Особенности костюма Др. Греции

БИЛЕТ 1

Костюм фараона.

история Древнего Египта разделяется на Древнее царство (XXVIII-XXIII до н.э.) Среднее царство (XXI-XVIII до н.э.) и Новое царство (XVI-XI до н.э.).

Древнеегипетское государство представляло собой деспотическую монархию во главе с фараоном, которого считали живым богом. Общество состояло из иерархически подчиняемых групп: войско, жречество, чиновники, мастера и «люди» (земледельцы, садовники пастухи, представители различных профессий).

Костюмы фараона, чиновников, жрецов, женщин из их семей отличались от одежды людей низкого происхождения, не только дорогими материалами, но и большим количеством украшений и аксессуаров (поясами, накидками, шарфиками, накидками), также различными головными уборами.

Основными материалами были лен и шерсть. Первоначально изготовляли гладкокрашеные материалы, в дальнейшем появились узорчатые. Их изготовляли с помощью вышивки или в гобеленовой технике.

Любимым цветом египтян был белый цвет, и все оттенки небеленого льна. В узорчатых тканях умело сочетали оттенки красного, зеленого, синего, черного цветов. В египетских модах последних фараонов (XIV в. до н.э.) появились тонкие ткани, подобные газу – прославленный виссон (предположительно изготавливался из хлопчатобумажной ткани). Их плиссировали, гофрировали, носили в несколько слоев, но из- за тонкости материала создавался эффект раздетого тела.

Орнаментация тканей носила сакральный характер, имела преимущественно геометрические формы. Также применялись стилизованные изображения растений (лотос, папирус, пальмы), животных (змеи, птицы), насекомые (жук-скарабей). Отличительной чертой древнеегипетской одежды, да и в целом всей одежды древнейших культур, является прямой покрой, простота линий, единая форма. Но каждая деталь костюма строго продумана и имеет свое постоянное место.

Представители знати предпочитали парики, изготовленные из шерсти или волокон ткани. Формы париков не были строго регламентированы, поэтому их подбирали по ситуации и настроению. Дети знати носили так называемый локон юности – накладную цветную (чаще синюю) прядь или косу, спущенную вдоль одного виска.

Фараоны, жрецы, военачальники, ремесленники носили головной платок – клафт. Он завязывался таким образом, что закрывал лоб до бровей. Узкие части полоски завязывались за ушами и спускали на плечи. Клафт фиксировался с помощью тесьмы либо металлического ободка, к которому сзади прикреплялась тесьма, завязываемая на затылке широким углом косынке. Свисающую на спину часть ткани туго завязывали наподобие косы. Низкие сословия носили белый одноцветный платок, у фараонов и сановников – полосатый. Иногда у фараонов передние части этого платка имели вырезы, тогда он назывался — немес.

У фараона были древнейшие головные уборы, которые практически не менялись во все времена, корона из двух частей (символы Нижнего и Верхнего царств) — атев, украшенная изображением коршуном и змеей — уреем — символом власти. Стоит отметить, что корон у фараона было великое множество (судя по дошедшим до нас фрескам, более 20), для различных религиозных обрядов, охоты, ведения военных операций. Другими царскими регалиями была треххвостая плеть и скипетр (в виде крючка). Следует заметить, что одним из символов власти фараона была борода, которая была искусственная, ее крепили за ушами завязками, и ее носила даже женщина-фараон – Хатшепсут.

Жена фараона, обычно носила головной убор имеющий вид коршуна с распростертыми крыльями из цветной эмали или шапочку украшенную цветком лотоса.

Традиционным украшением фараона и знати было ожерелье-воротник – ускх, состоящее из множества нашитых бусин, бисера, золотых пластинок. Вообще, египтяне славились большой любовью к ювелирным украшениям - Всевозможные браслеты, серьги, кулоны, кольца надевались как мужчинами так и женщинами в большом количестве. При отсутствии одежды, украшения часто выполняли роль своеобразного маркера, который рассказывал о статусе и положении своего владельца.

В эпоху Нового царства, из Передней Азии стали поступать тончайшие ткани, а также новые формы в покрое одежды, декор также усложнился.

Было тотальное использование макияжа.

Фараон и его жена носили сандалии с позолоченными и золотыми украшениями. Носок таких сандалий заворачивался кверху. Сами сандалии крепили к ноге длинными пёстрыми ремешками, обматывая их вокруг ноги до самого колена. На подошвах изображали бытовые и военные сцены. На официальных приёмах нельзя было появляться не обутым. Но поскольку это был знак привилегированного положения, их очень берегли. Даже фараоны ходили босиком в сопровождении слуги, который нёс сандалии.

Жена фараона, как и все женщины носила калазирис. Его могли дополнять роскошный пояс или туникообразное платье, или плащ из прозрачной ткани. Непременными ранговыми знаками царицы были урей и головной убор в форме ястреба – символ богини Исиды, который своими крыльями укрывал её головку, а в когтях держал перстень с печатью.

 

Орнамент эпохи модерн

Ситуация с модерном, создавшаяся в XIX веке, совпадает с той, которая образовалась в области синтеза. В реализме и импрессионизме господствовали станковые формы. Архитектура эклектики действительно обращалась к историческим орнаментам и охотно использовала их, но орнамент не жил в этой архитектуре, он механически насаждался, накладывался на стены. Между тем орнамент изучали, знали его исторические превращения. Знание не давало избавления от недугов, а может быть и усугубляло их.И вот, наступил период нового стиля, и положение орнамента коренным образом переменилось. Художники начали возрождать орнамент, вскоре восстановили ту его прежнюю роль, которую он играл в любом стиле. Художники- теоретики начали писать об орнаменте.

Архитекторы стремятся к тому, чтобы орнамент был органической частью сооружения. Исследователи модерна, как правило, придают орнаменту большое значение. Фриц Шмаленбах еще в 30-е годы предпринял попытку квалифицировать основные качества стиля через орнамент. А спустя 20 лет, в 1956 году, Дольф Штернбергер со всей прямотой заявил: “Чрезвычайно важным является то обстоятельство, что модерн начинается с орнамента. ”

Нельзя, разумеется, не заметить переизбытка орнаментации в некоторых произведениях стиля, нельзя не почувствовать “излишеств” декоративности, особенно в запоздалых проявлениях стиля, по сути своей являющихся свидетельствами эклектики. Но ведь дело не в количестве орнаментальных мотивов (хотя количество о чем-то говорит), а в принципах их применения, в характере использования орнамента, в его существенной роли. Эта роль принципиально иная, чем прежде– в прошлых стилях.

Один из историков стиля, Райнер Грюнтер, пишет: “Орнамент модерна не украшает, он сам украшение. Его аппликационная функция становится самоцелью. Он не украшает; украшение само оказывается автономным художественным образованием. Орнамент модерна–не орнамент на предметах, он орнаментализирует предметы”. Эта автономность орнамента превращает его в самостоятельный вид искусства, что дает ему право участвовать в процессе вхождения искусств вдруг в друга.

И изобразительное искусство, и орнамент берут материал из органической природы. Животные, птицы, цветы, листья, деревья– излюбленные мотивы в орнаменте модерна. Предпочтительные цветы – орхидея, лилия, тюльпан, подсолнух, предпочтительные птицы –лебедь, павлин, фазан. все эти “объекты” переходят в орнамент в условной форме, стилизованными, сильно преобразованными сравнительно с тем, какими они выступают в натуре или в многочисленных произведениях живописи модерна.

Итак, мы рассмотрели некоторые аспекты взаимодействия изобразительного искусства и орнамента в тех ситуациях, когда живопись и графика оказывалась стороной дающей. Но был и обратный процесс, даже более активный–процесс вхождения орнамента в другие виды искусства. Живопись и графика оказываются в этом процессе воспринимающей стороной, а орнамент– дающей. Начинается восприятие орнамента живописью с того, что орнамент входит в живописное произведение мотивированно, как предмет изображения. Примеры этого можно найти в немецкой, австрийской, французской живописи. Например, картина П. Боннара “Пестрая блуза” (1892), многочисленные интерьеры с фигурами Э. Вюйара, в которых художник часто изображает обои и декоративные ткани, или тем более такие картины Г. Климта, как “Поцелуй”, “Саломея”, или любой портрет 900-х годов, где одежды и фон превращены в декоративные плоскости. Правда, многие из перечисленных произведений отражают уже следующую, более высокую стадию орнаментализации живописи, ибо не только содержат орнамент в качестве предмета изображения, но и пользуются орнаментализацией как принципом построения живописного произведения.

Разумеется, почти никогда мы не можем полностью отождествить живописное произведение с орнаментом, ибо живописная композиция не дает полной симметрии, не пользуется приемом точного повторения определенного раппорта. Речь идет не о сведении живописи к орнаменту, а о частичном использовании в живописи тех принципов, которые типичны для построения орнамента, о плоскостности, выявлении ритма и повторении определенных пластических элементов, преобладающей роли рисунка, ложащегося на поверхность, об уподоблении каких-либо предметов, изображенных в картине, орнаментальным элементам.

 

БИЛЕТ 2

БИЛЕТ 3

Плащи Др. Греции и Др. Рима

Др. Греция. -Хитон - прямоугольный кусок ткани, сложенный пополам, так что линия сгиба ткани пройдет вдоль левого бока туловища. Хитон может быть открытым и закрытым. В последнем случае он сшивается сбоку. Если отогнуть верхний край хитона параллельно плечам, хитон примет более сложную форму и, будучи опоясанным, представит классическое одеяние женщин эпохи Гомера. Ткань такого хитона может быть украшена орнаментом в разных количествах, тем более что складок такая одежда не образует.

-Если прямоугольный кусок ткани по ширине (объему) и высоте значительно превышает размеры человеческой фигуры и при образовании покрова верхний край ткани будет отогнут до талии или до колена, сколотый на плечах кусок получит наименование пеплоса. Пеплос - одеяние с отворотом, спускающимся на грудь и спину, прикрывающим плечи, в отличие от хитона с отворотом, при ношении которого плечи открываются.

Запас ткани по ширине таков, что пеплос набирается могучими вертикальными складками, а отворот спускается от линии прикрепления на плече каскадом складок. Два или один напуска на талии или под грудью и на бедрах усложняют горизонтальной линией движения вертикалей, создавая сильное статичное впечатление.

-Гиматий –плащ, укрывал с головой, являясь одновременно одеялом и нередко единственной одеждой, хотя в обиходе на тело надевался хитон. Гиматий по длине мог быть до колен, до щиколотки, даже свисать до земли.

-Хламидой называется легкий плащ - кусок прямоугольной ткани, закрепленный узлом, застежкой, пряжкой - фибулой на правом плече или под подбородком. При правильном положении на теле он образует красивые каскадные складки. Края могут быть украшены орнаментом или полосой, а в углы вшиты грузики для поддержания линии складок.

-Плащ хлена - плотная грубая ткань, упоминается в текстах как плащ зимний, одеяло, в которое кутались от холода. Так же называется обильно драпированный плащ. Плащ-хлена по размеру меньше гиматия, на одну треть отогнутый, застегивается на одном плече, проходя под левой рукой.

Др. Рим. - Тога -Национальной одеждой граждан Римской империи считалась тога - ткань эллипсовидной формы, складывающаяся вдвое и сложными манипуляциями окутывающая фигуру. Сложность ее одевания заставила прибегать к предварительным операциям укладывания ее на манекене. Потеряв связь с движениями тела, лишившись своей первостепенной роли украшения его, тога получила значение самостоятельного драпированного куска ткани, безотносительного к форме тела, под нею скрытого. Собственно, этим и определился масштаб ткани, значительно превышающий человеческие пропорции греческого гиматия. Эстетика формы тоги как одеяния, или, проще говоря, ее красота, закрепилась в жестком регламенте правил укладывания складок, требующих постоянства линий драпировки и их неподвижности. Тога надевалась поверх туники. Последняя превратилась в домашнюю одежду коллобий - рубаху или, вернее, платье с коротким или длинным рукавом, квадратным или круглым вырезом горловины. Имея просторную форму, она часто опоясывалась и уже ничем не напоминала греческий хитон. Два вертикальных клавуса (полосы) спускались по всей длине полотнища. Особое богатство декоративного убранства приобрели туники в период христианизации Рима с I по VII век н. э. Практически тога изображается плащом с закругленными краями, который образует красивые величественные складки, но размеры которого, приближаясь к гиматиону (относительно роста исполнителя), дают возможность двигаться, не вступая и противоборство с грандиозностью объема.
Женские одежды римлян также сходны с греческими, кроме тех случаев, когда они надевались в несколько слоев. Делали их из тонких и дорогих цветных тканей. Сложные и громоздкие прически, вызвавшие ношение париков при обилии дорогих украшений - колец, диадем, браслетов, серег, ожерелий,- создавали облик римлянки - изнеженной, богатой, порой безвкусной. Что до одеяния слуг, рабов, ремесленников, то оно ничем не отличалось от греческого, разве что в период императорский, когда в римскую одежду стали проникать восточные и варварские элементы: штаны, куртки, восточные шапки.

 

БИЛЕТ 4

Костюм ассиро-вавилонии

Древняя Ассиро-Вавилония располагалась в междуречьи Евфрата и Тигра. Природные условия государства характеризовались теплым климатом с резкими колебаниями температуры, обильными разливами рек, что обусловило в религии и искусстве культ воды. Основной род занятий жителей - земледелие, скотоводство, ремесло, производство шерстяных тканей, торговля. Государственный строй Ассирии - деспотическая монархия во главе с царем, с мощным бюрократическим аппаратом чиновников и хорошо оснащенной армией. Основными видами искусства древней Ассиро-Вавилонии, наивысший расцвет которого приходится на IX—VII вв. до н. э., были архитектура, монументальная живопись, скульптура. На содержании и форме искусства лежит глубокий отпечаток военизированного характера государства.
Эстетический идеал красоты человека отражается в ассирийском искусстве в основном в идеализированном образе царя. Индивидуальные черты царя никогда не отмечаются художниками. Зато преувеличенная мускулатура обнаженных рук и ног, пышные длинные волосы и борода говорят о том, что понятие красоты прежде всего подразумевает огромную физическую силу, крупные черты лица, богатые прически и бороды.

Основным видом ассирийской одежды была рубаха канди с цельнокроеными рукавами до локтя или длинными. Длина рубахи доходила до коленей, по бедрам завязывали широкий пояс. Качество ткани, декоративное украшение, длина и количество одновременно надеваемых одежд определялись сословием. Право ношения больше одной одежды имел только царь. Его канди был длинным из тонкой белой шерсти, богато украшенным вышивкой геометрического узора, с золотыми чеканными пластинками и густой бахромой по низу. Поверх канди царь надевал длинный плащ без складок, также украшенный бахромой и вышивкой. Наиболее распространенный цвет плаща - пурпурный. Нашитые золотые пластинки, кроме декоративного, имели еще и символическое значение, изображая солнце, луну, звезды.
Излюбленным видом отделки была бахрома, которую либо пришивали к краю одежды, либо носили как самостоятельное украшение. Бахрома, перекрещивающаяся на груди - отличительная особенность одежды военачальника.
Костюм царя и аристократической знати изготовлялся из очень тонкой, дорогой шерстяной ткани.
Производство такой ткани, украшенной разноцветной вышивкой, достигло в Ассирии высокого мастерства и составляло основной предмет внешней торговли. Самые распространенные цвета тканей - пурпурный различных оттенков (красный, фиолетовый, синий, голубой) и желтый (оранжевый, коричневый).
Женских изображений в искусстве Ассирии почти нет в связи с бесправным положением женщины в обществе. На барельефе, изображающем царя Ашшурбанипала с женой в саду, видна одежда царицы и рабынь которая почти ничем не отличается от мужской.

Конструктивное решение ассирийской одежды несет в себе зачатки примитивного кроя, который лежит в основе всех видов восточных одежд более позднего времени. Это комбинированный тип накладной и драпирующейся одежды, которая имела два вида: длинная и короткая одежда, состоящая соответственно из одной и двух частей. В первом случае прямоугольным куском ткани обматывали тело от ног до шеи, вокруг шеи обертывали украшенную бахромой верхнюю часть одежды, располагая разрез посередине, сверху надевали широкий пояс.
Во втором случае - нижней частью короткой одежды обертывали тело от коленей до талии, на плечи надевали верхнюю часть одежды в виде куска ткани с фигурными очертаниями и с отверстием для головы, на талии сверху повязывали пояс. Украшением верхней и нижней частей служила бахрома.

Обувь в Ассирии была более распространена, чем в Египте. Носили ее царь, знать и воины.
Обувь представляла собой кожаные сандалии с закрытым задником, иногда с небольшим каблуком. Впоследствии сандалии заменили высокими башмаками, которые особенно были распространены у воинов.
Головные уборы ассирийцев были небольшие по объему, круглые, с налобной повязкой или и форме усеченного конуса. Их изготовляли из войлока. Царь носил белую войлочную тиару, украшенную металлическими пластинками. Поверх нее завязывалась налобная золотая повязка с эмалью, драгоценными камнями и бахромой на концах.
Большое место в своем костюме ассирийцы отводили украшениям. Спиральные браслеты на плечевой части, запястьях и щиколотках, серьги, перстни имели декоративное и символическое значение.
По эстетическим представлениям ассирийцев волосы составляли особую красоту человека, поэтому их прически поражают своей пышностью и великолепием. Усы, бакенбарды и очень длинные бороды ассирийцы завивали в мелкие кольца, волосы на голове заплетали рядами в косички, концы которых также мелко завивали. Широко применялись парики.

 

Орнамент эпохи готики.

Готическое искусство зародилось около 1440 года в Иль-де-Франс. Первоначально оно прослеживается только в строительстве соборов и наиболее важных аббатских церквей этой области. Но довольно скоро готика распространилась по всей Франции, а затем и по Европе.

Главная особенность готической художественной системы – острый внутренний конфликт между внешней ее организацией по орнаментальному принципу и рвущейся наружу самостоятельностью «элементов» этой орнаментальной системы, которые все более и более обнаруживают стремление к непосредственному контакту между собой. Изображенные у колонн храма святые символически толковались как «столпы церкви», хотя в то же время они воспринимались как личности, взаимодействующие друг с другом и зрителем.

В готике, возникает целый ряд орнаментальных мотивов, навеянных архитектурными элементами. К ним относится прежде всего заимствованная из арабской архитектуры стрельчатая арка, которая приобрела здесь не только важнейшее конструктивное, но и основополагающее декоративное значение, став центральным стилеобразующим орнаментальным мотивом. С ней органично связана башенка-пинакль, являющаяся своеобразной малой моделью самого готического храма, острый шпиль которой, как бы парящий в воздухе, опирается лишь на тонкие колонны. С аркой связан и вимперг – венчающий ее треугольный элемент. Наконец, мотив арки породил изящное декоративное оформление ниш, витражей в виде резной внутриарочной конструкции, представляющей собой систему из кругов, опирающуюся на тонкие длинные колонки. Последние могли отсутствовать, а круги заменяться полукругами, что создавало красивую замысловатую композицию, которая могла дополняться новыми деталями в виде шишечек или волют. Этот мотив был особенно популярен в экстерьерах храмов, где он постоянно использовался в украшении арок, ниш, порталов, галерей, плоских стен, мебели, делая декор храма похожим на тонкое, замысловатое ажурное кружево.
Готический орнамент был многообразен и символичен. Продолжают использоваться преобразованные античные и византийские мотивы, но наряду с ними явно преобладают новые темы. Прямолинейные геометрические формы переходят в плетения криволинейные. Помимо геометрических орнаментальных построений и воспроизведения формы стрельчатой арки, сферических треугольников и четырехугольников широко применяются растительные формы местной флоры, что составляет характерную особенность орнаментации той эпохи – листья винограда, репейника, дуба, плюща, клевера, роз и др. Широкое распространение получил мотив трилистника и двулистника. Позднее используются формы колючих растений – терновника, чертополоха, папоротника и др.

Чрезвычайно яркое и своеобразное явление готической культуры – декор шелковых тканей, так как текстильное искусство этого времени в Европе, и прежде всего во Франции, впервые получает высокое развитие. На стилистику его огромное влияние оказали китайские ткани, обильно завозимые в Европу. Для характеристики текстильного орнамента готики в литературе существует специальный термин: китаизирующий стиль. Из Китая проникли мотивы фантастических животных: драконов, тигров, диковинных птиц и проч. Готика добавила от себя целый арсенал всевозможных фантастических идей, воплощая их в самых невероятных решениях. В этом поистине химерическом мире прослеживается бесчисленное количество сюжетов.

 

БИЛЕТ 5

Туника. Типы и виды

Туника и тога — основа древнеримского мужского костюма, хотя и отличались по своему художественному и конструктивному решению от греческого хитона и гиматия, однако имели много общих черт. Туники имели несколько разновидностей, различаемых по длине и ширине изделия, по длине и ширине рукавов. Чем богаче и знатнее был хозяин туники, тем искуснее она украшалась. Декоративные украшения (полосы, вышивка, орнамент) носили также и сословно-должностной характер. Они были преимущественно темно-вишневого, пурпурного, синего цвета; цвет имел определенную символику. Так, пурпурные вертикальные полосы по переду туники, различающиеся по количеству и ширине, носили римские сенаторы и всадники. Туника полководца-победителя была пурпурной, расшитой узором в виде золотых пальмовых ветвей.

Короткая туника с широкими проймами без рукавов назыв. “колобий”. Ее носили в основном юноши и иногда простолюдины

Туники одевались послойно, сохраняли примитивную конструкцию.

Тунику с вертикальными клавусами носили римские сенаторы, туника “пальматта” была принадлежностью воинов-триумфаторов, тунику “таларис” носили консулы.(она часто имела великолепное декоративное убранство).

Женская туника по покрою не отличалась от мужской. Поверх туники знатные римлянки носили столу, более широкую и длинную, чем туника. Сочетание туники и столы решалось комбинацией разной фактуры и плотности тканей, длины рукавов и декоративного оформления столы. По низу столу обшивали плиссированной оборкой. Стола подпоясывалась с напуском, который создавал определенные пропорции.

 

БИЛЕТ 6

БИЛЕТ 7

БИЛЕТ 8

Сарафан. Типы и виды.

Представление о русском женском костюме обычно связано с сарафаном (платья без рукавов). Комплекс одежды с сарафаном распространился широко в России на рубеже XVII - XVIII вв. Он включал рубаху, сарафан, пояс, передник. Сарафан носили не только крестьянки, но и городские мещанки, купчихи и другие группы населения. Примерно к XVIII столетию, на севере Европейской России, в Верхневолжье и Московии, прочно утвердился сарафан. Его надевали поверх прямой рубахи. В некоторых местностях Юга России сарафан являлся не только девичьей, но и женской одеждой. Состоятельные невесты из Суджанского уезда Курской губернии шили к свадьбе костюм, состоящий из рубахи, сарафана-шубки из алого штофа, передника, одного или нескольких поясов, головного убора, нагрудных украшений, серег. Под сарафан было принято надевать по несколько юбок, которые зрительно увеличивали полноту девушки, а также служили ей нижним бельем. В средневековой одежде, в том числе и русской светской, рукава могли быть съемной деталью - тогда они временно привязывались, пристегивались или пришивались к плечевой части, при этом пройма под рукой оставалась несшитой. Туда и продевались руки, а сами рукава, будучи не только очень длинными, но и предельно узкими, оказывались чисто декоративным элементом и обычно завязывались сзади.

Наряду с отделкой золотными кружевом и тесьмой, пуговицами и шнурами вышивка была одним из основных способов украшения сарафанов.

-Косоклинный сарафан шился из трех полотнищ ткани – двух впереди и одного сзади. В нижней части в его боковые швы вшивалось несколько косых коротких клиньев с подклинками, расширявших подол. Спереди полотнища-полы не сшиты и удерживаются застежкой с длинным рядом пуговиц на воздушных петлях из тесьмы. Сарафан шился с широкими проймами или с лямками. Лямки делались широкими или узкими, выкраивались вместе со спинкой из заднего полотнища или из отдельного куска ткани.

-Тип сарафана - «московец» кроя прямого, или круглого, покрой его очень прост, он сшит из семи прямых полотнищ с лифом. Он представляет собой широкую центральную прямоугольную полосу с верхним фигурным краем и двумя боковыми клиновидными вставками; с изнанки продублирован серым холстом. У него узкие лямки, которые обшиты хлопчатобумажной тканью, крепятся на груди и середине спины. Грудь поддерживают длинные узкие завязки, пришитые к краю полотнища. Полотнища сарафана сотканы из льняных и покупных хлопчатобумажных нитей в технике полотняного переплетения «с перебором». Ткань сарафана отличается подчеркнутой декоративностью

-В селе Невежкино (современный Белинский район) предпочитали сарафаны приталенные, с кокеткой в передней части, стойкой-воротником с разрезом посредине груди. Юбка из пяти-шести полотнищ - собиралась у пояса, иногда имела кайму из нашитых полос черного сатина.

- Более ранние сарафаны имеют округлый вырез на груди, прямоугольный вырез и пришивные лямки типичны для более поздних сарафанов – конца XVIII начала XIX вв.

Наиболее архаичный тип северного сарафана, который имеет необыкновенно красивый летящий силуэт благодаря клиньям, вставленным в бока и спинку. называется кумачником. Обычно сарафаны шились из прямых полотнищ, присобранных на узкую поперечную полоску выше груди. Они держались на лямках, бретелях, соединенных сзади посредине спины. Шелковые и парчовые сарафаны в некоторых северных губерниях России в конце XVIII – начале XIX веков дополняли нагрудной распашной одеждой, короткой и без рукавов – епанечкой (разновидность душегрея), По крою и системе декора она близка к косоклинному сарафану и, повторяя его трапециевидный силуэт, создает дополнительный объем, поддерживающий ритм и строй северного праздничного костюма.

 

*Известно несколько видов сарафанов. На формирование их кроя и отделки оказали влияние особенности местности.

Этот наиболее древний вид еще в XIX веке. Переднее и заднее полотнища сарафана соединяли по бокам дополнительными клиньями. Прямое переднее полотнище не имело срединного шва. Ворот и пройму вырезали из прямого куска. Этот сарафан в Тверской губернии называли касталан (или костолан), в северных районах – горбун.

Другой крой был у сарафанов Новгородской, Олонецкой, Псковской и других северо-западных губерниях. Он был совсем закрытый, и поэтому его прозвали – шушун или глухарь. Шили такой сарафан из перегнутого плечами полотнища, по бокам пришивали скошенные клинья. По спине пришивали длинные, часто фальшивые рукава.

Два передних полотнища и одно заднее были прямые, к ним пришивали сильно скошенные клинья, которые расширяли одежду. Разрез спереди украшали кумачом с вышивкой, бахромой, пуговицами и т.д., этот вид одежды был распространен в XIX веке во всех губерниях центральных районов России. В Тверской и Ярославской губерниях его называли ферязь, в Московской – саян, в Смоленской – сороклин.

Шили его из нескольких прямых полотен (от 4-х до 7-и), сверху излишек ткани собирали в мелкую сборку и закрывали узкой тесемкой или бейкой. На спине узкие короткие лямки сшивали вместе, а спереди – отдельно. Украшения в виде декоративной вышивки, тесьмы и т.п. делали по подолу и на груди. В Московской и Владимирской губерниях его именовали «шубкой». Носили его как молодые, так и пожилые. Отличие было в цвете. Молодые шили из светлых тканей, пожилые из – темных.

Он появился в конце XIX – начале XX века и представлял собой нечто вроде полуплатья. Прямая юбка в сборку, к которой пришивали лиф без рукавов с застежкой спереди и небольшим вырезом у шеи. Другая его разновидность – лиф облекал только спину, а спереди прямые полотнища опускались до груди.

 

Орнамент эпохи Возрождения.

В производстве тканей, так же как в остальных отраслях ремесленного производства и прикладного искусства Европы, наблюдается мощный подъем. Центром развития ремесел была Италия, так как социально-экономические предпосылки для зарождения капиталистических отношений, расцвета городов и новой городской культуры здесь сложились раньше всего. В развитых городах Италии — Генуе, Милане, Флоренции, Венеции — широко развивается шелковое ткачество, изготовление набивных тканей. По фактуре, плотности и внешнему виду итальянские шелковые ткани были чрезвычайно разнообразны. Особенно эффектны были итальянские алтабасы и аксамиты. На алтабасе золотом по золотому фону или серебром по серебряному ткали узор. Его контуры подчеркивали цветным атласным или бархатным кантом.
В орнаменте преобладали стилизованные формы ананаса, тюльпана, виноградной лозы, аканта на фоне растительных завитков и узоров. Особым успехом пользовались гранатовый узор и «павлиньи перья». Кроме цветочных узоров на тканях изображались фигуры животных, птиц. Цветовая гамма тканей итальянского Возрождения отличалась яркостью колорита, цветистостью, насыщенностью, цветовыми контрастами. Излюбленными цветами были холодный красный, сине-голубой, смарагдово-зеленый, золотистый. Для траурных костюмов использовали не черный, а коричневый, фиолетовый, темно-малиновый цвета. Ткани изготовлялись и в других европейских странах: Нидерландах, Германии, Испании, Франции. Крупными центрами ткачества были нидерландские города Брюгге, Утрехт, которые славились набивными льняными тканями и тиснеными бархатами. Кроме тканого узора и набивки в украшении бархатных и шелковых тканей широко применялась вышивка рисунков в виде золотых листиков, колец, кружков с рельефным изображением львов, драконов, птиц, вышивка жемчугом и драгоценными камнями. Масса костюма, расшитого таким образом, могла достигать 25—40 кг.

С XV—XVI вв. в Италии, Франции, а затем и в других европейских странах для верхней одежды перестают применять льняные ткани, заменяя их парчой, бархатом, плотным шелком. Лен становится незаменимым материалом в изготовлении нижних одежд, однако его матовая или блестящая фактура, белизна продолжают играть большую декоративную роль в костюме.

С XV в. в Европе появляется кружево, которым обшивали края сорочки, низ рукавов. Ранние венецианские кружева были шитые, типа гипюра, без тюлевого фона, из хлопка белого и кремового цвета. Затем появляются вязаные кружева, черные, золотые, серебряные в виде края, состоящего из маленьких петелек, комбинации которых давали сложные геометрические узоры.

 

БИЛЕТ 9

БИЛЕТ 10

Русская набойка

Особенно широко искусство набойки было развито на Руси. Русская набойка украшала крестьянскую одежду, скатерти, сарафаны и рубахи.

Оба описанных способа украшения тканей существуют до сих пор.

КУБОВАЯ НАБОЙКА — получила свое название от куба — чана с красителем индиго, в котором окрашивалась ткань с нанесенным набивным способом узором.

НАБОЙКА — способ украшения ткани. Название получила от процесса работы, когда по доске с рисунком, наложенной на ткань, ударяли деревянными молотками для лучшего проникновения красителя в ткань.

Старинная русская набойка по своим техническим приемам была очень близка батику — разогретый резерв (различные смеси пчелиного воска, смол и других компонентов) наносился вручную на ткань при помощи так называемых квачей (тампонов), штампиков или резных досок. После застывания резерва ткань опускали в чан, как правило, с синей краской — индиго. По окончании процесса крашения ткань просушивали, удаляли резерв, после чего на синем фоне оставался белый узор. Чан, в котором окрашивалась ткань, назывался кубом; отсюда и способ этот получил название кубовой набойки.

Нередко наносили масляной краской ярко-красный горох. Эти ткани использовались главным образом для шитья сарафанов, а нередко и мужской одежды.

Индиго - природный кубовый краситель. Название "кубовый" возникло благодаря способу изготовления красителя: его необходимо было настаивать в специальных чанах - "кубах". Искусные мастера - "синильщики", "красильщики" - могли придать ткани любой оттенок от глубокого синего до светло-голубого. Из "синюхи" шили праздничную и будничную одежду, головные уборы, ее могли использовать и при изготовлении обуви.

Позднее, в конце XVII в., научились выполнять так называемую белоземельную набойку.

Мастера-рисовальщики и граверы на протяжении многовекового пути развития набойки отбирали и отшлифовывали узоры, главным украшающим мотивом которых становились цветы и листья. В декоративных набойках нередки были изображения сцен деревенской и городской жизни, птиц и зверей

Орнамент набойки всегда графически четкий, линейный. В нем не используются оттенки и полутона. Это своеобразная гравюра на холсте. Такое сравнение не случайно, потому что мастера-набивщики часто заимствовали элементы узора из гравированных книжных иллюстраций и лубочных картинок.

Набивные ткани были яркими, декоративными. Они заменяли крестьянам шелк, бархат, атлас – дорогие привозные материи, которыми могли пользоваться лишь люди состоятельные. Из набивных тканей шили как женскую одежду (сарафаны, передники, верхние части рубах), так и мужскую (рубахи, порты). Набойка использовалась в облачениях священников и в церковной утвари. Ею обтягивали переплеты книг. В технике набойки изготовляли даже полотнища знамен.

БИЛЕТ 11

БИЛЕТ 12

Людовик 13 – 1601-1643 гг.

 

БИЛЕТ 14

Орнамент древних кельтов.

орнаменты древних кельтов безусловно напомнят плетение корзин, кос и, наконец, тканевую основу. Это имеет древнюю магическую традицию, когда люди, наделенные даром особого видения мира, говорят об энергетических потоках как о нитях. Большинство кельтских орнаментов состоит из стилизованных изображений птиц, богов, людей и животных, предметов домашнего обихода. Древние кельты верили в бессмертие духа как части Мирового разума. Как и индийцы, они считали: человек должен пройти бесконечно долгую череду перевоплощений в различных состояниях и физических телах, чтобы достичь совершенства и конечного слияния с Мировым разумом.

Именно поэтому глубоко символичен тот факт, что кельтские орнаменты составляет множество узлов, каждый из которых можно рассматривать как отдельную человеческую жизнь. В ц