Модерн. Модерн в России. Однако творчество таких мастеров, как, например, матисс, пикассо, марке и других, выходило за рамки их направлений, иногда порывало с модернизмом вообще. Желание найти связь с жизнью, решить острые социальные проблемы порождало в

Модерн

Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Стиль модерн следует строго отличать как от общего понятия «современный», так и от понятия «модернизм». Основной признак модерна – декоративность во всём, основной мотив – вьющиеся растения, основной принцип – сделать так, чтобы рукотворное выглядело естественным, природным. Всё это нашло отражение в архитектуре, деталях зданий, в произведениях декоративно-прикладного искусства, в живописи и так далее.

Модерн стремился удачно сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений искусства, сделать прекрасным все сферы деятельности человека. В разных странах модерн назывался по-разному: тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Период Модерна довольно короток и имеет достаточно чёткие границы – от конца 1880-х до 1914 года, когда началась Первая мировая война, которая прекратила естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило быстрое переосмысление всего художественного опыта, всех художественных форм и приёмов, слияние различных видов и жанров для образования чего-то нового. Художники модерна бесстрашно ломали привычные нормы и границы. Главным стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, фактур, синтезу различных источников во что-то качественно новое.

В 1860-1870-е годы в Европе царствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих стилей, смешивании их в одном месте, произведении, изображении.

В 1880-е годы работах разных мастеров стал проявляться новый стиль, который противостоял эклектизму новыми художественными приёмами. Уильям Моррис (1834-1896) создавал предметы интерьера, вдохновлённые природными формами, растительностью, а Артур Макмердо (1851-1942) использовал изящные вьющиеся узоры в книжной графике.

Большое влияние на стиль модерн оказало, ставшее более доступным в то время на Западе, искусство Японии. Художники модерна также вдохновлялись искусством Древнего Египта, Византии и других древних цивилизаций.

В модерне можно выделить два основных направления – конструктивное (Австрия и Шотландия) и декоративное (Бельгия, Франция, Германия). В некоторых странах, например, в России и Германии, на стиль сильное влияние оказали национальные традиции. Разделение же самого искусства модерна на отдельные периоды и стили весьма условно. Как ни один другой стиль, модерн соединил в себе столько различных стилей, направлений и традиций, что даже специалисты затрудняются определить где заканчивается эклектика и начинается модерн.

Самой яркой чертой модерна стал отказ от прямых линий и углов в пользу природных изогнутых линий. Многие художники модерна брали за основу своих рисунков примеры из растительного мира.

Модерн стремился стать единым стилем, в котором всё окружение человека было бы выполнено в одном ключе. Из-за этого художники обратились к прикладным искусствам – дизайну интерьеров, керамике, книжной графике, ювелирному делу, стремясь создать единую среду.

В европейских странах начали создаваться различные художественные ассоциации, работающие в новом стиле: «Выставочное общество искусств и ремёсел» (1888) в Великобритании, «Объединённые художественно-ремесленные мастерские» (1897) и «Немецкие мастерские художественных ремёсел» (1899) в Германии, «Венские мастерские» (1903) в Австрии, «Нансийская школа» во Франции, «Мир искусства» (1890) в России.

Сильно поспособствовало распространению модерна проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировали все новейшие достижения технологий, прикладного и изобразительного искусств. Максимальную известность модерн получил на Всемирной выставке в Париже в 1900 году. Правда, уже в 1910 году значение модерна стало угасать.

Стиль Модерн имел несколько основных направлений:

• Неоромантизм, где используются элементы романского стиля, готики, ренессанса и других стилей.
• Неоклассицизм
• Рационализм, направление с преобладанием более простых форм
• Иррационализм
• Кирпичный стиль, когда архитекторы отказались от штукатурки, и все декоративные детали здания делались из кирпича.
• Модерн венский, берлинский, парижский, в России и Восточной Европе — московский, петербургский, рижский, провинциальный и так далее.

История возникновения стиля модерн

Предшественницей модерна была эклектика. В таком случае возникновение нового стиля было неизбежно. Одним из толчков к возникновению нового стиля было распространение искусства Японии, а также интерес к искусству древних цивилизаций, таких как Древний Египет и Византия.

Большое влияние на развитие архитектурного стиля модерн имели работы знаменитых художников и скульпторов этой эпохи, таких как Густав Климт, Альфонс Муха, М. А. Врубель, В. М. Васнецов, В. Д. Поленов, скульпторов, таких как Огюст Роден, Камилла Клодель и другие.

Основные признаки модерна

Главными отличительными чертами модерна можно считать отказ от прямых линий и углов в пользу природных изогнутых линий, массовое обращение к прикладному искусству, применение новых технологий (например, железобетонных конструкций в архитектуре), использование металла и стекла.

Большое внимание уделялось не только внешнему виду зданий, но и интерьеру, который тщательно прорабатывался. Все конструктивные элементы: лестницы, двери, столбы, балконы — художественно обрабатывались. В итоге, интерьер представлял собой единый ансамбль.

Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Для живописи модерна характерны «ковровые» орнаментальные фоны и натуралистические фигуры и детали (Густав Климт), силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или нюансированной монохромии. Динамикой и текучестью отличаются скульптуры этого периода, виртуозной игрой хрупких линий – книжная графика. Большая часть художественных открытий и достижений модерна принадлежать XX веку. В конце XIXстолетия с зарождающимся стилем в той или иной мере были связаны архитектор Антонио Гауди в Испании, бельгийский архитектор В. Орта, живописцы и графики А. де Тулуз-Лотрек, П. Гоген, художники группы "Наби" во Франции, Э. Мунк в Норвегии, О. Бёрдсли в Великобритании, Ф. Валлоттон в Швейцарии.

Модерн в изобразительном искусстве

Символизм оказал сильное влияние на живопись и скульптуру модерна, который стремился переходить от традиционных форм к новейшим европейским течениям, носившим иногда условную принадлежность к той или иной стране.

Художники модерна использовали в своём творчестве разные формы: греческую архаику, крито-микенское искусство, античную классику, искусство Китая и Японии, Готику, Ренессанс, искусство этрусков и Рококо. Одним из основных стилеобразующих средств в искусстве модерна является орнамент характерных плавных криволинейных очертаний, с экспрессивным ритмом и подчиняющий себе композицию произведения. Стремление к целостности пластических внешних и внутренних, декоративных и конструктивных частей изображения, динамика и текучесть форм и линий и есть отличительные особенности стиля Модерн.

Художники эпохи модерна стремились к стилистическому единству: картины, шпалеры, украшающие стены, мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда и ювелирные украшения – вообще всё, что находится в оформляемом ими пространстве, соответствовало единой стилистике. В модерне широко использовалась декоративность и плоскостность изображения, вьющиеся, гибкие линии, узоры и орнаменты. И было не важно, для чего предназначен такой декор – для пары серёжек или для фасада здания.

Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно в модерне рассматривались как часть интерьера, придавали ему новую эмоциональную окраску, поддерживали его целостность. Поэтому декоративность стала одной из главных отличительных средств живопии модерна.

Для живописи модерна очень характерно сочетание декоративность, «ковровых» фонов и очень реалистичных, проработанных фигур и лиц (Г. Климт, Ф. Кнопф, М. А. Врубель, А. Муха), а также больших цветовых плоскостей (Л. С. Бакст, Э. Мунк) и тонких прописанных нюансов (М. Врубель, А. Бенуа). Все эти художественные приёмы придавали картинам большую выразительность. Символизм также привнёс в живопись модерна большой вклад; широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики, также художники обращались к миру сна, легенд, сказок и т.д. Одним из ярких представителей такого символического модерна был Густав Климт. Модерн был распространён по всей Европе и Америке: Австрия, Великобритания, Германия, Франция, Италия, Россия, Бельгия, Голландия, США и др.

Одним из основоположников французского модерна считается Поль Гоген и художники его круга. Также одним из известнейших мастером модерна во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Также одну из важнейших ролей сыграло творчество чешского декоратора Альфонса Мухи. Важную роль сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. В Испании большую известность за свои оригинальные индивидуальные проекты получил Антонио Гауди.

Черты, характерные для модерна, в Великобритании появились уже 1880-х годах. Одним из наиболее известных художников модерна был Обри Бёрдсли, который занимался книжно иллюстрацией. Одним из главных представителей модерна в Великобритании был шотландский архитектор Ч. Р. Макинтош. Он выполнял самые различные художественные работы от проектирования зданий до дизайна обоев и оказал огромное влияние на развитие архитектуры и искусства всей Европы.

В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.

Модерн был наиболее известен на рубеже XIX-XX веков, но его распространению помещала Первая мировая война, и вскоре он был забыт. Архитекторы теперь стремились к простоте форм и линий, проявляли больше интереса к машинным технологиям, чем к рукотворным изделиям. Изящный, богатый декор 1890-х уступил место геометрическим линиям и ничем не украшенным поверхностям начала XX века. Модерн вышел из моды также быстро, как ворвался в неё, и был заново открыт только пятьдесят лет спутся.

Многие искусствоведы называют модерн последней романтической эпохой в мировом искусстве. Женственность и эстетический эротизм были отличительными чертами этого прекрасного стиля. Ярчайшим примером могут служить работы знаменитого художники модерна Альфонса Мухи. Он творил во множестве разных направлений: в рекламе, театральных афишах, ювелирном искусстве, мебели и декоре интерьера. Его разносторонность полностью отражала дух эпохи. Модерн был последним периодом спокойствия Европы, в которой сосредоточились все достижения культуры предшествовавших поколений. Модерн был последним временем наслаждения культурой и красотой, последним временем любви к жизни переел приходом ужасов мировых войн, социальных катастроф, которые сделали невозможным его повторение.

Модерн в России

Первым по времени произведением архитектурного искусства модерна в России считается дача великого князя Бориса Владимировича, построенная в Царском селе архитекторами Шернборном и Скоттом в 1897году. Одним из наиболее ярких примеров архитектуры модерна с Санкт-Петербурге является Дом компании «Зингер» (сейчас Дом книги) на Невском проспекте напротив Казанского собора. С одной стороны, здание выбивается из окружающего ансамбля, что является ошибкой градостроительства, но с другой стороны, оно являет пример удачного распоряжения пространством в условиях небольшого участка (1902-1904, архитектор П. Ю. Сюзор). Другой прекрасный пример архитектуры модерна – магазин Елисеева, расположенный недалеко (1902-1903, архитектор Г. В. Барановский). К памятникам русского модерна относится гостиница «Астория» в Петербурге (1913-1914, архитектор Ф. И. Лидваль), а также Витебский вокзал (автор С. А. Бржозовский).

В Москве первым зданием в стиле модерн стал построенный в 1898-1899 годах архитектором Л. Н. Кекушевым особняк О. А. Листа. Яркими примерами московского модерна являются особняки Рябушинского и Дерожинской (архитектор Ф. О. Шехтель), особняк Миндовского и собственный дом архитектора Л. Н. Кекушева.

Значительное распространение в первое десятилетие XX века получил ряд художественных направлений, связанных с отходом буржуазной культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от гнетущей действительности, которая вызывала у многих художников страх и отвращение. Многочисленные, сменяющие друг друга течения объединяются понятиями «модернизм» и «модернистские направления». Художники-модернисты словно бунтовали против старых канонов и устаревших традиций искусства.

Однако в действительности в их лихорадочных, беспорядочных исканиях чего грандиозного преобладали ошеломляющие зрителя узкоформальные «открытия», приводившие к излишней субъективности, случайного или отвлечённо-рационалистического начала. По сути, деятельность художников представляла собой уход от основного реалистического пути развития мирового искусства. Суть дела была именно в этом, а не в том временном конфликте с буржуазным потреблением искусства, который был принят за проявление революционности.

Однако творчество таких мастеров, как, например, Матисс, Пикассо, Марке и других, выходило за рамки их направлений, иногда порывало с модернизмом вообще. Желание найти связь с жизнью, решить острые социальные проблемы порождало в их творчестве тяжёлые противоречия. Элементы реализма рано или поздно, в скрытой, или явной форме прорывались сквозь различные деформирующие приёмы передачи действительности.

Современная ситуация

Несмотря на важность архитектурных памятников эпохи модерн для истории архитектуры и культуры России в целом, на данный момент не существует ни одного полноценного музея, посвященного этому стилю. Более того, нет ни одного крупного музея, посвященного самым ярким представителям московского модерна — Ф. Шехтелю и Л. Кекушеву. Многие здания недоступны не только для гражданских лиц, но и для научных сотрудников, основная причина заключается в том, что многие здания отданы, например, посольствам. Десятки зданий находятся на грани разрушения, поскольку по каким-либо причинам не занесены в реестр охраняемых государством памятников (последний крупный скандал связан с пожаром в доходном доме работы Кекушева; здание долгое время было заброшено, по некоторым данным было незаконно заселено приезжими рабочими из ближнего зарубежья).

А теперь расскажем про нескольких ярчайших представителей модерна, работавших в Европе и России.

Густав Климт

Густав Климт (1862-1918) родился в Браумгартене, около Вены. Его отец был ювелиром и гравером. В 1883 году закончил Венскую художественно-промышленную школу, изучал различные техники станковой живописи, фрески и мозаики. Ещё во время учёбы, вместе со своим братом Эрнстом и их соучеником Франсем Матчем, стал известен. После окончания школы друзья открыли собственную мастерскую в Вене, получали множество заказов на росписи стен и потолков, в том числе от императорской семьи. В те времена Климт создавал в основном реалистические картины. Но уже к началу 1890-х обратился к символизму.

Стиль Климта впитал в себя опят импрессионизма, символизма и модерна. Прекрасные и далёкие от жизни образы классического искусства уступили место другим: на картинах появились «герои своего времени», наделённые особой чувственной красотой. Притягательные модели живут в мире страстей и символов, завлекая в него зрителя. Импрессионистическая трепетность сочетается в них с реалистической трактовкой, необыкновенная сексуальность – с романтической таинственностью («Любовь», «Музыка I», «Шуберт за клавиром»).

В поисках своего стиля Климт всё дальше отходил от канонов академической живописи. В 1897 году вместе с сорока молодыми художниками он вышел из состава Академии художеств, решив окончательно порвать с академизмом и утвердить право на существование неофициального искусства. Мастер основал Венский Сецессион («sezession» – «отделение») и стал его президентом.

Климт был очень популярен у представителей австрийской буржуазии, для которых он писал портреты их жён. Стиль этих полотен нравился консервативному венскому обществу, женщины были от него в восторге («Портрет Сони Книпс», «Портрет Серены Ледерер»).

Климт знал, как угодить женщинам. Утончённые портреты его кисти пользовались невероятной популярностью. Однако дамские образы не ограничивались светскими портретами. В женщине художник видел, прежде всего, нечто роковое, повелевающее мужчиной, живущее инстинктами и завлекающее в мир своих страстей. В целом такая интерпретация женской сущности была характерна для эпохи символизма («Афина Паллада», «Юдифь», «Течение», «Серебряные рыбки», «Золотые рыбки»).

Мастер шокировал добропорядочную публику, воспитанную на идеализированной наготе исторических и античных героинь. Общество не могло принять образ обнажённой современницы.

Важным направлением творчества Густава Климта был пейзаж, которому он обратился в конце 1890-х годов. Художник писал природу в манере, напоминающей искусство импрессионистов, но наделял полотна символическим подтекстом («После дождя», «Тихий пруд в парке замка Каммер», «Болото», «Сельский дом с берёзами», «Фруктовые деревья», «Сад (Цветущий луг)»).

Важной работой художника является тридцати четырёхметровое полотно «Бетховенский фриз», посвящённое Девятой симфонии Бетховена, перед чьим гением преклонялся Климт. Художник совершил невероятное: передал темы Девятой симфонии на языке живописи, создав свою интерпретацию образов Бетховена.

После скандала с университетскими картинами, обсуждавшимися даже в парламенте, Климт больше не выполнял государственных заказов.

В 1905 Густав Климт начал работать над фресками в брюссельском дворце Стокле, принадлежавшем банкиру и собирателю искусства Адольфу Стокле. Это был последний крупный монументальный заказ, сделанный мастеру.

В 1905 Густав Климт вышел из Венского Сецессиона и основал Союз австрийских художников, помогая молодым экспрессионистам и своим ученикам – Оскару Кокошке и Эгону Шиле.

К подлинным шедеврам и самым известным работам мастера «золотого периода» относятся «Даная» и «Поцелуй», ставшие самыми известными работами художника.

В 1908 году Климт побывал в Париже, где познакомился с искусством Винсента Ван Гога, Эдварда Мунка, Поля Гогена, Пьера Боннара и Анри де Тулуз-Лотрека. В картине «Дама в шляпе и боа из перьев» и «Чёрная шляпа с перьями» очевидно влияние французского искусства. Как всегда у Климта женщина остаётся прекрасной загадкой, непостижимой тайной, разрешить которую мужчина бессилен.

В 1914 началась Первая мировая война, в которую Австро-Венгрия вступила на стороне Германии. Война, которой суждено было стереть с лица земли империи, потрясла живописца, но не была отражена в его работах. В 1915 году Климта постигло личное несчастье – умерла его мать. Искусство последующих лет продолжало воспевать женскую прелесть и природную красоту, но тема роковой женщины перестала волновать мастера. Он представлял роскошных женщин своего века в их естественной красоте.

Лишь за год до смерти живописец получил официальное признание в художественных кругах, став почётным профессором Академий искусства Вены и Мюнхена (1917).

В январе 1918 года у Густава Климта произошло кровоизлияние в мозг, а 6 февраля 1918 художник умер.

Мастер оставил после себя великолепные произведения, за право обладания которыми борются наследники его моделей. Картины Климта до сих пор продаются на аукционах по баснословно высоким ценам. Один из основателей Венского Сецессиона и Союза австрийских художников, Густав Климт способствовал обновлению австрийской живописи, её освобождению от канонов академизма и воспитанию молодого поколения художников, искавших новые пути в искусстве.

Анри де Тулуз-Лотрек.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901) родился в Альби, на юге Франции. Будущий художник происходил из древнего аристократического рода, связанного кровными узами со многими европейскими королевскими домами. С детства будущий художник был умным, любознательным и сообразительным. Рано взял в руки карандаш, в восемь лет уже изучал греческий и латинский языки, был общительным и постоянно придумывал новые игры со своими кузенами. Однако мальчик был слаб здоровьем (причиной стал кровосмесительный брак его родителей – они двоюродные брат и сестра). В возрасте пятнадцати лет Анри стал калекой и не мог обходиться без палки.

В шестнадцать лет стал учиться живописи у художника Рене Пренсто. В 1883 потупил на обучение в парижскую мастерскую художника Леона Бонна (позже мастерскую возглавил Фернан Кормон), чтобы подготовиться к вступительным экзаменам в Школу изящных искусств. Родные не противились страстному увлечению Лотрека живописью.

В начале 1880-х Тулуз-Лотрек стал часто посещать Монмартр, а затем, к ужасу своей матери, поселился там. В 1884 художник обзавёлся собственной мастерской. Здесь, на Монмартре, Анри чувствовал себя свободно, нашёл множество друзей и заказчиков. Здесь же он познакомился с Винсентом Ван Гогом, трагическая и страстная личность которого покорила двадцатидвухлетнего юношу. Начинающий художник перенял у него технику раздельного мазка. Ван Гог открыл Тулуз-Лотреку мир японской гравюры, влияние которой выразилось в его работах.

Тулуз-Лотрек стал завсегдатаем прославившегося на весь мир кабаре «Мулен Руж». Он часто и много рисовал здесь, а также за пределами кабаре участниц шоу.

Постепенно Тулуз-Лотрек становился известной личностью. В 1888 его работы экспонировались в Брюсселе на выставке «Группы двадцати». Рисунки Лотрека появились в еженедельнике «Пари иллюстре». А через два года его снова пригласили участвовать в брюссельской выставке.

Тулуз-Лотрек писал жизнь знаменитого кабаре «Мулен Руж»: отдыхающую там публику или танцовщиц в свободное от выступлений время. Таковы работы «В Мулен Руж», « Две танцующие женщины», «В «Мулен Руж». Начало кадрили», «Ла Галю с подругами входит в «Мулен Руж».

Известность пришла к Тулуз-Лотреку благодаря работе в совсем новой для него сфере деятельности: ему предложили сделать афишу для кабаре «Мулен Руж». Именно в афише раскрылось его дарование, а стиль как нельзя лучше соответствовал специфике данного вида искусства (афиша «Мулен Руж». Ла Галю», афиша «Амбассадер». Аристад Брюан», афиша «Джейн Авриль», афиша «Диван Жапоне» («Японский диван»), афиша для книги Виктора Жоза «Королева радости»).

В 1893 бывший лицейский одноклассник Лотрека Морис Жуаян помог ему с организацией первой персональной выставки в своей галерее, где Анри представил работы, посвящённые кабаре, плакаты и литографии. Экспозиция получила положительные отзывы.

Со временем художник стал по несколько дней подряд жить в домах терпимости, а затем и вовсе переселился в бордели. Публичный дом давал мастеру множество сюжетов из нехитрой жизни своих обитательниц («Две девушки в кровати», «Софа», «Привязанность: две подружки», «Салон на улице Мулен», «Содержатели борделя», «Диван»). В 1895 Тулуз-Лотрек выпустил альбом литографий из десяти листов под названием «Они».

Жизнь Тулуз-Лотрека, конечно, не ограничивалась кабаре и публичными домами. Художник посещал театры и посвящал им свои литографии и картины («Габриэль Тапье де Селейран в фойе театра»).

Художник восхищался неординарными, одарёнными людьми. Его влекло к сильным творческим натурам, с которыми он был готов поделиться своим искусством.

В 1896 в Париже прошла вторая выставка работ Лотрека, организованная Морисом Жуаяном.

В 1897 Тулуз-Лотрек работал всё меньше и меньше. Болезнь, подкрепляемая бесконтрольным пьянством, брала своё. Сифилис и алкоголизм, заработанные ещё на Монмартре, медленно убивали его. Художник становился гневным, раздражительным, а порой просто агрессивным. Друзья пытались помочь: организовали выставку работ Лотрека в Лондоне. В Англии он меньше пил, но, вернувшись в Париж, начал снова. Его преследовали кошмары галлюцинации. В 1900 году родные поместили его в психиатрическую лечебницу. Там со временем к художнику вернулись ясность мысли и страстное желание рисовать. Через три месяца его выписали. Он вернулся к нормальной жизни – не брал в рот спиртного, не бывал в публичных домах. Однако спустя всего полгода художник сорвался.

В начале 1901 мастер создал серию работ о Мессалине.

Новый приступ случился в марте 1901 – у мастера отнялись ноги. Как только вернулись силы, он начал создавать новые картины. В августе снова случился удар. Графиня привезла слабеющего сына в поместье Мальроме.

9сентября 1901 Анри де Тулуз-Лотрек умер.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) родился 5 марта 1856 в Омске. В восьмилетнем возрасте вместе с родителями временно проживал в Петербурге, где отец водил сына, проявлявшего художественные наклонности, в рисовальные классы Общества поощрения художников. Спустя год семья переехала в Саратов, здесь юный живописец занимался у частного педагога, обучавшего его рисованию с натуры. Позже Врубели переехали в Одессу, где, несмотря на частые перемены школ, Михаил с отличием закончил Ришельевскую гимназию.

В 1874 Врубель по настоянию отца поступил на юридический факультет Петербургского университета. Подрабатывал гувернёром, в 1875 смог совершить заграничную поездку вместе с семьёй, в которой работал.

После окончания учёбы Врубелю пришлось отбыть воинскую повинность, и только в 1880, в возрасте двадцати четырёх лет, Врубель поступил на первый курс Петербургской Академии художеств. Учился у П. П. Чистякова, брал уроки у И. Е Репина. Но при этом его собственный стиль стал формироваться с первых лет обучения в Академии.

В начале 1884, так и не окончив Академию, молодой художник отправляется в Киев для росписи церкви Кирилловского монастыря. Работал над фреской в Софийском соборе в Киеве. Позже мастер присоединился к реставрационным работам, которые начались в недавно возведённом в Киеве Владимирском соборе.

Прожив несколько лет в атмосфере религиозности, Михаил Александрович, по всей видимости, устал от неё. Ситуация усугублялась неудачами в творчестве и личной жизни. Врубель начал бурно увлекаться женщинами и спиртными и спиртным, хотя и без этого постоянно бедствовал.

Однажды Врубеля пригласили на оперу А. Г. Рубинштейна «Демон», которую в Киеве поставил антрепренёр И. П. Прянишников. Живописец, поражённый спектаклем и голосами артистов, загорелся идеей написать образ увиденного им демона. С тех пор эта идея не отпускала его.

В 1889 году живописец навестил своего отца в Казани, а на обратном пути остановился в Москве, где жил его бывший сокурсник по Академии Валентин Серов. Серов познакомил Врубеля с известным меценатом и любителем искусства Саввой Ивановичем Мамонтовым. Вскоре Врубель поселился в его усадьбе. Художник стал получать заказы на оформление интерьеров. И больше не знал той бедности, которая была в Киеве.

В 1890 году наконец был написан «Демон сидящий». Эта работа почти не имеет аналогов в истории мирового искусства ни по своей тематической эмоциональности, ни по найденным автором сочетаниям холодных и тёплых оттенков живописных мазков, создающих полное ощущение кристальной мозаичности потустороннего мира.

Врубель, продолжавший жить у Мамонтовых, путешествовал вместе с ними, побывал в Италии, Франции и Греции. Везде он делал наброски к своим будущим работам («Испания», «Гадалка»).

Почти все работы Врубель создавал по мотивам какого- либо музыкального или литературного произведения («Демон сидящий», «Демон поверженный», «Принцесса Грёза», «Фауст», «Полёт Фауста и Мефистофеля», «Богатырь»).

 Врубель часто рисовал свою супругу, актрису Надежду Ивановну Забелу, очень внимательно следил за её творчеством («Царевна Волхова. Н. И. Забела-Врубель в роли Волховы в опере Н. А. Римского –Корсакова «Садко»», «Портрет артистки Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете «Empaire», исполненном по замыслу художника»).

Удивительно, что создавая свои пейзажи не с натуры, а по памяти и с использованием фотографий, Врубель тем не менее достоверно и декоративно передавал впечатляющую растительность, фигуры людей («Сирень» 1900 год, «К ночи», «Сирень» 1901 год).

В 1901 у Михаила Александровича родился сын, которого назвали в честь друга и благодетеля семьи, Саввой. У мальчика были голубые глаза матери и уродливая заячья губа. Всегда ставивший красоту превыше всего художник был поражён и разочарован, винил во всём себя. С этого времени он стал ещё более замкнутым и мрачным.

Врубель примкнул к недавно созданному объединению художников «Мир искусства». Члены объединения утверждали, что искусство – это, прежде всего, отражение личности художника, и в своём творчестве ориентировались на модерн и символизм. Именно на выставке «Мира искусства» впервые была представлена работа «Демон поверженный». Она вызвала настоящую сенсацию.

Однако состояние художника всё более ухудшалось. Он почти не спал, не ел, не лечился, когда у него поднялась высокая температура. Долго так продолжаться не могло, и супруга художника вместе с его друзьями уговорила Врубеля показаться врачам. Консилиум во главе с В. М. Бехтеревым порекомендовала поместить художника в психиатрическую лечебницу к знаменитому профессору В. П. Сербскому.

В течение полугода состояние Михаила Александровича было настолько тяжёлым, что к нему не пускали даже сестру и жену. Но постепенно его психика пришла в норму, и в феврале 1903 года Врубель был выписан из лечебницы. Однако он стал апатичным, его почти ничего не интересовало, он даже не писал и часто был в депрессии.

В это время умирает его двухлетний сын. Все заботы о похоронах Врубель взял на себя, стряхнул с себя апатию, старался быть бодрым, чтобы поддержать жену, которая погрузилась в молчание.

Убитый горем отец сам попросил, чтобы его снова отправили в психиатрическую больницу. Сначала Врубель лечился в Риге, потом в Москве у Сербского, и только в подмосковной клинике доктора Ф. А. Усольцева его психическое здоровье стало приходить в норму. К тому времени он стал одним из самых известных художников в России.

Однако Врубель был в крайне тяжёлой жизненной ситуации: обанкротился Мамонтов, и он, долго не создававший новых картин, оставил жену без средств к существованию.

Летом 1904 супруга художника получила ангажемент в Мариинском театре и вместе с мужем перебралась в Петербург, где выздоровевший Врубель вновь стал творить. Но он больше не писал демонов, предпочитая портреты и удивительные композиции ( «Жемчужина», «Портрет Н. И. Забелы-Врубель на фоне берёзок», «Кампанулы»).

Мастера, в очередной раз помещённого в психиатрическую лечебницу, уже не интересовали ни собственная популярность, ни события, которые происходили в стране. Он был погружён в раздумья, когда наступала ремиссия, брался за кисть.

В 1905 Врубелю присвоили звание академика Петербургской академии художеств, но на гениального мастера это уже не произвело никакого впечатления. Он практически ослеп, моментов просветления у Врубеля больше не было. Однако когда приезжала супруга и читала ему вслух или пела, он брал карандаш и зарисовывал цветы или лошадей, но как только отнимал карандаш от бумаги, не мог закончить начатое.

Зимой 1910 Врубель намеренно простоял несколько часов под открытой форточкой. В феврале у него открылось воспаление лёгких, а 1 апреля художника не стало.