Опера в мировом муз. искусстве

Опера

 

О́ПЕРА — вид театрального искусства, в котором сценическое действие тесно слито с музыкой — вокальной и оркестровой (итальянское opera — сочинение). Современные оперы представляют собой сложный синтез искусств; в них органически объединяются многообразные художественные средства: сольное и хоровое пение, различного рода ансамбли, симфонический оркестр, элементы изобразительного искусства (декорации, костюмы и т. д.); часто в оперу вводятся балетные сцены.

 

В историческом развитии оперное искусство прошло через много различных этапов. Первые оперы были созданы в Италии на рубеже XVI—XVII вв. (их авторы — Я. Пери, К. Монтеверди и др.). Эти ранние оперы, сочинявшиеся на сюжеты древней истории и античных мифов, состояли главным образом из сольных вокальных номеров и сопровождались небольшими инструментальными ансамблями. В конце XVII — начале XVIII в. на этой основе в Италии возник жанр так наз. оперы-сериа (см.) на исторические или мифологические сюжеты, с главенствующей ролью виртуозного пения. Крупнейшие творцы оперы-сериа — А. Скарлатти, Г. Гендель. В середине XVIII в. австрийский композитор К. В. Глюк произвел коренную реформу оперы; в борьбе против излишней виртуозности он достиг выразительной простоты вокальных партий, приблизив музыку к интонациям сценической речи. Наиболее известна его опера “Орфей и Эвридика” (см.).

 

Параллельно в разных странах развивалась комическая опера (см.) с оживленным сценическим действием и простыми вокальными партиями, напоминающими народные песни. Выдающиеся авторы комических опер — Дж. Перголези, Д. Чимароза, Дж. Россини (Италия); Й. Гайдн, В. А. Моцарт (Австрия). В некоторых операх Моцарта, являющихся вершинами мирового оперного искусства (“Свадьба Фигаро”, “Дон-Жуан”, “Волшебная флейта”), органически сочетались элементы комической оперы, оперы-сериа и достижения глюковской реформы. Особняком в оперном искусстве начала XIX в. стоит опера Л. Бетховена “Фиделио” (1805). Огромное влияние на развитие немецкой оперы оказали произведения К. М. Вебера (“Вольный стрелок”, “Эврианта”, “Оберон”). В 1-й половине XIX в. видное место в европейском театре. занял жанр так наз. “большой оперы” (“Гугеноты”, “Роберт-Дьявол” Дж. Мейербера и др.). В борьбе с внешней эффектностью “большой оперы”, часто нарушавшей требования художественной правды, выдвинулись реалистические течения, наиболее яркими представителями которых явились Дж. Верди и Ж. Бизе. Отдав в молодости дань традициям “большой оперы”, Верди создал в зрелые годы такие замечательные образцы реалистической оперы, как “Травиата”, “Трубадур”, “Риголетто”, “Аида”, “Отелло”, “Фальстаф”. Одна из вершин мирового оперного искусства — подлинно народная, полная волнующей жизненной правды опера “Кармен” Бизе. Много сделали для развития оперы выдающиеся итальянские композиторы В. Беллини (особенной известностью пользовалась его опера “Норма”) и Г. Доницетти (автор 74 опер, в их числе “Лючия ди Ламмермур”, “Фаворитка”, “Дон Паскуале”, “Дочь полка”). К идеям реализма примкнули представители веризма — итальянские композиторы П. Масканьи, Р. Леонкавалло, Дж. Пуччини. Их оперы, рисующие жизнь простых людей, популярны благодаря мелодичной музыке, близкой к народной песенности. Выдающуюся роль в оперном искусстве XIX в. сыграло творчество Р. Вагнера. Выступив против мишурного блеска “большой оперы”, Вагнер создал на основе немецких народных легенд музыкальные драмы, наполненные глубоким философским содержанием (“Тангейзер”, “Лоэнгрин”, “Тристан и Изольда”, тетралогия “Кольцо нибелунга”, “Парсифаль”). Отказавшись от деления оперы на отдельные номера (арии, ансамбли и т. д.), Вагнер добился неразрывности сценического действия и приблизил оперу к драме. Важнейшую роль Вагнер отвел оркестру, достигнув в своих операх огромной напряженности симфонического развития. Реформа Вагнера оказала огромное влияние на театральное искусство, особенно на развитие немецкой оперы. Во 2-й половине XIX в. яркие лирические оперные произведения создают французские композиторы Ш. Гуно (и поныне огромной популярностью пользуется его “Фауст”) и Ж. Массне (к лучшим его операм принадлежат “Манон” и “Вертер”).

 

В XIX в. одно из ведущих мест в мировом искусстве заняла русская опера. Операми “Жизнь за царя” (“Иван Сусанин”) и “Руслан и Людмила” М. И. Глинка открыл эпоху блестящего развития русского музыкального театра. В его творчестве определились основные черты русской оперной классики: высокая этическая значимость образов, художественная правдивость, близость к народной песенности. Традиции Глинки нашли многостороннее развитие у его продолжателей. В операх “Русалка” и “Каменный гость” А. С. Даргомыжский достиг яркой реалистической выразительности музыкального языка; А. П. Бородин с непревзойденным величием воплотил идею народной богатырской мощи (“Князь Игорь”); М. П. Мусоргский создал потрясающие психологические музыкальные драмы (“Борис Годунов”, “Хованщина”); Н. А. Римский-Корсаков — пленительные образы русского сказочного, исторического и былинного эпоса (“Снегурочка”, “Садко”, “Псковитянка”, “Царская невеста”, “Сказание о невидимом граде Китеже” и др.). Сложные душевные искания и драматические переживания проникновенно отразил П. И. Чайковский (“Евгений Онегин”, “Пиковая дама” и др.). Его традиции претворил в своих операх С. В. Рахманинов (“Алеко”, “Франческа да Римини”).

 

Выдвигаются национальные оперные школы в Польше (С. Монюшко) и Чехии (Б. Сметана, А. Дворжак).

 

Значительное место в русском оперном искусстве конца XIX в. заняла опера-дилогия С. И. Танеева “Орестея” (по Эсхилу).

 

В советском оперном творчестве получили развитие многообразные традиции русской классики. В жанре оперы огромных успехов достигли Д. Д. Шостакович (“Нос”, “Катерина Измайлова”), С. С. Прокофьев (“Война и мир”, “Семен Котко”, “Дуэнья”). К традиционным (а порой и явно упрощенным) оперным формам тяготели Т. Н. Хренников (“В бурю”), И. И. Дзержинский (“Тихий Дон”), Д. Б. Кабалевский (“Кола Брюньон”, “Семья Тараса”), В. Я. Шебалин (“Укрощение строптивой”), Ю. А. Шапорин (“Декабристы”). Современные тенденции в своем оперном творчестве воплотили Р. К. Щедрин (“Мертвые души”), А. П. Петров (“Петр I”), С. М. Слонимский (“Виринея”, “Мария Стюарт”, “Гамлет”), Э. В. Денисов (“Пена дней”) и др. Содержательными сочинениями обогатили оперный жанр М. С. Вайнберг (“Пассажирка”, “Мадонна и солдат”), К. В. Молчанов, А. Э. Спадавеккиа, А. Н. Холминов и др.

 

Оперное искусство активно развивалось и в тех странах, где профессиональная музыка лишь начинала зарождаться. На Украине в XIX в. появляются ярко национальные оперы С. С. Гулак-Артемовского (“Запорожец за Дунаем”), Н. В. Лысенко (“Тарас Бульба”, “Наталка-Полтавка” и др.); в XX в. в развитие украинской оперы внесли свой вклад Б. Н. Лятошинский, К. Ф. Данькевич, Ю. С. Мейтус, Г. И. Майборода, В. С. Губаренко, Е. Ф. Станкович и др. Среди авторов белорусских опер — Е. К. Тикоцкий, А. В. Богатырев, Е. А. Глебов. В оперном искусстве Грузии конца XIX — начала XX в. особенно выделяются сочинения М. А. Баланчивадзе (“Коварная Дареджан”), З. П. Палиашвили (“Даиси” и “Абесалом и Этери”), а в послевоенную эпоху — оперы О. В. Тактакишвили и Г. А. Канчели. В Азербайджане классические образцы национальных музыкально-сценических произведений создал У. Гаджибеков (“Лейли и Меджнун”, “Аршин мал алан”, “Кёр-оглы”); его традиции развили в своем оперном творчестве К. Караев, Ф. Амиров, Дж. Гаджиев и др. Классикой армянской музыки стала опера А. А. Спендиарова “Алмаст”, а также оперные сочинения Т. Г. Чухаджяна, А. Т. Тиграняна. В становлении оперного искусства Прибалтийских стран большую роль сыграли произведения Я. Мединьша, Алф. Калниньша, М. Зариньша (Латвия), М. Петраускаса, Б. Дварионаса, Э. Бальсиса, В. Лаурушаса (Литва), Э. Каппа, Г. Эрнесакса, Э. Тамберга, В. Тормиса (Эстония) и др.

 

Выдающиеся достижения в западноевропейском оперном искусстве XX в. принадлежат Р. Штраусу (он — автор 15 опер, среди них знаменитые “Кавалер розы”, “Саломея”, “Электра” и др.), К. Дебюсси (“Пеллеас и Мелизанда”), А. Бергу (“Воццек”, “Лулу”), И. Ф. Стравинскому (“Похождения повесы”, опера-оратория “Царь-Эдип” и др.), Б. Бриттену (из его 13 опер особенно выделяются “Питер Граймс”, “Поругание Лукреции”, “Сон в летнюю ночь”), Л. Яначеку (“Её падчерица”, “Катя Кабанова”, “Приключения лисички-плутовки”, “Средство Макропулоса”), Б. Бартоку (“Замок герцога Синяя Борода”), З. Кодаи (“Хари Янош”), Дж. Энеску (“Эдип”), М. Равелю (“Испанский час”), Дж. Гершвину (“Порги и Бесс”), а также А. Шёнбергу, П. Хиндемиту, Дж. Менотти, К. Орфу, М. де Фалья, Д. Мийо, Ф. Пуленку, П. Дессау, Л. Пиггкову, Ф. Малипьеро, К. Пендерецкому, Э. Сухоню и др.

 

В XX в. появился жанр камерной оперы — небольшой (чаще всего одноактной), с ограниченным количеством действующих лиц и оркестром камерного типа. Среди образцов камерной оперы — “Мавра” Стравинского, “Поворот винта” Бриттена, “Медиум” Менотти, “Шинель” и “Коляска” Холминова, “Мастер и Маргарита” Слонимского и др.

 

Шопен

ШОПЕН

поэт фортепиано

 

 

Гений Шопен — это самый глубокий и самый богатый источник чувств и эмоций из всех когда-либо существовавших. Один инструмент говорит у него языком вечности

 

Жорж Санд

 

Фридерик Францишек Шопен Фридерик Францишек Шопен родился недалеко от Варшавы, в местечке Желязова Боля. Он был сыном Никола Шопена, француза из Лотарингии, с 1787 года жившего в Польше, и польки Юстины Кшижановской. В доме день рождения Шопена всегда праздновали 1 марта, хотя в метрике указана дата 22 февраля 1810 года. Крестили ребенка 23 апреля 1810 года в костеле св. Роха в Брохувс, недалеко от Желязовой Воли.

 

Осенью 1810 года семья переехала в Варшаву, где Никола Шопен получил место учителя французского языка в лицее и казенную квартиру. Спустя два года мать Фридерика открыла пансион для мальчиков из «хороших семей», и Шопены перебрались в более просторные апартаменты при пансионе. Музыкальное дарование Шопена проявилось очень рано. Еще будучи совсем маленьким мальчиком, он с удовольствием разыгрывал дуэты со своей старшей сестрой Людвикой. Кстати, именно Людвика стала первой учительницей музыки для своего брата. А в 1817 году семилетний Фридерик стал брать уроки у пианиста, скрипача и композитора Войпеха Живного. Он направил врожденные способности мальчика в нужное русло, познакомив его с классическим репертуаром немецких мастеров, произведениями Баха, Моцарта и Бетховена, а также с сочинениями современных популярных композиторов. Уже тогда почти ни у кого не было сомнений, что из Фридерика вырастет гениальный музыкант. Очень быстро он достиг почти идеальной техники, начал писать первые произведения и выступать в варшавских аристократических салонах. Публика принимала юного Шопена восторженно — особенно пленяли талантливые импровизации маленького пианиста, едва достающею ногой до фортепианной педали.

 

В 1822 году Шопен стал изучать композицию у Юзефа Эльснсра — сначала частным образом, а потом в течение трех лет и Главной школе музыки. Итоговая оценка, данная учителем, не оставляла сомнений в масштабе одаренности ученика: «Выдающиеся способности, музыкальный гений».

 

Шопен был уже многообещающим музыкантом, на родине его знали и ценили, называя «польским Моцартом». Но вскоре произошли события, которые изменили жизнь композитора и определили его дальнейшую творческую судьбу.

 

11 ноября 1830 года Шопен выехал из Польши в Вену — через Дрезден, где он остановился, чтобы дать концерт при дворе. Покорив венских критиков блестящим исполнением своих произведений, а венских дам — безупречными манерами, Шопен решил перебраться в Лондон. В Штутгарте его застало известие о подавлении Николаем 1 польского восстания.

 

Считается, что свой знаменитый этюд до минор, известный под названием «Революционный» (соч. 10 №12), Шопен создал, находясь под впечатлением от этого трагического известия. Композитор оказался отрезанным от родины. Концертное турне обернулось бессрочной эмиграцией.

 

В сентябре 1831 года Шопен оказался в Париже. Сначала он хотел лишь ненадолго остановиться здесь, по судьба распорядилась иначе. Этот город на долгие годы стал пристанищем для композитора-изгнанника.

 

Надо сказать, что Париж был далеко не худшим местом, которое мог выбрать Шопен. Музыкальная жизнь французской столицы в эти годы поражала своим богатством и разнообразием. Здесь жили Лист и Берлиоз, Россини и Керубини, Мейербер и Обер. Но главное Шопен получил возможность общаться с соотечественниками, его приняла в свой круг польская диаспора. Слава композитора росла не но дням, а по часам. Он давал многочисленные концерты в гостеприимных французских салонах, заключал выгодные договоры с издателями. А уроки фортепианной игры у Шопена были самыми востребованными и дорогими — за каждый из них ему платили по двадцать франков, тогда как менее знаменитые пианисты довольствовались пятью.

 

В 1835 году Шопен путешествует по Европе. Б Карлсбаде он Б последний раз встретился с родителями, провел с ними почти месяц и проводил их до самой границы с Польшей. Затем композитор направляется в Дрезден. Здесь он пережил бурный и краткий роман с Марией Водзиньской, а в Липскс встретился с Мендельсоном и Робертом Шуманом.

 

По возвращении в Париж Шопен вновь попадает в круговорот артистической жизни. В октябре 1836 года в доме Ференца Листа и графини д'Апжусвоих давних знакомых — он встречается с Авророй Дюпеп, более известной под псевдонимом Жорж Санд. Талант Шопена покорил знаменитую писательницу, но сам он поначалу оставался равнодушным к ней. Известно сто письмо к родным, в котором он говорит о Жорж Санд: «В ней есть даже что-то отталкивающее».

 

Но частые встречи у общих друзей и в артистических салонах сделали свое дело — Шопен все более и более попадал под обаяние Жорж Санд. Осенью 1838 года композитор и писательница уезжают из Парижа, чтобы провести зиму на Майорке - в земном раю. Впрочем, рая не получилось. На острове стояла дурная погода, шли дожди, бытовая сторона жизни оставляла желать много лучшего. Шопен заболел, болезнь сопровождалась кровохарканьем.

 

Но частые встречи у общих друзей и в артистических салонах сделали свое дело — Шопен все более и более попадал под обаяние Жорж Санд. Осенью 1838 года композитор и писательница уезжают из Парижа, чтобы провести зиму на Майорке — в земном раю. Впрочем, рая не получилось. На острове стояла дурная погода, шли дожди, бытовая сторона жизни оставляла желать много лучшего. Шопен заболел, болезнь сопровождалась кровохарканьем.

 

В последующие годы Шопен и Жорж Санд проводили зимы в Париже, а летом уезжали в имение Жорж Санд. Этот период в жизни композитора можно назвать относительно спокойным — Шопен работает над очередными произведениями, время от времени дает концерты. Одно беспокоит его близких: состояние здоровья музыканта все ухудшается, слабые легкие постоянно напоминают о себе. Сильно подействовала на него и весть о смерти отца (в 1844 году).

 

В 1847 году «свободный роман» Шопена и Жорж Санд закончился разрывом. Композитор переживал его очень тяжело, долгое время не мог писать. Чтобы хоть как—то отвлечься от гнетущей тоски, он возобновил занятия с учениками, а друзья, решив поддержать его, организовали ему в Париже концерт.

 

В апреле 1848 года по приглашению своей ученицы Джейн Стирлинг Шопен едет в Англию. Здесь он знакомится с Карлейлем и Диккенсом, играет на одном из раутов для королевы Виктории.

 

Болезнь Шопена тем временем прогрессирует. Он чувствует себя слабым, разбитым. Английский климат еще более ухудшает его самочувствие. Но, невзирая на физическую слабость, композитор охотно согласился выполнить просьбу лорда Дадли Стюарта — выступить на благотворительном вечере в пользу Литературного общества друзей Польши в Лондоне 16 ноября 1848 года. Это был последний концерт Шопена.

 

В конце ноября композитор решил вернуться в Париж. Болезнь временно отступила, и плодом вернувшегося вдохновения стали две мазурки, изданные уже после смерти Шопена.

 

16 октября 1849 года в Париж приезжает сестра Шопена Людвика, узнавшая о его бедственном положении. Рядом с нею Шопен проводит свои последние часы. 17 октября 1849 года Шопена не стало.

 

Практически нет сомнений в том, что Фридерик Шопен был болен чахоткой, но, видимо, умер он не от нее, а от болезни сердца. 30 октября 1849 года в костеле св. Марии Магдалины прошло отпевание. Тело Шопена покоится на кладбище Пер-Лашез, а сердце — в костеле св. Креста в Варшаве.

 

Биография Шопена

 

Шопен, Фридерик (1810-1849), Польша

 

Шопен родился 1 марта 1810 года в Желязова-Воле (недалеко от Варшавы). Огромное исполнительское и композиторское дарование Шопена проявилось очень рано. К 1817 году относится публикация первого сочинения Шопена (полонеза соль минор для фортепиано), а к 1818 году - первое публичное выступление молодого дарования как пианиста. В 1823-1826 годах он учился в музыкальном Лицее, в 1826-1829гг. в Главной школе музыки. В годы обучения Шопен много ездил с выступлениями по Польше, также он посетил Берлин и Вену.

 

Уже в ранних фортепьянных полонезах и мазурках Шопена формируются жанры его творчества, непосредственно связанные с польской национальной музыкой. Своеобразные свойства польской танцевальной музыки, определяющие стиль мазурок (58 номеров), и полонезов (16) Шопена, сказываются и в семнадцати написанных им вальсах. Им был усовершенствован также жанр ноктюрна - композитор насытил его яркостью, контрастностью и драматизмом. Наконец, Шопен создал свой собственный жанр - жанр фортепьянной баллады. Здесь сложные виртуозные задачи, относящиеся ко всем областям фортепьянной техники, всецело подчинены образности, выразительности и содержательности музыки.

 

По окончании Главной школы, в 1830 году он дал в Варшаве три авторских концерта, ставших триумфом его как композитора и пианиста. В том же году он отправился в заграничное путешествие, которое навсегда разлучило его с родиной. Поездив по разным городам Европы он, наконец, остановился в Париже, который стал его постоянным местожительством.

 

В начале тридцатых годов Шопен достигает творческой зрелости. В его художественном мировоззрении происходит решительный перелом, чему содействует остродраматическое восприятие композитором неудачи польского восстания 1830-1831гг. Важнейшей темой его сочинений становится воспевание польских патриотических надежд, гибель которых вызывает скорбные чувства.

 

В 1832 году начинаются концертные выступления Шопена в Париже, и сразу же расширяется его круг знакомств (Лист, Берлиоз, Беллини, Мейербер, Гейне). В 1834 году он совершил поездку по Рейну вместе с Мендельсоном и Гиллером. В 1835 году композитор посетил Лейпциг, где встретился с Шуманом, а в 1838-1839гг. - остров Мальорку. На этом острове он познакомился с французской писательницей Жорж Санд (настоящее имя Аврора Дюпен). В имении Жорж Санд - Ноане - Шопен неоднократно проводил летние месяцы.

 

Творческое развитие Шопена, отмеченное непрерывным восхождением, было нарушено разрывом отношений с Жорж Санд в 1847 году, а также материальными трудностями и серьезной болезнью.

 

В 1848 году музыкант предпринял длительную поездку в Англию. Однако он находился в таком тяжелом физическом состоянии, что выступления в Лондоне были отменены. Душевные потрясения последних лет притупили его восприимчивость к новым впечатлениям. Он вернулся в Париж измученный и разбитый.

 

17 октября 1849 года Шопен умер в Париже от туберкулеза. Тело композитора похоронено там же, но сердце (по завещанию великого композитора) отвезено в Варшаву и похоронено в костеле святого Креста.

СОЧИНЕНИЯ:

мазурки (около 60):

fis-moll, cis-moll, E-dur, es-moll (1830-1831)

B-dur, a-moll, f-moll, As-dur, C-dur (1830-1831)

B-dur, e-moll, As-dur, (1832-1833)

c-moll, h-moll, Des-dur, cis-moll (1836-1837)

gis-moll, D-dur, C-dur, h-moll (1837-1838)

G-dur, As-dur, cis-moll (1941-1842)

H-dur, C-dur, c-moll (1843)

a-moll, As-dur, fis-moll (1845)

H-dur, f-moll, cis-moll (1846)

N4 a-moll (1846)

N4 f-moll (1849)

полонезы (около 20):

cis-moll, es-moll (1833-1835)

N1 A-dur (1838) N2 c-moll (1836-1839)

fis-moll (1840-1841)

As-dur (1842)

As-dur "Полонез-фантазия" (1845-1846)

N1 d-moll (1827) N2 B-dur (1828) N3 f-moll (1829)

ноктюрны (около 20):

b-moll, Es-dur, H-dur (1829-1830)

N1 F-dur; N2 Fis-dur (1830-1831) N3 g-moll (1833)

cis-moll, Des-dur (1834-1835)

H-dur, As-dur (1836-1837)

N2 G-dur (1839)

c-moll, fis-moll (1841)

f-moll, Es-dur (1843)

N2 E-dur (1846)

e-moll (1827)

этюды (всего 27):

C-dur, a-moll, E-dur, cis-moll, Ges-dur, es-moll, C-dur, F-dur, f-moll, As-dur, Es-dur, c-moll (1828-1832)

A-dur, f-moll, F-dur, a-moll, e-moll, gis-moll, cis-moll, Des-dur, Ges-dur, h-moll, a-moll, c-moll (1831-1836)

f-moll, As-dur, Des-dur (1839)

экспромты (всего 4):

As-dur (1837)

Fis-dur (1839)

Ges-dur (1842)

"Фантазия-экспромт" (1834)

вальсы (около 15):

Es-dur (1831)

N1 As-dur (1835)

N2 a-moll (1831)

N3 cis-moll (1846-1847)

прелюдии (всего 25):

24 прелюдии (1836-1839)

Прелюдия cis-moll (1841)

 

скерцо:

h-moll (1831-1832)

b-moll (1837)

cis-moll (1838-1839)

E-dur (1841-1842)

баллады (всего 4) и другие одночастные формы:

g-moll (1831-1835)

F-dur (1836-1839)

As-dur (1840-1841)

f-moll (1842)

Фанатазия f-moll (1840-1841)

Баркарола Fis-dur (1845-1846)

колыбельная Des-dur (1843)

сонаты:

 

c-moll (1827-1828)

b-moll (1837-1839)

h-moll (1844)

инструментальные произведения для фортепиано с оркестром (концерты):

f-moll (1829)

e-moll (1830)

Rondo a la Krakowaik (1828)

"Большая фантазия на польские темы" (1829-1830)

"Большой блестящий полонез, предшествуемый "Andante spianato" (1830-1834)

"Вариации на тему из оперы "Дон Жуан" B-dur (1827)

 

 

Р-Корсаков «Шехеразада»

 

Симфоническая сюита "Шехеразада" Римского-Корсакова

Написала: Яна Николайчук

Симфоническая сюита "Шехеразада" Римского-Корсакова (1888) — произведение программное, написанное по мотивам арабских сказок 'Тысяча и одна ночь". Она состоит из четырех частей, объединенных не только одним замыслом, но и общими музыкальными темами. Так, тема рассказчицы Шехеразады появляется во всех частях. Сочиняя сюиту, композитор сперва предполагал дать каждой части свое название. Однако позднее он от этой мысли отказался, считая более полезным, чтобы слушатели свободно следовали своей фантазии.

 

Первая часть первоначально называлась "Море и Синдбадов корабль". Во вступлении звучат две контрастные темы: царя Шахриара — грозного и жестокого владыки — и прекрасной, юной Шехеразады. Первая тема исполняется струнными и медными духовыми инструментами в низком регистре:

 

Тема мудрой рассказчицы Шехеразады всегда звучит у скрипки соло. По своему мелодическому рисунку она напоминает затейливый восточный орнамент, как бы "вьется". Композитор придал ей своеобразный ладовый колорит, применив дорийский минор (с большой секстой):

 

Главная партия последующего сонатного аллегро — образ волнующегося моря. Мелодия главной партии основана на теме Шахриара, однако теперь она становится темой героя сказки — отважного путешественника Синдбада, сохраняя суровый характер.

 

 

Мерное и тихое чередование мягких аккордов у деревянных духовых инструментов с неповторимо своеобразным звучанием бесполутонового лада в мелодии передает плавное покачивание корабля на волнах океана. И снова море волнуется и бушует (заключительная партия). Вслед за видоизмененной репризой следует заключение — кода. Тема Шахриара здесь светлеет, как будто деспотический владыка под влиянием прекрасных сказок смягчился и дарует Шехеразаде еще один день жизни, чтобы услышать продолжение.

 

Симфоническое развитие этой части отличается большой динамичностью. Все темы изложены неустойчиво, текуче. Это способствует созданию впечатления непрерывного движения, изменчивости, характерных для морской стихии.

 

Вторая часть. Первоначальное название ее было такое: "Фантастический рассказ Календерацаревича". Вновь звучит голос Шехеразады. Она начинает новую сказку. Но поскольку далее сказка ведется "от первого лица", на первый план выступает новый рассказчик — Календер. Вот почему солирующую скрипку сменяет другой инструмент — солирующий фагот. Основная тема второй части построена на интонациях восточных народных песен и вначале звучит спокойно, повествовательно:

 

Далее следуют несколько ярких симфонических вариаций. Переходя от инструмента к инструменту, меняя гармоническое сопровождение, тема получает новый облик.

Середина части ярко контрастна. Слышатся тревожные фанфарные призывы (тромбоны). К концу музыка переходит в марш.

С наступлением репризы повествовательная тема звучит уже не так спокойно. В конце появляется грозная тема Шахриара.

 

Третья часть — "Царевич и Царевна" — носит лирический характер. Музыка полна света, жаркого солнца, сладостного томления. Первая тема (Царевич) — широкая, напевная — напоминает восточную народную мелодию:

 

Вторая тема (Царевна) — танцевального характера — создает грациозный, женственный образ

 

В середине части появляется тема Шехеразады, рассказавшей еще одну удивительную сказку. Задумчиво звучит голос скрипки.

Для музыки всей части характерен восточный колорит. Он проявляется и в мелодических оборотах, и в орнаментальных наигрышах, напоминающих звучание восточных инструментов.

 

Четвертая часть — "Багдадский праздник и корабль, разбивающийся о скалу с медным всадником". Слышится гневный голос Шахриара — ему отвечает мягкий голос Шехеразады. Она начинает свою последнюю сказку. Доносится шум праздника в восточном городе. Основная тема четвертой части — в характере восточного танца, в ритме лезгинки

 

Среди множества мелькающих образов можно уловить темы Царевны из третьей части и тревожного марша из середины второй части. Постепенно музыка становится все более драматичной. И вот уже все заполняет грозная и могучая тема моря. Разбушевалась морская стихия. Тема моря переплетается с грозной темой марша из второй части. Наступает кульминация. Затем все стихает, успокаиваются волны, и нет уже корабля Синдбада. Он разбился о скалы во время бури. Звучит тихая грустная тема Шехеразады и укрощенная, покоренная ею тема Шахриара. Он даровал жизнь прекрасной мудрой рассказчице Шехеразаде.

 

Все части сюиты контрастны. Но вместе с тем они объединены двумя основными темами (Шахриара и Шехеразады). Тема Шехеразады проходит во всех частях. В финале появляются темы из всех предыдущих частей, что придает ему роль итоговой части.

Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их — глубокое проникновение в жизнь и быт народа, его думы и чаяния.

Великой силой своего огромного таланта умел Римский-Корсаков выразить в своих творениях все прекрасное, что окружает человека в жизни: красоту и любовь, веру в торжество света и правды, мечту о лучшем будущем, народную мудрость и силу народного искусства, великолепие родной природы. Но гневным и обличительным становилось его перо, когда он хотел заклеймить отрицательные стороны жизни — деспотизм, жестокость и несправедливость, глупость и ханжество. Человеком гуманным и кристально чистым, художником, посвятившим музыке всю свою жизнь, вошел Римский-Корсаков в историю русского искусства и навеки прославил его.

 

Творчество РимскогоКорсакова оказало влияние на многих композиторов последующих поколений. Его произведения до сих пор не перестают быть высокими образцами художественного мастерства и вдохновения.

 

 

Основные произведения

15 опер: "Псковитянка", "Майская ночь", "Снегурочка", "Садко", "Царская невеста", "Сказка о царе Салтане", "Сказание о невидимом граде Китеже", "Золотой петушок" и др.

Симфонические сюиты "Антар" и "Шехеразада"; "Испанское каприччио"

Симфонические картины "Садко", "Сказка" и увертюра "Светлый праздник"

Симфонии, симфониетта

Концерт для фортепиано с оркестром

Около 80 романсов

Сборники русских народных песен для голоса с фортепиано (100 песен и 40 песен), хоры

Учебник гармонии, учебник оркестровки, статьи

"Летопись моей музыкальной жизни" (воспоминания)

 

 

Билет №8

Русская музыка конца XIX и первой трети XX века (Рахманинов, Скрябин, Стравинский)

Русская музыкальная культура в начале 20 века.

 

Русское искусство начала 20 в. развивалась в условиях острой борьбы враждебных друг другу направлений.

 

Это было время когда Россия вступила в период империализма. В 1898 г. открылся Московский Художественный театр, основанный и руководимый Станиславским и Немировичем-Данченко. Художественный театр дал сценическую жизнь драматургии Горького и Чехова, выдвинул плеяду замечательных русских артистов. В области живописи продолжал свою деятельность Репин. Среди нового поколения – Серов.

 

В русском искусстве возникает модернистское направление. Модернизм резко противопоставил себя передовому реалистическому направлению. Начинается борьба. Большую роль в распространении модернизма сыграл журнал «Мир искусства». Позже появляются журналы «Золотое руно», «Весы», которые активно поддерживали одно из течений модернизма – символизм.

 

В русском искусстве начала 20 в. значительное распространение получили импрессионизм и символизм. Импрессионизм (от фр. impression «впечатление») – искусство, воплощающее субъективные мимолетные впечатления. Импрессионизм обычно отказывается от больших тем, значительных идей. С импрессионизмом была связана деятельность ряда художников из группы «Мир искусства». С. Дягилев был инициатором импрессионистского балета.

 

Символизм – одно из наиболее реакционных проявлений модернизма. В основе его сугубо идеалистическая концепция, утверждавшая существование «двух» миров. Один мир – познаваемый, материальный. Это «мнимая» фиктивная реальность. Все, что нас окружает – лишь тени или отражения иного «непознаваемого мира», которая и есть «подлинная» высшая реальность. В своем творчестве символисты стремились создать ощущение таинственности, завороженности. Они тяготели ко всему неясному, загадочному. Символизм проявился главным образом в литературе (Блок, Брюсов, Белый). В музыке – ярким представителем был Скрябин.

 

Подъем революционного движения, революция 1905 г. вызвали распространение революционной песни. Замечательный образец – «Интернационал». К числу известных революционных песен принадлежат «Рабочая Марсельеза», «Смело, товарищи, в ногу».

 

Продолжалась творческая деятельность Римского-Корсакова. Прогрессивное значение имело творчество Глазунова – ученика Римского-Корсакова. Творчество Лядова с большой тонкостью воплотило образы народной сказочной поэзии. Центральной фигурой московской музыкальной жизни стал Танеев – замечательный композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкант-ученый. Среди представителей поколения композиторов, выдвинувшихся в 1900-х гг., наиболее крупными художниками были Рахманинов и Скрябин. Рахманинов – гениальный композитор, пианист и выдающийся дирижер, продолжатель традиций Чайковского. Ипполитов-Иванов – композитор, педагог, дирижер и музыкально-общественный деятель – был сторонником традиций «могучей кучки» и Чайковского. Основной сферой его творчества являлась лирика, картины быта и природы. Он продолжил линию русской музыки о Востоке. Композитор-симфонист, он написал также ряд опер. Творчество композиторов Ляпунова, Глиэра, Метнера развивало традиции русской музыкальной классики. Центральной фигурой не только русского, но и зарубежного модернизма постепенно становится Игорь Стравинский. Творчество Стравинского представляет сложный путь от произведений, написанных под воздействием его учителя Римского-Корсакова, к модернизму. Мясковский, ставший одним из крупнейших советских симфонистов, отличался стремлением выражать в музыке значительное содержание. Он высоко ценил классические традиции. В предреволюционные годы начал свой творческий пусть выдающийся композитор С.С. Прокофьев.

 

Модернистская музыка пропагандировалась некоторыми музыкальными кружками. Особенно активно вел пропаганду модернизма кружок «Вечера современной музыки», возникший в 1901 г. и связанный с группой «Мир искусства»,

 

Русской музыкальное исполнительство в начале 20 в. переживало большой расцвет, прежде всего в области оперного исполнительского искусства. Имена Шаляпина, Собинова, Неждановой, Ершова навсегда вошли в историю оперного театра. Расцвету оперного исполнительского искусства во многом способствовала дирижерская деятельность С. В. Рахманинова.

 

Широко развернулась исполнительская и педагогическая деятельность молодых пианистов Игумнова и Гольденвейзера. Продолжали свою деятельность скрипач Ауэр, виолончелист Брандуков, дирижеры и пианисты – Купер, Сафонов, Зилоти, Есипова

Рахманинов Сергей Васильевич (1873–1943)

 

Рахманинов

 

Сергей Васильевич Рахманинов родился 20 марта 1873г. в поместье Семёново около Новгорода.Сергей был четвертым из 6 детей. Когда финансовые дела пришли в упадок, семья переехала в Санкт-Петербург, где родители Сергея окончательно разошлись.

Первый урок игры на фортепьяно получал молодой Рахманинов в 4 года от матери, затем от выпускницы Санкт-Петербурга консерватории. Отец и дедушка не были дипломированными музыкантами, однако, могли исполнять на дружеских вечерах популярные мелодии с импровизированным сопровождением. В Петербурге Рахманинов посещал консерваторию и занимался там наряду с уроками игры на фортепьяно также музыкальной теорией и общеобразовательными предметами.()

После того, как сестра Рахманинова София умерла от дифтерии и его родители расстались, нагрузка для его матери очень увеличилась. Ко всему прочему Рахманинов при выпускном экзамене потерпел неудачу в общих предметах. Его лишили стипендии, и он вынужден был покинуть консерваторию.

Позже известный пианист Александр Зилоти, племянник матери, предложил Рахманинову посещать класс преподавателя фортепиано Николая Сергеевича Зверева в Московской консерватории. С небольшой суммой денег Сергей был отпущен в Москву. Позднее он перешёл в класс Зилоти.

Выпускные экзамены мае 1891г. были сданы блестяще, и восторженная комиссия вручила Рахманинову `Большую золотую медаль.

Исполнение первой оперы в большом театре принесло молодому композитору успех и предложение дальнейшей работы.()

Ещё перед `Алеко` Рахманинов сочинил 1-й фортепьянный концерт фа-диез-минор. В марте 1892 г.он сыграл заглавное предложение в рамках концерта консерватории и вызвал бурю восторга.

Успех склонял Рахманинова к дорогостоящему образу жизни, который скоро истощил его резервы. У него был верный издатель в Москве, который опубликовывал все, что Рахманинов записывал, и всё же его финансовые проблемы обострились. Он пытался давать уроки игры на фортепьяно, однако, преподавание было не для него.

Не любивший поездки Рахманинов прекратил концертное турне по нескольким городам России, хотя оно могло быть прибыльно. В то же время его 1-ая симфония провалилась у критиков и публики. Дирижировавший при этом оркестром Глазунов, который не любил ни Рахманинова, ни его 1-ю симфонию, позже признается, что управлял исполнением произведения в пьяном состоянии. ()

29 апреля 1902г. Рахманинов сочетался браком с кузиной Натальей Александровной Затиной. Она сама была выпускницей Московской консерватории, по классу фортепиано, понимала его желание развиваться как композитор и изо всех сил поддерживала его. В браке у них родились дочери Ирина и Татьяна.