Акторське мистецтво як специфічний вид творчої діяльності. Особливості акторської діяльності в кіно. Актор і типаж.

Актор людина котра створює роль. Типаж: це той актор, професійний чи ні котрий підібраний під роль…

Акторська (сценічне) мистецтво стоїть у ряду найдавніших, одним з його джерел з'явилися релігійні обряди. Розвинені форми сценічного мистецтва, з діалогами і зачатками акторської техніки, з'явилися на стародавньому Сході. На ранніх етапах розвитку драми в ролі актора зазвичай виступав сам автор. Із давніх цивілізацій найбільш цікаві й досконалі форми драматичного мистецтва дала Греція, де з Діонісій у Афінах зародилася драма.

Рання давньогрецька драма була тісно пов'язана з ритуальними танцями і релігією. Акторові відплачувалися жрецькі почесті, він вдягав ритуальне вбрання, прийняте на святах на честь бога Діоніса, - довгий, з важкими складками хітона, повністю приховував тіло. Він також одягав маску і взуття на дуже високій підошві (котурни). Скудоті ознак зовнішньої індивідуальності величезне значення набувало мистецтво декламації, актор отримував можливість грати в одній п'єсі кілька ролей, міняючи маски. Іноді, зображуючи екстатичний стан або запаморочення, акторові доводилося виконувати шалені танці, але зазвичай рухи тіла в трагедії зводилися до мінімуму. Знаменитими драматичними акторами 5 в. до н.е. були Клеандр і Тлеполем, однак про їх сценічної техніці не залишилося жодних свідчень.

Комічні актори того часу також одягали маски, але взувалися в сандалі, носили коротку одяг, спереду прикріплювався величезний фалос. Рухалися вони перебільшено жваво і розмашисто. До 4 ст. до н.е. рівень драматургії впав, що призвело до підвищення значущості актора, він індивідуалізує маску і навіть пристосовує до себе текст п'єси. До 3 ст. до н.е. манера виконання як в комедії, так і в трагедії стає більш життєвої, природної і менш скутою, особливо в т.зв. «Нової комедії», що вирізнялася надзвичайною різноманітністю і життєподібності масок. Давньоримська драма, в основному відштовхуючись у своєму розвитку від пізніх грецьких зразків, також часто втрачала культове значення і служила головним чином розважальним видовищем; актори набиралися, як правило, з рабів. До початку 1 ст. до н.е. римляни не використовували масок і тому могли удосконалювати свою міміку. Найбільш відомим актором-трагіком був Клодій Езоп, а коміком - Росций. Потім в наслідування грецькому театральному стилю прийшли довгі одягу і маски, але одягу більш вправні і маски - більш реалістичні. Властивий римлянам «культ особистості» заохочував, висловлюючись сучасною мовою, «систему зірок». Актори стали спеціалізуватися в певних амплуа - жінки, боги, юнаки, парасита, - причому кожному покладалася своя виразна маска, а типізація підкріплювалася реалістичними промовою і жестами. Майстри натуралістичної комедії, римляни розробили відповідні костюми. Окрім масок вони використовували м'які сандалії, які стали символом комедії.

У 1 в. н.е. завойовує популярність мім. Реалістична харàктерная сценка побутового змісту виконувалася у повсякденному одязі і звичайно в гримі замість масок, рясніла непристойними жартами і рухами тіла. Вперше на сцену були допущені жінки. Найбільший артист міма Норбан Сорекс мав власну трупу, куди входили і жінок. Останнім драматичним жанром, що з'явилися в стародавньому Римі, став пантомім - подання з танцями і грою без слів. Актор-декламатор виспівував або читав сцени зі знаменитих творів, а пантомімісти представляв їх жестами та пластикою.

До 6 ст. професійний театр в Римі повністю зникає; драматичні вистави вироджуються в примітивне дійство. Серед причин можна назвати важкі наслідки варварських набігів, а також цензуру розважальних видовищ, введену імператором Юстиніаном. У театральну культуру Середньовіччя та Відродження сценічнемистецтво стародавнього Риму передалося через фольклорну традицію, народні гуляння і нерегулярне приватне заступництво акторам, мімам і танцюристам - любителям або напівпрофесіоналами.

З падінням Римської імперії та занепадом виконавського професіоналізму з'явилося безліч лицедіїв-любителів - жонглерів, акробатів, менестрелів і мімів, - блукали по європейських містах з сольними уявленнями. Містерії, нова форма драми, що поширена в усій Західній Європі в середні віки, розвинулися з католицької літургії та пастирських настанов. Спочатку виконавцями були духовні особи і півчі, а дійство, що ілюструє епізод з Біблії або просто сопровождавшее месу, відбувалося біля вівтаря або в нефі церкви. У міру становлення жанру містерія сприйняла мирські і фарсові елементи. З часом містерії були виведені з церкви і перейшли під опіку ремісничих цехів; їх стали виконувати на спеціальних платформах, часто пересувних. Містерії були головною подією свята тіла Христового на початку літа.Обмірщеніе драми тривало, латинь поступилася місцем живим мовам, заради розваги натовпу домішувався грубий гумор. Основним видом сцени стали пересувні платформи і «альтанки» у різних варіаціях.

Пізніше з'явилися мораліте, раціонально вибудувані повчальні п'єси, в яких виступали персоніфіковані Добро і Зло. У міру впровадження в мораліте елементів грубої коміки жанр деградував і його комічні риси і дидактику перейняли палацові інтерлюдії, що представляли собою суміш світських і класичних елементів і набули поширення на початку правління Тюдорів. До цього часу в Англії і на материку вже існували невеликі мандрівні акторські групи, з яких бере початок єлизаветинський театр і розряд акторів-професіоналів.

До 16 ст. релігійна драма в Європі втратила свої позиції. Перші гуманісти сприяли читання і постановок латинських п'єс у школах, світські п'єси писалися на рідній мові. В Англії, яка відчула сильний вплив давньоримської драми, особливо комедій Плавта і Теренція і трагедій Сенеки, з'явилася плеяда поетів-драматургів - К. Марло, В. Шекспір, Б. Джонсон. У дитячі роки Шекспіра професійні групи акторів перестали бути рідкістю в Англії. Захист від законів проти бродяжництва вони звичайно знаходили в заступництві знатних вельмож. У 1576 в Лондоні зводяться перші публічні театри, але поки що поза юрисдикцією міської влади. До цього подання давалися в заїжджих дворах, банкетних залах, палацах, шкільних каплицях, ратушах і т.п., як в приміщеннях, так і під відкритим небом. З появою постійних приміщень акторська гра стає професією, між трупами розгортається конкурентна боротьба, і театри знаходять визнання, широку підтримку і фінансову самостійність. Мистецтво акторів-елизаветинцев виростало на досягненнях поезії і драми англійського Відродження. Звідси надзвичайно умовна і риторична манера виконання. Вимоги до сценічного мистецтва тієї пори блискуче викладені у вказівках Гамлета (Гамлет, акт III, сц. 2), які він дає акторам. Кращими трагіками вважалися Е. алейних і Р. Бербедж, коміками - Р. Тарлтон і У. Кемп.

Для палацових маскарадів Якова I І. Джонс розробив вправні декорації і сценічне обладнання, а Джонсон писав для знатних дам і кавалерів аматорські роліміфологічних персонажів. Однак ці палацові забави, т.зв. «Маски», не чинили серйозного впливу на народну англійську драму, яка процвітала аж до закриттяпуританами публічних театрів у 1642. Традиція акторського професіоналізму відродилася лише після Реставрації. Єлизаветинської театру була властива велика ступінь умовності. Актори завжди виходили в сучасних костюмах, до якої б історичній епосі ні відносилося дія п'єси. Текст писався віршами і тому урочисто декламували, що різко розводило сценічний діалог і повсякденне мова. Виконання жіночих ролей хлопчиками знижувало правдоподібність любовних сцен, перетворюючи їх в піднесені сперечання. Майже позбавлена ​​реквізиту сцена змушувала акторів весь час бути на ногах і ходити по сцені. Нарешті, той факт, що вистави давалися вдень під відкритим небом, ставив поетичному тексту робити вказівки на місце дії, час доби, пору року і рік.

Акторам-елизаветинцев не було чуже і мистецтво імпровізації, особливо комедіантам кшталт Кемпа. У тому ж 16 ст. в Італії з'являється театр, який зовсім відмовився від сценарію і покладався виключно на здатність акторів до експромту. Це подання, відоме як «комедія дель'арте», багато в чому відштовхувалася від традицій мімів і менестрелів, що налічували вже багато століть. Це була вульгарна, «низька» комедія, і для її подання були потрібні тільки поміст, актори і глядачі. Героями були добре відомі типажі, що зародилися ще в давньоримській комедії: любовний трикутник - П'єро, Коломбіна і Арлекін; лікар-шарлатан Доктор; скупийкупець Панталоне; хвалько і боягуз Капітан. Актори дотримувалися лише загальної лінії сюжету і імпровізували по ходу дії. Об'єднуючи в одній особі міма, акробата, танцюриста, музиканта і комедіанта, вони вносили в уявлення новизну і цікавість, примушуючи працювати уяву. Актори виступали в масках і традиційних костюмах і роз'їжджали від міста до міста організованими трупами. Один з таких колективів, «Джелозі», приваблював в кінці 16 ст. увагу багатьох мандрівників. Зрештою комічні положення та гостроти приїлися, але, перш ніж виродитися, комедія дель'арте встигла вплинути на драму і балет Італії, Франції, Іспанії та Англії. Див також комедії дель арте.

До кінця 17 ст. в англійському театрі мали місце нововведення, що відбилися і на виконавському мистецтві: виникли закриті театри, з'явилися декорації і штучне освітлення, на сцену були допущені жінки. Але театру Реставрації були ще властиві безліч умовностей і стилізована манера виконання, чи то урочистий вірш героїчної п'єси або недолуга сценка з витонченою сатиричної комедії. Видатні актори того періоду - Т. Беттертон і Нелл Гвін.

У Франції акторська гра в 17 ст. також не відрізнялася особливою реалістичністю, багато в чому завдяки пануванню поетики класицизму, чиї жорсткі правила рівнялися на давньогрецьку трагедію. Рядки Корнеля, Мольєра і Расіна декламувалися в манері, виконаної благородства і величі, рухи і жести були розраховано скупими, актори зверталися не стільки один до одного, скільки до залу для глядачів.

Осмислення акторської гри як мистецтва починається лише в 18 ст. Д. Гаррік і Д. Дідро задалися питанням, чи повинен актор сам відчувати душевні стани, які зображує, або ж треба за допомогою певних прийомів вміти пробудити в глядачах ці почуття. Втім, подібні теоретичні суперечки мало впливали на саму гру, і в 19 ст. переважала «романтична», тобто аффектирована, пишномовно манера виконання: ставилися тоді здебільшого мелодрами, що давали можливість виконавцю похизуватися декламацією і пластикою. Цього спокуси не уникли навіть великі - Рашель, Сара Сіддонс, У. Ч. Макріді, кіни і Кембл, Г. Ірвінг і Б. Три.

Лише до кінця 19 ст. з'являються тенденції реалістичної манери акторської гри. Вперше вони проявилися в масовках вистав Мейнінгенського театру, поставлених Георгом II, герцогом Саксен-Мейнінгенського, одним з перших великих постановників сучасності. Однак «реалізм» цього режисера-диктатора сумнівний, оскільки він маніпулював акторами, немов маріонетками. Під враженням від вистав Мейнінгенського театру К. С. Станіславський почав розробляти власні прийоми ансамблевої гри, що привело його до створення такої виконавської системи, при якій актор, спираючись на власний досвід, домагався перевтілення в створюваний образ. Система Станіславського вплинула на сучасне сценічне мистецтво у всьому світі, а відкриття в області психоаналізу дозволили акторові глибше проникати в душевний світ свого персонажа.

Науковий підхід торкнувся і інших аспектів сценічної дії. Костюми і декорації виготовляються відповідно до історичних даних, меблі нерідко запозичується з музеїв. Сучасне освітлювальне обладнання звело нанівець необхідність у надмірному гримі; голос і мова наблизилися до розмовною.