основные жанры китайской живописи: пейзаж (“горы” и “воды”), “цветы и птицы”, “люди”. Ведущая роль среди них принадлежала пейзажу. Традиционная китайская живопись условно подразделяется на два типа. В пейзажах приверженцев первого из них выразилось мистическое преклонение перед необъятностью и могуществом природы. Их работам присущи яркие цветовые сочетания, выписанность каждой детали. Сторонники другого направления испытали сильное влияние учения буддийской секты чань. Художники делали акцент на интимном общении с природой, исполненной тишины и покоя, находящейся в гармоническом согласии с человеком. Их живопись полна намеков, недосказанности, поэтических раздумий. С творчеством мастеров этого направления связано становление монохромной живописи тушью. Особенностями их пейзажей являются подчеркнутая воздушность пространства, обобщенность форм и мягкость очертаний. Работа кистью скупа, но выразительна. Этот стиль тесно связан с искусством каллиграфии.

Входившая в круг занятий образованных людей живопись высоко ценилась в средневековом Китае. Талантливые художники, среди которых были даже императоры, пользовались заслуженной славой. Создатели средневековой скульптуры, которая считалась уделом ремесленников, наоборот, оставались обычно безвестными.

Выдающимся явлением мировой культуры была классическая китайская п о э з и я. Мощное государство императоров династии Тан (618 – 906) было временем небывалого взлета китайской поэзии. Лучшие танские поэты – Ли Бо (701 – 770), Ду Фу (712 – 762), Бо Цзюй-и (772 – 846).

В художественной культуре Китая живопись и литература органически связаны. Поэзия отличается лиричностью, богатством образного ряда при немногословии, постоянстве тем. Живописность китайской поэзии и поэтичность живописи – нерасторжимый синтез, выросший на почве сформировавшегося в глубокой древности учения «дао».

Искусство ЯПОНИЯ,

Синтоизм и буддизм повлияли не только на формирование национального характера японцев, но и на искусство.

Если европейские художники исходят из принципа “человек – мера всех вещей”, то в художественной жизни японцев мерой всех вещей является природа. Для японцев каждое явление самоценно, все имеет свое божество. На природу японец смотрит как на существующую саму по себе и требующую благоговейного к себе отношения. В синтоизме нет границ между богами и людьми. Такая картина мира во многом определила особую одухотворенность японского искусства, способность японцев к восприятию и эстетизации самых незначительных (на взгляд западного человека) природных событий и перемен.

Философско-эстетические взгляды дзен-буддизма были реализованы в традиционных японских искусствах — японской поэзии в жанре хайку, японской живописи и керамике, театре, стрельбе из лука и боевых искусствах, чайной церемонии и икэбане.

“Вкус чая – это вкус дзен”, – говорили японцы. Действительно принципы дзен наиболее полно реализовались в чайной церемонии, истоки которой относятся к XII в., а окончательное формирование – к ХV — ХVI вв.

Культ чая с его временным выключением из повседневности, сосредоточенностью на переживании красоты открывал, как считали последователи этого учения, путь к просветлению всякому человеку вне зависимости от его социального статуса.

Вкус тядзинов — мастеров чая в немалой степени воздействовал на развитие прикладного искусства. Тядзин являлся тончайшим знатоком ритуала, готовил чай, поддерживал и направлял беседу, создавал утварь для проведения обряда; многие из них сами были известными архитекторами и художниками. Особого развития в Японии достигла керамика, что связано с тем значением, которое придавалось чайной церемонии. Японская керамика отличается крайней простотой форм и декора, использует красоту самого материала, отказывается от серийности (все изделия строго индивидуальны).

Особая эстетика чайной церемонии повлияла на многие виды и жанры японского искусства — архитектуру, живопись, каллиграфию, керамику. В Японии сложилась особая культура восприятия предметов искусства, основанная на поэтико-метафорическом мышлении, позволяющем раскрыть внутренний смысл произведения через образ-символ, образ-знак. Признавался лишь минимум художественных средств. На этой основе были разработаны эстетические категории: ваби — красота бедности, суровая простота, шероховатость и одновременно изысканность, саби — прелесть старины, печать времени, югэн — невыразимая словами истина. Во второй половине XIV — ХV вв. появляется пейзажная монохромная живопись на свитках, на стилистику и образность которой повлияли дзенская эстетика и монохромный китайский пейзаж периода раннего Средневековья.

Эстетика дзен лежит в основе таких жанров японской п о э з и и как хайку и танка. По мнению знаменитого популяризатора дзен-буддизма Д.Судзуки, влияние на дзен на поэзию куда сильнее, чем на философию, поскольку поэзия воздействует не на разум, а на подсознание. Хайку состоит из трех строк. Столь миниатюрная поэтическая форма требовала от поэта не описания чувств, а лишь намека на них, способного вызвать цепочку ассоциаций и переживаний читателя и слушателя. Такое стихотворение могло родиться лишь сразу, в особом состоянии мгновенного озарения. Дзеновское искусство медитации было по сути дела подготовкой к творчеству поэта и сотворчеству читателя и слушателя. Понять поэтические миниатюры можно было также в состоянии мистического озарения. Содержание их считалось до конца неисчерпаемым. Хайку часто содержат в себе скрытый смысл, понять который часто можно, лишь погрузившись в медитацию. Хайку иллюстрирует такую черту японского характера, как его развитое подсознательное начало. Все виды японского искусства подчиняются идее подсознательного как ведущего принципа жизни, что проявляется и в театрах Но и Кабуки, и в японской жизни.

Для того, чтобы отразить реальность, художнику необходимо слиться с окружающим миром, учили наставники дзен. Художник должен не копировать внешние явления, а передавать свое видение действительности, свой внутренний мир. Нужно пережить состояние единения с природой, внутреннего озарения. произведение. Техника японской живописи тушью на рисовой или шелковой бумаге исключала возможность наброска или исправления. Движение кисти художника могло быть единственно верным. Подобно поэту, он давал лишь намек, а все остальное делал талантливый зритель, способный не только воспринять образ, но и развить, дополнить его. Японская живопись необыкновенно оригинальна. Она характеризуется каллиграфической тонкостью, деликатным колоритом, использованием особой плавающей перспективы. Тематика живописи — повседневная жизнь и пейзаж в монохромной черно-белой технике. Изображались утренние и сумеречные состояния, заснеженная природа.

В ХVIII веке появилась цветная ксилография (школа укиё-э). В ней работали знаменитые художники Хокусай и Утамаро. Японская ксилография была хорошо известна в Европе и оказала заметное влияние на европейскую живопись, особенно на импрессионистов.

8. Искусство Востока: основные художественные принципы (Индия).

Искусство.

Наследие индийского искусства необъятно. Религиозные идеи и моральные установки индийского общества запечатлены в первую очередь в литературных памятниках. На протяжении длительного периода (с середины II тысячелетия до н.э. до IV в. н.э)/ складывались два индийских эпоса «Махабхарата»и «Рамаяна». В основе сюжета первого из них лежит вражда двух царских родов: братьев Пандавов и Кауравов, борьба которых заканчивается торжеством попранной справедливости. В сюжет вплетены многочисленные вставные эпизоды, сказания, даже философский трактат "Бхагавадгита". Царевич Рама, герой «Рамаяны» отправляется на поиск похищенной демоном – Раваной своей жены Ситы. Оба эпоса существовали в устной традиции и на протяжении многих веков передавались певцами-сказителями.

«Махабхарат» и «Рамаяна» до сих пор очень популярны в Индии, по их сюжетам поставлены кинофильмы. Оба эпоса всегда были неисчерпаемым источником тем и сюжетов индийского искусства.

Памятников изобразительного искусства с середины II-середину I тыс. до н.э. почти не сохранилось. Брахманская традиция не знала храмового строительства и развитого изобразительного искусства. Проследить развитие индийского искусства можно лишь с III в. до н.э., с эпохи правления династии Ашоки, по повелению которого строились буддистские храмы и каменные колонны, украшенные капителями. Одна из них, знаменитая львиная капитель, стала национальной эмблемой современной Индии.

В эпоху Гуптов сложилась практика храмового строительства. В Индии появляются вначале пещерные храмы (в частности, вблизи города Аджанты). Содержанием росписей пещерных храмов была жизнь Будды. В правление Гуптов успехи в архитектуре и живописи были столь значительны, что этот период можно считать ''золотым веком" индийского искусства. Изображение Будды приобретает всё большую углублённость и одухотворенность. Рассказы о перерождениях Будды занимают значительное место в литературной прозе древней Индии

Особую роль в культуре Индии играло искусство танца. Разнообразные школы классического индийского танца возникают и оформляются в первые века новой эры. Театральное искусство включало в себя танец, сценическую игру и музыку. Танец являлся неотъемлемой частью театра, а в последствии выделился в самостоятельный жанр. Индийцы рассматривали танец как зримую поэзию. Воздействие танца должно было соответствовать воздействию прекрасной поэзии. Танцевальные движения, позы, жесты, мимика, представляли собой своеобразный символический язык. В танцах оживали индийские мифы и сказания. Удивительной особенностью индийского танца являются именно жесты. В своей статье, посвящённой классическому танцу Индии, Сунил Котхари пишет: "Жесты могут быть подражательными, описательными, подсказывающими и даже символическими, они передают целую гамму чувств и мыслей. Они говорят: приди, уйди, нет; они благословляют, ладонь становится благословляющей чашечкой лотоса, с кончиков пальцев слетают птицы движения могут обозначать небо и землю, семь морей и преисподнюю. Они говорят, в буквальном смысле говорят. Постепенно входя в мир этого танца, зритель начинает легко читать символику движений и помещать прочитанное в конкретный контекст.”[1]

Соотношение различных видов искусств в культурах неодинаково. В европейской культуре танец никогда не был таким доминирующим видом искусства, как в индийской культуре. Современный индийский кинематограф (имеющий, кстати, самого массового зрителя) в некоторой степени позволяет представить какова в Индии роль танца и музыки. Ведь ими наполнены не мюзиклы, что было бы понятно для европейца, а обычные фильмы. Герои, отвлекаясь от текущих событий, вдруг начинают петь и танцевать. Во многих случаях происходит прямой пересказ смысла отношений танцем, своеобразная «пластическая трактовка» сюжета фильма.

Индийский танцевальный язык выполняет внутри цивилизации коммуникативную функцию. В Индии мелодическая основа сопровождает даже священные тексты Вед. Танец аккумулирует в себе самое существенное из индийской истории. Искусство танца оказало огромное воздействие на изобразительное искусство. Когда смотришь индийский танец, то видишь как будто ожившие изваяния. Характерной особенностью танца является особая скульптурность поз и танцевальных движений, что превращает его в движущуюся скульптуру, а скульптору в застывший танец. Синтез исконно индийской и мусульманской традиции в искусстве Индии проявился как в танце, так и в изобразительном искусстве, в частности в индийской миниатюре.

С историей индийского народа и его повседневным бытом было связано декоративно-прикладное искусство Индии. Изделия индийских ремесленников: ювелирные украшения и оружие, ткани и ковры, статуэтки и сосуды – поразительны по своему художественному мастерству; в них выражены представления индийцев о красоте и гармонии.

 

 

9. Искусство Востока: основные художественные принципы (мусульманская цивилизация).

С 7. в. н.э.

Каллиграфия

(хатт или хутут – араб.) в искусстве ислама занимает особое место. Первоначально арабская каллиграфия возникла на базе копирования Корана, который считается творением Аллаха, поэтому написанное слово само по себе получило сакральный смысл.

Книжная миниатюра.

Стремление художников создать искусство, которое отражало бы образы излюбленных народом литературных сюжетов и героев, нашло свое выражение в иллюстрациях и в миниатюрной живописи. Миниатюра получила распространение, прежде всего, в Иране, Средней Азии и Индии, где запрет на изображение живых существ никогда не был тотальным.

В правление Газневидов (Хорасан, Афганистан и Северная Индия – 977–1186) уже создавались иллюстрированные манускрипты, образцы которых дошли до наших дней. Копиисты рукописей и художники-иллюстраторы работали при дворе Фатимидов. Но после падения Фатимидов в 1171 они перекочевали в Багдад, где правители по-прежнему покровительствовали людям искусства. Именно здесь, в Багдаде, началось изготовление иллюстраций к книгам.

Керамика.

Из немногочисленных предметов, сохранившихся со времени Омейадов, самыми интересными являются сосуды, относящиеся к типу так называемой «terra sigillata». Это сравнительно небольшие сосуды из хорошей глины белого или светло-серого цвета без росписи и глазури, но украшенные рельефным орнаментом и надписями. К 8–9 вв. относится керамика, полученная в результате археологических раскопок близ г.Самарра, временной столицы Аббасидов. Она отличается обилием форм и типов. Лучшие образцы неглазурованной бытовой керамики Самарры имеют строгую форму. Они украшены орнаментом растительного и геометрического характера, нанесенным на посуду путем нарезки, штампа или раскраски. В глазурованной расписной керамике очень распространены растительные мотивы и надписи, выполненные обычно темно-синим (кобальт) или зеленым цветом на светлом фоне. Но в то же время уже встречались изделия с подглазурным орнаментом. В этом случае узор еще до нанесения глазури прорезался сквозь белый ангоб до красного теста. Именно сирийско-месопотамские керамисты 9 в. изобрели технику полихромной надглазурной люстровой росписи, ставшей одним из излюбленных приемов украшения керамики на всем Востоке.

Художественное стекло.

Стекло на Востоке известно с древних времен. Британские археологи во время раскопок на территории древней Ассирии нашли стеклянные предметы, а вместе с ними и рецепты изготовления стекла. Стеклянные изделия делали уже в древнем Египте, Финикии и соседних странах. Многие техники того времени были переняты и использованы более поздними поколениями, некоторые из них удержались до позднего средневековья. Техника выдувания стекла, возникшая на рубеже старого и нового времени в Сидоне (ныне г.Сайда в Ливане), тогда важнейшем центре стекольного производства, уже в 8–9 вв. сделала возможным изготовление первых прозрачных тонкостенных сосудов самой разнообразной формовки. Формы для выдувания делалась либо из дерева, либо из глины.

Художественный металл.

Металл обрабатывался на Ближнем Востоке еще до прихода арабов. Но с началом мусульманских завоеваний оружейные мастерские получили большое распространение, ибо в них изготовлялось холодное и огнестрельное оружие.

Географ 12 в. Абу Абдалла Мохаммад аль-Идриси писал, что арабам была известная индийская сталь, которая в то время считалась лучшей. Арабская рукопись 13 в., хранящаяся в Лейденской библиотеке Нидерландов, сообщает, что часть клинков делалась из металла, который привозили с Цейлона, а в 17 в. арабские мастера уже превзошли индусов. С этого времени Каир стал главным рынком оружия в Восточном Средиземноморье.

Ковроткачество.

Наиболее полно эстетические пристрастия мусульманских народов различных территорий демонстрируют ковровые изделия. Как известно, ковроткачество всегда было популярным занятием среди кочевников. Первые ковры имели примитивный рисунок, но с усовершенствованием красок и технологии производства ковровые изделия превратились в произведения искусства. Научный интерес к коврам возник в Западной Европе параллельно с высокой оценкой старых персидских ковров по признаку их художественных качеств, появившейся во второй половине 19 в. Преобладающее большинство образцов старинных ковров принадлежит культуре ислама, ибо для мусульманина ковер был тем сакральным местом, на котором он совершал молитву. В тех местах, где ковроткачество входит в обязательный минимум навыков женщины, невеста дарит ковер жениху. Порой ковер становился и погребальным саваном для мусульманина.

Ювелирное искусство, садово-парковое искусство, архитектура и музыка.

Подробнее Из Энциклопедии КРУГОСВЕТ:

http://www.krugosvet.ru/enc/kultura_i_obrazovanie/izobrazitelnoe_iskusstvo/ISLAMSKOE_MUSULMANSKOE_ISKUSSTVO.html?page=6,0&1=

 

10. Особенности развития античного искусства и их влияние на формирование эстетической проблематики.

Новационность, мифологичность, жизнеподобие.

Доминирующие виды.

Эстетическая проблематика:

искусство как техне (умение),

Категория прекрасного у Сократа и Платона.

 

11. Периодизация античной эстетики. Искусство и культура Древнего Рима: общая характеристика.

Римская архитектура (арка), римский скульптурный портрет.

12. Искусство Византии и основные понятия византийской эстетики.

Крест – символ христианства

Поделиться! | Опубликовано: 2014 03 20, 0:04 | ID: 51206 | 1 комментарий

«Где будет знамение, там будет и Сам Он».

Крест – очень древний символ. Он встречался и в Египте, и в Индии, и у китайцев, и во многих других древних цивилизациях. Древнеегипетский «анх» (рис.1) означал соединение небесного и земного, бессмертие, жизнь, мудрость. Обычный равносторонний четырехугольный крест у многих народов символизировал четыре стихии – огонь, воду, землю и воздух. Индийцы помечали этим знаком сосуды со святой водой Ганга. Китайские фонарики с его изображением освещали священные места.

Библейский аллегоризм — представление о тексте Библии, предполагающее понимание других уровней смысла, кроме буквального.

Библейские притчи.

Теологичность эстетики:

ЭСТЕТИЧЕСКИЕ КАТЕГОРИИ

Прекрасное, прекрасное земное и прекрасное божественное, сакральное, трансцендентное, спиритуалистичное, символ, цвет, свет.

 

ЗАДАНИЯ:

I. Объясните значение понятий:

Сакральное – (от лат. sacrum - священное)

Трансцендентное – (лат. transcendens - перешагивающий, выходящий за пределы)

Спиритуалистичное – (франц. spiritualisme, от лат. spiritualis — духовный, spiritus — душа, дух)

II. Используйте данные понятия для эстетического анализа какого-либо произведения искусства средневековья:

15. Искусство и красота в эстетике средневековой Европы (по работам У.Эко).

ЭСТЕТИЧЕСКИЕ КАТЕГОРИИ

Прекрасное, прекрасное земное и прекрасное божественное, сакральное, трансцендентное, спиритуалистичное, символ, цвет, свет.

 

 

ЗАДАНИЯ:

I. Объясните значение понятий:

Сакральное – (от лат. sacrum - священное)

Трансцендентное – (лат. transcendens - перешагивающий, выходящий за пределы)

Спиритуалистичное – (франц. spiritualisme, от лат. spiritualis — духовный, spiritus — душа, дух)

II. Используйте данные понятия для эстетического анализа какого-либо произведения искусства средневековья:

III. Ниже даны отрывки из работы Умберто Эко «Эволюция средневековой эстетики». Прочитайте текст и подчеркните заинтересовавшие вас фрагменты.

Умберто Эко:

У Псевдо-Дионисия Ареопагита Вселенная предстает как неутомимо извергающийся поток прекрасного, как грандиозная демонстрация щедро проливающейся первозданной красоты, потоп, ослепляющий своим блеском: «Сверхсущностную же красоту мы называем красотой по той причине, что она сообщается всем существам в соответствии с их природой; потому что она есть причина гармонии и блеска всех вещей во вселенной и, подобно [солнечному] свету, испускает всюду сияющие потоки своих лучей, несущих красоту миру; потому что она все привлекает, отчего она и называется красотой; и потому что она все во всем соединяет»

Люди Средневековья постоянно рассуждают о красоте всего сущего. Если история этой эпохи и полна темных мест и противоречий, то образ вселенной, который был создан философами и теологами, наполнен светом и оптимизмом. «И увидел Бог все, что Он создал, и вот, хорошо весьма что «если все стремится к благу и красоте, то благо и красота суть одно и то же». Он отмечает, что как оба эти понятия соединяются в одном объекте, так объединены они и в Боге

«В самом деле, Господь благ, ибо Он всему дарует жизнь и благое существование, и движет, и соединяет, и оберегает. Прекрасным называют Его потому, что Он все приводит к собственной гармонии, уподобляя себе». Благо характеризует Бога, дарует вещам существование и сохраняет их для бытия. Прекрасное же становится организующим началом всего сотворенного. Эта концепция созидательной деятельности Бога необычайно интересна с эстетической точки зрения.

Сохранилось множество свидетельств того почтения, которым были окружены поэты и художники. Но формы, в которых выражалось это почтение, часто были экстравагантны. Например, монахи аббатства Сен-Рюф под покровом ночи похищают молодого паренька, необычайно сведущего в искусстве живописи, которого соборный капитул Нотр-Дам-де-Дом в Авиньоне ревностно оберегал. В действительности такого рода эпизоды изобличают определенную недооценку искусства, тенденцию рассматривать художника как предмет, который можно использовать и даже обменивать. Они поддерживают образ средневекового художника, посвятившего себя смиренному труду во имя веры и на благо общины, — образ, совершенно отличный от художника Возрождения, кичащегося своей неповторимостью.

В то время как миниатюристами были монахи, а мастерами-каменщиками — ремесленники, связанные со своим цехом, новое поколение поэтов — почти всегда придворные, связанные с жизнью аристократии и почитаемые в тех владениях, где они живут. Они трудятся не для Бога и не для общины, они не работают над проектами, которые будут исполнять другие; они не стремятся к одобрению узкого круга эрудитов — читателей манускриптов. Они ищут быстрого успеха и личной славы. Миниатюристы остаются безымянными, даже если они, подобно братьям Лимбург, работают при княжеском дворе. И лишь в Италии XIII века, когда живописцы начали работать в своих мастерских в гуще повседневной жизни, люди начали судить о них как о личностях.Личная гордость художника никогда полностью не опиралась на убежденность в том, что его произведение абсолютно индивидуально и оригинально: оно не было поддержано философией.

Мир соборов не предполагал тревоги и растерянности, в нем даже сатана знал свое место. Теперь же все оказалось потрясенным до основания. От ламентаций Жана Жерсона мы переходим к Иерониму Босху, где теологические символы оборачиваются страшными призраками, а дьявол угрожает гибелью. Схоластическая эстетика не нужна более ни задвинутому на север и дышащему на ладан Средневековью, ни новому миру, который родился в Италии, где платонизм и магия дали новое объяснение незримому и где окажется, что человеческие писания наделили человека уверенностью совсем иного рода. Предназначение живописи, говорит Гонорий Отэнский, автор энциклопедического «Образа мира», заключается в трех вещах: во‑первых, «чтобы украсить Дом Божий», во‑вторых, живопись должна напоминать о праведном житии святых, и, кроме того, «живопись — это книга для мирян».

По словам Й. Хёйзинги, и это святая правда, средневековый человек при созерцании произведения искусства с удовольствием давал волю своей фантазии, не останавливаясь на единстве целого. Превращение радости эстетической в радость бытия или в радость мистическую также зафиксировано аббатом Сугерием, который произносит слова подлинного восхищения, созерцая красоты своей церкви: «Когда я наслаждаюсь красотой Дома Господня и многоцветная прелесть камней отвращает меня от внешних забот, а благие мысли, переносясь от материального к нематериальному, склоняют меня к созерцанию многообразия святых добродетелей, то мне кажется, что я нахожусь в каком‑то неземном краю, который помещается и не в прахе земном, и не в чистоте небес, и что я Божьей милостью могу неким мистическим образом перенестись из нашего дольнего мира в мир горний». В этом фрагменте сказано немало.Он устанавливает некую равнозначность между моральной красотой и добродетелью, недвусмысленно перенося ее из традиции стоиков, сочинений Цицерона и Августина, а возможно, и из «Риторики» Аристотеля: «Прекрасное — это то, что желанно само по себе и приятно, или же то, что, являясь благим, приятно оттого, что оно благое».. Гильом останавливается на этом определении и не идет дальше.

Из всех определений красоты одному необычайно повезло в пору Средневековья: «Вся красота заключается в соразмерности частей и наслаждении цветом». Эта формула Августина воспроизводила другую почти аналогичную, предложенную еще Цицероном: «Существует некое удачное сочетание членов тела, привлекательное внешне, которое и называют красотой», каковая, в свою очередь, вобрала в себя и традицию стоиков, и классическую формулу «цвет и симметрия».