Морфология искусства. Виды изобразительного искусства

Морфология искусства. Виды изобразительного искусства

Искусство – сфера духовно-практической деятельности людей, которая направлена на художественное постижение и освоение мира. Искусство принято удовлетворять универсальную потребность человека воссоздавать окружающую действительность в развитых формах человеческой чувственности. Есть живопись, архитектура, скульптура. Вид искусства – исторически сложившаяся форма искусства, опирающаяся на специфический материальный носитель и ориентированная на определенные рецепторы. Впервые идеи морфологии искусства возникают еще в античности. Одну из концепций морфологии предложил Гегель. Он создал историческую концепцию: 1) раннее, символическое искусство (архитектура), классическое искусство (скульптура), романтическое (средневековое) искусство (живопись, музыка, поэзия).

Искусство классифицируют по нескольким основаниям. Вот основные принципы классификации:

o зрительное (живопись), слуховое, зрительно-слуховое искусство (театр);

o изобразительное и выразительное;

o мусические (без инструментов, только тело и голос – танец) и технические;

o пространственные (архитектура, скульптура), временные (музыка, литература) и пространственно-временные(кино, театр);

o двухмерные и трехмерные.

Каждый вид искусства стремится выйти за рамки, поэтому любая классификация является весьма условной. У каждого искусства есть свой язык: литература (слово, вербальный знак, художественный прием), архитектура (объем, пропорция, деталь), театр (комплекс языковых и музыкальных средств). Если брать каждый вид искусства в отдельности, то в каждом из них есть присутствующие определенные разделения. Напр., литература – эпос, лирика, драма.

ИЗО – вид искусства, целью которого является воспроизводство окружающего мира. Виды ИЗО: скульптура (произведения имеют объемную форму, выполнены из твердых и пластичных материалов); живопись (передача зрительного образов посредством нанесения красок на твердую или гибкую поверхность); графика (основа изобразительного средства – линии, штрихи пятна; используется 1 цвет); фотоискусство (фотографии, отражают творческое видение фотографа, как художника); декоративно-прикладное искусство (создание художественных изделий с утилитарными или художественными функциями). Архитектура в строгом смысле не относится к ИЗО, но при этом тесно с ним взаимодействует. Для ИЗО характерна эстетическая ценность, которая воспринимается чисто зрительно.

 

Первобытное искусство как неотъемлемый элемент ритуально-обрядовых действий

Начинается в эпоху палеолита, более 3 тыс. лет назад (каменный век). Представление об эпохе обрывочное. В рамках изобразительного искусства формируется потребность в выражении себя. Виды художественной практики отсутствуют.

В эпоху палеолита

Скульптура: разновидность изобразительного искусства, связанное с созданием объемных форм.

а) круглая

б) рельефная – на поверхности с определенного ракурса

2. Живопись – линия, контур, графика. Графику стремились добавить цветом. Декор – прикладные предметы также пытались создать, но они приобр.ценность в период палеолита.

Скульптура

А) изображались животные – камень, дерево. Некоторые из нас дошли,хоть они и не долговечны. Изготавливалось тело, а потом голова бралась животного. Скульптуру включали в систему обрядов, св. с ритуалом охоты – самый значимый ритуал эпохи. Давал почувствовать защиту, веру в успех. Их не создавали для красоты – только для ритуала.

Б) изображение женщины – доминировал матриархат. Человек невысок, клан можно было установить лишь в основном по женщине. Кто отец – зачастую неизвестно.

Небольшие фигурки специфического вида – не было видно лица зачастую, либо покрыто узором. Лицо было не полностью проработано, не ориентировалось на конкретный образ. Тело – непропорционально. Руки и ноги были тонкими (ступней часто не было). Большими изображались груди, живот и бедра. Во многих странах и городах найдены также фигурки, он подходят по описанию под эту классификацию. Палеолитические венеры – их стали так называть. Речь не о красоте. Венеры, потому что безрукая Венера послужила этому примером. Фигурки означали благополучное развитие рода, поэтому их оберегали. Обожествление женщины, которая рожала детей – важно для эпохи палеолита. Образ прародительницы менялся. Он стал зооморфным – женщина с животным началом. Признаки тотемизации - животных воспринимали как сокральное, т.е. имеет связь с человеком. 30 тыс. до н.э внутри пещер появились рисунки – глина. О существовании таких изображений ранее никто не знал. Первые рисунки были контурными, выполнены красной или черной краской. Изменение просходят в 18-15 в. до н.э. Первобытные художники начинали обращать внимание на детали. Наносить шерсть косыми линиями, добавлять оттенки (интенсивно – неинтенсивно, объемно – необъемно). Появляется желтый цвет. 12 тыс. до н.э – панорамы животных. Они дополнялись. Животные – они сакральны. Художникам уже удавалось передать движение, пропорции – многое стало подаваться правильно. Функции информации – рисунки, информация о животных, которые реально существуют. Аль Памира – пещера. После 12 тыс. до н.э. – деградация живописи (ПРЯМ КАК У НАС ПОСЛЕ 4-х ЭКЗАМЕНОВ), конец эпохи палеолита. Причины – изменение жизни, климата, возможностей для искусства стало меньше.

Мезолит Появляются новые виды деятельности – рыболовство, лук и стрелы. Меняется тип проживания, социального существования. На смену большим родам приходят семьи. Патриархат. Живопись другой становится. Появляется белый цвет, различные оттенки. Сочетание красителей с яичным желтком, кровь. Изображение является многофигурным – не только животных, но и людей. Это отличает эпоху от предыдущих. Много изображается мужчин, которые выполняют функции на охоте, в момент сражения, стреляют из лука. Главным становится изображение человека, который выполняет важную социальную функцию. Изображение человека носит схематический характер. Мы видим движение позу, но не лицо. Теперь животные появляются в сюжете с человеком. На смену большим приходит произведения маленькие. Деление периода на участки – сражение в конкретном месте конкретного человека как рассказ о происходящем. Сакрализация явлений. Человек становится предметом изображения, отличается от животных.

Неолит Эпоха, в которую происходит изменение климата, таянье ледников, освоение территорий, ранее не пригодных для жизни. Изобретены средства передвижения по воде, новое оружие. Сложный орнамент, узоры. Декор – прикладное искусство, которое хорошо развивалось. Складывается система мифологического видения – человек соотносит себя с вечностью. Это требует от человека мышления, логическое построение связей. В результате – появились символы. С их помощью человек может рассказать, где он, какой климат, пытается рассказать о чем-то глобальном. Появление спирали, круги на ножах. Круг – солнце, ромб – обработанная земля, волнистые линии – вода. Значимость приобретает архитектура с заданным образом. Появление не жилых помещений. Человек использует осознанно камень, трудно его добывая. Создавались каменные бабы и Эпоха первобытного искусства – эпоха примитивного искусства, т.к. не погруж. в мир человеческих переживаний, что представляет собой как личность. Синкретизм – человек не отделял себя от природы и коллектива, поэтому и форма искусства была такой.

Выделяют три вида мегалитов (сооружения из огромных каменных глыб): менгиры, дольмены и кромлехи.

Менгиры – это вертикально поставленные камни различной высоты (от 1 до 20 м). Они могут быть и едва отесанными, и покрытыми рельефной резьбой, могут быть увенчаны головой человека или животного либо целиком выполнены как монументальная скульптура.

Дольмены – сооружения из крупных каменных плит, стоящих вертикально и перекрытых сверху еще одной плитой. По форме они могли быть многогранными или круглыми. На внутреннюю поверхность плиты иногда наносились символические знаки. Дольмены были местом захоронения членов рода.

Кромлехи – самые значительные сооружения древности, представляют собой расположенные по кругу или незамкнутой кривой каменные плиты или огромные монолитные столбы. Кругов (концентрических) могло быть несколько. Иногда столбы перекрывались горизонтальными каменными плитами. Стоунхэндж.

Миф как форма культуры

 

Миф (с греч. «сказание» «предание») – способ человеческого бытия и мироощущения, основанный на таком породнении человека с миром, когда человек не отличает психологическое значение и смысл вещей от их объективных свойств и воспринимает явления природы как одушевленные существа. Миф – вымысел, принимаемый за правду. В мифах выражается имеющийся у людей опыт жизни и деятельности. Отличие мифа от сказки в том, что он претендует быть достоверным описанием реальности. Мифология это не просто собрание мифов, а целая форма общественного сознания. Характерные черты мифов: отождествление фантазии с реальностью / объяснение действительности в наглядно образной форме / эмоциональная насыщенность (человек, читающий миф, глубоко вовлечен в него) / связь с магией. Любой миф связан с наблюдаемыми человеком явлениями и стремится к их объяснению. Принципы содержания мифов: принцип антропоморфизма (все уподобляется человеку: одушевление сил природы, вещей, животных); принцип сопричастности (все вещи связаны друг с другом; например, человек и его изображение: если плохо воздействует на изображение кого-либо, то и самому этому человеку в реальности будет плохо).

Мифологическое постижение мира в своей основе носит не рациональный, а эмоционально-чувственный характер. Смысловыми единицами мифологического мышления являются не понятия, а коллективные представления. Миф обычно совмещает в себе два аспекта — диахронический (рассказ о прошлом) и синхронический (отношение настоящего и будущего). Таким образом, с помощью мифа прошлое связывалось с настоящим и будущим, и это обеспечивало духовную связь поколений. Мифы утверждали принятую в данном обществе систему ценностей, поддерживали и санкционировали определенные нормы поведения. И в этом смысле они были важными стабилизаторами общественной жизни. Мифологические сюжеты и образы являлись надежным источником передачи традиций и навыков, эстетических и этических норм и идеалов. Для мифологического сознания характерно ощущение сопричастности к природным стихиям, обожествленным и персонифицированным в образах богов: Зевса (Юпитера), Геры (Юноны), Афродиты (Венеры) и пр. Все объясняется через их волю. Человек выступает в роли агента божественных сил. В целом же для мифологического сознания характерно: растворение человека в мире; полное отождествление человека с природой, ее обожествление; фетишизм, т. е. поклонение неодушевленным предметам; анимизм, т. е. вера в существование духов, в одушевленность всех предметов.

Искусство древнего Китая

 

Государственность в Китае возникла во II тыс. до н. э. Идеология. Жители Древнего Китая создали интересную и самобытную культуру, как материальную, так и духовную. Они верили, что жизнь — это творение божественной, сверхъестественной силы. Все в мире находится в движении и постоянно изменяется в результате столкновения двух противоположных космических сил — Света и Тьмы.

В этот древнейший период китайцам так же, как и другим народам, был свойствен культ природы: они поклонялись духам земли, рек, солнца, луны, дождя, ветра. Одним из наиболее важных был сопровождаемый человеческими жертвами культ священных гор. Этим духам молились, обращались со всевозможными просьбами. Очень силен был также культ предков. В основе его лежало представление о том, что душа человека после смерти продолжает жить и более того — она может вмешиваться в дела живых. Китайцы верили, что душа умершего сохраняет все свои прежние привычки и наклонности, поэтому вместе с умершим рабовладельцем хоронили его слуг и рабов, в могилу клали окружавшие его при жизни предметы утвари, драгоценности, оружие.

Даосизм возник на рубеже VI — V вв. до н. э. Его основателем был мудрец Лао-цзы, автор знаменитой «Книги о дао и дэ». Главное слово в этом труде дао, что буквально означает путь. Этим словом обозначали также и другие понятия: правило, порядок, смысл, закон и т. д. Дао — это единый объективный закон, которому подчинен весь мир. Центральная проблема доктрины даосизма — учение о бессмертии.

VI—V вв. до н. э., в Китае возникает другая важнейшая религиозно-мировоз-зренческая система — конфуцианство. Ее основателем был проповедник Кун-цзы, известный в европейской транскрипции как Конфуций (Учитель Кун). Причину всех невзгод и беспорядков в обществе —Конфуций усматривал в упадке нравственности людей. Конфуций считал, что основные добродетели человека — верность, послушание и почитание родителей и старших.

Моизм. В V в. до н. э. в идеологическую и религиозную борьбу включилась еще одна школа. Название этой школы произошло от имени ее основателя Мо Ди, или учителя Мо. Моисты выступили против важнейших положений конфуцианства, в частности, против обоснования привилегированного общественно-политического и социально-экономического положения наследственной аристократии.

В центре внимания в Китае всегда были общество и государство, а не индивидуум. Наука. Математика зародилась в Китае в глубокой древности. За несколько сот лет до новой эры китайские математики написали сочинения о расчетах при помощи шеста, стоящего в круге. С V в. до н. э. китайцы знали свойства прямоугольного треугольника, в I в. н. э. был создан знаменитый трактат «Математика в девяти главах», суммирующий математические знания, накопленные в Китае за несколько веков. Развивалась астрономия. Уже во II тыс. до н. э. древние жители Китая делили год на 12 месяцев, месяц — на четыре недели. В книгах по астрономии имелись карты звездного неба, составленные впервые астрономом Чжан Хэн, жившим во II в. н. э. Он же впервые создал первый в мире небесный глобус, Значительный вклад в мировую медицину внесли китайские врачи. Одним из самых крупных достижений китайских лекарей стало изобретение наркотиков — уже в I тыс. до н. э. их широко применяли в лечебной практике.

Литература. Древнейшие дошедшие до нас памятники китайской литературы относятся к I тыс. до н. э. Это «Книга песен», содержащая более 300 песен и стихов, а также «Книга перемен». Первый поэт, имя которого известно в истории китайской поэзии, — Цюй Юань (ок. 340—ок. 278 до н. э.). Его творчество знаменует переход от фольклорной традиции к авторской.

Особенно были развиты живопись тушью на бумаге, шелке, а также искусство фресок.

Развивались и прикладные искусства: изготовление бронзовых зеркал, украшенных очень тонкой резьбой; уже во II тыс. до н. э. получила развитие резьба по нефриту и кости.

Зеленый нефрит был в Китае предметом культа, он почитался «вечным камнем» и использовался для увековечения культа и памяти предков

Совершенствовалась художественная керамика, тем самым подготовляя почву для производства в IV в. н. э. фарфора.

Архитектура. Уже в I тыс. до н. э. китайцы умели строить здания в два-три и более этажей с многоярусной крышей. Типичным было здание, состоящее из опор в виде деревянных столбов, с черепичной крышей, которая имела поднятые вверх края и четко обозначенный карниз, — пагода. Самыми известными являются пагода Сун-юэ-сы в Хэнани (523 г.),

Музыка. Уже во II тыс. до н. э. китайцам было известно более двух десятков музыкальных инструментов: барабан, бубен, дудка, металлические колокольчики, струнные щипковые инструменты, духовые из бамбука, глины и др. На рубеже нашей эры появились трактаты о музыке, наиболее известным из которых был трактат «Юэцзи». В нем отражены представления китайцев о музыке. Она рассматривалась ими как некая космическая сила: Тоны звукорядов обозначали иерархический порядок: первый тон — гун — символизировал правителя, второй — шан — чиновников и т.д.

Театр. Существенна была роль музыки в китайском театре: она сопровождала все театральные представления. В целом китайский театр объединял также танец, пение, речь, действие, акробатику. Известно, что уже в I в. н. э. на пиршествах и свадьбах знать развлекалась представлениями кукол и при этом исполнялась похоронная музыка. Первые куклы в Китае были механические и приводились в движение водой.

Декорации в традиционном китайском театре отсутствовали: для него были характерны фантастический колорит и символическое обозначение ситуаций. Так, обыкновенный стул мог с успехом заменить гору, флажок с изображением рыбок — реку; плетка в руках актера обозначала верховую езду, а веер — ветреность характера.

Актеры в старом Китае считались низшим сословием, хотя на них и смотрели как на медиумов, посредников между людьми и духами.

Древнегреческая скульптура

Всадник Рампена

 

 

Древнегреческая скульптура (известняковая, мраморная, бронзовая, терракотовая скульптура;) —Охватывает период с VII века до н.э. по I век до н.э. Древнегреческая скульптура из вершин античной культуры. Первые памятники древнегреческой пластики относятся к геометрическому стилю VIII века до н.э. Мелкая пластика геометрического стиля найдена при раскопках в Афинах, Олимпии, в Беотии. VII - VI века до н.э. относят к архаическому периоду древнегреческой скульптуры, в нем выделяют этапы: ранняя архаика (около 650-580 годы до н.э.) высокая архаика (580-530 годы до н.э.) поздняя архаика (530-480 годы до н.э.).

Первые монументальные скульптуры Древней Греции характерны влиянием древневосточной скульптуры. По легенде, первым создателем скульптур был мастер Дедал, по имени которого сталь ранней архаики получили название дедаловского. К кругу «дедаловской» скульптуры относится статуя Артемиды Делосской, женская статуя критской работы, хранящаяся в Лувре («Дама из Оксерра»). Серединой VII века до н.э. датированы первые куросы и первая скульптурная храмовая декорация — рельефы и статуи из Принии (Крит).

Развитие древнегреческой скульптуры

В дальнейшем скульптурная декорация заполняла поля, выделенные в храме его конструкцией: фронтоны и метопы в дорическом храме, непрерывный фриз (зофор) в ионическом храме. Надгробная, посвятительная, культовая статуи в архаический период были представлены куросом и корой. Архаические рельефы украшали базы статуй, фронтоны, метопы храмов, надгробные стелы. В дальнейшем на место рельефов во фронтонах пришла круглая скульптура.

Памятниками архаической круглой скульптуры являются голова Геры, найденная возле ее храма в Олимпии, статуи Клеобиса и Битона из Дельф, Мосхофор («Тельценосец») с афинского Акрополя, Гера Самосская. Для изображения летящей или бегущей фигуры в архаике использовалась условная схема «коленопреклоненного бега». В архаической скульптуре был принят целый ряд условностей, например, «архаическая улыбка» на лицах.

В классическом периоде древнегреческой скульптуры (V - IV века до н.э.) выделяют этапы: ранняя классика или «строгий стиль» (490-450 годы до н.э.)высокая классика (450-420 годы до н.э.) «богатый стиль» (420-390 годы до н.э)поздняя классика (390-320 годы до н.э.). В классическом периоде скульпторы создавали рельефы и статуи богов и героев для украшения храмов, а также светские образы — изваяния победителей Олимпийских игр и государственных деятелей. В это время было открыто в скульптуре движение, скульпторы научились с помощью жестов, позы передавать момент активного действия. Скульпторы Мирон ("Дискобол", "Афина и Марсий"), Фидий ("Зевс", "Афина-Парфенос"), Поликтет ("Гера", "Дорифор", "Копьеносец"), Главным памятником ранней классики являются фронтоны и метопы храма Зевса в Олимпии (около 468-456 годы до н.э.).
Высокая классика представлена именами Фидия и Поликлета. Расцвет классической скульптуры связан с декорацией Парфенона на афинском Акрополе — фронтоны, метопы, зофор (447-432 годы до н.э.). Вершиной древнегреческой скульптуры признаются несохранившиеся хрисоэлефантинные статуи Афины Парфенос и Зевса Олимпийского работы. «Богатый стиль» связывают с творчеством Каллимаха, Алкамена, Агоракрита. Характерные памятники «богатого стиля» — рельефы баллюстрады храма Ники Аптерос на афинском Акрополе (около 410 года до н.э.), ряд надгробных стел, среди которых стела Гегесо. К поздней классике относятся декорация храма Асклепия в Эпидавре (около 400-375 годы до н.э.), храма Афины Алей в Тегее (около 370-350 годы до н.э.), храма Артемиды в Эфесе (около 355-330 годы до н.э.), Мавзолея в Галикарнасе (около 350 года до н.э.), над скульптурной декорацией которого работали Скопас, Бриаксид, Тимофей, Леохар.

В эпоху эллинизма древнегреческая скульптура дифференцировалась по школам. Этап раннего эллинизма относят к 320-250 годам до н.э., высокого эллинизма — к 250-150 годам до н.э., позднего эллинизма — к 150-30 годам до н.э. С александрийской школой связана деятельность последователей Праксителя. Пергамская школа представлена статуями галлов («Умирающий галл» и «Группа Людовизи» — мраморные римские копии с пергамских бронзовых оригиналов около 220 года до н.э.), С родосской школой связана статуя Ники Самофракийской (около 190 года до н.э.)

Древнегреческий театр

Все античные греческие театры были построены по одному типу – под открытым небом и по склонам холмов.

Первый каменный театр построен в Афинах, он послужил образцом для всех других театров. Его сооружение началось в 70-ю Олимпиаду (около 500 г. до н. э.), раньше драматические представления проходили на деревянных подмостках на центральной площади Афин, но они рухнули в 6 веке до н.э. Греческий театр в Афинах вмещал по разным подсчётам от 17 000 до 30 000 человек. В небольших греческих театрах места для зрителей составляли один или два яруса; в Афинах 78 рядов были разделены на три яруса двумя широкими проходами. Центральное кресло, изукрашенное художественной резьбой, принадлежало жрецу Диониса.

Круглая площадка театра, отделенная от первого ряда невысоким барьером, посыпанная песком, а позднее вымощенная каменными плитами, называлась орхестрой. В центре ее находился жертвенник Дионису, на ступеньках которого размещались музыканты. С западного и восточного склонов холма на орхестру вели проходы – пароды.

Вначале представление греческого театра происходило в пределах орхестры; позже на ней выступал только хор, а для актеров позади орхестры был сооружен помост (проскений), а еще дальше – скена, помещение, в котором актеры переодевались, меняли маски и из которого выходили на проскений.

Реквизит греческого театра хранился в помещении не только скены, но и параскениев – боковых пристроек, справа и слева примыкавших к скене.

В афинском театре появление актера справа от проскения означало приход из деревни или из другой страны, а появление слева – приход из города.

Сначала никаких декораций в греческом театре не было, но уже во времена Эсхила фасад скены, обращенный к зрителям, стал украшаться в соответствии с местом действия представляемой пьесы. К середине V в. до н. э. к фасаду театральной скены стали прислонять или подвешивать расписные доски, куски холста, расписанные условно: деревья означали лес, дельфин – море, лесной бог – реку и т. п.

Были театральные машины для воспроизведения грома и молний, для усиления звуков голоса актеров. Среди действующих лиц древнегреческой трагедии особую функцию выполнял «вестник»: он рассказывал о том, что произошло в доме или где-нибудь вдалеке от места действия. В греческом театре могли выступать только мужчины и только свободные граждане, не запятнавшие себя никакими постыдными поступками: театр был посвящен Дионису, и актер, таким образом, являлся служителем бога, поэтому он не лишался гражданских прав, как это было в Риме, и даже пользовался известным уважением.

Актеры и хор греческого театра выступали в масках; это было связано как с обрядовой традицией, так и со стремлением создать обобщенные образы, согласно установке греческого искусства. Поскольку сюжетами трагедий были в основном эпизоды из мифов, а в величественном представлении, по понятиям греков, персонажи должны выглядеть более высокими, чем обычно, актеры с известных пор стали выступать на котурнах – в обуви с высокими подошвами.

Театральные представления в Афинах были организованы как состязания трагических и комических поэтов и их хоров на праздниках Великих Дионисий, продолжавшихся 6 дней. Задолго до праздника афинский архонт (одно из высших должностных лиц) знакомился с переданными ему рукописями и отбирал трех поэтов, каждый из которых представлял тетралогию (три трагедии и одну сатировскую драму). Постановка драм в греческом театре требовала больших расходов, которые поочередно поручались трем богатым гражданам-хорегам (организаторам представления). Тетралогия разыгрывалась с утра, а когда (в 80-х годах V в. до н. э.) появилась комедия как театральный жанр, представления стали длиться от зари до зари, так как вечером ставилась еще комедия.

Таким образом, зрители проводили в греческом театре целый день, ели и пили в театре, приходили и уходили, когда хотели, громко выражали свое одобрение и порицание представляемому зрелищу.

Первоначально вход в греческий театр был открыт для всякого желающего бесплатно; допускались в театр мужчины и женщины, граждане и метеки (переселенцы из других городов). Позже была введена плата за место в театре (2 обола). Греческие театры, в частности афинский, благодаря большим размерам и удобствам размещения публики часто являлись и местом народных собраний.

Формы прикладного искусства

Мебель

Наиболее употребительными типами мебели было лари-сундуки, стулья, табуреты, ложа, столы. Лари-сундуки использовались для хранения одежды и утвари. Они отделывались накладками, резьбой, инкрустацией Известны два типа кресел. Более ранняя форма – тронос. Это тяжелове, высокое изделие с дощатыми ножками. Подобные кресла были парадными и предназначались для аристократов. Второй тип кресла – климос – делали для женщин обычно. дифрос – табурет с 4 круглыми в сечении ножками, утончающийся книзу..

Одежда

Греч одежда была простой. Все драпировались в ткани, обворачивая их вокруг тела и скрепляя булавками или поясами. Одежда не кроилась и не сшивалась. Шерсть и лен, но с 5 века до н.э. хлопок. Хитон – крепился на плечах застежками или завязками и обязательно подпоясывался. У муж был до колен, у жен до ступней. У жен пояс мог завязываться на талии и под грудью.

Гиматий – плащ или накидка, кот набрасывали на плечи и обертывали вокруг торса. Муж иногда надевали только его и все.

Хламос (хламида) – одежда молодежи, пастухов, военных и путешественников. Это короткий муж плащ, скрепляемый на плече застежкой. Путешественники еще и шляпу лепили.

3) Обувь Осн видом были более или менее открытые сандалии с множеством ремешков. Жен носили мягкие сандалии из цветной кожи, простолюдины - примитив туфли-постолы. Обували только на улицу.

4) Головные уборы Мало их было. Муж без, путеш-и с широкополой войлочной или соломенной шляпой – петас. Замуж дамы вне дома накидывали шарф или край одежды.

5) Ювелир изделия Чаще были золотые изделия, иногда с эмалью. Драгоцен камни стали использовать в эпоху эллинизма. Камеи – изделия из полудрагоцен камня с рельефной резьбой. Огранич геометрич и растит орнаментом. В композиции часто были головки и фигурки богинь и богов, сирен, львов, птиц, змей. Украшения явл прежде всего оберегами.

 

Богословские различия

Эмоциональность. В картине всегда ощущается присутствие мастера, его индивидуальность как человека, и как художника. Передача им своих чувств и эмоций происходит на душевном уровне.

Рука иконописца бесстрастна. В жизни Церкви очень многое лишено внешних личных эмоций. Передача иконографических символов происходит на более высоком, духовном уровне.

Авторство. Картина – это самовыражение художника, поэтому она всегда имеет своего автора. Полотно обязательно подписывается им. Авторство иконописца всегда сокрыто, оно не является самовыражением. Написание образа – это аскетическое делание в деле служения Богу. Подписывается икона именем святого, который на ней изображен.

Цель. Картина – это средство общения на уровне чувств созерцателя изображения с его автором, переживаниями и идеями мастера. Икона служит цели общения верующего человека с Богом.

Стилистические различия

Картина – это иллюстрация библейского события. Она написана в манере светской живописи, ничем не регламентируется и ограничена только фантазией художника.

Икона ничего не иллюстрирует. Она – посредник между миром реальным, осязуемым, и тем миром, который недоступен осязанию и может быть постигнут только верой. Ее написание строго регламентируемо каноном, не позволяющим образу снисходить до уровня обычной светской живописи.

Реальность и условность изображения. Для иконы характерна условность изображения. То есть, изображается не сам предмет, а идея, которую он несет. Все подчинено цели раскрытия внутреннего смысла. Именно отсюда деформированные (удлиненные) фигуры святых, что символизирует преображение земной плоти в мире горнем, жесткие графические изломы линий одежды, контрастирующие с мягким изображением ликов.

Для картины характерна реальность изображения, подчеркнутая пышность и декоративность, любование красотой и правильностью форм. Линии одежды мягкие и плавные, гармонирующие с реальным изображением лиц.

Принцип изображения пространства. Для картины характерна прямая перспектива, что хорошо объясняется изображением железнодорожного полотна – параллельные линии у горизонта сходятся в одной точке.

Для иконы характерен принцип обратной перспективы: точкой схождения является сам человек, стоящий перед образом. Это – символ того, что все изливается нам оттуда, из мира высшего. То есть, параллельные линии в глубине пространства иконы расширяются.

Но пространства как такового на иконе нет. И близлежащие предметы, и отдаленные являются первоплановыми. На картине строго разграничены предметы переднего и заднего плана.

Источник света. Свет на иконе как бы исходит от самого изображения, как символ святости. Нет теней, падающих от предметов. На картине источник света внешний, как бы посланный извне человеку за его святость.

Нимбы – важнейшая особенность священных христианских изображений. Они символизируют святость и полноту Божественного света. На иконах окружие составляет одно целое с изображением святого. На картинах божественной тематики нимб находится над головой святого, как символ посланной свыше награды.

Цвет. При написании иконы цвет имеет символическое значение. Для картины цветовая гамма также символична, но имеет значение и подчиненная законам живописи колористика полотна.

Единовременность изображения. Для иконы характерен принцип отсутствия временно-пространственных рамок. Несколько событий, отдаленных во времени, изображены на иконе в композиционном единстве. Этот прием соответствует христианскому понятию о том, что у Бога один день как тысяча, и тысяча дней как один. Картина же изображает событие, ограниченное временем и пространством.

 

Маньеризм.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах. Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.

Маньеризм – это искусство, пронизанное духом копирования внешних тем и образов Возрождения и, прежде всего подражание манере Микеланджело, Рафаэля и Леонардо да Винчи, но внутренне это иное искусство − более экспрессивное и спорное, в нем нет той гармонии, которую мы наблюдаем у итальянских художников. Здесь больше декоративности, интереса к драматическим, трагическим темам времени. Это искусство, которое приближает нас к Новому времени высокого Возрождения. Внутренне человек становится более экспрессивным, стремится свое субъективное ощущение поставить в центр художественного измерения, художественного пространства и оценивать все происходящее. Это искусство, прокладывающее дорогу к стилю барокко, в котором огромное внимание будет уделено эмоциональной природе человека. Декоративная сторона маньеризма связана с тем, что в нем мы находим попытку превратить произведения, богатые внутренним идейным содержанием в нечто декоративное, важнейшую ценность приобретают интерьеры, экстерьеры. Начинает развиваться орнамент, различные формы декоративной отделки, особое внимание уделяется деталям.

На стыке искусства маньеризма и идеалов высокого Возрождения создаются многие произведения художников Венеции. Формируется Венецианская школа, к которой принадлежат Джорджоне, Тициан, Веронезе. Творчество венецианцев можно рассматривать как яркую заявку на развитие стиля барокко, которое найдет свое полное воплощение в искусстве Нового

 

Основные течения декаданса