Искусство северо-западных княжеств XIV -XVI веков.

Лишь в Новгороде и во Пскове, которые хотя и не знали самого ига, но выплачивали посланным туда баскакам дань, еще продолжалась художественная жизнь. Но и им, избежавшим ужасов монгольского нашествия, в отрыве от других городов и земель нелегко было сохранять и развивать свои культурные традиции и остаться связующим звеном между до- и послемонгольским этапами развития.

Возрождение городов, оживление торговли начинается в середине XIV в. Необходимость обороны консолидировала русские силы, в большой степени споспешествовала объединению русских земель, ускоряла процесс образования русского государства и формирования русской народности.

В этом процессе главенствующее место безраздельно перешло к Москве. И только в конце XV – начале XVI в. объединение русских земель под началом Москвы завершается. Москва и Тверь, выросшие в составе Владимирского княжества, естественно выступают наследниками владимиро-суздальских традиций в искусстве. Несколько иначе обстояло дело на северо-западе Руси. Новгород и Псков, сопротивлявшиеся объединению под властью Москвы, опираются в это время на собственный художественный опыт.

В XIV–XV вв. храмы Новгорода, как и раньше, возводятся по заказу бояр, духовных лиц, богатых ремесленников, купцов. Стены сплошь возводятся из местного, плохо отесанного, грубого камня, и лишь в сводах, барабанах и оконных проемах применяется кирпич.

Классический тип храма, простого и конструктивно-ясного, создается во второй половине XIV в., и аналога ему нет в архитектуре других стран. Церковь Спасо-Преображения на Ильине улице (1374), большая и стройная. Их отличительной особенностью является декор экстерьера, в котором новгородцы были всегда очень сдержанны, и покрытие по так называемой многолопастной кривой. Поэтому фасад украшен такими деталями, как декоративные нишки, бровки над окнами, киотцы, кружки, крестики, орнаментальный пояс под окнами барабана («поребрики» и «городки») и на апсиде (церковь Федора Стратилата).

Параллельно с новым строительством в Новгороде XV в. реконструировались памятники XII столетия. Новгородцы в 1433 г. прямо обратились к немецким мастерам.

В конце XV в. Москва подчинила Новгород, прибегнув к самым жестоким мерам. Вечевой колокол – символ новгородской независимости – был снят и вывезен из города, и с этих пор возникла поэтическая легенда о том, что он разбился на Валдае, когда его везли в Москву, на тысячи «валдайских колокольчиков». Новый заказчик диктовал новые вкусы. Самостоятельное развитие новгородской архитектуры закончилось.

Географическое положение Пскова, постоянная опасность нападения Ливонского ордена обусловили развитие в Пскове в это время в основном оборонного зодчества, возведение крепостей. Растут каменные стены псковского детинца (Крома) и «Довмонтова города», пристроенного к нему. К XVI в. крепостные стены Пскова протянулись на 9 км.

Самостоятельная строительная школа Пскова складывается позже, чем новгородская.

О полной самостоятельности можно говорить лишь с того момента, когда псковичи возвели в центре кремля Церковь Троицы на основаниях старой рухнувшей церкви XII в. XV век – время самого бурного расцвета псковской архитектурной школы. Летописи сообщают о строительстве во Пскове 22 каменных церквей. Церковь обстраивалась пристройками, ее облик оживляли крыльца, паперти, чисто псковские толстые и короткие столбы-тумбы. Пластичностью и неровностью стен, вызванными самим строительным материалом, псковские церкви близки новгородским, но в них имеется и свое неповторимое своеобразие, в котором большую роль играет и живописное расположение псковских храмов вблизи реки (во Пскове их две: Пскова и Великая), у брода, на холме, что нашло отражение в названиях [например, церковь Косьмы и Дамиана с Примостья (1462, верх перестроен в XVI в.)].

XIV век – время блестящего расцвета новгородской монументальной живописи. В это время в Новгороде уже сложилась своя местная живописная школа. Кроме того, в конце века местные мастера испытали на себе влияние великого византийца Феофана Грека (30-е годы XIV в. –после 1405 г.).

В Новгороде в 1378 г. по заказу боярина Василия Даниловича Мошкова и уличан Ильиной улицы он расписал церковь Спаса Преображения.

 

Неповторима была живопись Феофана: широкие удары кисти, точные, уверенно положенные блики, высветления, лепящие форму. Живопись Феофана Грека почти монохромная, красно-коричневых и желтых охр, оттенки которых дают, однако, необычайное красочное многообразие. Страстность и внутреннее напряжение, духовная энергия образов достигаются самыми лапидарными изобразительными средствами. Необычайного лаконизма Феофан достигает благодаря тому, что он избегает резких контурных и внутренних линий, мельчивших форму. Ее моделируют пробела самого разного рисунка: пятна-кружки, «запятые» и пр. Эти как будто небрежно брошенные мазки сливаются на расстоянии воедино, создавая иллюзию выпуклой формы и образ живого человека. Живопись Феофана, столь выразительно-индивидуальная, столь свободная от канонов, вместе с тем несет на себе и влияние собственно новгородского искусства.

Наконец, задолго до Феофана, в 1363 г. была исполнена роспись церкви Успения на Волотовом поле. Это в основном сцены из жизни Христа и Марии. Экспрессия образов здесь не уступала феофановской, но достигалась она иными приемами. Стенописи выполнены каким-то замечательным новгородским мастером, имени которого мы не знаем. В пользу этой точки зрения говорит колорит росписей: празднично-яркий, в сопоставлении звучного красного, зеленого, голубого, лилового. Рисунок поражает своей экспрессивностью. Фигуры представлены в стремительном движении, в страстном порыве.

 

 

10. Искусство Московского государства XVI века.

Образование единого Российского государства.

Освобождение страны от монголо-татарского ига.

Завершение формирования великорусской народности.

Усиление светских и демократических элементов.

Влияние церкви.

К 15в новый этап развития русского зодчества: совершенствование городского ремесла, увеличение финансовых средств, распространение кирпича заменила белокаменную, формирование общерусского архитектурного стиля, простота конструкций, усиление внешней декоративности, Москва- общерусский культурный центр(итальянские специалисты, итальянское возождение), полностью перестоен Московский кремль, Москва- образец подражания, шатровый стиль- истинно русская форма- наивысшее достижение русской арх 16в; регламентация живописи.

Ювелирное искусство, худ литье, резьба по кости, ткачество.

Иконопись (живопись) «Борис и Глеб», «Притча о слепце и хромце»

Особенности иконописи: 1. Пространственная четкая композиция 2. Утончен. Красота линий и силуэта. 3. Сложный нарядный цвет. Феофан Грек его особенности 1 страсти порыв, сомнения. 2. Цельный темный колорит. Свет изнутри персонажей. Андрей Рублёв Темы: единство любящего (отца), любимого (сына). Жертвы. Бесконечность и красота божественного мира

 

Древнерусские иконописцы.

Андре́й Рублёв (около 1340 / 1350 — 17 октября 1428, Москва; погребён в Спасо-Андрониковом монастыре) — наиболее известный и почитаемый мастер московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Поместным собором Русской православной церкви в 1988 году канонизирован в лике преподобного. Биографические сведения

Биографические сведения о Рублёве крайне скудны: скорее всего, родился он в Московском княжестве (по другим сведениям — в Новгороде) около 1340/1350 гг., воспитывался в семье потомственных иконописцев, принял монашеский постриг в Троице-Сергиевом монастыре при Никоне Радонежском (по другой гипотезе, в Спасо-Андрониковом монастыре при игумене прп. Андронике († 1373))^[1]. Андрей — монашеское имя; мирское имя неизвестно (скорее всего, по тогдашней традиции, оно тоже начиналось на «А»). Сохранилась икона, подписанная «Андрей Иванов сын Рублёв»; она поздняя и подпись явно поддельная, но, возможно, является косвенным свидетельством того, что отца художника действительно звали Иваном.

Творчество Рублёва сложилось на почве художественных традиций Московского княжества; он был хорошо знаком также с византийским и южнославянским художественным опытом. Первое упоминание об Андрее в летописи появилось только в 1405 году, свидетельствующее о том что Феофаном Греком, Прохором-старцем и чернецом Андреем Рублёвым был расписан Благовещенский собор в Московском кремле. Видимо, к 1405 году Андрей основательно преуспел в своём мастерстве иконописи, если монаху поручили такую ответственную работу и к тому же с Феофаном Греком. Второй раз в летописи об Андрее упоминается в 1408 году, когда он делал росписи с Даниилом Чёрным в Успенском соборе во Владимире. Прошло всего 3 года, а у Андрея уже появились помощники и ученики. Все тянулись к нему, потому что к тому времени у Андрея уже полностью сформировался свой индивидуальный, настоящий русский стиль. В 1420 годах Андрей с Даниилом Чёрным руководил работами в Троицком соборе Троице-Сергиева монастыря. Эти росписи не сохранились. В 1411 или 1425-27 он создал свой шедевр - «Троицу».

Рублёв скончался во время морового поветрия 17 октября 1428 года в Москве, в Андрониковом монастыре, где весной 1428 года выполнил свою последнюю работу по росписи Спасского собора. Точное место захоронения неизвестно.

На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV — начала XV веков, для которого характерен глубокий интерес к нравственным и духовным проблемам. В своих произведениях в рамках средневековой иконографии Рублёв воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Эти качества присущи иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил», все — рубеж XIV—XV веков, по другим исследованиям, 10-е годы XV века, Третьяковская галерея), где лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.

В конце XIV — начале XV веков (по другим исследованиям, около 1412) Рублёв создал свой шедевр — икону «Живоначальная Троица

» (Третьяковская галерея). Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Отойдя от традиционной иконографии, он поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса — клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это — указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зеленого цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть еще несколько символов: дерево и дом. Дерево — мамврийский дуб — превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность Троицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо — за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора — за спиной третьего ангела (Святой Дух). Центральный ангел выделен выразительным контрастом пятен тёмно-вишнёвого и голубого цветов, а также изысканным сочетанием золотистых охр с нежным «голубцом» и зеленью. А внешние контуры образуют 5-угольник, символизирующий вифлеемскую звезду. «Троица» рассчитана на дальнюю и ближнюю точки зрения, каждая из которых по-разному раскрывает богатство оттенков, виртуозную работу кисти. Гармония всех элементов формы является художественным выражением основной идеи «Троицы» — самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.

В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами — Успенский собор во Владимире (роспись сохранилась частично) и создал иконы для его монументального трёхъярусного иконостаса, ставшего важным этапом формирования системы высокого русского иконостаса. Из фресок Рублёва в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовную ценность человека. Работы Рублёва во Владимире свидетельствуют, что уже в это время он был зрелым мастером, стоявшим во главе созданной им школы живописи.

 

 

Диони́сий (ок. 1440—1502) — ведущий московский иконописец (изограф) конца XV — начала XVI веков. Считается продолжателем традиций Андрея Рублева.

Самая ранняя из известных работ — росписи собора Рождества Богородицы в Пафнутьевом Боровском монастыре (1467—1477). В 1481 году артель, возглавляемая Дионисием, расписывает Успенскую церковь в Москве (вероятнее всего, Успенский собор, построенный Аристотелем Фиораванти). Его помощниками в этой работе, как сообщает летопись, были «поп Тимофей, Ярец да Коня». Не ранее 1486 года, возможно, неоднократно, работает в Иосифо-Волоколамском монастыре: там он пишет иконы для соборной церкви Успения Богоматери, возглавляя живописную артель. Последние документально засвидетельствованные произведения, и, вероятно, наиболее известные работы Дионисия — стенные росписи и иконостас собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря, выполненные мастером вместе со своими сыновьями Феодосием и Владимиром. Известно довольно много художественных произведений, авторство Дионисия которых документально установлено, либо приписываемых самому Дионисию, либо его окружению. Среди дошедших до нашего времени икон мастера известны: житийные иконы митрополитов Петра и Алексея (1462—1472 гг.), «Богоматерь Одигитрия» (1482 г.), «Крещение Господне» (1500 г.), «Спас в силах» и «Распятие» (1500 г.), «Сошествие в ад».

 

 

12.. Искусство 17в

Иностранная интервенция, образование всероссийского рынка, формирование абсолютизма.

Борьба старины с новизной.

«бунташный период» (медный и соляной бунты).

Перемены в русской церкви: реформы патриарха Никона привели к расколу церкви.

Изменения в хозяйственной сфере, создание мануфактур, сближение с западной Европой – все это привело к ломке общественного мировоззрения.

Нарушение иконографических канонов в живописи, сближение культового и гражданского зодчества, любовь к декору, к полихромии…быстрый процесс обмирщения культуры17века!

17в завершается история древнерусского искусства, открывается путь новой светской культуре! Рождается искусство нового времени!

Основные заказчики- разбогатевшее крестьянство, зажиточные куцы.

Три этапа в архитектуре:

Первая четверть 17века (еще сильна связь с традициями 16 века)

Церковь Покрова в царском селе Рубцове(прекрасный сомкнутый сводом храм). Продолжается шатровое строительство.В 30х годах было сооружено крупнейшее светское здание на территории московского кремля – Теремной дворец (многообъемность жилых служебных помещений, создан для царских детей, многоцветность декора (резной по белому камню, богатейшая роспись Симона Ушакова внутри)).

Середина века 40-80е годы (складывается типичный для 17 века стиль- с живописной, ассиметричной группировкой масс, конструкция здания читается с трудом сквозь покрывающий сплошь всю стену декор (чаще всего полихромный); теряет смысл шатровое зодчество; появляются церкви в кот имеются 2,3 иногда 5 одинаковых по высоте шатров (церковь Рождества богородицы в Путинках в Москве (три шатра основного объема) шатры глухие, часто декоративные);распространяется определенный тип храма – бесстолпный, обычно пятиглавый, с декоративными боковыми барабанами, разномасштабные пределы, крыльцом, трапезной, шатровая колокольня (церковь Троицы в Никитинках); богатство архитектурного декора особенно свойственно Ярославлю (церковь Ильи пророка- большой пятиглавый храм; церковь Иоанна Златоуста – шатровая колокольня высотой 38 метров, многоцветный декоративный убор).

Конец столетия: отход от старых приемов и утверждение новых (рождение нового времени). В архитектуре появляется новый стиль «Московский» или «Нарышкинское барокко» (большинство храмов этого стиля было построено в Москве по закажу знатных бояр Нарышкиных); основные черты - центричность, ярусность, симметрия масс, равновесие масс; церковь Покрова в Филях(устремление всего арх объема ввысь).

Для арх 17 столетия характерна ее географическая масштабность; активное строительство ведется в Москве и ее окрестностях, Ярославле, Твери, Пскове, Рязани, Костроме, Вологде…

Сооружается много общественных зданий: Печатный дворец, Монетный дворец, Здание приказов, Сретенские ворота Земляного города.

Живопись: два разных художественных направлений: Годуновская школа (большинство произведений было исполнено по заказу Бориса Годунова; стремились следовать монументальным образам Рублева и Дионисия); Строгановская школа (некоторые иконы выполнялись по заказу именитых людей Строгановых; Прокопий Чирин(икона «Никита-воин» фигура хрупкая, лишена мужественности святых воинов), Назарий, Федор и Истома Савины; икона небольшая по размеру, драгоценная миниатюра, подписанная а не анонимная, тщательно очень мелкое письмо, изощренность рисунка, богатство орнаментации, обилие золота и серебра.

Постепенное умирание монументального образа.

Главный живописец Оружейной палаты – Симон Ушаков (взаимоотношение живописи с реальной натурой; «Спас нерукотворный», «Троица» (ангелу вполне земные существа); добивается телесного тона лица, почти классической правильности черт, объемности построения, подчеркнутой перспективы.

Худ центр- Оружейная палата (мастера расписывали церкви и палаты, писали иконы и миниатюры, создавали рисунки для икон).

Фресковая живопись 17 века: монументальна, изображения измельчены (плохо читаются на расстоянии), жанровые сцены переплетаются с орнаментом, орнамент покрывает архитектуру фигуры людей их костюмы, декоративизм фресок, праздничность, интерес к человеку в его повседневной жизни.

Портрет: парсуна, есть определенное портретное сходство, близки к иконе, наивность форм, статичность, локальность, попытка светотеневой моделировки; портреты Ивана 4, царя Федора Иоанновича, князя Шуйского.

 

13. Искусство Петровского времени.

Реформы Петра в экономике, государственной, военной, политической и общественной жизни, а так же в культуре и искусстве. Переход от древней Руси к современной России. Процесс европеизации. За каких-нибудь 50 лет России во всех сферах пришлось пройти тот путь развития, какой на Западе длился 2–3 столетия. Петр посылает людей учиться за границу наукам, ремеслу и искусству.

Архитектура. В 1903 году заложен Питер. Доминико Трезини – главный архитектор города того времени. Петропавловский собор - базиликальная трехнефная по композиции церковь, был завершен по плану Трезини в западной своей части высокой колокольней со шпилем. Петровские ворота Петропавловской крепости (1707–1708 –сначала в дереве, а в 1717–1718 переведены в камень) в честь победы России в Северной войне. Д. Трезини принадлежит также здание Двенадцати коллегий. Из ранних построек Петербурга сохранился Летний дворец Петра в Летнем саду (1710–1714, Д. Трезини, А. Шлютер и др.), простое прямоугольное двухэтажное здание с высокой кровлей. Меншиковский дворец на Васильевском острове на берегу Невы (10–20-е годы XVIII в., Дж.-М. Фонтана и Г. Шедель, реставрирован в 60–80-е годыXX в.), представляет собой новый тип усадьбы. Она слагалась из нового каменного дворца, старого –деревянного, церкви и обширного регулярного сада позади новой постройки.

Живопись. С началом XVIII в. главное место в живописи начинает занимать картина маслом на светский сюжет. Предпочтительное место отводится портрету во всех разновидностях: камерному, парадному; в рост, погрудному, двойному. В портрете XVIII столетия проявился исключительный интерес к человеку, столь характерный именно для русского искусства (для русской литературы –в более поздний период, со следующего века). Иван Никитич Никитин - портрет племянницы Петра Прасковьи Иоанновны, ГРМ; портрет любимой сестры Петра Натальи Алексеевны, 1716. В портрете Прасковьи Иоанновны еще много от старорусской живописи: нет анатомической правильности, светотеневая моделировка формы осуществлена приемом высветления от темного к светлому, поза статична. Цветовые рефлексы отсутствуют. Свет ровный, рассеянный. Но при этом в лице читается свой внутренний мир. Портрет канцлера Головкина, написанный после приезда из-за границы, насыщен предельно напряженной внутренней жизнью. Портрет Сергея Строганова. Изображение Петра на смертном одре. Андрей Матвеев – «Аллегория живописи» - первая в России сохранившаяся до нас станковая картина на аллегорический сюжет, изображает аллегорическую фигуру живописи в окружении амуров, сидящую у мольберта. «Портрет Галициной», «Автопортрет с женой» - живопись Матвеева, прозрачная, «плавкая», с тончайшими переходами от изображения к фону, нечеткими светотеневыми градациями и растворяющимися контурами, богатая лессировками, в этом произведении достигает совершенства и свидетельствует о полном расцвете его творческих сил.

Скульптура. Б.К.Растрелли - бюст А. Д. Меншикова – несколько театральный, эффектный, величественный образ. Портретный бюст Петра – типичное произведение барокко(как и бюст Меншикова). Статуя Анны Иоанновны с арапчонком – первый русский монумент. Конная статуя Петра.

Так к концу жизни Петра проходил процесс становления светского искусства во всех его видах и жанрах.

 

14. Искусство середины 18 века.

2 этапа: 1этап – 30 годы – мрачное время правления Анны Иоанновны; 40-50 – годы елизаветинского правления, некоторого смягчения нравов предыдущего времени, роста национального самосознания, поощрения всего отечественного, время сложения стиля русского барокко, знаменующего синтез всех видов искусства.

Архитектура. Ф.Б.Растрелли. Его ранние работы –дворцы Бирона в Митаве (1738–1740, теперь Елгава) и Руентале (1736–1740, теперь Рундаль), Летний (деревянный) дворец Елизаветы Петровны, стоявший на месте Михайловского замка и сохранившийся на гравюре по рисунку М. Махаева (1741–1744). ДворецМ.И. Воронцова (1749–1758) на Садовой улице в Петербурге с его эффектной игрой светотени на фасадах свидетельствует о формировании собственного творческого лица. Большой Петергофский дворец. Екатерининский дворец в Царском селе. Зимний дворец. Комплекс Смольного монастыря. Во всех работах Растрелли (а сюда можно добавить и дворец Строганова в Петербурге 1752–1754 гг., и построенный по его проекту московским зодчим И.Ф. Мичуриным Андреевский собор в Киеве) при всей декоративной пышности отделки и игре светотени на фасадах, красочности сочетаний цветов интенсивно-голубого, белого и позолоты сохраняется удивительная ясность основной композиции, что становится обязательной чертой русского барокко.

В XVIII столетии, особенно в его первой половине и середине, было принято воздвигать Триумфальные арки в честь какого-либо выдающегося события: в петровское время так отмечали славные виктории, во время правления Анны Иоанновны и Елизаветы Петровны триумфальные ворота строились в честь тезоименитства или по поводу коронаций и пр.

Русское барокко вызвало подъем всех видов декоративно-прикладного искусства.

Живопись. И.Я.Вишняков - портреты детей начальника Канцелярии от строений Фермера – Сарры Элеоноры и Вильгельма Георга Фермер. Парные портреты четы Тишининых. Правительницы Анны Леопольдовны. Особенности вишняковской кисти видны во всех этих произведениях, одно из самых интересных – портрет Сарры Фермор. В портрете соединены, что типично для Вишнякова, как будто бы резко контрастные черты: в нем ощущается еще живая русская средневековая традиция –и блеск формы парадного европейского искусства XVIII в. Фигура и поза условны, задник трактован плоскостно – это открыто декоративный пейзаж,– но лицо вылеплено объемно. Письмо таково, что мы угадываем даже вид ткани, но цветы по муару рассыпаны без учета складок. Лицо серьезное, грустное, с задумчивым взглядом. А.П.Антропов - «архаизмы» в живописном почерке при большой художественной выразительности. Поясное изображение, колористическое решение строится на контрастах больших локальных цветовых пятен. Контрастна и светотеневая моделировка объемов. При всех реалистических находках Антропова в его письме много от традиций живописи предыдущего столетия. Композиция его портретов статична. Изображение фигуры – при подчеркнутой объемности лица – плоскостно. В портретных фонах мало воздуха. Портрет атамана Краснощекого, портрет Румянцевой. И.П.Аргунов – портреты Лобановых-Ростовских, «калмычка Аннушка». В 80-е годы прд влиянием нового направления – классицизма – манера Аргунова меняется: формы становятся скульптурное, контуры четче, цвет локальнее. «Неизвестная крестьянка в русском костюме».

Помимо живописи в середине XVIII столетия в русском искусстве интересно развивалась графика, особенно архитектурный пейзаж, ведута, прежде всего благодаря такому выдающемуся рисовальщику и «мастеру ландкартного дела», как М.И. Махаев. Его рисунки Петербурга, гравированные потом талантливыми граверами Академии наук Е.Г. Виноградовым, А.А. Грековым и другими («под смотрением» И.А. Соколова), передают образ красивейшего города дворцов, набережных, водных перспектив. Махаев умел и любил передавать глубину пространства, воздушную среду, что отличает гравюры с его рисунков от гравюр Зубова («План столичного города Санкт-Петербурга с изображением онаго проспектов, изданный трудами Императорской Академии наук и художеств в Санкт-Петербурге», исполненный к 50-летию города).

 

 

15. Классицизм второй половины 18 – начала 20 века.

2 половина 18 века – расцвет абсолютной монархии в России, Екатерининская эпоха, основана академия художеств – 1757г., масонство, классицизм. Господствовали идеи просвещения (вера во всесилие просвещенной монархии, стремление к усовершенствованию человеческой натуры). Центральное место в просветительской жизни россии заняла борьба с крепостничеством. Важным фактором становления национальной культуры стало развитие системы общего образования в стране.

Арх: классицизм – обращенность к античному наследию, простота (в основе планировки зданий – правильные геометрические фигуры; центральный корпус здания соединялся с боковыми флигелями посредством галерей; фасады строений украшались колоннами и скульптурами). Русские и иностранный мастера изменили облик 2 столиц. Питер: Кокоринов – здание академии художеств, Кваренги (итальянец) – Академия наук, Английский дворец, Александровский дворец в царском селе. Камерон (англичанин) – камеронова галерея, ансамбль в Павловске. Старов – собор Александро-невской лавры, Таврический дворец. Москва: Боженов – дом Пашкова, загородный ансамбль в Царицыно. Казаков – старое здание московского университета, Галицинская больница, сенат в кремле, здание Благородного собрания с колонным залом, Петровский дворец.

Скульптура: Шубин Ф.И. –создатель русского реалистического портрета: бюсты Павла I, Екатерины II, Ломоносова, Голицына, Шереметьева, Шувалова, Чернышёва, Румянцева и др. Козловский М.И. – использовал символические средства выражения: скульптура Суворова (черты римского воина); «Самсон, раздирающий пасть льву»- скульптура для большого каскада в Петергофе. Библейская фигура олицетворяла победу русского оружия под Полтавой. День битвы по старому стилю приходился на праздник Святого Самсона. Лев символизировал шведов, на гербе которых он изображался. Щедрин Ф.Ф.: скульптуры, обрамлявшие главные ворота Адмиралтейства; Мартос И.П. –создатель особого типа русского классического надгробия; памятник К.Минину и Д.Пожарскому (1804); Фальконе Э. (француз), работал в России в 60-70-е гг.по приглашению Екатерины II – конная скульптура Петра I на Сенатской площади.

Живопись: многожанровость (пейзаж, натюрморт, анималистический, исторический, бытовой, батальный).

Ведущий жанр – портрет (Рокотов - портрет Струйской,Неизвестый в треуголке, Левицкий – серия смолянки, портрет Демидова, Боровиковский – портрет Лопухиной). Лосенко А.П. – основоположник исторической живописи: «Владимир и Рогнеда», «Прощание Гектора с Андромахой». Шибанов М., крепостной князя Потёмкина – один из основоположников бытовой живописи. Крестьянская тема: «Крестьянский обед», «Празднество свадебного договора». Щедрин С.Ф., солдат Преображенского полка, - родоначальник пейзажа. Иванов М.М., солдатский сын, - первый баталист, автор картин, изображавших штурмы Очакова и Измаила – «Штурм Измаила»

.Начало 19 века – русский ампир – зрелый, высокий классицизм.