Особенности немецкой готической скульптуры

Становление германской готики пришлось на сложный период в жизни страны. Созданная германскими королями Священная Римская империя распалась на ряд самостоятельных княжеств. С 30-х годов XIII века начался закат немецкого рыцарства, а с ним и феодальной рыцарской культуры. Вместе с тем подъём городов в Германии достиг расцвета только в XIV-XV вв. и сопровождался уже новыми устремлениями в немецкой культуре. "Французская манера" лишилась в Германии свое достиги ликующего оптимизма, упорядоченности, размеренности ритма. Немецкие мастера ощутили в готике в первую очередь её беспокойный мятущийся дух. Отражая сложные конфликты в жизни страны, они резче подчеркнули контрасты, заострили экспрессию образов, придали им драматическую, подчас экзальтированную одухотворённость. Оттого в Германии готика получила более отвлечённый, мистический, но страстный по силе выражения характер.

Немцы утверждают, что только в их зодчестве полностью выявлена сущность готического стиля и использованы все его возможности: только в их готике порыв действительно неудержим, действительно подымает к небу всю массу здания, создает и во внешнем его облике и под его сводами впечатление чего-то необъятного и непостижимого. Недаром немецкие зодчие заменили французскую розу стрельчатым окном над главным входом и нарушили боковые горизонтали контрфорсами. Во французской же готике, пусть очень тройной и гармоничной, полностью не исчезнувшая горизонтальность членений и общий размеренный ритм сдерживают порыв, вводят его в какие-то рамки разума, логики, и это - в ущерб той стихии, которая присуща готическому зодчеству.

Во второй трети XIII века в Германии пережила расцвет монументальная готическая скульптура. Она раньше, чем архитектура, откликнулась на французские новшества. Скульпторы помещали готическую по духу скульптуру в ещё романские по стилю постройки. В немецкой скульптуре резко обозначились черты экспрессии и характерности.

Это было обусловлено не только традициями немецкого ваяния, но и общими чертами духовной культуры Германии XIII-XIV веков. Немецкой мысли более, чем схоластика, была свойственна еретическая мистика с её эмоциональной экспрессией, индивидуализмом и пантеистическими устремлениями.

В тяжёлый романский по своим формам портал Страсбургского собора немецкие матера вписали одухотворённые готические изваяния, выделяющиеся силой эмоционального накала. Здесь характерный для готики S-образный изгиб тела в каждой из статуй получает своё, особое зувчание.

Самым знаменательным циклом скульптур периода готики считается скульптурный декор собора в Наумбурге, созданный на рубеже 1240-х и 1250-х годов. Цикл статуй распадается на две части: хор занимают двенадцать фигур донаторов (светских лиц, основателей храма), леттнер - алтарную преграду, служившую также трибуной для духовенства, - украшают рельефы с изображением Страстей Христовых. В основе всего скульптурного цикла лежит контраст, сопоставление, а не развитие. Рельефы "Страстей Христовых" полны необычайного драматизма, реальности происходящего, пронзительной достоверности.

Фигуры донаторов стали первой в Средневековье портретной галереей, не имевшей в XIII веке аналогий. Размещение скульптур светских людей в храме восходит к немецкой традиции и былдо вызвано, по всей видимости, усилившейся властью отдельных феодалов. Правда, по отношению к этим статуям вряд ли можно говорить о портретах в истинном смысле слова: донаторы умерли более чем за сто лет до создания скульптур, да и историзм был чужд сознанию людей XIII века, поэтому в донаторах ваятели показали черты, типические для своего времени, и сумели индивидуализировать образы, противопоставляя их друг другу.

В позднеготической немецкой скульптуре, так же, как и во французской, усиливается дробность форм, утрачивается монументальность, акцентируется патетика, появляется претенциозность, манерность, чрезмерное изящество, натуралистичность деталей - все те черты, которые характеризуют упадок и разрушение художественного стиля. Соединение религиозной экзальтации с жёсткой натуралистичностью особенно заметно в деревянной скульптуре "Распятий" и "Оплакиваний". Натуралистичность деталей очень ярко выражена в скульптуре хора Кёльнского собора и в фигурах т.н. Прекрасного колодца в Нюрнберге.

В XIII веке в немецкой монументальной живописи получил распространение "зубчатый стиль", названный так по характеру динамичных зигзагообразных складок одеяний. Одним из лучших примеров росписей "зубчатого стиля" является живопись плафона Михаэльмкирхе в Гильдесхейме (ок. 1240 г.), где наметился переход к более подвижному и обострённому одухотворённому началу в трактовке образов.

11.Эпоха Возрождения: общая характеристика, периодизация.

1. Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век) - треченто

2. Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века) - кватроченто

3. Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века) - чинквеченто

4. Позднее Возрождение (середина XVI — 90-е годы XVI века)

ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ, период в истории культуры Западной и Центральной Европы

14–16 вв., основным содержанием которого было становление новой, «земной», светской по

своей сути картины мира, кардинально отличной от средневековой. Новая картина мира

нашла выражение в гуманизме, ведущем идейном течении эпохи, и натурфилософии,

проявилась в искусстве и науке, претерпевших революционные изменения. Строительным

материалом для оригинального здания новой культуры послужила античность, к которой

обратились через голову Средневековья и которая как бы «возрождалось» к новой жизни.

Искусство.

При теоцентризме и аскетизме средневековой картины мира искусство в средние века

служило прежде всего религии, передавая мир и человека в их отношении к Богу, в условных

формах, было сосредоточено в пространстве храма. Ни видимый мир, ни человек не могли

быть самоценными предметами искусства. В 13 в. в средневековой культуре наблюдаются

новые тенденции (жизнерадостное учение Св. Франциска, творчество Данте, предтечи

гуманизма). На вторую половину 13 в. приходится начало переходной эпохи в развитии

итальянского искусства – Проторенессанса (длилась до начала 15 в.), подготовившей

Ренессанс. Творчество некоторых художников этого времени (Дж. Фабриано, Чимабуэ,

С.Мартини и др.), вполне средневековых по иконографии, проникается более

жизнерадостным и светским началом, фигуры приобретают относительный объем. В

скульптуре преодолевается готическая бесплотность фигур, снижается готическая

эмоциональность (Н.Пизано). Впервые отчетливо разрыв со средневековыми традициями

проявился в конце 13 – первой трети 14 в. во фресках Джотто ди Бондоне, который ввел в

живопись чувство трехмерного пространства, писал фигуры более объемными, больше

внимание уделял обстановке и, главное, проявил особенный, чуждый экзальтированной

готике, реализм в изображении человеческих переживаний.

На почве, возделанной мастерами Проторенессанса, возникло Итальянское Возрождение,

прошедшее в своей эволюции через несколько фаз (Раннее, Высокое, Позднее). Связанное с

новым, по сути, светским мировоззрением, выраженным гуманистами, оно утрачивает

неразрывную связь с религией, живопись и статуя распространяются за пределы храма. С

помощью живописи художник осваивал мир и человека, как они виделись глазу, применяя

новый художественный метод (передача трехмерного пространства при помощи

перспективы (линейной, воздушной, цветовой), создание иллюзии пластического объема,

соблюдение пропорциональности фигур). Интерес к личности, ее индивидуальным чертам

сочетался с идеализацией человека, поиском «совершенной красоты». Сюжеты священной

истории не ушли из искусства, но отныне их изображение было неразрывно связано с

задачей освоения мира и воплощения земного идеала. Ренессансная архитектура утрачивает

готическую устремленность к небу, обретает «классическое» равновесие и

пропорциональность, соразмерность человеческому телу. Возрождается античная ордерная

система, но элементы ордера были не частями конструкции, а декором, украшавшим и

традиционные (храм, дворец властей) и новые типы зданий (городской дворец, загородная

вилла).

Родоначальником Раннего Возрождения считается флорентийский живописец Мазаччо,

подхвативший традицию Джотто, добившийся почти скульптурной осязаемости фигур,

использовавший принципы линейной перспективы, ушедший от условности изображенияобстановки. Дальнейшее развитие живописи в 15 в. шло в школах Флоренции, Умбрии,

Падуи, Венеции (Ф.Липпи, Д.Венециано, П. дела Франческо, А.Паллайоло, А.Мантенья,

К.Кривели, С.Боттичелли и многие др.). В 15 в. рождается и развивается ренессансная

скульптура (Л.Гиберти, Донателло, Верроккьо и др., Донателло впервые создал

самостоятельно стоящую, не связанную с архитектурой круглую статую, первым изобразил

обнаженное тело с выражением чувственности) и архитектура

(Ф.Брунеллески, Л.Б.Альберти и др.). Мастера 15 в. (прежде всего Л.Б.Альберти, П. делла

Франческо) создали теорию изобразительных искусств и архитектуры.

Около 1500 в творчестве Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Джорджоне, Тициана

итальянская живопись и скульптура достигли своей наивысшей точки, вступив в пору

Высокого Возрождения. Созданные ими образы совершенно воплощали человеческое

достоинство, силу, мудрость, красоту. В живописи была достигнута небывалая пластичность

и пространственность. Архитектура достигла своей вершины в творчестве Д.Браманте,

Рафаэля, Микеланджело. Уже в 1520-е в искусстве Центральной Италии, в искусстве

Венеции в 1530-е, происходят перемены, означавшие наступление Позднего Возрождения.

Классический идеал Высокого Возрождения, связанный с гуманизмом 15 в., быстро утратил

свое значение, не отвечая новой исторической обстановке (потеря Италией своей

независимости) и духовному климату (итальянский гуманизм стал более трезв, даже

трагичен). К Позднему Возрождению можно

отнести П.Веронезе, А.Палладио, Я.Тинторетто и др.

12. Искусство Треченто. Общая характеристика. Скульптура Пизанской

школы.

Проторенессанс (от греческого «πρῶτος» – первый и французского «renaissance» –

возрождение) – это предвозрождение, инкубационный период «новой эпохи». Он охватывает

историю итальянского искусства от XIII в. до середины XIV в. и знаменуется возвращением

античных сюжетов и ростом реалистичности произведений искусства.

Становление Проторенессанса связано с подъёмом свободных итальянских городов, где

бурно развивались ремесло и торговля, был проведён ряд антифеодальных реформ. Для

искусства Проторенессанса характерны тенденция к наглядному отражению реальности,

светское начало и интерес к античному наследию. Наиболее раннее проявление новых

веяний в тосканской архитектуре относится к XI-XIII вв. Формам готики зодчие

Проторенессанса (Арнольфо ди Камбио и др.) придавали уравновешенность и спокойствие.

Пластическая мощь, влияния античного искусства присущи скульптуре Проторенессанса (Н.

Пизано и др.); живописцы Проторенессанса (П. Каваллини и в особенности Джотто)

добивались убедительности пространственных построения многофигурных сцен,

эмоциональная выразительность образов, материальной осязаемости форм.

Это был первый и решительный шаг к развитию всей человеческой цивилизации, к

торжеству красоты и разума. Итальянская культура переживала блестящий подъем.

Безличное цеховое ремесло уступило место индивидуальному творчеству. В литературе,

архитектуре, скульптуре и живописи выдвинулись крупные мастера, творчество которых во

многом определило дальнейшее развитие.

Данный период делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне (1337) и после.

Первый из них яркий и жизнерадостный, второй – почти бесплодный, омраченный

ужаснейшей эпидемией чумы (1347-1353), унесшей 24 млн. европейцев (40% населения).У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в

Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до

середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии. Конечно, многое в

скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые

аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют

поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы. Использование классической

традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов,

стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события

создали основу для широкого обновления искусства. В 1260-1270 годах мастерская Никколо

Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.

Подлинное начало новой эпохи справедливо связывается с именем живописца Джотто ди

Бондоне (1266?—1337). Из работ Джотто лучше всего сохранились фрески Капеллы дель

Арена, или Капеллы Скровеньи (по имени заказчика) в городе Падуя (1303—1306). Более

поздние работы Джотто—росписи в церкви Санта Кроче во Флоренции (капелла Перуцци и

капелла Барди).

Так же в период Треченто центром художественной культуры выступает также город Сиена.

Сиенское искусство не носит того бюргерского характера, какой был во Флоренции.

Культура Сиены аристократична, пронизана феодальным мировоззрением, духом

церковности. Произведения сиенской школы нарядны, декоративны, праздничны, но и

значительно более архаичны, чем флорентийские, полны готицизмов.

36. Искусство «Северного Возрождения»: характеристика по странам и

периодам

Северные города Европы (северные по отношению к Италии) не имели такой

самостоятельности, как итальянские, они были более зависимы от власти крупного сеньора,

короля или императора, от всей классически развитой системы феодализма. Это несомненно

отразилось на характере культуры Северной Европы в период Возрождения. В искусстве

Северного Ренессанса больше сказалось средневековое мировоззрение. В нем больше

религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, более

связано с готикой и, естественно, менее знакомо с античностью, с которой и сблизилось

только через Италию уже в конце XV в. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к

итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда итальянский вступает в высшую

фазу своего развития.

Искусство Северного Возрождения нельзя понять без учета движения Реформации,

влияние которого на него было прямым и очевидным. В ощущении ничтожества человека

перед Богом, его несоизмеримости Богу Реформация отвергла в какой-то степени и

искусство; в протестантской церкви нет ни резьбы, ни скульптуры, ни витражей, а есть

только голые стены, скамьи и крест. И пастырь, который совсем не одно и то же, что

священник — посредник между мирянином и Богом, а лишь представитель общины,

избранный ею для отправления богослужения. Реформация надвигалась на Возрождение, но

процесс этот, естественно, был не сиюминутным, и последнее сумело проявить себя с

большой самобытной силой и на севере Европы. Влияние Реформации с ее реализмом и

прагматизмом сказалось на искусстве Северного Ренессанса в пристальном внимании и

любви к реалиям, к точности деталей, в интересе к изображению нарочито грубого, иногда

даже отталкивающе-безобразного, уродливого (что было абсолютно неприемлемо для италь-

янского Возрождения) — это удивительно уживалось с чувством мистического, ирреального,

с динамичностью и атектоничностью форм, что объединяет Северный Ренессанс, с однойстороны, с готикой, а с другой — с будущим искусством барокко, может быть, даже более

прочно, чем Италию. Некоторые исследователи вообще отвергали эпоху Возрождения в

Северной Европе, где готика лишь «плавно» перешла в барокко, считая Северный Ренессанс

просто «осенью средневековья».

Германия. На рубеже XIV—XV вв. Германия была еще более раздроблена, чем в

предыдущие периоды, что содействовало живучести в ней феодальных устоев. Развитие

немецких городов запаздывало даже по отношению к Нидерландам, и немецкий Ренессанс

сформировался в сравнении с итальянским на целое столетие позже. На примере творчества

многих художников XV в. можно проследить, как формировалось Возрождение в Германии:

это Конрад Виц, Михаэль Пахер, затем Мартин Шонгауэр. В их алтарных образах

появляются повествовательные элементы, стремление раскрыть человеческие чувства на

религиозном сюжете. Но понимание пространства, введение золотых фонов, дробность

рисунка, беспокойный ритм ломающихся линий, равно как и скрупулезное выписывание

главного и частного, — все это говорит об отсутствии последовательности в художественном

мировоззрении этих мастеров и тесной связи со средневековой традицией. «Углубленная

религиозность», которая привела немцев к Реформации, имела огромное влияние на

искусство. Идея Божественной гармонии и благодати во всем мире — распространилась как

бы на каждый предмет, каждую травинку, выходящие из-под кисти художника.

Нидерланды. Нидерландское Возрождение в живописи начинается с «Гентского алтаря»

братьев Губерта (умер в 1426 г.) и Яна (около 1390—1441) ван Эйков, законченного Яном

ван Эйком в 1432 г. В передаче перспективы, в рисунке, в знании анатомии ван-эйковская

живопись, конечно, не идет в сравнение с тем, что почти в это же время делал Мазаччо. Но в

ней есть другие, не менее важные для искусства черты: нидерландские мастера как бы

впервые глядят на мир, который они передают с необычайной тщательностью и

подробностью; каждая травинка, каждый кусок ткани представляет для них высокий предмет

искусства. В этом сказались принципы нидерландской миниатюры. В настроении поющих

ангелов много истинного религиозного чувства, одухотворенности, душевного напряжения.

Ван Эйки усовершенствовали масляную технику: масло давало возможность более

разносторонне передать блеск, глубину, богатство предметного мира, привлекающего

внимание нидерландских художников, его красочную звучность.

Франция. Французский Ренессанс носил характер придворной культуры. Как и в

нидерландском искусстве, реалистические тенденции наблюдаются прежде всего в

миниатюре как богословских, так и светских книг. Первый крупный художник французского

Возрождения—Жан Фуке (около 1420—1481), придворный живописец Карла VII и

Людовика XI. И в портретах, и в религиозных композициях тщательность письма сочетается

с монументальностью в трактовке образа. Эта монументальность создается чеканностью