Архітектурно-парковий ансамбль Версаля.

 

Версаль – це один з найпрекрасніших архітектурно-паркових ансамблів французького класицизму XVII ст.. Був збудований за ініціативи Людовіка XІV.

Наприкінці XVI ст.. Версаль був невеличким селищем. У 1624 році був збудований, за дорученням Людовика XIII, архітектором Філібером Ле Руа маленький мисливський замок поряд з селом, званої Версаль. Біля неї знаходився середньовічний напівзруйнований замок - володіння будинку Гонди. Але незабаром цей замок був перебудований архітектором Лемерсье за розпорядженням короля. В цей же час Людовик XIII придбав ділянку Гонді разом з напівзруйнованим палацом архієпископа і зніс його для розширення свого парку. Невеликий замок знаходився в 17 кілометрах від Парижа. Це було П -подібне в плані споруда з ровом. Перед замком розташовувалися чотири корпуси з каменю та цегли з металевими гратами на балконах. Двір старого замку, що отримав надалі назву Мармурового, зберігся до сьогоднішнього дня. Перші сади Версальського парку були розбиті Жаком Буассі і Жаком де Менуар.
В 1662 Версаль почав будується за планом Ленотра. Андре Ленотр (1613-1700) до цього часу вже прославився як будівельник заміських маєтків з регулярними парками (у Во- ле- Віконт, Со, Сен- Клу та ін.) Цікаво, що в 1655-1661 роки Н. Фуке, найбільший фінансист абсолютистської Франції, за проектом архітектора Луї ле Під перебудував свій заміський замок. Головним у палацово- парковому ансамблі Во-ле- Віконт став навіть не сам палац (на ті часи досить скромний), а загальний принцип створення заміської резиденції. Вся вона була перетворена на гігантський парк, майстерно влаштований архітектором - садівником Андре Ленотром. Палац Во -ле- Віконт демонстрував новий стиль життя французького аристократа - на природі, поза стінами тісного, переповненого людьми міста. Палац і парк настільки сподобалися Людовику XIV, що він ніяк не міг змиритися з думкою, що вони - не його власність. Французький король негайно заточив Фуке у в'язницю, а архітекторам Луї ле Во і Андре Ленотру доручив будівництво свого палацу у Версалі. Архітектура маєтки Фуке була прийнята в якості зразка для Версаля. Зберігши палац Фуке, король вивіз із нього все, що можна було зняти і відвезти, аж до апельсинових дерев і мармурових статуй парку.

Ленотр почав з будівництва міста, в якому повинні були розміститися придворні Людовика XIV і численний штат палацової прислуги і військової охорони. Місто було розрахований на тридцять тисяч жителів. Його планування підпорядковувалася трьом променевим магістралях, які розходилися від центральної частини палацу в трьох напрямках: у Со, Сен- Клу, Париж. Для якнайшвидшого заселення міста Людовик XIV роздавав під забудову ділянки всім бажаючим (зрозуміло, дворянам) за подібну ціну з єдиною умовою будувати будівлі в єдиному стилі і не вище 18,5 метрів, тобто рівня входу в палац.

В результаті другого будівельного циклу Версаль склався в цілісний палацово -парковий ансамбль, що являє собою чудовий приклад синтезу мистецтв - архітектури, скульптури, і садово -паркового мистецтва французького класицизму XVII століття. Однак, після смерті кардинала Мазаріні, Версаль, створений Лево, став здаватися недостатньо величним, щоб висловлювати ідею абсолютної монархії. Тому для перебудови Версаля був запрошений Жюль Ардуен Мансар, найбільший архітектор кінця сторіччя, з ім'ям якого пов'язаний третій будівельний період в історії створення цього комплексу, внучатий племінник знаменитого Франсуа Мансара. Мансар ще більше збільшив палац, звівши два крила довжиною по п'ятсот метрів кожне під прямим кутом до південному та північному фасадах палацу. У північному крилі він помістив церква (1699-1710), вестибюль якої закінчував Робер де Котт. Крім того, Мансар надбудував над терасою Ліво ще два поверхи, створивши вздовж західного фасаду Дзеркальний галерею, що замикається залами Війни і Миру (1680-1886). На осі палацу в бік під'їзду в другому поверсі Мансар помістив королівську спальню з видом на місто і кінну статую короля, поставлену пізніше в точці сходу тризуба доріг Версаля. У північній частині палацу розміщувались покої короля, у південній - королеви. Мансар побудував також два корпуси Міністрів (1671-1681), які утворили третій, так званий «двір Міністрів», і з'єднав ці корпуси багатою золоченій гратами. Все це зовсім змінило вигляд споруди, хоча Мансар залишив ту ж висоту будівлі. Пішли контрасти, свобода фантазії, нічого не залишилося, крім протяжної горизонталі триповерхової споруди, єдиного в ладі своїх фасадів з цокольним, парадним і аттиковий поверхами. Враження грандіозності, яке виробляє ця блискуча архітектура, досягнуто великим масштабом цілого, простим і спокійним ритмом всієї композиції. Мансар вмів об'єднувати різні елементи в єдине художнє ціле. Він володів дивовижним почуттям ансамблю, прагнучи до строгості в обробці. Наприклад, в Дзеркальній галереї він застосував єдиний архітектурний мотив - рівномірне чергування простінків з отворами. Така классицистическая основа створює відчуття ясної форми. Завдяки Мансар розширення Версальського палацу Придибало закономірний характер. Прибудови отримали міцну взаємозв'язок з центральними корпусами. Ансамбль, видатний по архітектурно - художнім якостям, був вдало завершений і справив великий вплив на розвиток світової архітектури.

Трохи перебудував Версаль правнук Людовіка XIV – Людовік XV. Також покої своєї дружини Марії Антуанети перебудовував Людовік XVІ, правління якого закінчилося дуже трагічно, так як розпочалась Велика буржуазна революція. Під час революції всі меблі і прикраси палацу були розкрадені. Наполеон, а потім Людовик XVIII провели у Версалі відновлювальні роботи. Після Липневої революції 1830 року палац передбачалося знести. Це питання було винесено на голосування в Палаті Депутатів. Перевага в один голос врятував Версаль. Останній з династії, король Луї -Філіп правив Францією з 1830 по 1848 рік. У 1830 році, після липневої революції, яка звела його на трон, Палата представників прийняла закон, за яким Версаль і Тріанон перейшли у володіння нового короля. Не гаючи часу, Луї -Філіп розпорядився створити у Версалі Музей в честь славних перемог Франції, який відкрився 1 червня 1837. Це призначення замку збереглося і в наші дні.

 

Творчість Жака Луї Давида.

Жак-Луї́ Даві́д (фр. Jacques-Louis David, * 30 серпня 1748, Париж — † 29 грудня 1825, Брюссель, Бельгія) — французький живописець, маляр. Відомий представник Просвітництва і неокласицизму. Учасник французької революції 1789-99; придворний художник Наполеона I; античні теми (Клятва Гораціїв), сюжети, пов'язані з епохою революції та імперії (Смерть Марата), портрети. Палкий прихильник Наполеона, після його поразки переїхав до Бельгії.

З 1766 по 1774 рік навчався в Королівській академії живопису і скульптури біля історичного живописця Жозефа - Марі В'єн, в 1775-1780 вивчав античне мистецтво в Римі.

У 1780-1790 -ті роки Жак Луї Давид став основоположником і визнаним лідером так званого революційного класицизму - напрямки у французькому мистецтві кінця XVIII століття, що сприйняв у раціоналістичної просвітницької філософії XVIII сторіччя культ розуму і природного почуття, що висунув новий тип художника- борця, покликаного виховувати у глядача високі моральні якості і цивільні чесноти. Для творів художника Жака Луї Давида 1780 -х років характерні публіцистична спрямованість, прагнення виразити героїчні волелюбні ідеали передреволюційної епохи через образи античної історії ("Смерть Сократа ", 1787, Метрополітен- музей; " Ліктори приносять Бруту тіла його синів", 1789, Лувр, Париж).

Давид був активним діячем революції, членом Конвенту, організовував масові народні революційні свята в Парижі, створив Національний музей у Луврі.

Після термідоріанського перевороту, падіння і страти Робесп'єра був заарештований і його друг Давид, і тільки слава останнього як художника врятувала голову Давида від гільйотини. По виході з в'язниці Давид знову віддався цілком живопису і написав у 1795-1799 роках одну з кращих своїх картин, "Викрадення сабінянок " (більш вірна назва цієї картини - " сабінянки, що зупиняють битву між сабіняни і римлянами ").

Коли верховна влада над Францією перейшла в руки Наполеона, Давид став привілейованим живописцем імператора; але, увіковічуючи на полотні славні події Консульства та Імперії ("Портрет Бонапарта на перевалі Сен- Бернар ", "Коронація Наполеона ", " Роздача орлів " і т. п.), Давид не переставав цікавитися давньою історією і написав, між іншим, "Леонід і спартанці у Фермопіл " - картину, написану в 1814 році і продану в 1819 році разом з " Викраденням сабінянок " за 100 000 франків (обидві знаходяться в Музеї Лувру). Незважаючи на прихильність до нього імператора Наполеона Бонапарта і на одержувані від нього милості, Жак Луї Давид залишався в душі республіканцем.

Після розгрому наполеонівських армій і реставрації на французькому королівському троні династії Бурбонів Давид як колишній член конвенту і «царевбивця» піддався вигнанню з Франції. Бурбони не могли пробачити Давиду відданості Наполеону і особливо того, що в часи революції якобінець Давид був другом Робесп'єра і голосував за страту Людовіка XVI. Художник Жак Луї Давид був викреслений із списків Академії мистецтв та Почесного легіону і оселився в Брюсселі, де продовжував керувати освітою молодих художників і писати картини. З творів, що відносяться до цієї останньої порі діяльності Давида, найбільш варті уваги: "Купідон, який залишає Психею ", "Марс, обеззброює Венерою, Амуром і Граціями " та інші картини.

 

19.Романтичний напрямок у французькому живописі к XVIII – поч. ХІХ ст. (Жеріко, Далакруа).

 

Романтизм - ідейний і художній напрямок, що виник у європейській і американській культурі кінця 18 століття - першої половини 19 століття, як реакція на естетику класицизму. Батьківщиною романтизму можна вважати Францію.

Основна риса романтизму як руху - прагнення протиставити бюргерському, "філістерському" світу розуму, закону, індивідуалізму, утилітаризму, наївної віри в лінійний прогрес - нову систему цінностей: культ творчості, перевага уяви над розумом, критику логічних, естетичних і моральних абстракцій, заклик до розкріпачення особистісних сил людини, слідувати за природою, міф, символ, прагнення до синтезу й виявлення взаємозв'язку всього з усім.

Визначальними для романтизму стали ідеалізм у філософії і культ почуттів, а не розуму, звернення до ародності, захоплення фольклором і народною мистецькою творчістю, шукання історичної свідомості й посилене вивчання історичного минулого, інколи втеча від довколишньої дійсності в ідеалізоване минуле або у вимріяне майбутнє чи й у фантастику.

Головними представниками романтизму в образотворчому мистецтві вважаються живописці Ежен Делакруа і Теодор Жеріко.

Делакруа Фердінан Віктор Ежен (1798-1863) - французький живописець і графік, глава романтизму у французькому живописі, колористичні пошуки якого мали великий вплив на формування імпресіоністичного напряму.

З 1816 по 1822 рр. навчався в майстерні класициста П.Н. Герена в Парижі.

Вивчав живопис старих майстрів в Луврі, захоплювався живописом англійської, особливо творчістю Дж. Констебла, великий вплив на нього справила мистецтво Т. Жеріко. У 1825 р. відвідав Англію, потім Алжир, Марокко, Іспанію та Бельгію. Перша самостійна робота Е. Делакруа "Данте і Вергілій" ("Тура Данте", 1822, Лувр, Париж), написана на сюжет "Божественної комедії", принесла йому велику популярність і змусила заговорити про народження нового художника-романтика. Потужний емоційний вплив цього полотна в першу чергу пояснюється нетрадиційним використанням кольору. На відміну від класицистів, визначаючих йому другорядне у порівнянні з малюнком місце, Е. Делакруа вважає колір найважливішим елементом живопису. Колірне звучання "Данте і Вергілія" посилюється використанням контрастних тонів: яскраві плями червоного та синього у зображенні одягу і світлих відтінків оголених тіл різко виділяються на зеленувато-синьому і коричневому тлі.

Тієї ж пристрасністю, напруженим драматизмом і протестом проти всякого насильства відзначені пізніше створені роботи, такі як "Різанина на Хіосі" (1824, Лувр, Париж) і "Греція на руїнах Міссолонгі" (1827, Музей, Бордо), що є відгуком художника на події героїчної боротьби Греції проти турецького навалу.

Під час перебування в Англії (1825) Е. Делакруа знайомиться з її літературою, живописом і театром, велике враження на нього справляє творчість Дж. Констебла, Дж. Байрона і У. Шекспіра. Враження від цієї подорожі вилилися в цілий ряд картин, при написанні яких він використовував нові мальовничі методи, запозичені їм у англійських майстрів ("Тассо в будинку божевільних", 1825, Збори Уоллес, Лондон; "Страта дожа Маріно Фальеро", 1826, Збори Уоллес, Лондон; "Смерть Сарданапала", 1827, Лувр, Париж), Вплив Дж. Констебла, зокрема, проявився у Делакруа в більш світлому колориті, який став тепер провідним в його мистецтві.

Тільки одна картина художника була написана безпосередньо після сучасних йому подій - революції 1830 р. Вона стала найзначнішим й найвідомішим його твором - "28 липня 1830" ("Свобода на барикадах", 1830, Лувр, Париж). Її романтична революційна символіка, виражена алегоричною фігурою Свободи з національним прапором у руці, відкрито закликала до боротьби і вселяла впевненість у неминучій перемозі. Експресія і динамічна пластика полотна досягаються за рахунок використання лаконічних художніх прийомів: композиція не перевантажена зображенням людських фігур, напружена енергетика колірної гами створюється ударами червоного і синього тонів.

Роботи, створені художником після його подорожі по Північної Африки, цікаві не тільки своєю барвистістю і екзотикою, але й тією точністю, з якою Е. Делакруа відтворює своєрідність місцевого колориту, побуту, традицій і риси характеру своїх персонажів ("Алжирські жінки в своїх покоях", 1834; "Єврейське весілля в Марокко", ок.1841 - обидві в Луврі, Париж; "Арабські комедіанти", 1848, Музей образотворчих мистецтв, Тур, "Левова полювання в Марокко", 1854, Ермітаж, Санкт-Петербург).

Багатогранне дарування Е. Делакруа проявилося в різних жанрах: історичного живопису ("Битва при Пуатьє", "Битва при Нансі", 1831; "Битва при Тайбурге", 1837; "Взяття хрестоносцями Константинополя", 1841 - все в Луврі, Париж; "Битва Св. Георгія з драконом", ок.1854, Музей витончених мистецтв, Гренобль), монументального декоративного розпису (стеля Тронного залу Палати Депутатів, 1833-1837; бібліотека Палати Депутатів, 1838-1847; бібліотека Люксембурзького палацу, 1845; розпис" Оплакування Христа "в церкві Сен-Дені дю вересня Сакреман, 1843), портреті (портрети Ф. Шопена, Ж. Санд, Н. Паганіні, автопортрет 1832г.), натюрморті (" Великий мисливський натюрморт", 1826), пейзажі, в зображеннях інтер'єрів і тварин.

Одним з перших французьких художників-романтиків був Теодор Жеріко (1791-1824). Він був основоположником романтизму у французькому живописі.

Більшість сучасників зрозуміли його велику роль, коли він був вже мертвий. І термін "романтизм" вперше з'явився в некролозі, присвяченому Теодору Жеріко.

Маніфестом нового мистецтва було семиметрової полотно "Пліт" Медузи " - трагічний репортаж про корабельну аварію фрегата" Медуза "про загибель, яка спіткала в Атлантиці його екіпаж. Художник писав полотно протягом двох років: з 1818 по 1819 рік.

Урядові кола Франції, офіційна преса інакше оцінили цю картину. "Небезпечним бунтарем" величали вони молодого живописця. Як кожному майстру, що відкриває нові шляхи в мистецтві, Жеріко довелося дізнатися трагедію невизнання і нерозуміння сучасників. Світське суспільство і буржуа Парижа не могли пробачити молодому живописцеві героїчні образи, створені ним: занадто яскраво вони нагадували цієї егоїстичної публіці про її недоліки, і тому її більш влаштовувало улесливе мистецтво Салону - банальне, далеке від сучасності.

Творчість Теодора Жеріко шокувала можновладців, і вони обрушили на майстра лавину негараздів. Досить згадати, що за життя художника жодна його картина не була придбана державою.

Нещастя, ніби змовившись, обрушилися на художника. Невизнання, бідність і, нарешті, недуга, що прирік живописця на повну нерухомість, здавалося, були покликані зламати бунтівний дух майстра. Але Жеріко не здавався. Перемагаючи страждання, наперекір усьому він малював і записував у щоденник думки, що не давали йому спокою.

Поряд зі знаменитим "Пліт" Медузи "велику популярність придбало також полотно "Дербі в Епсомі " (1821). Чотири коні вихором летять над полем скачок, їх передні і задні ноги витягнуті паралельно землі. Створюється враження надзвичайної стрімкості, польоту. Коні, жокеї виписані з великою ретельністю, з деякою несподіваною для Жеріко сухістю. Навпаки, краєвид - покрита зеленою травою рівнина з пагорбами на горизонті, хмарне з просвітами небо - написаний широко, узагальнено. Здається, що коні несуться вперед, а земля стрімко тікає під їх ногами.

Яскравий образ коней, створений Жеріко, придбав величезну популярність, став свого роду класичним каноном, був повторений незліченну кількість разів, викликаючи враження швидкості, польоту.

 

Творчість Т. Г. Шевченка.

Серед плеяди видатних діячів української культури Тарасові Григоровичу Шевченку (1814–1861) належить особливе місце. Поборником правди і свободи називають його. Він своєю полум’яною поетичною і мистецькою творчістю виражав споконвічні вільнолюбні прагнення нашого народу.

Тарас Шевченко як художник займає одне з найпочесніших місць в українському образотворчому мистецтві. Він прекрасно володів всіма відомими тоді засобами графічного зображення.

Обдарований від природи хлопчина рано відчув тягу до малювання. Ще змалку крейда і вуглинка були для нього неабиякою радістю. Малював ними стіни, лави, стіл... Малював у хаті і надворі, вдома і в гостях... Якось прийшла сестра Катерина з панщини і не впізнала своєї хати: візерунками розмальовані стіни, долівка і навіть призьба. Хлопець любив зображувати птахів, звірів, людей.

Талант художника проявився в Тараса Шевченка значно раніше, ніж талант поета. Якщо перші літературні спроби припадають на 1836–1837 роки, то найбільш ранній малюнок, що дійшов до нас і відомий під назвою “Погруддя жінки” або “Жіноча голівка”, датований самим автором ще 1830 роком. З цієї юнацької роботи і розпочалась творчість видатного художника.

Юний Шевченко прибув у лютому 1831 року до столиці Російської імперії Петербурга, подолавши разом з іншими кріпаками пана Енгельгардта сотні верст глибокими снігами Прибалтики і російської Півночі. З цього часу почалося його тривале столичне життя, сповнене боротьби за існування, незгасного бажання стати вільним, вивчитися на професіонального художника.

1832 року пан віддав Шевченка на навчання в майстерню одного з найкращих художників В. Ширяєва, законтрактувавши його на чотири роки.

Нестача денного часу і заклопотаність, бажання стати справжнім художником змушували Шевченка в білі ночі виходити в Літній сад і змальовувати статуї. Тут відбулась перша зустріч Тараса зі своїм земляком художником І. Сошенком, який зацікавився обдарованим юнаком і вирішив допомогти йому. І.Сошенко давав поради і консультації художнику-початківцю, знайомив його з видатними діячами російської і української культур (Карлом Брюлловим, Василем Григоровичем, Олексієм Венеціановим, Василем Жуковським, Євгеном Гребінкою), спільними зусиллями яких талановитого кріпака було викуплено з кріпацтва.

Звільнення дало право Шевченку вступити до Академії мистецтв. Він став одним з найулюбленіших учнів Брюллова. Тарас переходить з класу в клас в числі найкращих учнів. У малярстві він робить дедалі помітніші успіхи. За час навчання в Академії мистецтв його тричі нагороджують срібною, а потім золотою медалями за малюнки з натури і живописні твори. Тарас Шевченко мріяв поїхати в казкову Італію, щоб познайомитися із шедеврами малярства, скульптури і архітектури. Та академія послала іншого, а власних коштів на таку подорож у Шевченка, звісно, не було. Друга заповітна мрія – повернутись назавжди в Україну.

У 1843 році Тарас Григорович приїхав в Україну. Під час подорожі любов до рідного краю наштовхнула його на створення цілої серії картин під назвою “Живописна Україна”, на яких відображено історичні місця, побут і природу країни. Повернувшись в Петербург, він завершує навчання в Академії мистецтв, видає на власні кошти і поширює альбом під назвою “Живописна Україна”.

Згодом Шевченко знайшов роботу в Київській археографічній комісії. Художникові довелося побувати у різних місцях України, де він змальовував й описував історичні пам’ятки. З часу його подорожей залишилось чимало акварелей, простих і природних за своїми сюжетами. В 1845-1847 роках Тарас Григорович створив ряд портретів, які переконливо свідчать про зростання художника, про поглиблення психологічної характеристики образів.

Портретам належить велике місце в Шевченковому доробку. Він почав працювати над ними ще кріпаком. В академії продовжував роботу в цій галузі. Незабаром він стає одним із відомих і популярних портретистів. Створені ним образи відзначаються невимушеністю, природністю, вдалою композиційною побудовою і свіжістю барв, намаганням дати психологічну характеристику людині. Шевченко зробив великий внесок у розвиток побутового жанру і став його основоположником в українському мистецтві. Особливо хвилювало художника підневільне, часто трагічне становище жінки.

Небагато з тих, кому випало безсмертя, здобули його такою дорогою ціною, як Тарас Шевченко. Доля не шкодувала для нього найжорстокіших випробувань і страждань. Прожив Шевченко лише 47 років, з них 25 – у кріпосному рабстві, 10 – у тюрмах та на засланні. А решту – постійно перебував під недремним жандармським оком, воюючи із нестатками. Помер він самотнім у казенній комірчині, не здійснивши навіть природної людської мрії про сімейний затишок у власному домі.

Творчість Клода Моне.

Напрям – імпресіонізм

Клод Оскар Моне народився 14 листопада 1840 р. у Парижі сім'ї бакалійника. Коли хлопчику було п'ять років, сім'я переїхала в Гавр. Школярем в коледжі Моне захопився малюванням шаржів, також брав уроки професора малювання Ошара, в минулому учня Давида.

В 1857 р. померла мати Моне. Юний Клод, якій не було 17 років, залишив навчання у коледжі, проте припинив своїх художніх занять, у яких йому надавала сприяння його тітка Жанна-Маргарита Лекадр, що була художницей-любительницей.

В 1859 р., отримавши наперед від батька потрібні кошти, Моне їде під Париж вчитися живопису

В 1861 р. дев'ятнадцятирічний Клод мав на військову службу до Алжира, однак у 1862 р., отримавши піврічної відпустка для хвороби, повертається у Гавр. Влітку цього року відбулися його ознайомлення з датським художником Яном Бартольдом Йонгкиндом, який почав її другим учителем.

В жовтні 1862 р. Моне повернувся до Парижа, де став відвідувати уроки живопису в ательє Шарля Глейра. Ось він познайомився з Ренуаром, Сислеем і Базилем. У 1864 р., як під загрозою втрати зору Глейр вимушений був закрити свою майстерню, друзі стали активно освоювати пленэрную живопис.

В 1865 р. відбувся дебют Моне в Салоні: два його морських пейзажу виставили і прийнято прихильно. Критик Поль Манц, оглядач «Gazette des Beaux-Arts», писав: «Прихильність до гармонії квітів, почуття валеров, разюче почуття цілого, смілива манера бачити речі й привертати пильну увагу глядача — ось якості, якими пан Моне вже володіє високої мері. Його «Устя Сени» раптово зупинило б нас і ми їх забудемо. Відсьогодні ми, звісно, з інтересом простежимо за майбутніми успіхами цього щирого мариниста».

В 1865 р. Моне зустрів Каміллу Донсье, а її найближчі чотирнадцять років стала його улюбленій моделлю, а 1870 р. — його першої дружиною. Вона народила художнику двох синів — Жана (р. 1867) і Мішеля (р. 1878), яких Моне також нерідко зображував у своїх полотнах. Саме тоді Моне працював у стилі Курбе і реалістичної школи, та його переслідувала ідея писати композиції на відкритому повітрі. Найвідоміша з робіт цього часу, названа, як і полотно Едуарда Мане, «Сніданок на траві», була виконана в студії по накиданням, зробленою на пленері. Подібність із картиною Мане відразу впадає правді в очі. Проте, прагнучи перевершити старшого товариша, Моне зобразив з великої полотні в на повен зріст дванадцять постатей. Моделями всім персонажів послужили його й друг, Фредерік Базиль, які багато годин позували художнику на лісової галявині лісом Фонтенбло. Камілла також позувала чоловіку для картин «Жінки у саду» (1867), «Камілла, чи Жінка в зеленому сукню» (1866), «Дама з парасолькою (Мадам Моне із сином)» (1875), «Японка» (1876) та інших.

Вернувшись там в 1872 р., Моне разом із сім'єю замешкав у Аржантёе, невеличкому поселенні березі Сени біля Парижа. Жодна місце не пов'язано настільки тісно з історією імпресіонізму, як Аржантьої. У цьому вся тихому мальовничому містечку в різні роки працювали на пленері майже все імпресіоністи. Тут влітку 1874 р., у компанії Ренуара і Мане, Моне створив дивовижні по светоносности полотна: знамениті сцени катання на човнах, епізоди сільського життя. Нерідко він писав свій будинок і сад, котрий любив. Робота з води Моне купив невелику човен обладнав у ній плавучий майстерню, що дозволяло, ставши на якір посеред річки, писати обох берегах Сени (Сена в Аржантёе, 1875, Музей мистецтва, Сан-Франциско). Моне прожив у Аржантёе з 1872 по 1878 р.: у цей період його палітра світла і багата, як ніколи.

В квітні-травні 1874 р. відбулася першу виставку «Анонімного товариства художників, живописців, скульпторів, граверів тощо.», що об'єднало художників, деяке час через отримали найменування імпресіоністів. Клод Моне представив на ній дев'ять робіт. Один із них, «Бульвар капуцинок», було написано з вікна на того самого вдома (ательє фотографа Надара, Бульвар Капуцинок, 35), де, власне, минало виставка. Художнику вдалося передати відчуття суєтної життя паризького бульвару. Маленькими мазками темній фарби легко є такі фігурки людей, як котрі копошаться внизу.

В 1891 р. Моне виставив серію з п'ятнадцяти картин, що зображують копиці в часи дні, у галереї Дюран-Рюэля. За словами самого художника, він думав спочатку, що достатньо лише двох станів передачі предмета в різному висвітленні — при світлі сонця й у похмуру погоду. Проте, працюючи з натури і досить пильно спостерігаючи зміни висвітлення, Моне змінив свою думку. Окремі серії його картин включають до двох десятків полотен і більше.

«Стога» мали величезний успіх. Усі полотна продано три дні. Каміль Піссарро в листі своїй дитині Люсьєну у березні 1891 р. писав: «Купують лише праці Моне, здається, що й бракує. Жахливіше те, що хочуть мати «Копиці на заході»… Усі, що він ставить, вирушає до Америки за ціною четыре-пять-шесть тисяч франків».

Художник закінчував полотна венеціанської серії у своїй майстерні в Живерни на протязі ще близько трьох років. Нарешті травні-червні 1912 р. у "галереї Бернхайма було винесено 29 картин із серії «Види Венеції» (Великий канал. Венеція, 1908, Сан Джорджо Маджоре, 1908). Поруч із виставкою був випущений альбом репродукцій, під назвою «Види Венеції Клода Моне», текст якого написав Октав Мирбо. Поль Синьяк, відвідавши виставку, поспішив висловити художнику свій захоплення: «Я захоплююся «Венециями» як найвищим проявом Вашого мистецтва, … де всі відповідає Вашої волі, де жодна деталь не йде з емоціями, де Ви досягли вершин служіння мистецтву».

В 1914 р. Моне починає серію великих полотен із зображенням латать в ставку. У наступні рік він прийме рішення 12 картин цієї серії принести у дарунок державі, буде про що офіційно оголошено в 1920 р. Відповідно до підписаного художником документа, картини мають завершитися до квітня 1924 р. Дар Клода Моне спочатку планували в спеціально побудованому їм павільйоні зі скляним стелею садом готелю Бирон. Але палата депутатів відкинула проект, розроблений самим художником. Тоді ми вирішили переробити для «Латать» є два зали у музеї Оранжери. Через катаракти Моне майже не бачить, проте завзято продовжує працювати над «Лататтями». «Я працюю через собі силу й хочу встигнути написати доти, як втрачу здатність бачити», — писав Пауль Жозефу Дюран-Рюэлю.

Болезнь очей прогресувала, і Моне був змушений піти на операцію, після якого повернувся на роботу. У листі Андре Барб'є від 17 липня 1925 р. художник пише: «Я працюю як ніколи й задоволений, що я роблю. Якщо нові окуляри будуть ліпшими колишніх, отже, міг би жити до сто років» У розумінні художника «жити» означало «бачити».

В останні роки життя творчість Моне дедалі більше набуває декоративні риси. У "гонитві за деталями і нюансами художник нерідко втрачає відчуття цілого. У своїх численних зображеннях зарослого ставка він остаточно відмовляється від форми, намагаючись передати лише відчуття ускользающего світла.

Моне помер Живерни 5 грудня 1926 р. на руках своєї невістки Бланш, дочки Аліси Ошеде. Вона пережила всіх своїх на друзів і соратників, другу дружину Алісу і поранив старшого сина Жана. «Який для мене сумний кінець», — зізнавався він у одному зі своїх листів Гюставу Жеффруа.