Театральное искусство эпохи возрождения

На рубеже XV-XVI вв. начался новый период в развитии европейского театра. Искусство, которое создавалось во Флоренции и Венеции, в Лондоне и Мадриде, во многом отличалось от средневекового - прежде всего светским характером. Интерес к культуре Древней Греции и Рима, характерный для эпохи в целом, привёл к возрождению форм античного театра, в частности таких жанров, как комедия и трагедия. Истоки театра Возрождения - в Италии, но подлинных высот он достиг в других странах - Англии и Испании.

ИТАЛЬЯНСКИЙ ПРОЛОГ

Национальное искусство сцены, не оглядывавшееся на античные образцы, создали комики потешники, актёры и шуты. Они играли, ловя реакцию зрителей, импровизировали, руководствуясь собственной интуицией. Разыгрывались чаще всего смешные, а иногда и грустные, драматические сценки из жизни современников - горожан и сельских жителей, купцов, ремесленников и бродяг.

Сюжеты представлений были просты. Молодые стремились жить, как хочется, не слушали старших, веря своей страсти. Старики заглядывались на юных красавиц, слуги плутовали и выкручивались, кто как умел, богатые боялись потерять деньги, а бедные были не прочь жить по лучше и изобретали разные способы, чтобы разбогатеть. Постепенно в спектаклях появились постоянные персонажи - маски: Арлекин, Бригелла, Коломбина, Пьеро и др. Такой театр получил название комедия делъ арте (commedia dell'arte), или комедия масок. Каждый персонаж имел свою маску-характер и настоящую маску, часть костюма. Последняя указывала на особые качества героя: профессиональную принадлежность (доктор, философ - обязательно в очках), социальный тип (хозяин, купец, иностранец). Маски, изготовленные из материи или папье-маше, обычно закрывали лицо до половины. Актёр, один раз выбрав героя, как правило, оставался верен ему на протяжении всей жизни на сцене. У публики, по свидетельству очевидцев, "все челюсти болели от смеха".

Персонажи итальянской комедии дель арте. Гравюра Ж. Калло.XVII в.

Существовал в Италии и иной театр - представления так называемой учёной комедии (la commedia erudita). Датой её рождения считают 1508 г., когда поэт и драматург Лудовико Ариосто (1474-1533) показал во дворце герцога города Феррара "Комедию о сундуке". Пьесы писали художники и учёные, политические деятели и поэты. Образцом для подражания служила античная драматургия. Ситуации путаницы и неожиданных узнаваний, характерные для древнеримской комедии, дополнялись картинками современного быта. Сюжеты встречались самые разные, но всегда в выигрыше оказывались те, кто способен на искреннее и сильное чувство, не боится препятствий, бесстрашен и дерзок, готов рисковать и любит жизнь.

Сцена из ученой комедии (подражание Теренцию).

Под влиянием античного искусства возник такой жанр, как пастораль(фр. pastorale, от лат. pastoralis -"пастушеский"). Источник пьес тоже античный - буколическая (от греч."буколикос" - "пастушеский") поэзия, повествующая о бесхитростных забавах пастухов и пастушек. На зелёных лугах, под добрым и теплым солнцем герои пасторалей пребывали во власти идеальной, чистой любви.

Учёные комедии разыгрывались во дворцах знатных вельмож. Примеры, как обустроить сценическую площадку, театр Возрождения находил в античности. На первых порах архитекторы и художники превращали декорации в украшение, монументальное и роскошное. Художники использовали открытые в эпоху Возрождения законы перспективы, стремились соединить античный амфитеатр с кулисами щитами, на которых рисовали картины, обозначавшие место действия. Опыты эти не всегда были удачными: декорации становились самоцелью, существовали сами по себе и актёры терялись на их фоне. В спектаклях участвовали, как правило, аристократы и придворные либо горожане.
Первыми подлинными профессионалами стали исполнители комедии масок в середине XVI в. Как только появились актеры профессионалы, был написан и первый в истории театра трактат под названием "Беседы о сценическом искусстве", где давались советы актёрам по поводу мимики и голоса.

КВАРТЕТЫ МАСОК

На сцене комедии дель арте действовали десятки масок. Но главными оставались четыре - так называемый квартет. На севере и юге Италии сложились разные квартеты. В се верный (венецианский) входили Панталоне, Доктор, Бригелла и Арлекин, южный (неаполитанский) составляли Ковьелло, Пульчинелла, Скарамучча и Тарталья. В игре неаполитанских масок, энергичных и шумных, было много смешных моментов, шутовства, трюков, не относящихся к содержанию щенок; северные маски более солидны и сдержанны, а в некоторых сюжетах даже драматичны. Венецианские маски часто использовались и позже - вплоть наших дней.

Арлекин и Коломбина.

Душой комедий стали маски дзанни, т. е. слуг. Дзанни - искаженное имя Джованни, очень распространенное в Италии. (В России похожая пара имён - Иван и Ванька.) В север ном квартете слуги – Бригелла и Арлекин. Бригелла - хитрый, злой, разговорчивый. Он расчётлив и из всех проделок извлекает пользу; умеет интриговать, водить за нос и надувать. Изначально Арлекин - простак, деревенский парень, не унывающий даже в очень трудных ситуациях; иногда влюблённый. Со временем характер персонажа усложнился. Появился и соперник в любви - Пьеро, но изобретательный, а порой и нахальный Арлекин всегда побеждал мечтателя вздыхателя Пьеро, уводил у него Коломбину. В эту женскую маску превратилась более ранняя - Серветта или Фантеска. Арлекин носил шапочку с заячьим хвостом и костюм в заплатах. Позже, не в Италии, а во Франции, лохмотья и заплаты превратились в праздничные треугольники и ромбики. Маску Арлекина избирали самые лучшие актёры. Панталоне был предметом для насмешек. Это старик, который заглядывается на девушек либо - в другом cюжете - берёт себе молодую жену, а потом тиранит её.

Панталоне и Доктор.

В прошлом отважный мореплаватель, он ведёт себя так, будто всё еще является покорителем морских просторов. Доктор тоже комический персонаж. Герой преисполнен уважения к самому себе: ведь он юрист, профессор старейшего европейского университета в Болонье. Однако "учёность" осталась в прошлом. Он понемногу забывает то, что знал: варварски перевирает латинские цитаты, путает имена и т. д. Доктор говорит грамматически правильно, но фразы иногда лишены смысла и вызывают насмешки. Маски южного квартета оказались не столь популярны, как северные. Самая живучая и любимая - Пульчинелла, весёлый слуга, умный и саркастичный. Этот персонаж носил черную полумаску, говорил в нос. Иногда Пульчинелла был не молодым слугой, а комическим стариком наподобие "северного" Панталоне. На голове у него красовалась остроконечная шапочка, а на боку - деревянная шпага.

АНГЛИЯ: ВЕСЬ МИР ТЕАТР!

Театр английского Возрождения своим расцветом обязан Уильяму Шекспиру (1564-1616). Когда в 1575 г. в Лондоне был основан первый постоянно действующий театр, предназначенный не для придворных, а для горожан, будущему драматургу исполнилось всего двенадцать лет. Шекспир приехал в Лондон спустя полтора десятилетия, покинув провинциальный Стратфорд. В то время к драматургии не относились как к серьёзной литературе. Пьесы не издавали - они писались как рабочий материал, текст, который актёры должны произносить со сцены. В английской столице работали публичные, частные и придворные театры. В 1594 г. Шекспир в качестве актёра вступил в труппу, которая называлась "Слуги лорда камергера". Заглавные роли он не играл, зато стал драматургом труппы.

Театральное представление на пиру сэра Генри Антона. Картина неизвестного художника. 1596 г.

Много позже, размышляя об искусстве театра, А. С. Пушкин писал, что "народ требует сильных ощущений, для него и казни зрелище. Смех, жалость и ужас суть три струны нашего воображения, потрясаемые драматическим волшебством". Вот этой тайной "драматического волшебства" и владел Шекспир. В его пьесах перед зрителем разыгрывались истории борьбы за власть и предательства ("Гамлет", "Король Лир"), всепобеждающей любви и разрушающей ненависти ("Ромео и Джульетта"), кровавых преступлений, безумия и раскаяния ("Ричард III", "Макбет").

Уильям Шекспир.

В театре Шекспира поиски счастья и гармонии неотделимы от осознания трагизма жизни, а восхищение человеком, "венцом Вселенной, красой всего живущего", - от понимания двойственности человеческой натуры, сочетающей в себе свет и мрак, добро и зло, чёрное и белое. Светлые, жизнеутверждающие комедии ("Укрощение строптивой", "Много шума из ничего") и философские пьесы ("Гамлет","Король Лир"), приправленные горечью мудрости, разделяют всего несколько лет. Однако именно эти перемены в драматургии великого англичанина отразили эволюцию идей Возрождения: от безоглядной радости до трагического осознания, что "век вывихнут" и обрушил на человека "целое море бед". Будучи сам актёром, Шекспир никогда не забывал, что пишет для сцены. Драматическое действие должно быть зрелищным, динамичным и эффектным; важная роль отводилась слову. Шекспировский театр обходился без декораций. На площадку помещали предметы, необходимые по ходу пьесы (столы, кресла, скамейки, иногда бутафорские деревья). Большое значение имела в театре Шекспира музыка. актёры играли на различных музыкальных инструментах: гобоях, скрипках, барабанах, лютнях, тамбуринах. В действие включались пение и танцы - это украшало спектакли, придавало представлениям праздничность.

Но главным в английском театре эпохи Возрождения оставался актёр. Его голос, пластика, мимика, темперамент завораживали зрителей, заставляли поверить в истинность происходящего на сцене. Своим искусством актёры пробуждали воображение публики, заражали неподдельным весельем или, напротив, заставляли испытывать гнев и со страдание. Звездой труппы театра "Глобус" был Ричард Бёрбедж (около1567-1619). Женские роли исполняли молодые мужчины, и некоторые из них достигали замечательных успехов.

Театр Шекспира стал вершиной развития художественной культуры Англии конца XVI - начала XVII в. Именно в английском театре был преодолен разрыв между литературной драмой и сценой, в отличие от театра итальянского, где эта про пасть сохранялась долгие годы.

ПОД ПИРЕНЕЙСКИМ СОЛНЦЕМ

Профессиональный театр Испании возник в 30х гг. XVI в. В указе императора Карла V о создании театра(1534 г.) содержались советы актёрам и предостережения от чрезмерной роскоши костюмов. Сначала представления устраивались в королях (исп. corral - "задний двор"). Над двором, чаще всего гостиничным, натягивали брезент, защищаясь не столько от дождя, сколько от жаркого южного солнца, и устанавливали скамейки для зрителей.

Представление в корале.

Испанский театр Возрождения создал Лопе Феликс де Вега Карпьо (1562-1635), больше известный как Лопе де Вега. Уроженец Мадрида, он начал свою театральную деятельность в Валенсии, возглавив небольшую группу молодых драматургов.

Лопе де Вега.

Сам Лопе де Вега писал много и очень быстро. Пьеса появлялась за пьесой, и вскоре драматург обрел невиданную популярность. Ещё при жизни его слава была велика: зрители называли Лопе де Вегу поэтом "неба и земли" и "фениксом гениев".

Пьесы шли в публичных театрах и на придворной сцене, на городских площадях и в деревнях во время сельских праздников. Жизнерадостные и поэтичные комедии внушали веру и оптимизм, утверждали в духе идей Возрождения - способность человека к героизму и самопожертвованию независимо от происхождения. Зрители сочувствовали гордым крестьянам пьесы "Овечий источник" ("Фуэнте Овехуна"), так и не поступившимся своей честью и достоинством, а на представлении комедии "Собака на сене"смеялись над притворщицей Дианой: они понимали, что в конце концов любовь победит спесь и отбросит все предрассудки. Испанский театр доказывал, что именно в повседневной жизни рождаются сильные, светлые и высокие чувства - и герои отстаивали право на эти чувства, прибегая к всяческим уловкам, играя и плутуя.

Испанские актёры выполняли по желания драматурга. Они не жалели себя, стремясь развеселить, увлечь или потрясти зрителя. Нередко артисты прямо обращались к публике за поддержкой и сочувствием и будто бы за советом. Как и в шекспировском театре, зрители обступали площадку, а иногда даже сидели на самой сцене. Любя театр, они ощущали себя равноправными участниками сценического действия, подбадривали актёров. Громко сетовали по поводу неудач персонажей, свистели и швыряли на площадку всё, что подвернётся под руку, если были недовольны игрой. Публика приходила на спектакли самая разная. Порой возникали споры и даже драки, иногда весьма жестокие - всерьёз. Поэтому власти с опаской относились к той любви, которую испанцы испытывали к театральному искусству с момента появления на Пиренейском полуострове первых трупп. Случалось, представления запрещали, но каждый такой запрет вызывал столь бурный протест, что спектакли возобновлялись к всеобщему восторгу публики.

Постепенно на сцене испанского театра появились драматические мотивы - и актёры, и авторы пьес перестали видеть жизнь лишь как нескончаемый праздник, на котором если и встречаются препятствия, то их можно преодолеть легко, играючи.
Католическая цензура стала вмешиваться в театральные дела очень настойчиво - на каждом спектакле обязательно присутствовал представитель властей, он следил за порядком на сцене и среди зрителей. К 1625 г. в Мадриде остался лишь один театр, а спустя некоторое время спектакли разрешили играть только раз в неделю. Всё это не могло не повлиять на настроение и авторское самолюбие первого испанского драматурга - Лопе де Беги, хотя они продолжал писать для сцены. Магию преображения жизни испанский театр эпохи Возрождения завещал потомкам. Этот период раз вития испанской сцены называли "золотым веком".