Графический дизайн эпохи ар нуво во Франции. А.Т. Стейнлен,



Мы поможем в написании ваших работ!


Мы поможем в написании ваших работ!



Мы поможем в написании ваших работ!


ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ?

Графический дизайн эпохи ар нуво во Франции. А.Т. Стейнлен,



А.М. Муха.

 

Теофиль-Александр Стейнлен (фр. Théophile-Alexandre Steinlen; 10 ноября 1859 года, Лозанна — 14 декабря 1923 года, Париж) — французский и швейцарский художник, график и иллюстратор, работавший как в реалистическом стиле, так и в стиле модерн.

Т.-А.Стейнлен приехал в Париж в 1878 году и сперва работал техником-чертёжником. Через 5 лет он переезжает на Монмартр. Здесь Стейнлен быстро познакомился и подружился с художественной и артистической средой Монмартра, в особенности с посетителями кабаре «Чёрный кот» — в первую очередь, с художниками Анри де Тулуз-Лотреком и Адольфом Вилеттом, а также с владельцем кабаре, поэтом и шансонье Аристидом Брюаном. Авторству Стейнлена принадлежат многочисленные плакаты кабаре «Чёрный кот», кроме этого он иллюстрирует газеты, журналы и книги, сотрудничает в юмористических журналах, а в 1911 году вместе с друзьями начинает издавать газету «Юмористы».

Т.-А. Стейнлен стал знаменитым благодаря своим парижским плакатам, созданным около 1900 года, его сценам из ночной жизни Монмартра и, конечно, его «кошачьим» картинам и графике, сделавшим ему имя.

Афиша кабаре «Tournee du Chat Noir» "Черный кот", являющаяся одним из символов Парижа, создана Теофилом Стейнленом в 1896 году.

Афиша кабаре "Черный кот"

Плакат: "Пейте кипяченое молоко!"

Вскоре художник стал иллюстрировать газету «Мирлитон», которую издавал владелец другого кабаре, поэт сочинитель песен и их исполнитель Аристид Брюан. Снова афиши, реклама. Потом оформление сборников песен Брюана «на улице», эпиграф, выбранный Брюаном для своей книги, гласил: «Ты на улице – значит ты дома». Он выражает также и дух рисунков Стейнлейна. Это относится к тем литографиям и уличным сценкам, которыми Стейнлейн участвовал на страницах иллюстрированного приложения к журналу «Блаз». Хорошо знакомый жизненный материал помогал Стейнлену в своих иллюстрациях подниматься выше уровня в основном заурядной литературы, печатавшейся в журнале (хотя среди участников его были также Золя, Мопассан, Жюль Ренар), показывать с большим состраданием жертв общественного строя. Зарисовки с натуры никогда не попадали в произведения Стейнлейна в непреображенном виде, он большое значение придавал выразительности композиции, силуэта. Его герои проходящие через все произведения художника,- трудовой люд, мастерицы, прачки, каменщики, дети бедняков. Большая цветная литография «Улица», исполненная для издательства Верно (1896), представляет собой как бы собрание любимых персонажей художника, изображенных в кипении уличной жизни.

Аристид Брюан : Dans la rue

Аристид Брюан : À la Villette

Плакат: "Спасите Сербию"

Альфонс Муха

В нашей стране имя знаменитого чешского художника Альфонса Мухи мало известно. А между тем оно стало буквально символом живописи конца «золотого», – начала «серебряного» веков... Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и назвали (и называют поныне) – «стилем Мухи». Или – «модерн», «югендстиль», «сецесьон». Название пришло из Франции. Да и самого художника в Европе порой считают французом. Но это не так.

Альфонс Муха - выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших представителей стиля модерн.

Родился художник 24 июля 1860 в Иванчице (Моравия) . Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. С1881 года Альфонс Муха был придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р. Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.

Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра С.Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898). Частично Альфонс Муха выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения.Альфонс Муха стал одним из ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896; Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт - постеров.

Собрал свои дизайнерские проекты (панно, витражей, ковров, мебели) в альбоме Декоративные документы (1901). Работал как книжный иллюстратор, исполнил декоративную живопись павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже (1900; не сохранилась) и Дома собраний в Праге (1910), нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918). В 1913–1930 написал большой цикл Славянская эпопея (музей замка Моравски Крумлов); традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна. После Первой мировой войны Альфонс Муха перебрался в Чехию. Умер художник в Праге 14 июля 1939.

Браслет и кольцо в виде змеи. 1899

Чертополох из пустыни. 1902

Реклама велосепедов торговой марки "Perfecta". 1897

Голова византийки: Брюнетка. 1897

Фрукт. 1897

Мечтательность. 1897

Сара Бернар. 1896

Осень. Из серии "Сезоны". 1896

Цветок. 1894

Любовники. 1895


7)Дизайн эпохи ар деко во Франции. Стилевые тенденции формообразования, ведущие представители.

Ар-деко́, также «арт-деко» (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма.

Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

В форме преобладают скругленные углы, энергичные кривые линии, ломанные зигзагообразные, ступенчатые элементы и строгие вертикальные линии. В качестве декоративных элементов используют зигзаги, треугольники, окружности из красного и черного дерева, цветное стекло персикового цвета. Обивку для мебели делают из качественной кожи, с экзотической выделкой. Мебель, выполненная в стиле арт-деко, поражает воображение своими необычайными геометрическими узорами, выполняемыми в стиле этно. Во всем наблюдается строгая закономерность. Из материалов используют слоновую кость, кожу акулы, зебры, крокодила; редкие породы дерева, алюминий, серебро, нержавеющую сталь, эмаль. Несмотря на такое разнообразие форм, материалов и воплощений, мебель арт-деко — очень компактна и функциональна.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в [[|Streamline Moderne]] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей, изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

  • «Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
  • Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
  • Древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех.
  • «Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста.
  • Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
  • Колористическая палитра фовизма.
  • Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
  • Эпоха джаза.
  • Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
  • Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флапперов.
  • Технологические достижения «века машин» — такие как радио и небоскрёбы.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики. В «стримлайн содерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow[en]», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилкок, зданий и холодильников.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъёма массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

 

 


 

Адольф Жан-Мари Мурон, более известный как А.М. Кассандр (24 января 1901 — 17 июня 1968) — французский живописец, литограф, мастер рекламных плакатов и дизайнер шрифта.

Родился в Харькове. В юности переехал в Париж, где обучался в школе изящных искусств (фр. École des Beaux-Arts) и Академии Жюлиана.

Сотрудничал с Parisian Printing House. Вдохновленный кубизмом и сюрреализмом, заработал репутацию работами, типа Bûcheron (Woodcutter/Лесоруб — 1923). Этот плакат получил первую премию на международной выставке Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Международная выставка современных декоративных и индустриальных искусств) в 1925. Эта выставка послужила причиной возникновения термина «ар-деко». На выставке были показаны предметы роскоши французского производства, доказав, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

В 1926 году совместно с партнерами открыл собственное рекламное агентство Alliance Graphique. Работы для винной компании Dubonnet были среди первых постеров, разработанных в манере, которая позволила им быть замеченными жителями в стремительных транспортных средствах. Преподавал графический дизайн в École des Arts Décoratifs и затем в École d’Art Graphique.

С типографикой связана важная часть дизайна плакатов, поэтому Кассандр создал несколько новых стилей шрифта: Bifur в 1929, Acier Noir в 1935, и в 1937 — шрифт Peignot.

В 1936 его работы были показаны в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке в рамках презентации Harper’s Bazaar.

С начала Второй мировой войны и вплоть до капитуляции Франции Кассандр служил во французской армии. После капитуляции работа в агентстве была свернута, Квссандр создавал декорации, реквизит и костюмы для театра. После войны, он продолжил это направление работы, иногда возвращаясь к живописи.

В 1963 году Кассандр создал всемирно известный логотип Yves Saint-Laurent.

В 1968 году депрессия приводит А. М. Кассандра к самоубийству в Париже.

В 1985 Анри Мурон выпустил книгу A.M. Cassandre, в которой рассказал о жизни отца.


Жорж Барбье (фр. George Barbier; 10 октября 1882(18821010), Нант — 16 марта 1932, Париж) — французский художник и иллюстратор.

Барбье изучал живопись в Высшей национальной школе изобразительного искусства в Париже. Первая выставка Барбье состоялась в Салоне юмористов в 1910 году. Следующая, в галерее Буте де Монвиль, принесла художнику известность. С 1912 года и до своей смерти Барбье выставляет свои работы в Салоне художников-декораторов. Прославился своими эскизами сценических костюмов для Русского балета Дягилева. Работал также для кино и для крупных французских журналов мод, где не только публиковал свои художественные работы, но и критические заметки. Иллюстрировал каталоги и многие литературные произведения, в том числе сочинения Ш. Бодлера и П. Верлена. Был автором моделей для изготовления ювелирных украшений.

Ж.Барбье своим творчеством оказал влияние на развитие такого художественного направления в искусстве ХХ столетия, как арт-деко.

 

 

Jeanne Paquin Gown


 

Андре Маре (фр. André Mare; 1885(1885), Аржантан — 1932, Париж) — французский художник-кубист, один из основателей художественного направления Ар-деко в начале ХХ столетия.

А.Маре изучал живопись в Школе декоративного искусства, которую окончил в 1904 году, и в Академии Жюлиана. В 1906 году он выставляет свои работы в Салоне Независимых и в Осенном салоне, вместе с такими молодыми мастерами, как Роже де ла Френе, Марино, Сегонзк и Марсель Дюшан. С 1910 года А. Маре увлекается также дизайном интерьеров помещений. В 1912 году он, вместе со своими друзьями-художниками — Роже де ла Френе, Мари Лорансен и скульптором Раймоном Дюшан-Вийоном на парижском Осеннем салоне разворачивает кубистскую экспозицию, что вызывает скандал.

С началом Первой мировой войны А. Маре был призван в армию и, как профессиональный художник, занимался разработкой военного камуфляжа, различных видов маскировки для артиллерии — с использованием применяемой им в живописи кубистской техники. В 1914—1918 годах А. Маре пишет свою книгу «Кубизм и камуфляж» (Cubism et Camouflage).

После окончания войны, в 1919 году художник, совместно с архитектором Луи Сюэ, создаёт Компанию французского искусства (la Compagnie des Arts Français). В послевоенные годы А. Маре в своих произведениях часто обращается к пережитому на фронте. Среди таких его, поздних работ следует отметить Американские войска, марширующие через Триумфальную арку (1930) и Похороны маршала Фоша (1931).

В послевоенное время А. Маре, талантливый художник и дизайнер интерьера, работая в кооперации с архитектором Луи Сюэ, был одним из признанных лидеров направления Ар-деко в искусстве первой половины ХХ столетия. Будучи известным дизайнером, он по заказу Мориса Равеля в 1921 году создаёт костюмы для его «испанских балетов», поставленных в Парижской опере. В 1925 году А. Маре и Л. Сюэ делают внутреннее оформление для двух павильонов Международной выставки декаративного искусства, а также в парижском Музее современного искусства.

В 1926 году художник был награждён орденом Почётного легиона

 

       
 
Автопортрет Андре Маре, 1914 г.
 
Андре Маре, 1917 г.
 


 


Рульманн, Эмиль-Жак (фр. Émile-Jacques Ruhlmann, 28 августа 1879 – 15 ноября 1933) – французский дизайнер. Представитель направления ар-деко в области дизайна мебели и интерьеров.

Эмиль-Жак Рульманн родился в Париже, но его родители были родом из Эльзаса. Отец Жака-Эмиля был владельцем фирмы, занимавшейся малярными и строительными работами. После смерти отца в 1907 году Жак-Эмиль перенял семейное дело.

В 1910 году, после женитьбы, Рульманн спроектировал мебель для своего собственного нового дома, что стало его первым опытом в области мебельного дизайна. При этом Рульманн был самоучкой, поскольку у него отсутствовало какое-либо художественное образование. В 1919 году Рульманн основал отдельную фирму по дизайну интерьеров. Помимио мебели фирма проектировала и дургие элементы интерьера, например люстры и обои. В 1927 году в мебельной мастерской Рульманна работало несколько десятков работников.

В начале творческой карьеры в мебели Рульманна было заметно влияние ар-нуво, но впоследствии основным источником вдохновения стало французское мебельное искусство XVIII века. При создании мебели Рульманн использовал дорогие материалы, например слоновую кость и экзотические сорта древесины.

Рульманн умер от болезни в 1933 году. По условиям его завещания фирма была ликвидирована после завершения работы над текущими заказами.




Последнее изменение этой страницы: 2016-04-23; Нарушение авторского права страницы; Мы поможем в написании вашей работы!

infopedia.su Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. Обратная связь - 3.236.117.38 (0.019 с.)