Урок 7. Вокальные ансамбли: дуэт, трио, квартет и т.д.

Урок 6. Жанр арии.

 

Итальянское слово «ария» переводится как «песня», «воздух», «ветер». Ария – более крупный жанр вокальной лирики. Арии часто являются составной частью оперы, но бывают и концертные арии, не связанные с конкретным спектаклем или сюжетом. Музыкальные портреты действующих лиц оперы, их чувства воплощаются в больших, развёрнутых ариях.

Оперные арии бывают самые разнообразные по характеру и своему строению, так как они рисуют облик героев самого различного типа. Есть арии героические, драматические, лирические и даже комические. Для арии характерна широкая, распевная, кантиленная мелодия. Ариям может предшествовать оркестровое вступление и речитатив – мелодия, похожая на говор, речь. Оперная ария обычно имеет законченную форму: куплетную, трёхчастную, вариационную или рондо, а речитатив – строится свободно, импровизационно.

·   Например, послушаем «Арию Дидоны» из оперы Пёрселла «Дидона и Эней». Она написана в жанре пассакалии, то есть вариаций на остинатную тему баса. Главная героиня оперы – царица Карфагена Дидона, не желая жить без своего возлюбленного Энея, бросается со скалы в море, где погиб в кораблекрушении Эней. Отсюда печальный, трагический характер всей арии. Это ария скорби – ария lamento.

 Комические герои начали появляться в оперной музыке в 18 веке.

· Например, герой из оперы Моцарта «Волшебная флейта» - Папагено. Исполняет в опере весёлую песенную мелодию, рассказывающую о его профессии – ловить птиц.

В русской музыке ряд опер посвящён теме защиты Родины. Это оперы «Иван Сусанин» Глинки, «Князь Игорь» Бородина. Главные герои здесь исполняют мужественные, героические арии.

·   Послушаем Арию Князя Игоря из одноименной оперы Бородина.

Есть сказочные оперы, где главная героиня отличается нежным светлым характером. Снегурочка, Царевна-Лебедь, Волхова. Они поют лирические арии.

· Примером оперной лирики может служить «Ария Снегурочки» из одноименной оперы Римского-Корсакова Она написана в традициях пасторальной музыки – нежный женский голос героини звучит на фоне аккордов деревянных духовых и струнных инструментов.

Существует большое количество разновидностей арий: каватины, кабалетты, арии lamento (арии скорби), арии-монологи, арии-рассказы, арии-куплеты, ариэтты (маленькие арии). Все они применяются в определённых жанрах оперы.

В старинной музыке жанр арии иногда включался в хоровые сочинения – мессы, кантаты и оратории. Нередко можно встретить и инструментальные Арии, включенные в сюиты для клавира или оркестра.

· Таковы «Арии» Баха. Послушаем одну из них – Ария из оркестровой сюиты №3.

 

Урок 8. Вокальные циклы.

Урок 9. Контрольный.

 

Т ема 3.Тембры вокальной музыки (голос человека).

Урок 10-11.

Человеческий голос бывает разговорным и певческим, «непоставленным» (бытовая речь, пение необученного певца) и «поставленным» (сценическая речь, пение профессионального певца). Каждый человек обладает голосом, многие умеют петь, ноне каждый человек, даже поющий, может назваться вокалистом. Так называют певца, который прошёл специальную школу пения, серьёзный длительный путь вокального обучения.

Что же отличает человеческий голос? Прежде всего, объём, диапазон. Есть люди, диапазон голоса у которых достигает нескольких октав. Во-вторых – высота голоса, которая зависит от голосовых связок - от числа их колебания в секунду, а также их длины и толщины. В-третьих – сила голоса. И четвёртое качество – тембр или окраска голоса, присущая только этому человеку. Благодаря тембру мы различаем голоса знакомых людей.

В зависимости от тембра и высоты певческие голоса делятся на низкие, средние и высокие.

 

Голос	Мужской	Женский
Высокий	Тенор	Сопрано
Средний	Баритон	Альт
Низкий	Бас	Контр-альто

 

Композитор Римский-Корсаков в опере «Садко» использует особенности звучания каждого мужского голоса для характеристики заморских гостей.

· «Песня Варяжского гостя» – бас.

· «Песня Индийского гостя» – тенор.

· «Песня Венецианского гостя» – баритон.

Тенор – голос, отличающийся светлым, звонким и одновременно мягким тембром. Многие композиторы именно тенору поручают главные партии в своих операх.

· Голос Паваротти - один из самых знаменитых теноров ХХ века. В его исполнении прозвучит «Тарантелла» Россини.

· Самый высокий из теноров – тенор-альтино. Для него Римский-Корсаков написал партию Звездочёта в опере «Золотой петушок». Это крайне редкий голос. Послушаем ариозо Звездочета  

Лирический тенор более популярен. Он используется почти в каждой опере. Этим голосом обладали великие русские певцы Леонид Собинов, Иван Козловский, Сергей Лемешев.

· Послушаем романс Гурилёва «На заре туманной юности» в исполнении Сергея Лемешева.

Баритон – средний по регистру мужской голос. В переводе с греческого означает «тяжёлый». Такое название дано голосу неслучайно. Певцы, обладающие красивым, насыщенным баритоном, обычно исполняют партии мужественного характера. Георг Отс, Мусли Магомаев, Дмитрий Хворостовский обладали такими голосами.

· Послушаем голос М.Магомаева в «Арии Риголетто» из одноименной оперы Верди.

· Глинка «Попутная песня» в исполнении Д.Хворостовского.

Бас – самый низкий из всех голосов. Различают бас профундо (низкий) и бас кантате (высокий). В этом голосе заключены богатые возможности.

    Имя знаменитого Федора Шаляпина знает весь мир. У него был высокий бас исключительной красоты и мягкости. Посмотрите внимательно на портрет Фёдора Ивановича Шаляпина. Портрет выполнен художником Валентином Александровичем Серовым. Имя знаменитого на весь мир баса знают все. У него был высокий бас, исключительной красоты, яркости и мягкости.

· Послушайте фрагмент «Песни варяжского гостя» из оперы Н. А. Римского-Корсакова «Садко».

О скалы грозные дробятся с рёвом волны,
И, с белой пеною крутясь, бегут назад.
Но твёрдо серые утёсы выносят волн напор,
Над морем стоя…

    «Гениальный сын земли русской» - эти слова начертаны по-французски на могиле величайшего певца, когда-либо появлявшегося на оперной сцене или концертной эстраде. История вокала не знает артиста, превзошедшего Шаляпина или хотя бы равного ему.

· Послушаем в его исполнении песню «Лучинушка».

Басом профундо обладал Поль Робсон – знаменитый исполнитель негритянских спиричуэлсов.

Теперь перейдём к женским певческим голосам. 

Сопрано – самый высокий голос. Существует три типа сопрано: драматическое - плотный, насыщенный тембр, лирическое – мягкое, подвижное, и колоратурное - легкое, воздушное, свободное по звучанию.

· Послушаем "Колыбельную Волховы" из оперы Римского-Корсакова «Садко», написанную для колоратурного сопрано.

Меццо-сопрано - низкий, грудной, бархатистый голос. Этому голосу многие композиторы поручают роли сильных, волевых женщин.

· Например, партия Кармен в опере Бизе. Послушаем «Сегидилью» Кармен.

· Надежда Обухова – романс Шишкина «Ночь светла».

Контральто – самый низкий женский певческий голос. Иногда этому голосу поручают партии юношей и мальчиков-подростков: Вани в опере «Иван Сусанин»     Глинки, Леля в опере «Снегурочка» Римского-Корсакова.

· Послушаем песню Леля «Туча со громом сговаривалась».

Детские певческие голоса делятся на сопрано и альты. Самый высокий голос в хоре мальчиков называется дискантом. Самым знаменитым в мире дискантом был Робертино Лоретти.

· Послушаем «Вечернюю серенаду» Шуберта  в его исполнении.

Т ема 4.Хоровая музыка.

Ноктюрн. Пастораль. Элегия.

Жанр ноктюрна – один из самых популярных в эпоху романтизма. Это слово в переводе с французского означает «ночной». Под звуки ноктюрна часто представляют ночные пейзажи – затуманенные и притихшие, освещённые сиянием луны и мерцанием звёзд. Но прежде всего – это лирическая песнь. Начало ноктюрну положил Джон Фильд, но более известными стали ноктюрны Фридерика Шопена. Это сокровищница лирики, то грустно-мечтательной, то сладостно-счастливой, то драматичной. Широкие певучие мелодии при своих повторениях всякий раз украшаются и утончаются. Среди наиболее популярных классических мелодий –

· «Ноктюрн Миb мажор» Шопена.

Ÿ Глинка Ноктюрн "Разлука".

Ÿ Лист «Грёзы любви».

 

Жанр пасторали – в переводе с латинского означает «пастушья музыка», в более широком смысле – сельская идиллия. Чувство нерушимого покоя, душевной гармонии пронизывают музыку пасторали. В 18 веке аристократы разыгрывали на сцене сельско-пастушеские сцены, наряжаясь в пастухов и их возлюбленных пастушек.

    Пасторальной может быть симфония (пример – «Симфония №6» Бетховена), симфоническая картина или часть сюиты («Утро» из сюиты Грига «Пер Гюнт»).

Ÿ Послушаем «Пастораль» из сюиты Бизе «Арлезианка». Эта симфоническая миниатюра состоит из трёх частей (АВА). Первая тема (А) – сочная и тяжеловесная, звучит у струнных инструментов, поддержанных «медью». Она напоминает трудовые песни. Середина (В) – это и есть пасторальная музыка, поэтичная и нежная. Песенная тема исполняется флейтой и кларнетом. Фоном для мелодии служат аккорды в ритме болеро с ударами бубуна.

Жанр элегии. Элегии бывают и вокальные, и инструментальные. Элегичными могут быть романсы и арии, а могут – фортепианные миниатюры. Элегии пишутся в медленных темпах, чаще в минорных ладах. Примеры инструментальной «Элегии» встречаем в творчестве Грига, Рахманинова, Массне.

Ÿ Послушаем «Элегию» Массне. Необычно изложение темы в басовом голосе на фоне пульсирующих аккордов верхнего голоса (приём обращённой фактуры). Печально-никнущая мелодия в ми миноре в средней части становится взволнованной, затем - начинается реприза 3-х частной формы.

Вариантами жанра элегии могут быть «Размышления» или «Грёзы». Окраска здесь бывает более светлой, прозрачной.

Ÿ Например, «Грёзы» Шумана из цикла для фортепиано «Детские сцены».

 

Урок 13. Жанры виртуозной музыки. Токката. Этюд. Каприс.

 

Слово «виртуозность» означает высшее мастерство. Любой музыкальный инструмент – будь то флейта, орган или скрипка – раскроет все свои возможности лишь тогда, когда к нему прикоснутся руки мастера – музыканта-виртуоза.

Усовершенствование музыкальных инструментов, усложнение техники игры привело в 18 веке к развитию жанров виртуозной музыки: вариаций, фантазий, токкат, концертов, сонат. Виртуозная техника игры на клавесине совершенствовалась итальянцем Доменико Скарлатти. В своих 555 пьесах для клавира он развивал такие сложные приёмы игры, как быстрые пассажи, трели, двойные ноты, перекрещивание рук. По воспоминаниям современников Скарлатти его игра «производила ошеломляющее впечатление: казалось, будто за инструментом сидела тысяча чертей».

Ÿ Послушаем одну из этих пьес – «Сонату До мажор».

Токката – жанр старинной музыки виртуозного характера, писалась для клавишных инструментов. В ней присутствовала импровизационная свобода музыкального развития. Патетический речитатив сопоставлялся с виртуозными пассажами. Своей кульминации жанр достиг в творчестве Баха. Его токкаты – клавирные и органные – поражают мощью звучания и смелой виртуозностью. Среди органных сочинений Баха особенно популярна

· Токката и фуга Ре минор BWV 565. Токката звучит свободно и пламенно. Приподнятые интонации вступительного речитатива создают впечатление возвышенной ораторской речи. Бурные виртуозные пассажи, гигантские наслоения плотных по фактуре аккордов придают токкате мощь и виртуозный блеск.

Это короткое произведение, написанное молодым Бахом, значит в истории музыки гораздо больше, чем многие «большие концерты» маститых композиторов.

Органная музыка в Германии до И. С. Баха имела давние традиции. Опыт целой плеяды замечательных мастеров органного искусства служил Баху опорой. Он был лично знаком со многими представителями старшего поколения немецких органистов и мог в живом звучании воспринимать национальное своеобразие немецкой органной музыки. Именно орган стал для Баха родной стихией. Здесь его гений раскрылся во всем своем великолепии и необъятности. Орган стал для него своего рода оркестром, который мог выдержать грандиозный размах его импровизаций.

Для этого инструмента Бахом создано огромное количество произведений. Это были и большие музыкальные циклы, состоящие из прелюдий, фантазий, токкат с фугами, и одночастные хоральные прелюдии. Основу органных миниатюр у Баха составляли мелодии протестантских хоралов. Вершиной органного творчества Баха стали его знаменитые Токката и фуга ре минор.

Форма фуги - основа органного творчества Баха. Обыкновенно он предварял ее прелюдией (небольшой пьесой, которая изначально представляла собой импровизационное вступление к основному произведению) или токкатой. Впрочем, строгой жанровой границы между токкатой и прелюдий провести нельзя. Довольно часто одна и та же пьеса называется в одних источниках токкатой, в других - прелюдией.

Токкату и фугу ре минор композитор написал, вероятно, еще в юности – во всяком случае, до переезда в Веймар. Виртуозное, исполненное молодой страстности и высокого религиозного чувства, это сочинение требует от исполнителя не только блестящей техники, но и способности к импровизации.

Начало произведения - возглас, повторенный трижды, с каждым разом все ниже. Он - словно призыв к молчанию. «Внемлите!» - говорит вступление слушателям. Из вступления рождается музыкальная речь. Бурная, драматичная, она подобна горной реке весной. Она не дает опомниться, она властно влечет за собой и поражает мощью и глубиной звука.

Следующая за токкатой фуга полна доверительности. Она лирична, изящна и вместе с тем по-юношески неспокойна. Музыкальный поток неустанно бежит вперед, но поток фуги, в отличие от потока токкаты, скорее напоминает прозрачные воды ручья. Что это? Трепет верующего сердца? Успокоение после сомнений? Признание в любви? И если да - то к кому? Некоторые полагают, что в этом произведении молодого Баха звучит эхо его первой любви, его страстной и невинной любви к Марии Барбаре, которая вскоре стала женой композитора. Думается, однако, что если мотив влюбленности и присутствует здесь, то вовсе не он определяет настроение всего сочинения.

Вся пьеса длится не более десяти минут. Но за это время она успевает захватить слушателя, подчинить его себе, она заставляет его пережить целую жизнь, полную восторга и смятения.

19 век дал миру великих виртуозов – Паганини, Шопена, Листа. В их творчестве особое место занимает жанр этюда.

Слово «этюд» вам хорошо знакомо. С первых месяцев овладения инструментом музыканты начинают играть этюды. Сначала совсем простые. Затем переходят к более сложным. По-французски etude - изучение. Они развивают технику музыканта. Каждый этюд посвящён освоению какого-то технического приёма: игра октавами, трели, терции, например.

Изучением технических приёмов, кстати, занимаются не только музыканты. Этим занимаются и художники, и шахматисты, и многие другие. Этюды великих художников часто оказываются не просто упражнениями для выработки какого-либо приёма, а подлинными произведениями искусства. Их выставляют в музеях, ими восхищаются. Вот и в творчестве Шопена этюд получил новое значение.

У Шопена этюд перестал быть упражнением. Он стал полноценным художественным жанром, как и другие концертные произведения, раскрывающим поэтические образы, мысли, настроения. Отныне этюды стали включаться в концертные программы как серьёзные и выразительные произведения наравне с сонатами, балладами и другими жанрами.

Его сочинения в этом жанре наряду с сочинениями Ференца Листа открыли новую, романтическую эру в истории фортепианного этюда и фортепианной виртуозности вообще. Всего в наследии Шопена - 27 этюдов, две тетради по 12 номеров в каждой (ор. 10 и ор. 25), и ещё три отдельные пьесы.

Судьба Ф. Шопена тесно переплелась с судьбой Родины. Признанный лучшим пианистом Польши, композитор отправляется с концертами в Европу. Шопен долго не мог решиться на этот шаг.

«…Нет у меня сил, - писал он, - назначить день отъезда; мне представляется, что я уезжаю, чтобы умереть, - а как, должно быть, горько умирать на чужбине, не там, где жил».

И всё же двадцатилетний композитор покидает Польшу. На прощальном вечере, устроенном друзьям, Ф. Шопену преподнесли серебряный кубок с польской землёй, который он хранил в знак верности своей Родине.

Когда из Польши пришла весть о начале народного восстания и его жестоком подавлении, Ф. Шопен решил прервать концертное путешествие и вернуться на Родину. Однако родные и друзья, боясь за его жизнь, отговорили композитора от этого шага: пусть он служит Родине своим искусством.

«Я проклинаю час своего отъезда… - пишет в письмах композитор. – Я не могу поступать, как мне хочется… В гостиных притворяюсь спокойным, а вернувшись домой бушую на фортепиано».

Своё горе, гнев, возмущение он излил в музыке. Как творческий отклик на происходящие в Польше события (в 1831 г.) появились такие сочинения Шопена, как знаменитый Этюд № 12, названный «Революционный», и Прелюдия № 24.

· Этюд № 12 (Revolutionary – «Революционный»). С огромной художественной силой отразились здесь гневный протест и острая душевная боль, охватившие музыканта, когда он узнал о подавлении восстания, вспыхнувшего на его Родине. На фоне грозных волнообразных - «вихревых» - пассажей слышатся страстные возгласы - словно гордые призывы умереть, но не сдаваться в смертельном бою. Когда они стихают, краткая до-мажорная кода звучит как трагически возвышенное оплакивание гибели героев.

В последний же момент по всей клавиатуре вновь проносится пассажный «шквал» - как порыв непримиримых мятежных чувств. По своему страстному эмоциональному накалу «Революционный этюд» родствен героике Бетховена, в особенности финалу его фортепианной сонаты «Аппассионата».

Любовью к Польше пропитан каждый такт музыки Шопена. Разлучённый на всю жизнь с Родиной, он оставался всегда польским композитором. Вот, почему как самую дорогую реликвию хранит сейчас Польша сердце Шопена, которое до последнего своего удара билось для родной страны.

Сердце Шопена привезли из Парижа в Варшаву, в костёл Святого Креста, и оно бережно хранилось там долгое время. Когда фашисты оккупировали Польшу, польские патриоты тайно вынесли из костёла драгоценный сосуд, хранивший эту реликвию, и спрятали его.

.

Русский композитор и критик Цезарь Кюи писал о Шопене: «Шопен... болел страданиями своего Отечества, болел разлукой со своими родными и друзьями, болел тоской по родине и своё искреннее, глубокое горе высказал в дивных, поэтических звуках. Это тяжёлое, скорбное настроение он называл одним польским непереводимым словом «жаль», которое одновременно обозначает и скорбь, и обиду».

«Глубокие думы о себе самом и о своём несуществующем более Отечестве, свои радости и отчаяние, свои восторги и мечты, минуты счастья и гнетущей горести, солнечные сцены любви, лишь изредка прерываемые тихими и спокойными картинами природы, - вот где область и могучее царство Шопена, вот где совершаются им великие тайны искусства под именем сонат, прелюдий, мазурок, полонезов, скерцо, этюдов…», - писал В. Стасов, выдающийся русский критик и общественный деятель XIX в.

Шопен и Лист создали виртуозные этюды в блестящем стиле, со сложнейшими приёмами игры, с необыкновенно красочной звучностью. Из учебной пьесы они превратили этюд в подлинно художественное произведение – этюд-картину, этюд-настроение.

Ференц Лист нередко превращал этюд в концертную виртуозную пьесу программного характера. Наиболее известны его этюды «Метель», «Хоровод гномов», «Блуждающие огни», «Шум леса».

В русской музыке мастерами художественных этюдов были Рахманинов, создатель «Этюдов-картин», и Скрябин.

· Скрябин. Этюд ре# минор – написан после 1905 года и отражает события первой русской революции. Подобно этюду Шопена полон бурных пассажей, ораторских интонаций, пламенных эмоций.

Каприччио – этот жанр также может быть отнесён к виртуозным. В переводе с итальянского означает «каприз», «прихоть». По-французски произносится как каприс. В музыке так называют пьесы, свободные по строению, капризного, изменчивого характера. Широко известны каприсы Паганини – виртуозные, причудливые пьесы.

Появление на концертных эстрадах Европы Никколо Паганини стало сенсацией в музыкальном мире. Его «дьявольская» игра, демонический облик и ореол тайны приводили современников в восторг и смятение. Изданные в Милане в 1820 году «24 каприса» для скрипки соло были объявлены неисполнимыми. И действительно, виртуозность этих блестящих пьес требует предельного напряжения физических и духовных сил исполнителя. Миф об их неисполнимости давно развеян.

Ÿ Наиболее популярен «Каприс №24» Паганини. Его тема стала основой произведения русского композитора – «Рапсодии на тему Паганини» для фортепиано с оркестром Рахманинова. Иногда эту подвижную и колкую мелодию называют «пляской смерти». Её 2-я часть построена на основе «золотой секвенции».

В старинной музыке каприччио могло сближаться с жанром фантазии, иногда становилось программным. Например, «Каприччио на отъезд возлюбленного брата» И. Баха, состоящее из 6 частей, не лишённых оттенков юмора, или «Рондо-каприччио» Бетховена с подзаголовком «Ярость из-за потерянного гроша».

Подобно фантазии, каприччио может оказаться и сюитой на народные темы, что часто происходит в русской музыке («Каприччио на русские темы» Глинки, «Итальянское каприччио» Чайковского, «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Цыганское каприччио» Рахманинова).

Урок 16. Контрольный.

Урок 17. Жанр концерта.

   

    Концерт — музыкальный жанр, в основе которого лежит контрастное противопоставление партий солиста, нескольких солистов, меньшей части исполнителей всему ансамблю. Принцип «состязания» (а именно так переводится с латинского слово «концерт») постепенно проникал и в чисто инструментальную музыку. Сопоставление всего ансамбля (тутти) с несколькими инструментами (соло) стало основой концерто гроссо — жанра, получившего распространение в эпоху барокко. Вершинные образцы концерто гроссо принадлежат А. Корелли, А. Вивальди, И. С. Баху, Г. Ф. Генделю.

    В эпоху барокко складывается также тип сольного концерта для клавира, скрипки и других инструментов в сопровождении оркестра.

Основоположником жанра сольного концерта считают итальянского композитора Антонио Вивальди. Антонио Вивальди (1678-1741) – был блистательным скрипачом-виртуозом, дирижировал оркестром и руководил первой консерваторией в Венеции. Создал 220 сольных скрипичных концертов, а также концерты для других инструментов (для флейты, виолончели, фагота, гобоя, мандолины, виолы). Всего – 344 концерта.

В творчестве Вивальди нередки программные концерты: «Буря на море», «Наслаждение», «Ночь», «Тревога» и самые известные – 4 концерта «Времена года». Музыкальные темы концертов часто связаны с народно-жанровой мелодикой, напоминая итальянские песни и танцы, иногда подражают оперной мелодике (особенно в медленных частях). Музыке Вивальди доступен и подлинный драматизм, и скорбь, и тревога, но они не способны одолеть её жизненной силы и оптимизма.

    Прекрасны мирные или бурные пейзажи в трактовке Вивальди. Таковы его знаменитые «Времена года». 4 концерта – «Весна», «Лето», «Осень», «Зима» - изображают разнообразные сцены крестьянской жизни. Пробуждение природы и работа на земле («Весна»), сцену грозы и плач пастушка («Лето»), сбор урожая и картину охоты («Осень»), катание на коньках и мирную идиллию у камина («Зима»). Каждому концерту предпослан стихотворный сонет самого композитора.

· Послушаем концерт "Весна" А.Вивальди

    В творчестве В. А. Моцарта, Л. Бетховена тип инструментального концерта для солирующего инструмента (или инструментов) с оркестром получил свое классическое воплощение. В первой части темы вначале излагаются оркестром, затем — солистом и оркестром; незадолго до окончания первой части возникает каденция — свободная импровизация солиста. Темп первой части, как правило, подвижный.

    Вторая часть — медленная. Ее музыка выражает возвышенное раздумье-созерцание.

    Третья часть — финал — быстрая, жизнерадостная, нередко связанная с народно-жанровыми источниками.

Так строятся многие концерты, созданные композиторами XIX— XX вв.

· Например, П. И. Чайковский в своем знаменитом 1-м концерте для фортепьяно с оркестром использует трехчастную форму цикла. В первой части сочетаются патетические и лирико-драматические образы. В основу ее главной темы композитор положил напев лирников (слепых певцов, аккомпанирующих себе на лире). Вторая часть — лирическая по характеру. В третьей Чайковский воссоздает картину праздничного веселья, используя украинскую народную песню-веснянку.

В русской классической музыке жанр инструментального концерта получил своеобразное и глубоко национальное претворение в фортепьянных концертах Чайковского и С.В. Рахманинова, в скрипичных концертах А.К. Глазунова и П.И. Чайковского.

Урок 18. Камерные инструментальные ансамбли.

     

      История камерной музыки берет свое начало в Средних веках. В XVI веке музыка стала выходить за пределы церковных храмов. Некоторые авторы начали писать произведения, которые исполнялись вне церковных стен для небольшого круга ценителей. Надо отметить, что сначала это были только вокальные партии, а камерно-инструментальная музыка появилась намного позже. Но обо всем по порядку. Завораживает камерная музыка. Что такое название произошло от итальянского слова camera ("комната"), наверное, все помнят. В отличие от церковной и театральной музыки, камерная изначально предназначалась для исполнения в помещениях небольшим коллективом для узкого круга слушателей. Как правило, выступление проходило в домашних условиях, а позже — в небольших концертных залах. Пика своей популярности камерно-инструментальная музыка достигла в XVIII–XIX веках, когда во всех гостиных обеспеченных домов проводились подобные концерты. Позже аристократы даже вводили штатные должности музыкантов.  

    Изначально камерная музыка предназначалась для исполнения перед небольшим кругом людей, являющихся ее ценителями и знатоками. А размеры помещения, где проходил концерт, позволяли исполнителям и слушателям тесно контактировать друг с другом. Все это создавало неповторимую атмосферу сопричастности. Возможно, именно поэтому для такого искусства характерна высокая способность открывать лирические эмоции и различные нюансы человеческих переживаний.

    Жанры камерной музыки как нельзя более точно рассчитаны на передачу чувств человека с помощью лаконичных, но в то же время детально выверенных средств. В отличие от симфонической музыки, где партии исполняются группами инструментов, в таких произведениях для каждого инструмента пишется своя партия, и все они практически равноправны между собой.

    С развитием истории развивалась и камерная музыка. Что такое направление должно иметь некоторые особенности в отношении исполнителей, не требует доказательств. Современные инструментальные ансамбли представляют собой:

· дуэты (два исполнителя);

· трио (три участника);

· квартеты (четыре);

· квинтеты (пять);

· секстеты (шесть);

· септеты (семь);

· октеты (восемь);

· нонеты (девять);

· дециметы (десять).

При этом инструментальный состав может быть самым разнообразным. В него могут входить как струнные, так и духовые инструменты. В состав одного коллектива могут быть включены только струнные или только духовые. А могут быть и смешанные камерные ансамбли — особенно часто в них включается фортепиано. Вообще, их состав ограничивается только одним — фантазией композитора, а она чаще всего безгранична. Кроме того, существуют еще и камерные оркестры — коллективы, в которые входит не больше 25 музыкантов.

           Современные жанры камерной музыки были сформированы под влиянием творчества таких великих композиторов, как В. А. Моцарт, Л. Бетховен, И. Гайдн. Именно этими мастерами были созданы непревзойденные по отточенности содержания и эмоциональной глубине произведения. Сонатам, дуэтам, трио, квартетам и квинтетам в свое время отдали дань самые известные романтики XIX века: Ф. Мендельсон, Р. Шуман, Ф. Шуберт, Ф. Шопен.

· Шуберт. Фореллен-квинтет

В самую счастливую пору своей жизни написал Шуберт этот квинтет. Шёл 1819 год. Вместе с Михаэлем Фоглем композитор путешествует по Верхней Австрии.

В верхнеавстрийском городке Штейре Шуберт и Фогль повстречали страстного почитателя шубертовских песен, промышленника Сильвестра Паумгартнера. Ещё и ещё раз просил он друзей исполнить для него песню «Форель». Он мог слушать её бесконечно. По заказу Сильвестра Паумгартнера Шуберт (больше всего на свете любивший доставлять радость людям) и написал инструментальный квинтет «Форель» - его красиво называют «Фореллен-квинтет», в четвертой части которого звучит мелодия песни «Форель». Он пожелал, чтобы финал представлял собой вариации на мелодию песни Шуберта «Форель». Он же настоял на необычном для классического квинтета составе инструментов: фортепиано, скрипка, альт, виолончель и контрабас.

· В квинтете бурлит, переливаясь через край, молодая энергия. Порывистые мечты сменяются грустью, грусть вновь уступает место мечтам, звонкому счастью бытия, которое только и возможно в двадцать два года. Тема четвертой части, простая, почти наивная, грациозно ведомая скрипкой, расплёскивается множеством вариаций. Первоначально излагается сама тема песни. За ней следует ряд вариаций, каждая из которых не похожа на другую, и каждый из инструментов маленького ансамбля успевает сказать своё слово. А завершается «Форель» безудержным, искрящимся танцем, навеянным Шуберту, вероятно, танцами верхнеавстрийских крестьян. Послушаем квинтет Шуберта "Форель". 4 часть.

 

· «Ноктюрн» из «Квартета №2» для струнных инструментов А. Бородина.

...Медленно плывёт над залом мелодия, полная какой-то особой «ночной» красоты. Она так прекрасна, что мы забываем обо всём, что слышали и чем только что наслаждались. Такая музыка покоряет сразу же. В этой мелодии и тихая задумчивость, и в то же время взволнованность, страстность, ночная глубина, волнующий ночной покой. Замер, как бы растворяясь в воздухе, голос виолончели, и та же мелодия родилась в высоком звенящем голосе скрипки. Кажется, что её окутало серебристое сияние луны, осветило призрачным, голубоватым светом...

Снова и снова повторяется мелодия. Меняется только её сопровождение, то спокойное, то почти тревожное. Перекликаются голоса. Какую-то часть мелодии спела скрипка, а продолжает её виолончель. Иногда, словно робея, пробует спеть кусочек мелодии альт, и снова разливаются бархатный голос виолончели и серебристый - скрипки. Это как игра света и тени, когда облака, бегущие по ночному небу: то скрывают луну, и тогда все погружается в глубокий мрак, то проплывают мимо, и снова серебристый холодноватый свет мерцает на листьях деревьев, на дорожках ночного сада. Но вот в последний раз, прощальным приветом, звучат отголоски красавицы мелодии, и замирающий протяжный аккорд завершает одно из великолепнейших созданий Бородина. Ноктюрн Второго квартета.

 

    Существуют еще камерные концерты, сюиты, фуги, кантаты. Еще в XVIII веке жанры камерной музыки отличались огромным разнообразием. Кроме того, они вбирали в себя стилистические черты других направлений и стилей. Например, у Л. Бетховена настолько четко прослеживается стремление раздвинуть границы такого явления, как камерная музыка.

· «Крейцерова соната», по своему монументализму и эмоциональному накалу ничуть не уступает симфоническим творениям Бетховена.

 

Т е м а 7.С имф о ни ч е с к а я м уз ы к а.

Урок 19. Жанр увертюры.

Увертюра (от ouvrir — открывать) — музыкальное оркестровое сочинение, служащее началом или вступлением оперы или концерта. Форма У. постепенно и долго развивалась.

Старейшая увертюра относится к 1607 г. Это — род интродукции, которую Монтеверди приписал к своей опере "Орфей". Отличаясь простейшей формой, эта увертюра была так коротка, что ее играли три раза подряд.

На некоторое развитие формы увертюры обратил внимание французский композитор Люлли, но его увертюры не были обширны — так, например, увертюра к опере "Армида" (1687) заключала в себе тридцать два такта. Форма так называемой французской увертюры Люлли состояла из двух частей: Grave и Allegro, преимущественно фугированного. Иногда после Allegro следовало опять Grave.

Эта форма перешла в Италию, но при АлессандроСкарлатти в Италии сложилась форма самостоятельной увертюры, или так называемой симфонии. Она состояла из Allegro, Andante и Allegro (повторение первого). Гендель в своих ораториях расширил формы увертюры, введя в нее три различные темы. Но в некоторых ораториях, как например в "Мессии", он придерживался французской формы, т. е. составляя ее из Grave и следующей за ней фуги в скором темпе.

· Такова увертюра и  из оперы Г.Пёрселла "Дидона и Эней". Медленная часть передаёт трагический характер всего произведения.

 

Полного расцвета достигает эта форма при Моцарте и Бетховене, у которых она облекается в ясную форму сонаты или сонатины. Но не всегда они придерживались этих форм в увертюре, например увертюра к опере "Волшебная флейта" Моцарта  написана в форме свободной фуги, а увертюра "Афинские развалины" Бетховена написана в форме рондо.

· Послушаем увертюру из оперы Моцарта "Волшебная флейта".

Отступления от установившейся позднейшей формы увертюры встречаются преимущественно у итальянских композиторов, например увертюра "Вильгельм Телль" Россини состоит из четырех самостоятельных частей (медленной, скорой, медленной и быстрой), содержание которых рисует сюжет оперы, хотя темы не взяты из самой оперы.

Многие увертюры к операм содержат темы, взятые из самих опер, но есть и такие, которые написаны самостоятельно и имеют связь только в смысле настроения. Образцовыми увертюрами могут считаться следующие: к "Дон-Жуану" Моцарта, "Эгмонту" и "Фиделио" Бетховена, к "Руслану", "Жизнь за Царя" Глинки.

Существуют увертюры в качестве самостоятельных симфонических произведений — не оперные, а концертные. В них форма шире, в особенности в смысле тематической разработки. Сонатная форма увертюры отличается от той же формы первой части симфонии тем, что в ней нет повторения первого отдела и что тематическая разработка более сжата.

· Послушаем увертюру "Ромео и Джульетта" Чайковского по одноименному произведению В.Шекспира. В основу программы этого симфонического сочинения было положено литературное произведение – трагедия гениального английского драматурга эпохи Возрождения Уильяма Шекспира, повествующая о любви, верности