Творчість Вінсента Ван Гога.

Напрям – постімпресіонізм.

Вінсент Віллем ван Гог (нід. Vincent Willem van Gogh; [ˈvɪnsɛnt vaŋˈɣɔɣ]) (* 30 березня 1853 — † 29 липня 1890) — нідерландський художник, постімпресіоніст.

Народився великий майстер 30 березня 1853 в селі Гроот Зюндер недалеко від містечка Гог. Ймовірно саме назва цього міста і вплинуло на появу приставки Гог в його імені, бо при хрещенні він отримав ім’я Вінсет Віллем.

Треба сказати, що його художній дар проявився тільки в останні сім років життя. І за цей час він встиг створити стільки шедеврів, скільки багато хто не створюють і за все життя. Однією з найперших спроб знайти себе в образотворчому мистецтві стало його працевлаштування у філію паризької художньої компанії «Гупіль», де Ван Гог почав удосконалювати свої навички, набуті після відвідин безлічі музеїв.

Все було нормально до 1873 року. Але після цього він закохується і отримує жорстку відмову. У його світогляді починає виявлятися якесь містичне розуміння дійсності, часом нерідко межує прямо-таки з релігійним фанатизмом. Однак, з часом, він остигає до теології і все більше тяжіє до живопису, що в кінцевому підсумку призводить до вступу в 1880 році в Брюссельську Академію мистецтв. А в 1881 році під керівництвом визнаного майстра Руссо Ван Гог створює свої перші роботи. Це були картини «Натюрморт з пивним склянкою і фруктами» та «Натюрморт з капустою і дерев’яними черевиками».

Взагалі, для ранніх робіт Ван Гога характерні здебільшого пейзажі морські і міські.

Починаючи з 1883 року, Ван Гог міняти тематику картин і більше зображує простих трудівників. Його полотнам властива кілька похмура палітра. Взяти хоча б роботи «Прибирання картоплі» і «Їдці картоплі». В кінці 1880-х років Ван Гог стикається з представниками імрессіонізма, який в кінцевому підсумку зробив дуже сильний вплив на всі його подальшу творчість.

З 1886 по 1889 рік художник створює близько 230 картин. Цей період вважається одним із найбільш плідних в його творчості. Бувало таке, що він писав по дві картини в день! У той час Ван Гог живе в Парижі і часто зустрічається з відомими художниками. Його фарби на полотнах починаю світлішати, оскільки він переживає нові і світлі емоції.

Трохи пізніше художник переїздить до Прованс, який вражає його великою кількістю нових фарб і відчуттів. У цей час з’являються такі відомі роботи як «Арлезіанка», «Нічне кафе» і «Зоряна ніч над Роною», «Спальня Ван Гога в Арле».

Однак після сварки з Гогеном, Ван Гог впадає в шаленство і в 1889 році потрапляє в психіатричну лікарню, де, щоправда, йому дозволено писати свої творіння. Тут народжуються його фантазії «Зоряна ніч», «Дорога з кипарисами і зіркою», «Оливи, синє небо і біла хмара». В кінцевому підсумку внутрішні протиріччя вириваються назовні. З’являються його явні ознаки смерті «Церкви в Овере», «Зграя ворон над хлібним полем». І в кінці кінців, художник стріляє в себе, наносячи смертельну рану. Навіть прибув лікар не зміг його врятувати. І 29 липня 1890 року Ван Гог вмирає, залишивши після себе величезну картинне спадщина, яке люди оцінять лише через сотню років, і легенду про Ван Гога …

 

Творчість Поля Гогена.

Напрям – постімпресіонізм

Ежен Анрі Поль Гоген (фр. Eugène Henri Paul Gauguin; 7 червня 1848, Париж - 8 травня 1903, селище Атуона, Маркізські острови) - французький живописець, скульптор-кераміст і графік. Поряд з Сезанном і Ван Гогом був найбільшим представником постімпресіонізму.

Французький художник Ежен Анрі Поль Гоген народився в Парижі 7 червня в дні Революції 1848 року.

На початку 1870-х років почав займатися живописом як любитель. Ранній період творчості (під впливом Піссарро) пов'язаний з імпресіонізмом. З 1880 року брав участь у виставках імпресіоністів. З 1883 року професійний художник. Роботи Гогена не знаходили попиту, художник вів злиденне існування.

Полю Ежену Анрі Гогену було більш як тридцять років, коли, залишивши службу в банку, він почав систематично займатися живописом. Найпродуктивнішим був період життя на Таїті. Під впливом імпресіонізму Гоген виробив власну манеру. Художник співробітничав з поетами-символістами і вважав себе символістом. Гогена не стільки захоплювала «чиста ідея», скільки не задовольняла та натуралістична тенденція, яку він відчував у імпресіонізмі. Історики мистецтва зв´язують Гогена не лише з символізмом, а й з тією поширеною наприкінці XIX — початку XX ст. течією, яка дістала назву примітивізму.

Творчість Гогена, яку можна поділити на три етапи — епоху імпресіонізму, період синтетичного стилю і вершинний період творчості, постійно супроводить пошук художнього методу, який дозволив би якнайповніше виразити світовідчуття. Його прагнення стилізації поступово переходить у символізм, котрий набирає відповідної композиційної форми. З творчості художника відчутно видно, що він розкрився саме тоді, коли по-справжньому ввійшов у життя народу маорі та інших народів, які населяють острови, коли зблизився з ними тілесно і духовно. Саме тоді його творчість набуває монументальності («Таїтянки на березі моря», «Чорні свині»). Він чудово змальовує оголене дівоче тіло («Королева краси» та «Ніколи»). Найвище його досягнення щодо колориту — «Заклик», найбільша за розмірами картина — «Звідки ми прийшли? Хто ми? Куди ми йдемо?». Останню треба розглядати за східноазіатським звичаєм справа наліво. Вона відтворює окремі етапи життя людини від народження до старості в оточенні символічних звірів, птахів і тропічної рослинності перед статуєю божества, що височіє над ними.

Гоген користувався гранично спрощеним рисунком, форми предметів у нього нарочито площинні, барви чисті та яскраві, композиції мають орнаментальний характер. Він навмисно порушував перспективу, малював не так, як бачить людське око, а як він хотів побачити це в природі. Гоген перетворив реальну природу на декоративний барвистий візерунок. Його мова гіперболізована. Він підсилював інтенсивність тонів, бо його цікавив не колір певної трави, а колір трави взагалі. Художник не користувався світлотіньовим моделюванням, а накладав колір рівними площинами, у контрастному порівнянні. Колір він розумів символічно. Будь-яку тему Гоген використовував для того, щоб створити самостійний, незалежний від моделі твір, котрий, майже цілком абстрагуючись від змісту, захоплює глядача внутрішнім художнім вирішенням.

В 1901 році Поль Гоген перебрався на острів Домінік (Маркізькі острова). Він умер у ніч на 9 травня 1903 року. Вороги говорили, що художник покінчив життя самогубством, друзі були впевнені в тому, що його вбили: величезний шприц зі слідами морфію, що лежав біля узголів'я постелі, промовляв на користь обох версій. Колоніальні влади поховали нещасного й закрили справу...

Його картини, які спочатку оцінювалися в 200 - 250 франків, тепер коштували десятки тисяч, і Метт не знаходила собі місця - повз її руки пропливло ціле багатство. Пройшло двадцять років, полотна подорожчали ще в сотні разів, і отут почали горювати вже діти, які нехтували батька - якби не материнська дурість, вони могли б жити у власних маєтках і літати на особистих літаках. Поль Гоген став одним із найдорожчих художників світу.

 

Творчість Пабло Пікассо.

Напрям – кубізм.

Основоположник кубізму (спільно з Жоржем Браком), в якому трехплоскостное тіло в оригінальній манері малювалося як ряд суміщених воєдино площин. Пікассо багато працював як графік, скульптор, кераміст, і т. д. Викликав до життя масу наслідувачів і зробив винятковий вплив на розвиток образотворчого мистецтва в XX столітті. Згідно оцінки Музею сучасного мистецтва (Нью-Йорк), Пікассо за своє життя створив близько 20 тисяч робіт.

Пікассо почав малювати з самого дитинства, перші уроки художньої майстерності він отримав у свого батька - вчителя малювання Хосе Руїса, а незабаром опанував ним досконало. У 8 років він пише свою першу серйозну картину маслом, Пікадор, з якою він не розлучався протягом усього життя...

У 1891 році дон Хосе отримує посаду викладача малювання в Ла-Коруньї, і юний Пабло разом з родиною переїздить на північ Іспанії. Тут він навчається в місцевій школі мистецтв (1894-1895).

Потім родина переїжджає в Барселону, і в 1895 Пікассо вступає до школи витончених мистецтв Ла-Лонха. Пабловиповнилося тільки чотирнадцять, тому він був занадто молодий для надходження в Ла-Лонха. Але за наполяганням батька він був допущений до здачі вступних іспитів на конкурсній основі. Пікассо блискуче здає всі іспити і вступає в Ла-Лонха. Спочатку він підписується своїм ім'ям по батькові Ruiz Blasco, але потім вибирає прізвище матері - Picasso.

На початку жовтня 1897 Пікассо поїхав до Мадрида, де вступив до Королівської Академії образотворчих мистецтв Сан-Фернандо.

До Барселони Пікассо повернувся в червні 1898 року, там він вступив в мистецьке товариство «Els Quatre Gats», за назвою богемного кафе з круглими столами. У цьому кафе пройде його перша виставка. У Барселоні він зблизився зі своїми майбутніми друзями Карлосом Касахемаса і Жаіме Субартесом, згодом стали персонажами його знаменитих полотен.

«БЛАКИТНИЙ» І «РОЖЕВИЙ» ПЕРІОДИ

У 1900 році Пікассо зі своїм другом, художником Касахемаса поїхав до Парижа. Саме там Пабло Пікассо познайомився з творчістю імпресіоністів. Його життя в цей час була пов'язана з багатьма труднощами, а самогубство Карлоса Касахемаса глибоко подіяло на молодого Пікассо.

За цих обставин на початку 1902 року він почав робити роботи в стилі, згодом названому «блакитним періодом». Стиль цей Пікассо розробив після повернення до Барселони в 1903-1904 роках. У роботах цього періоду яскраво виражені теми старості і смерті, характерні образи злиднів, меланхолії і печалі («Жінка з пучком волосся», 1903; Пікассо вважав - «хто сумує, той щирий»); руху людей уповільнені, вони немов вслухаються в себе («Любителька абсенту», 1901; «Жінка з шиньйоном», 1901 р; «Побачення», 1902; «Жебрак старий з хлопчиком», 1903; «Трагедія», 1903). У палітрі майстра переважають блакитні відтінки. Відображаючи людські страждання, Пікассо в цей період малював сліпих, убогих, алкоголіків і повій. Їх бліді, почасти подовжені тіла на картинах нагадують роботи іспанського художника Ель Греко.

Твір перехідного періоду - від «блакитного» до «рожевого» - «Дівчинка на кулі» (1905, Музей образотворчих мистецтв, Москва).

У 1904 році Пікассо поселяється в Парижі, де знаходить притулок в знаменитому Монмартрскому гуртожитку для бідних художників Бато-Лавуар: починається так званий «рожевий період», в якому печаль і злидні «блакитного періоду» змінилася образами з більш живого світу театру і цирку. Художник віддавав перевагу рожево-золотистому і рожево-сірому тонам, а персонажами стали в основному бродячі артисти - клоуни, танцівники і акробати; картини цього періоду пройняті духом трагічної самоти знедолених, романтичного життя мандрівних комедіантів («Сім'я акробата з мавпою», 1905).

КУБІЗМ

Від експериментів з кольором і передачі настрою Пікассо звернувся до аналізу форми: свідома деформація натури («Авиньонские дівиці», 1907), одностороння інтерпретація системи Сезанна і захоплення африканською скульптурою приводять його до абсолютно нового жанру. Разом з Жоржем Браком, якого зустрів в 1907 році, Пікассо стає родоначальником кубізму - художнього напрямку, відкидав традиції натуралізму і образотворчо-пізнавальну функцію мистецтва.

Пікассо приділив особливу увагу перетворенню форм у геометричні блоки («Фабрика в Хорта де Ебро», 1909), збільшує і ламає обсяги («Портрет Фернанди Олів'є», 1909), розсікає їх на площини і грані, що продовжуються в просторі, який сам він вважає твердим тілом, неминуче обмеженим площиною картини (" Портрет Канвейлера», 1910). Перспектива зникає, палітра тяжіє до монохромності, і хоча первісна мета кубізму полягала в тому, щоб більш переконливо, ніж за допомогою традиційних прийомів, відтворити відчуття простору і ваги мас, картини Пікассо найчастіше зводяться до незрозумілих ребусів. Щоб повернути зв'язок з реальністю, Пікассо і Жорж Шлюб вводять у свої картини типографський шрифт, елементи «обманок» і грубі матеріали - шпалери, шматки газет, сірникові коробки. Починають переважати натюрморти, переважно з музичними інструментами, трубками і коробками з-під тютюну, нотами, пляшками з вином і т. п. - атрибути, властиві способу життя мистецької богеми початку століття. У композиціях з'являється «кубістичне тайнопис»: зашифровані номери телефонів, будинків, обривки імен коханих, назв вулиць, кабачків. Техніка колажу з'єднує грані кубистической призми в великі площини («Гітара і скрипка», 1913) чи передає в спокійній і гумористичній манері відкриття, зроблені в 1910-1913 («Портрет дівчини», 1914). У «синтетичний» період з'являється також прагнення до гармонізації колориту, врівноваженим композиціями, які часом вписуються в овал. Власне кубистический період у творчості Пікассо закінчується незабаром після початку Першої світової війни, яка розділила його з Жоржем Браком. Хоча у своїх значних добутках художник використовує деякі кубістичні прийоми аж до 1921 («Три музиканта», 1921).

Творчість Сальвадора Далі.

Напрям – сюреалізм

Сальвадор Далі - один з найяскравіших представників сюрреалізму. Іспанський живописець, графік, скульптор, режисер і письменник.

Сальвадор Далі народився 11 травня 1904 року в сім’ї заможного нотаріуса. Як і багато хто, в дитинстві він був дуже некерованим і зарозумілим, проте, вельми кмітливим дитиною. До того ж, численні фобії не дозволяли йому відкривати своє справжнє обличчя. Він завжди перебував в якійсь епатажної ролі і прагнув привернути до себе увагу. Дуже багато хто сприймав його саме як дивакуватого хлопчика. Однокласники совали йому за комір коників, які викликали у підлітка напади істерії (одна з фобій була пов’язана саме з нетерпимістю комах). Однак, це не завадило йому після закінчення школи почати навчання художньому мистецтву в муніципальній школі, а пізніше переїхати в Мадрид і почати навчання в Академії Сан-Фернандо.

В цей час він запоєм читав праці Зигмунда Фрейда, що згодом наклало сильний відбиток на всю його творчість. Сюди відносяться його твори «Плоть на каменях», «Пристрій і рука», в яких вже починає відчуватися якась містика в експериментах з геометричними формами. У 1929 оду він примкнув до групи сюрреалістів, організованою Андре Бреттон. Пізніше посварився з усіма, пішов з групи і наостанок заявив: «Сюрреалізм – це я!». У цей час з’явилася одна з найвідоміших його робіт «Сталість пам’яті». В цей же час з’являється і не менш відоме полотно «Передчуття громадянської війни».

Після відвідин Італії в 1937 році в роботах Далі вгадуються класичні чіткі пропорції, властиві академізму, проте, його роботи все одно наповнені сюрреалістичними фантазіями. У роки другої світової війни Дали співпрацює з такими відомими особистостями, як Уолт Дісней і Альфред Хічкок, хоча співпраця особливо плідним назвати не можна. Тоді ж світ побачив такі роботи, як «Загадка Гітлера», «невільничим ринок з явищем незримого бюста Вольтера» і багато інших. У 50-ті роки минулого століття світ побачив такі шедеври, як «Розп’яття або гиперкубической тіло» і «Таємна вечеря», «Гвадалупская Богоматір», «Відкриття Америки зусиллям сну Христофора Колумба» та «Вселенський собор», що відноситься вже до 1960 року.

Багато критики до сих пір сперечаються і не можуть прийти до єдиної думки про художню цінність так званого «релігійного періоду» Далі. До речі сказати, саме Сальвадор Далі став прабатьком одного з найбільш впізнаваних сьогодні логотипів. Після пропозиції намалювати щось для нового продукту Далі, менше ніж за годину, накидав картинку, де була зображена ромашка «Чупа Чупс», яка в дещо зміненому вигляді легко впізнавана в усьому світі. Відмінністю нового логотипу було його місце розташування: він знаходиться не збоку, а зверху цукерки.

Помер дали 23 січня 1989 року, залишивши після себе величезну художню спадщину. Про Далі можна писати дуже багато і довго, але краще один раз побачити і самому по достоїнству оцінити його роботи.