Группа « Мост » 1905. Экспрессионизм

ШМИДТ-РОТЛУФ, Карл 1884, Ротлуф, близ Хеймница, Саксония — 1976, Берлин. Немецкий живописец и график. Представитель экспрессионизма.

В 1905 обучался на архитектурном отделении Саксонского высшего технического училища в Дрездене, где вместе с Э. Кирхнером, Э. Хеккелем и Ф. Блейлем создал объединение художников "Мост", положившее начало экспрессионизму в Германии. В ранних работах проявилось влияние Сёра и Синьяка, однако характерная для дивизионистов методичная кладка точечных мазков преобразуется у Шмидта-Ротлуфа в бурный водоворот мерцающих красок (Плейсебах, 1906, Берлин, музей "Моста"). Преобладающие сюжеты Шмидта-Ротлуфа, как и других участников дрезденского объединения, — пейзаж и обнаженная натура на пленэре. Форма передается энергичными, порывистыми движениями кисти; массивные фигуры обладают брутальной выразительностью, обнаруживающей интерес художника к негритянской пластике (Пейзаж в Дангасте, 1910, Амстердам, Гор. музей; Автопортрет с моноклем, 1910, Берлин, Нац. галерея; После купания, 1912, Дрезден, Картинная галерея). Живопись Шмидта-Ротлуфа отличается особой монументальностью лаконичных, плотно скомпонованных форм и звучной красочной гаммой, построенной на сопоставлениях дополнительных цветов (красного и зеленого, синего и оранжевого): Лофтхус (1911, Гамбург, Кунстхауз), Дома ночью (1912, Нью-Йорк, Музей современного искусства). Изучая приемы старонемецкой гравюры, Шмидт-Ротлуф вместе с другими художниками "Моста" возродил технику ксилографии. В 1912 совершил поездки в Италию, Францию. Далмацию. В 1915—1918 воевал на восточном фронте, после ноябрьской революции 1918 входил в "Рабочий совет по делам искусств". В 1931—1933 был членом Прусской академии художеств (исключен по указанию нацистских властей). Вследствие нацистских конфискаций и бомбардировок Берлина в 1943 погибла бульшая часть его работ. С 1946 жил в Западном Берлине, где преподавал в Высшей школе изобразительных искусств (1947—1954). Основал музей "Моста" (1964).

 

НОЛЬДЕ, Эмиль,наст. фамилия Ханзен

 

1867, Нольде, Сев. Шлезвиг — 1956, Зебюлль, Шлезвиг-Гольштейн. Немецкий живописец и график. Представитель экспрессионизма. Обучался резьбе по дереву на мебельной фабрике и в Школе художественной резьбы во Фленсбурге (1884—1888), затем посещал художественную школу Ф. Фера в Мюнхене (1898—1900).

 

В 1903 поселился на острове Альсен, а в 1906 примкнул к объединению дрезденских экспрессионистов "Мост", с которым был связан на протяжении полутора лет. Во 2-й пол. 1-го — нач. 2-го десятилетия XX в. сложился индивидуальный стиль, определилась характерная тематика художника.

 

К нач. 1910-х полностью складываются неповторимый творческий облик Нольде-экспрессиониста, драматическая напряженность его видения мира. В серии Осенние моря (1910—1911) он оперирует густо наложенными пластами красных, зеленых, ослепительно белых красок, тревожно вспыхивающих на почти черном фоне, создающих ощущение фантасмагоричности природы. Одновременно в работах, навеянных ночной жизнью Берлина (В ночном кафе, 1911; За столом с вином, 1911; Танец среди свечей, 1912, все — Зебюлль, фонд Нольде), появляется гротескно-фантастическое начало, получившее дальнейшее развитие в серии двухфигурных композиций с мифологизированными персонажами-масками (Воитель и женщина, 1913; Принц и наложница, 1918, обе — Зебюлль, фонд Нольде; Мечтатель, 1919, Ганновер, Музей Шпренгель). В этих картинах-антитезах художник создает гротескную типологию человеческих страстей и их столкновений в драматических ситуациях.

 

В 1911—1912 Нольде создает одну из самых своих значительных работ — большой девятичастный полиптих Жизнь Христа для церкви Нойкирхе в Нибюлле, в котором евангельские образы, парадоксально сочетающие грубую первозданность с острой гротескностью, наделены неистовой силой эмоций — от радостного озарения до боли и страдания, а патетическая сила красок достигает своего апогея. Христианская тематика у Нольде непосредственно смыкается с сюжетами ночной жизни Берлина и с образами личной мифологии художника.

 

Сюрреализм. Кубизм 1906.

Кубисты ограничивают задачу художника выявлением структурных особенностей пластической формы на основе субъективных логических соображений. Существенную особенность кубистического метода составляет выявление объема путем «кругового видения» предмета в пространстве. На холсте совмещаются отдельные плоскости формы, как бы увиденные при перемещении точки зрения художника. В основу подобной аналитической трактовки кладется приближение каждой отдельной пластической массы или детали к ее стереометрическому прототипу, что приводит к превращению органической формы предмета в механическую комбинацию отдельных частей. Цветовое решение подчиняется задаче выявления объема и для этого сводится к ограниченной гамме, построенной главным образом на тяжелых черных, серых, коричневых, охристых и белых тонах.

Пабло Руис Пикассо (Picasso Pablo) (1881—1973), испанский художник и скульптор, с 1904 года проживавший во Франции. Пикассо - изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Пикассо создал более чем 20 тысяч работ.

 

Стили французских художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека оказали сильное влияние на формирование творческой манеры Пикассо.

 

Особенностью творчества Пабло Пикассо на протяжении целого полувека являются его неистощимая изобретательность, сложность и неожиданность его формальных поисков, своеобразная экспрессивность и необычайно энергичный художественный темперамент.

 

К "голубому" периоду относят работы, созданные в промежутке между 1901 и 1904 гг. Серо-голубые и сине-зеленые глубокие холодные цвета, цвета печали и уныния, постоянно присутствуют в них. Пикассо называл голубой "цветом всех цветов". Частые сюжеты этих картин - изможденные матери с детьми, бродяги, нищие, слепые. Наиболее известные работы этого периода: "Жизнь" (1903), "Завтрак слепого" (1903), "Скудная трапеза" (1904), "Любительница абсента" (1901), "Свидание" (1902), "Мать и дитя" (1903), "Нищий старик с мальчиком" (1903, "Гладильщица" (1904), "Двое" (1904).

 

"Розовый" период (1904 - 1906)

"Розовый период" характеризуется более жизнерадостными тонами - охристыми и розовыми, а также устойчивыми темами изображений - арлекинами, бродячими актерами, акробатами ("Семейство комедиантов" (1905), "Акробат и молодой Арлекин" (1905), "Шут" (1905). Очарованный комедиантами, ставшими моделями его картин, он часто посещал цирк Медрано; в это время арлекин - любимый персонаж Пикассо.

 

В 1907 году появилась знаменитые "Авиньонские девицы". Над ними художник работал больше года - долго и тщательно, как не работал до этого над другими своими картинами. Первая реакция публики - шок. Матисс был в бешенстве. Даже большинство друзей не приняли эту работу. "Такое ощущение, что ты хотел накормить нас паклей или напоить бензином", - говорил художник Жорж Брак, новый друг Пикассо. Скандальная картина, название которой дал поэт А. Сальмон, была первым шагом живописи на пути к кубизму, а многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства.

 

 

Кубизм (1909 - 1917)

В "кубическом" периоде Пикассо выделяют несколько этапов. "Сезанновский" кубизм, представленный в работах "Бидон и миски" (1908), "Три женщины" (1908), "Женщина с веером" (1909) и других, характеризуется "сезанновскими" тонами - охристыми, зеленоватыми, коричневыми, но более размытыми, мутными и использованием простых геометрических форм, из которых строится изображение. "Аналитический" кубизм: предмет дробится на мелкие части, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте. "Портрет Амбруаза Воллара" (1910), "Завод в Хорта де Сан Хуан" (1909), "Портрет Фернанды Оливье" (1909), "Портрет Канвейлера" (1910). На этапе "синтетического" кубизма работы Пикассо принимают декоративный и контрастный характер. Картины изображают по большей части натюрморты с различными предметами: музыкальными инструментами, нотами, бутылками вина, курительными трубками, столовыми приборами, афишами... Также, опасаясь превращения кубизма в чисто абстрактные эстетические упражнения, понятные лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: обои, песок, веревки и др. Работы "синтетического" периода: "Натюрморт с плетеным стулом" (1911-1912), Бутылка перно (столик в кафе)" (1912) "Скрипка м гитара" (1913).

 

В 1930-1934 годах Пикассо увлекается скульптурой и создает ряд скульптурных работ в духе сюрреализма: "Лежащая женщина" (1932), "Мужчина с букетом" (1934), а также с помощью своего испанского друга-скульптора Хулио Гонсалеса сооружает различные металлические абстрактные конструкции. В те же 30-е гг. он создает ряд гравюр-иллюстраций к "Метаморфозам" Овидия (1930) и произведениям Аристофана (1934), свидетельствующих о том, что классика всегда была для него сильным источником вдохновения.

 

Начиная с 1930-х годов в творчестве Пикассо появляется такая ключевая для него тема и образ как бык, Минотавр. Художник создает целый ряд работ с этим персонажем ("Минотавромахия", 1935), при этом миф о Минотавре Пикассо трактует по-своему. Для Пикассо бык, Минотавр - это разрушительные силы, война и смерть. Апогеем развития этой темы стала знаменитая картина Пикассо "Герника" (1937). Герника - это маленький городок басков на севере Испании, практически стертый с лица земли немецкой авиацией 1 мая 1937 года.

 

В 1949 году Пикассо рисует своего знаменитого "Голубя мира" на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже, а в 1951 году создает политическую картину "Резня в Корее" (Музей Пикассо, Париж).

 

В 1950-х годах Пикассо пишет различные вариации на темы прославленных мастеров - Веласкеса, Гойи, Манэ в свободной скандальной кубистической манере: "Девушки на берегу Сены. По Курбе" (1950, Художественный музей, Базель), "Алжирские женщины. По Делакруа" (1955), "Менины. По Веласкесу" (1957), "Завтрак на траве. По Мане" (1960).

 

Кубизм в скульптуре.

 

Модернистские направления получили выражение также и в скульптуре, хотя в основном они были созданы и разработаны живописцами. Кубизм захватил на время значительное число скульпторов. Наиболее известным его представителем является

 

Александр Архипенко (р. 1887). В 1908 году он приехал в Париж, где вскоре примкнул к кубистам, а в 1923 году переселился в США. Скульптура Архипенко строится на резкой деформации и геометрической стилизации пластической формы, сохраняя лишь отдаленную связь с реальностью. Его работы отличаются нарочитым искажением пропорций и острой линейной ритмикой, что характерно, например, для его «Сидящей» (1922, Прага, Национальная галерея).

Переход от реальности к кубистической беспредметности составляет особенность творчества известнейшего мастера модернистской скульптуры, румына, работавшего во Франции, Константина (Брынкуш) Бранкуси (р. 1876). Его скульптура строится на элементарных стереометрических формах. В «Лежащей голове» он выявляет яйцеобразную форму и фактурные особенности камня, из которого она выполнена, лишь слегка намечая некоторые признаки, определяющие предмет изображения. В «Белокурой негритянке» (1926, Париж, Музей современного искусства) чечсвицеобразный основной объем из полированной бронзы нарушается лишь небольшими выступами, обозначающими пухлые губы, да кеглеобразным возвышением, символирующим прическу.

Пуризм.

В 1918 году появился манифест «пуризма» — книга художника Амеде Озанфгша (р. 1886) и швейцарца-архитектора Шарля Эдуарда Жаннере (Ле Корбюзье, р. 1887). Основное положение пуристов заключалось в требовании выражать «общее, статическое, неизменное», основываясь на геометрическом принципе кубизма. Пуризм использовал систему геометризации пластической формы для создания живописных произведений, тесно связанных с конструктивизмом в архитектуре, одним из главных представителей которого был тот же Корбюзье. Их приемы были предназначены, по существу, лишь для монументального искусства — панно, декоративных фризов — и нашли широкое применение именно в этой области. Лучшие результаты их поисков сказались, например, в гобеленах, вытканных по картонам Корбюзье и Жана Люрса (р. 1892).

Фернан Леже.

 

Ле Корбюзье (фр. Le Corbusier; настоящее имя Шарль Эдуар Жаннере-Гри (фр. Charles Edouard Jeanneret-Gris); 6 октября 1887, Ла-Шо-де-Фон, Швейцария — 27 августа 1965, Рокебрюн — Кап-Мартен, Франция)

Достиг известности благодаря своим постройкам, всегда самобытно оригинальным, а также талантливому перу писателя-публициста. Здания по его проектам можно обнаружить в разных странах — в Швейцарии, Франции, США, Аргентине, Японии и даже в России. Характерные признаки архитектуры Ле Корбюзье — объёмы-блоки, поднятые над землёй; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы («сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»). Бывшие некогда принадлежностью его личной архитектурной программы, сейчас все эти приемы стали привычными чертами современного строительства.

 

Необыкновенную популярность творчества Ле Корбюзье можно объяснить универсальностью его подхода, социальной наполненностью его предложений. Нельзя не отметить его заслуги и в том, что он открыл глаза архитекторам на свободные формы. В большой степени именно под впечатлением его проектов и построек произошёл сдвиг в сознании архитекторов, в результате чего свободные формы в архитектуре стали применять гораздо шире и с гораздо большей непринуждённостью, чем раньше.

Футуризм.

Родственным кубизму течением начала нашего века был «футуризм». Манифест футуристов, написанный писателем Маринетти, был издан в Милане и в Париже в 1909 году. К концу первой мировой войны движение пошло на убыль, а в начале 1920-х годов, вскоре после того как вожаки футуристов решительно объявили себя сторонниками фашизма, окончательно распалось и футуризм практически прекратил свое существование. Наиболее известными его представителями в живописи были Умберто Боччиони (1882—1916) и Джино Северини (р. 1883). Программная роль в их выступлении отводилась четвертому измерению — времени, которое должно быть введено в картину как главный фактор выражения современности. Стремясь передать ощущение быстроты движения, футуристы строили свои картины на расчлененных элементах предмета, повторяющихся многократно на холсте в разных местах, как бы фиксируя повторные этапы движения тел в пространстве. Так изображал поезд в своей картине Боччионе. Так изобразил танцующие фигуры с десятками рук и ног Джино Северини в картине «Танец панпан в Монико». В футуризме итальянцев, как и в кубизме французов, имеет место фетишизация машинной техники, противопоставление машины человеку, отчетливо сказывается идейный тупик буржуазного искусства.

 

 

Метафизическая живопись.

 

После распада футуристического движения механизация и обесчеловечение образа остались отличительными чертами творчества вышедших из футуризма художников так называемой «метафизической живописи». Такими художниками в Италии были Джордже Де Кирико (р. 1888) и Карло Карра (р. 1881), В картинах метафизиков мертвый мир неодушевленных предметов подменяет живую природу. Так, например, «Мальчик к западу» Карло Карра или «Пророк» и «Великий метафизик» (Филадельфия, Институт Барнеса) Де Кирико представляют собой человекоподобное нагромождение предметов или технических деталей, возвышающееся на вычерченной перспективе пустынных площадей, окруженных такими же вычерченными схемами домов. В таких картинах, которые особенно часто появлялись в конце 20-х годов, откровенно утверждались мистические антигуманистические идеи.

Дадаизм.

Первым выражением этих настроений явилось выступление группы «Дада» в Цюрихе в 1919 году. Во главе группы стояли эльзасец Ганс Арп (р. 1887), немец Макс Эрнст (р. 1891), впоследствии примкнувший к сюрреалистам, и некоторые другие немецкие и швейцарские художники. Программа «дадаистов» заключалась в нигилистическом отрицании цивилизации, в призыве к первобытной «непосредственности освобожденных инстинктов». Отсюда рождалось обращение к беспредметности, хаотическому деформированию, скандально вызывающим анархическим выходкам и грубому натурализму. Существование «Дада» было весьма кратковременным. В начале 1920-х годов большинство участников этой группы примкнуло к абстракционистам и сюрреалистам, которые продолжили и развили положения, выдвинутые ранее группой «Голубой всадник» в еще более обостренной форме.

 

«Синий всадник» 1911 - 1914

 

Кандинский Василий (1866–1944), русский и немецкий художник, теоретик искусства и поэт, один из лидеров авангарда первой половины 20 века; вошел в число основоположников абстрактного искусства.

От ранних, уже достаточно ярких импрессионистских картин-этюдов перешел к бравурным, цветистым и «фольклорным» по колориту композициям, где суммировались характерные мотивы русского национального модерна с его романтикой средневековых легенд и старинной усадебной культуры (картины "Пестрая жизнь", "Дамы в кринолинах" и другие).

Считая главным в искусстве внутреннее, духовное содержание, Василий Кандинский полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» художника (так сам Кандинский различал циклы своих работ) лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии, по мере мысленного воспарения созерцающего автора-зрителя. Драматургия картин маслом и акварелью строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов (типа всадника, ладьи, палитры, церковного купола и т.д.).

1925Желто-красно-голубое

1917Серый овал

1917Синий гребень

1919В сером

1913Наплыв импровизации

1908Осень в Баварии

1910Церковь в Марнау

1910Импровизация 7

1909Кладбище

1926Акцент розового

1909Моя столовая

Пара, едущая верхом на коне1906-1907, Ленбаххаус, Мюнхен

Москва 1 1916, Третьяковская галерея

Казаки1917, Третьяковская галерея

Пестрая жизнь 1907, Ленбаххаус, Мюнхен

 

 

Мо́йше, или Моисе́й Герцевич, Ко́ган (фр. Moïse Kogan, нем. Moissey Kogan; 12 (24 мая) 1879, Оргеев Кишинёвского уезда Бессарабской губернии — 3 марта 1943, концлагерь Освенцим) — французский скульптор и график.

В Мюнхене Коган вместе с братом поступил в академию изящных искусств, изучал медальерное искусство, гончарное ремесло, резьбу по дереву и камню; зарабатывал на жизнь рисунками для вышивок и тканей. Впервые три бронзовых рельефа Когана были выставлены на совместной экспозиции Берлинского и Мюнхенского сецессионов на осеннем салоне 1908 году и привлекли благосклонное внимание Огюста Родена, Аристида Майоля, Адольфа Э. Р. фон Гильдебранда и критика Юлиуса Майер-Грефе. В эти годы Коган был особенно дружен с танцором Александром Сахаровым (Цукерман, 1886—1963), который в 1905 году по совету Когана перебрался из Парижа в Мюнхен для занятий изобразительным искусством.

 

После Берлинского сецессиона весной 1909 года, где были выставлены девять plaquettes Когана, по рекомендации театрального критика Ганса Бранденбурга немецкий меценат Карл Эрнст Остхаус взял Когана под своё покровительство. В том же 1909 году Коган стал участником «Нового объединения художников» (Neue Künstlervereinigung München), организованного Кандинским, а в 1911 году — объединения «Синий всадник». Помимо Когана в этих объединениях участвовали М. В. Верёвкина, В. Г. Бехтеев (1878—1971), А. Г. Явленский и другие.

Три нагие фигуры (1910). Терракота.

Картина «Вечер в деревне»

Сидящая женщина

Гравюра «Две девушки» на линолеуме

Скульптура в Еврейском музее Рендсбурга

Гравюра на дереве в книге Карла Витта «Изо» (1922)

Любовь Латт «Слово о погибшем скульпторе»

Сидящая нагая девушка (бронза, 1927)

Женская голова (1925)

Нагая (рисунок, 1929)

 

Мариа́нна Влади́мировна Верёвкина (29 августа (10 сентября) 1860, Тула — 6 февраля 1938, Аскона, Швейцария) — русско-швейцарская художница, представитель экспрессионистского течения в живописи.

 

В 1924 году основала художественную группу «Большой медведь» (Der Große Bär). В 1928 году приняла участие в выставке группы «Большой медведь» совместно с Шмидт-Ротлуфом и Рольфсом в берлинской галерее Нирендорф.

 

«Осень. Школа». 1907 Аскона, Фонд М. Верёвкиной

«В кафе». 1909

«Печальное настроение». 1910

«Автопортрет I». 1910 Мюнхен, Городская галерея Ленбаххауз

«Живодёрня». 1910 Висбаден, Городской музей искусств

«Конькобежец». 1911

 

Франц Марк (Franz Marc), немецкий художник, представитель экспрессионизма. Родился в 1880 в Мюнхене.

 

Марк сумел найти свой стиль и свои сюжеты к середине первого десятилетия ХХ века, и этому в немалой степени способствовала внезапная поездка Марка на полгода в Париж в 1907 году. Здесь он открыл для себя великих художников — Сезанна, Гогена и Ван Гога. Их творчество произвело глубочайшее впечатление на молодого живописца.

Излюбленным мотивом Франца Марка становятся изображения животных в синих, красных, желтых и зеленых тонах на фоне условных пейзажей. Марк являлся одним из основателей группы экспрессионистов "Синий всадник" (The Blue Rider).

В 1912 году, не приняв кубизм и футуризм, Марк полностью переключается на создание своих абстракционистских работ. Широко известны серии его картин animals—particularly о лошадях и deer—in о лесных животных, в которых он пытался выразить свое восхищение чудом природы. В своих работах (например, "Синие лошади", 1911, Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota) он использовал и ломаные линии, и стилизованные кривые, и блестящий нереальный цвет.

 

"Во время дождя"1912, Городская галерея,Ленбаххаус, Германия

"Олень в монастырском саду"1912, Ленбаххаус, Германия

"Судьба животных" 1914 Городская галерея современного искусства, Мюнхен, Германия

"Спящие лошади"1913, Музей Гугенхейма, Нью-Йорк

 

КЛЕЕ (1879, Мюнхенбюхзее, близ Берна - 1940, Муральто, близ Локарно) Швейцарский художник.

 

В истории живописи XX в. – кубизма и сюрреализма, экспрессионизма и абстрактного искусства - Пауль Клее сыграл роль настоящего волшебника.

 

Музыка и поэзия, <примитивный> лиризм и четкая техника - наряду с произведениями Пикассо и Кандинского дух и формы его творчества выражают основные концепции современного искусства.

Эти первые работы Клее свидетельствуют о настойчивом стремлении художника освободиться от академической порабощенности, выйти за рамки формальной выразительности и усилить эмоциональное напряжение. Постепенно он вводит светотень, экспериментирует с цветом, например, в <ходлеровском> портрете сестры (1903, Берн, фонд Пауля Клее) и в пейзажах (<Сцена в саду, лейка, кошка, красный стул>, 1905, Берн, собрание Феликса Клее).

 

 

Веймаре начинается педагогическая карьера Клее. Эти годы были для него очень продуктивными. После путешествия в Тунис расширились психические и духовные горизонты художника, его субъективное видение стало совершенно свободным и открытым миру фантазии и формальной абстракции. Благодаря использованию элементов кубизма (геометризации) он отказывается от символики светотени в пользу мотива (лестница, паралле ли, стрелы и т.д. - <Выбитый из седла околдованный всадник>, 1920, США, частное собрание; <Идеальная семья>, 1920, Берн, собрание Феликса Клее). В то же время вибрирующая и прозрачная акварель своей формой и совершенной техникой достигает кристальной чистоты миниатюры. Регулярно писать масляными красками Клее начал только с 1919; до этого момента его работы соответствовали направлению, заданному Ван Гогом, Сезанном, Делоне или кубизмом. Но в картинах 1920-х Клее разрабатывает совершенно новый арсенал выразительных средств, где <гулкие> цвета сочетаются с простыми мотивами деревья, птицы, луна, уединенные пейзажи (<Вилла P.>, 1919, Базель, Художественный музей).

 

Явленский, Алексей Георгиевич

 

1864, Торжок — 1941, Висбаден.

 

Немецкий живописец русского происхождения. Будучи офицером русской армии, учился в Академии художеств в Санкт-Петербурге (1890—1893). В 1896 переехал в Мюнхен, где посещал частную художественную школу А. Ашбе. Здесь состоялось его знакомство с Кандинским. В 1899 посетил Венецию, а в 1903, 1905 и 1907 Францию, где особенно сильное впечатление на него произвели полотна Ван Гога и Матисса. Его палитра высветляется, цвет приобретает особую интенсивность. В пейзажах и натюрмортах формы сводятся к простым плоскостным конфигурациям, объединенным в звучные хроматические аккорды (Средиземноморское побережье, 1907, Мюнхен, Гос. галерея современного искусства; Натюрморт с вазой и кувшином, 1909, Кёльн, Музей Вальраф-Рихарц-Людвиг). В 1909 вместе с Кандинским основал "Новый союз художников Мюнхена", в 1912 участвовал в выставке объединения "Синий всадник". В этот период живопись Явленского становится более свободной и динамичной, сближаясь со стилистикой мюнхенского экспрессионизма (Одиночество, 1912, Дортмунд, Музей на Восточном валу). В отличие от В. Кандинского и Ф. Марка, Явленский остался чужд абстракционизму, поскольку неизменно стремился к синтезу двух начал — впечатлений от внешнего мира и субъективных переживаний. С началом Первой мировой войны эмигрировал в Швейцарию, в 1921 вернулся в Германию, в Висбаден. В 1929 вместе с В. Кандинским, П. Клее и Л. Файнингером основал группу "Синей четверки". В период 1920—1930-х основной мотив его живописи — человеческое лицо. В сериях Святые лики, Абстрактные головы, Медитации отразилось увлечение художника древнерусской иконописью. В 1937 был вынужден оставить занятия живописью из-за прогрессирующего паралича.

 

 

Неопластицизм

Пит Мондриан (1872 -)

 

Неопластицизм появился на свет в 1917 году. Главной чертой нового направления было строгое использование выразительных средств. Для построения формы неопластицизм допускает лишь горизонтальные и вертикальные линии. Так называемый закон прямого угла.

 

Новый стиль, для которого Пит Мондриан придумал название "неопластицизм", не был плодом работы одного-единственного человека. Мондриан внес в него свой вклад посредством достижения крайнего предела абстракции в своих основанных на "кубистском" мировоззрении картинах периода между 1914 и 1917 годами.

Весной 1912 r. Mондриан уехал в Париж и начал работать в манере «высокого кубизма». В отличие от своих парижских предтеч, Мондриан не ставил перед кубизмом задач изображения предмета или природного мотива со всех возможных точек обзора, пользуясь приемами ротационного зрения.

 

Его «высокий кубизм» конструктивен и аскетичен. Из композиций устраняются не только цвет, сведенный к скупой черно-серо-голубой гамме, но и массы, предметность которых обозначена лишь выразительными геометрическими линиями, выявляющими внутренний костяк, основу жизни архитектурных и природных мотивов. Интересно, что сами эти натурные мотивы оставались для Мондриана объектом того же пристального внимания, что и в докубистический, ранний период творчества. Обобщенные линейные полуабстрактные «Композиции» на тему деревьев чередовались с тщательными натурными меловыми рисунками в традиционной манере. Пользуясь разными стилистическими приемами, Мондриан ставил перед собой одну и ту же задачу: проникнуть в тайны структуры мироздания с помощью геометрических знаков и «светописи».

Мондриан никогда не рассматривал свое искусство как "искусство ради искусства". Он считал, что "чистое и незамутненное частностями" изображение реальности и, главное, визуализация универсальной гармонии и уравновешенности первичны.

 

Натюрморт с кувшином и имбирём I. 1911

Натюрморт с кувшином и имбирём II. 1912

Деревья в цвету.1912

Автопортрет. 1918

Композиция с решёткой. 1919

Композиция-ромб с красным, серым, синим, жёлтым и чёрным. 1924

Фокстрот. 1929

Композиция с синим и жёлтым. 1935

Композиция № 12 с синим. 1936-1942

Бродвей. Буги-Вуги. 1942-1943

 

Тео ван Дусбург (1883-1931), Родился в 1883 в Утрехте. Проявил себя как художник-универсал и критик-искусствовед. Как поэт выступал под псевдонимом И. К. Бонсет, как философ - под псевдонимом Альдо Камини.

 

Около 1913 заинтересовался проблемами интеграции чистой живописи и архитектуры. В этой области проводил исследования совместно с Ж.Р. Удом и Ж. Вильсом. В 1916 создал в Лейдене с Удом художественную группу "Сфинкс", которая, однако, просуществовала недолго. В 1917 знакомится с П. Мондрианом, с которым основывает группу и журнал "Стиль". Члены группы работали самостоятельно, некоторые из них не были даже знакомы между собой. Всех их объединяло знакомство с Дусбургом и вера в теорию неопластицизма и элементаризма.

 

Группа "Стиль" объединяла художников и архитекторов и пропагандировала "радикальное обновление искусства". Журнал служил трибуной "для создания единого интернационального модуля в Жизни, в Искусстве, в Культуре" посредством "чисто пластического произведения искусства", через создание равновесия между "универсальным и индивидуальным".

 

Орфизм

Соня Делоне (1885-1979) фр. – великая леди абстракционизма и арт деко, художница, развившая собственный стиль – симультанизм, выражавший динамику движения и тонкости цветовых созвучий. Современную жизнь с ее электрическими огнями, танцевальными барами и женщинами, освобожденными от корсетов и условностей, она хотела воплотить в вибрирующих, «танцующих» узорах ткани. Соня создавала “платья-стихотворения” в духе сюрреализма и театральные декорации для балета Сергея Дягилева, была дизайнером, работала не только в области интерьеров, но и занималась тюнингом автомобилей.

Соня стала исключительно популярным иллюстратором моды и дизайнером текстиля, и в 1925 году американский журнал "Вог" вышел с рекламой "оптического платья" от Сони Делоне на обложке. Вместе со своим мужем участвовала в оформлении Парижской Всемирной выставки 1937 года, для которой создала панно величиной в 235 кв. м. Ее работа была отмечена золотой медалью. В 1939 году она основала салон под названием Realites Nouvelles ("Новые реальности"), существующий и поныне.

 

«Парижская школа»

Модильяни Амедео (Modigliani Amedeo) (1884—1920), итальянский живописец, скульптор, график, рисовальщик; принадлежал к «Парижской школе».

С 1902 года занимался в «Свободной школе рисования с обнаженной натуры» при Флорентийской Академии художеств, главным образом, у живописца Джованни Фаттори, с именем которого в итальянской живописи связывается течение «маккьяйоли», родственное французскому «ташизму».

Особенно важную роль в формировании индивидуального стиля Модильяни сыграло также его увлечение африканской скульптурой, ее грубовато-простыми, но выразительными формами и чистой линией силуэта; вместе с тем искусство родной Италии и прежде всего рисунки Боттичелли, живопись треченто и виртуозно сложная графика маньеристов — источники вдохновения мастера. Наиболее полно раскрылся сложный талант Модильяни в портретном жанре.

Портреты Модильяни полны особой, то угловатой, то плавной грации, выразительны и острохарактерны — при полной своей бездейственности и отсутствии мимики. Психологически портретны даже его знаменитые «ню», обнаженная натура. В 1911 году художник создал 16 рисунков - портретов Анны Ахматовой.

 

Средиземноморский пейзаж, 1918, частное собрание, Париж

Девочка в голубом, 1918Частное собрание, Париж

Обнаженная на подушке 1917, частная коллекция, Милан

Кипарисы и дома, 1918 Частное собрание

 

Шагал Марк Захарович (наст. отчество Хацкелевич) (Chagall Marc), график, живописец, театральный художник, иллюстратор, мастер монументальных и прикладных видов искусства; выходец из России. Один из лидеров мирового авангарда 20 века, Шагал сумел органически соединить древние традиции иудейской культуры с остросовременным новаторством. Родился в Витебске 24 июня (6 июля) 1887. Получил традиционное религиозное образование на дому.

 

Все творчество Шагала изначально автобиографично и лирически исповедально. Уже в ранних его картинах доминируют темы детства, семьи, смерти, глубоко личностные и в то же время «вечные» ("Суббота", 1910, Музей Валльраф-Рихарц, Кёльн). Со временем на первый план выходит тема страстной любви художника к своей первой жене - Белле Розенфельд ("Над городом", 1914–1918, Третьяковская галерея, Москва). Характерны мотивы «местечкового» пейзажа и быта вкупе с символикой иудаизма ("Ворота еврейского кладбища", 1917, частное собрание, Париж). Однако, вглядываясь в архаику, в том числе и в русскую икону и лубок (которые оказали на него большое влияние), Шагал примыкает к футуризму и предугадывает будущие авангардные течения. Гротескно-алогичные сюжеты, резкие деформации и ирреально-сказочные цветовые контрасты его полотен ("Я и деревня", 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк; "Автопортрет с семью пальцами", 1911–1912, Городской музей, Амстердам) оказывают большое влияние на развитие сюрреализма.

 

По мере достижения пика славы его манера – в целом сюрреально - экспрессионистская – становится все легче и раскованней. Не только главные герои, но и все элементы образа парят, слагаясь в созвездия цветных видений. Сквозь повторяющиеся темы витебского детства, любви, циркового спектакля наплывают мрачные отзвуки бывших и грядущих мировых катастроф ("У времени нет берегов", 1930–1939, Музей современного искусства, Нью-Йорк). С 1955 началась работа над "Библией Шагала" – так именуют огромный цикл живописных полотен, раскрывающих мир прародителей еврейского народа в удивительно эмоциональной и яркой, наивно-мудрой форме. В русле этого цикла мастер создал и большое число монументальных эскизов, композиции по которым украсили сакральные здания разных религий – как иудаизма, так и христианства в его католической и протестантской разновидностях.

 

Невеста с веером1911, Собрание П.Матисс, Нью-Йорк

Летящая повозка1913, Частное собрание

Адам и Ева1912, Музей искусств, Сент-Луис

Я и деревня, 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк

 

Хаим Сутин

Из маленького безвестного местечка под Минском начинающий художник Сутин попал в Париж. Об этом городе он мечтал, туда стремился, страстно о нем мечтал, по страсти, наедине с собой прямо думал там прославиться. Могучая и обильная Русь была для еврейского юноши страной особенно тяжелой и жестокой. Но Сутин любил ее, видел ее беспомощность и наивность, хотя и никогда не воспевал ее подобно Шагалу, то есть, не воскрешал в своих работах. С выходцем из России Шагалом Сутина связывал необыкновенный романтизм искренности. Если Шагал создавал свои милые сказки, то Сутин был в искусстве Шекспиром, смело прибегавшим к трагедийным краскам, заглядывающим в бездну ада.

Сразу бросались в глаза его отличия от других – особая напряженность, необычные манеры, нескладные движения. Зато художественный инстинкт в нем был настолько сильным, что рисование уводило его далеко от реальности, в волшебные миры фантазии, вымысла, горячего воображения. Когда он рисовал, рассудок как будто совсем покидал его – ничего не видел, ничего не слышал, ничего не понимал... В его картинах отражались лицо и душа художника. Они были колоритны, многозначны, предельно выразительны.

Туша. 1925 год.

Кондитер. 1922 год.