Искусство в период первобытного общества.

Искусство в период первобытного общества.

План лекции

1. Истоки первобытного искусства.

2. Искусство позднего палеолита

3. Искусство неолита

Палеолит эпоха становления древнего человека ранний 2.5млн -140 тыс лет до нэ, средний мюстье 140-40 тыс лет до н.э., верхний. Поздний 40-12 тыс лет до н.э., мезолит 12-5 тыс лет до н.э., неолит 5-3 тыс лет до н.э.,энеолит 3-2 тыс лет до н.э.,бронза 2-1 тыс лет до н.э.

1). Искусство, как особая отрасль человеческой деятельности,

обслуживаемая профессионалами-художниками, стало возможным только на основе разделения труда. Люди в процессе труда познавали окружающий мир ещё до разделения общества на классы. Таким образом, искусство в процессе труда выросло формировалось и видоизменялось вместе с созидающим его человеком.

Первые следы первобытного искусства относятся к эпохе верхнего (позднего) палеолита за несколько десятков тысячелетий до н. э. ориньякское время, или ориньякская культура, названа по раскопкам в пещере Ориньяк близ Франции, в начале ХХ века. Человек этой эпохи был такой же физической конституции, как и современный, обладал речью, умел выделывать орудия труда из камня (начало изготовления орудий труда восходит к более раннему периоду – средний и ранний палеолит).

Таким образом, искусство обязано своим возникновением труда. Но

чем вызван был переход от производства полезных, необходимых орудий труда к производству «бесполезных изображений»?

На этот счет существует 2 теории. Первая базируется на эстетике

Канта и Шиллера (на позициях идеализма в позитивизме) – признаком

эстетического, художественного является стремление к «свободной игре

видимостью», свободной от практической цели.

вторая – искусство – форма познания.

2.) Искусство появилось в позднем палеолите 40-20 тыс. лет до н. э. и

достигло своего расцвета к 20-12 тыс. до н. э. В самых ранних изображениях преобладают «портреты животных». Например, пещера Альтамира, Испания. Её называют первобытной Сикстинской капеллой. Знаменито изображение бизона, выполненное настолько реалистично, что подобному мастерству изображения животного позавидовал бы современный художник-анималист. В пещере Монтеспан, Франция, находится скульптурное изображение медведя со следами ритуальных действ так же мастерски изображенного.

Основная тенденция в искусстве этого периода – пристальное

внимание к миру животных и отсутствие композиционного мышления.

Причина – неразвитость общественных отношений, основа обеспечения

жизнедеятельности – охота. Изображение людей более примитивно,

безличностно и монументально. «Палеолитические Венеры» найдены во

многих частях Земли, например, в Виллендорфе близ Австрии. Здесь женщина изображена как сосуд плодородия без индивидуальных и психологических характеристик. В противоположность этому изображение слонихи в наскальных росписях в Алжире. Здесь налицо и психологизм, и восхищение животным миром. Таким

образом, первобытный человек формировал свой духовный мир через

понимание и наблюдение внешней природы.

Основной метод в этот период является метод подражания природе, ее

формам. Система художественного образования представляла собой

копирование действий мастера.

3). Искусство неолита охватывает временной промежуток от 12 тыс. по 5-е тыс. до н. э. Наряду с охотой и рыболовством значение приобретает

земледелие и скотоводство. Человек вступил в более сложные общественные отношения. Возникают первые иерархические объединения по принципу родовой общины. С этим временем связано изобретение лука и стрел,

глиняной посуды, орудий из металла. Совершенствуется строительное дело, что способствовало сложению архитектуры как вида искусства.

В эту эпоху содержание искусства становится шире. Это двойственный процесс. С одной стороны в наскальных рисунках появляются

композиционные решения (сцены охоты), с другой стороны – утрачивалась первозданная непосредственность видения, свойственная искусству охотников. Человек в изображениях занимает подобающее ему главное место. Сцены динамичны, но сами фигуры –тощие черные силуэты, которые благодаря своей подвижности, создают впечатление жизни.

Схематизируются и обобщаются видимые предметы, осознаются

общие принципы формообразования. Всё это применяется к прикладному искусству: водоплавающая птица – ковш, например, с головой лебедя. На поздних стадиях первобытнообщинного строя прикладное искусство

становится господствующим. Орнамент переходит в изображение, не

лишённого магического смысла, а изображение становится схематичным и условным (орнаментальным).

Основной метод обучения изобразительному искусству становится не

просто подражание природе, а стремление к обобщению и систематизации. Становится актуальной не только выработка мастерства руки, но и композиционное мышление.

Таким образом, к времени создания первых цивилизаций человек уже обладал некоторыми навыками анализа и системного подхода к изучению окружающей действительности.

 

Лекция 2.

Основные понятия истории и теории изобразительного искусства

План лекции

1. Понятие «культура».

2. Понятие «художественная культура».

3. Понятие «искусство».

4. Понятие «изобразительное искусство».

5. Понятие «история ис5усства».

Понятие «культура».

Существует более 500 определений понятия «культура», наиболее

распространенными среди которых являются следующие.

1) Культура – совокупность материальных и духовных ценностей,

жизненных представлений, образцов поведения, норм, способов и приемов человеческой деятельности, отражающая определенный уровень исторического развития общества и человека, воплощенная в предметных, материальных носителях.

2) Культура – искусственно созданный человеком мир, жизнь в

котором определяется его (человека) идеалами.

3) Наиболее общее определение понятия «культура», способное объединить все остальные, можно составить на основе его этимологии, которая указывает на две смысловых составляющих современного понятия «культура»: «культ» и «Ур».Культ-ура – человеческая деятельность по культ-ивированию (возделыванию, взращиванию) идеалов, способствующих процессу комфортного (Ур – пламя, свет, тепло, уют, комфорт) существования каждого человека с самим собой, с другим человеком, с природой.

Понятие «художественная культура».

Художественная культура – это способность людей культивировать

идеалы, обладающие уникальным качеством моста между конечным и

бесконечным началами, человеком и Мирозданием в его всеобщности.

«Художественная» - особое мастерство подобных идеалов, способных

формировать комфортное пространство отношения двух

противоположностей, а значит обладающих особой искусственностью,

искусностью и искусом.

Понятие «искусство».

понятие «искусство», самоценность и самостоятельность сферы художественных идеалов в качестве художественных произведений,

1) Главными действующими лицами, участниками процесса создания и

формирования художественных идеалов – произведений, являются художник и художественный материал.

2) Кроме процесса создания произведения искусства в сферу искусства

входят процесс сохранения и процесс потребления, произведенной

художником и художественным материалом вещи-идеала.

Сохранением произведений искусства в качестве продукта

взаимодействия художника и художественного материала занимаются

специальные институты: музеи, реставрационные мастерские и т.д.

Потребление произведения искусства связано с взаимодействием

произведения искусства в качестве вещи, созданной художником и

художественным материалом, и зрителя, выступающего в качестве особым образом подготовленного человека. Для осуществления процесса потребления существуют соответствующие институты: выставочные залы,

галереи, концертные залы, институт художественной критики и т.д.

РАЗДЕЛ 2. ИСКУССТВО АНТИЧНОСТИ: ДРЕВНЯЯ ГРЕЦИЯ И

ДРЕВНИЙ РИМ

Лекция 2.

Искусство Древней Греции: архитектура

План лекции

Способностей участников.

Совершали жертвоприношения.

Божественному прообразу.

Македонского.

В скульптуре и вазописи.

Прославлению божества.

И фронтон).

Фриз - сплошная полоса декоративных, скульптурных, живописных и других изображений (часто орнаментального характера), окаймляющая верх стен.

Фротон - завершение (обычно треугольное) фасада здания колоннады, ограниченное двумя скатами по бокам и карнизом у основания. Поле фронтона (тимпан) часто украшается скульптурой. Декоративные фронтоны украшают двери и окна зданий.

Сторонам конструкции.

Центре храма.

Фризах.

На западном фронтоне изображен миф о споре Афины и Посейдона за

право покровительствовать этой земле и ее жителям. Афина ударяет в землю

копьем, на заднем плане изображена олива, выросшая от удара. Посейдон

Девушки.

Мироздания.

 

Лекция 3.

Традиции.

В искусстве Древнего Рима выделяют два основных периода: период

республики (VIII – I вв. до н.э.) и период империи (I век до н.э. – IV век н.э.).

Древнеримское искусство периода республики является основой для

имперского периода в качестве собственно римской традиции в основных

видах искусства: архитектура, скульптура, монументально-декоративная

живопись.

Период империи является ключевым для понимания специфики

древнеримского искусства, поскольку именно в это время искусство

Древнего Рима достигает своего расцвета, а принципы, выработанные в

имперский период, станут основой искусства последующих эпох.

Искусство периода империи основывается не только на собственно

римской традиции, идущей из республиканского времени, но и на традиции

эпохи греческого эллинизма.

Именно взаимодействие этих двух художественных традиций

составляет специфику римской художественной культуры периода империи.

 

3. Специфика основных типов древнеримской архитектуры:

Римский храм «Пантеон».

Самым знаменитым римским храмом является Пантеон (храм всех

богов), строительство которого относится к периоду расцвета древнеримской

культуры (118-128 гг., арх. Аполлодор Дамасский).

Пантеон обладает рядом исключительных качеств:

1) совмещение круглого и прямоугольного типов храмов (глубокий

портик и круглая ротонда);

2) купольный свод с круглым отверстием в центре (опайон – глазок);

3) открытость для всех молящихся;

4) соединение римских и греческих храмовых традиций (греческий

восьмиколонный портик и осевая направленность римского

псевдопериптера); 5) синтез архитектурных форм основных римских сооружения

(организация форумного пространства перед храмом, использование

триумфальных арок и их элементов, использование купольного завершения

главного помещения римских терм).

Пантеон был возведен с целью прославления римской религии на фоне

быстрого распространения недавно появившегося христианства, поэтому

наиболее эффектным было решение внутреннего пространства храма в

качестве шарообразного пространства внутри которого можно было

наблюдать явление божеств в виде природных процессов (перемещение луча

света, падающего из отверстия в куполе). Подобное решение полностью

соответствовало римскому представлению о процесс-божествах и о их

единстве (виртуальная сфера, вписанная в пространство Пантеона).

Пантеон стал первым храмом, посвященным всем богам как некоей

целостности, проявляющейся в виде конкретных природных явлений, и

одновременной первым храмом, открытым для любого человека любой веры.

Архитектурные формы и приемы, выработанные при создании Пантеона, в

последствии часто использовались в храмовых и общественных постройках

уже христианского времени.

 

РАЗДЕЛ 3. СРЕДНЕВЕКОВОЕ ИСКУССТВО ВИЗАНТИИ И

ЗАПАДНОЙ ЕВРОПЫ

Лекция 4.

Искусство Византии

План лекции

1. Особенности мироотношения византийской культуры, функции

основных видов искусства (архитектура, иконопись, монументальная

живопись).

2. Периодизация искусства Византии, художественные традиции.

3. Своеобразие византийской храмовой архитектуры.

4. Особенности византийской монументальной живописи.

5. Специфика византийской иконописи, основные правила

иконописного канона.

 

Живопись).

1) Основной особенностью византийской культуры является

христианская основа мировоззрения, пронизывающая все сферы

византийского государства и искусства. Следствием этого становится

символизм архитектурных и изобразительных форм, поскольку одной из

главных задач искусства становится репрезентация христианского

мировоззрения.

2) Согласно христианскому представлению о мире, Бог – един, но

представлен в трех лицах: Бог-Отец, Бог-Сын, Бог-Святой Дух. Человек, как

и все сущее, является творением Бога. Однако, в результате первородного

греха Адама и Евы, бессмертная душа человеческая оказалась оторванной от

своего создателя и заключенной в смертную и склонную ко греху плоть.

Благодаря явлению Бога в мир в образе Христа и его смерти на кресте за

грехи человеческие, душа каждого верующего имеет возможность

воссоединиться с Богом после смерти телесной оболочки. Целью земной

жизни человека, согласно христианскому представлению, является

совершенствование души и очищение от греха – поступенное восхождение к

Богу.

Искусство, прежде всего храмовая архитектура и иконопись, было

призвано визуализировать жизнь души, а не тела, поэтому художественные

формы обладали весьма высокой степенью условности.

3) Еще одной отличительной особенностью мироотношения

византийской культуры является строгая регламентация жизни в

соответствии с текстами священного писания и священного предания.

В результате в византийском искусстве формируется архитектурный

канон, иконописный канон, канон храмовых росписей.

 

Иконописного канона.

Отличительной особенностью византийского искусства является

развитие иконы.

Истоками иконы являются, с одной стороны, изображения римских

императоров, создаваемые для поклонения, с другой – фаюмский портрет –

изображения умерших, выполненное в технике энкаустики (живопись

восковыми красками по деревянной основе) с целью как можно более долгой

сохранности живописной и деревянной поверхности в качестве дома для

души умершего. От рисских портретов икона возьмет функцию поклонения,

от фаюмского портрета – функцию поминания и технику живописная на

живой деревянной основе.

Теория иконы как «образа для поминания и поклонения» складывается

в VI – VII веках.

В основе византийского канона как жесткой системы правил

иконописного изображения лежит противопоставление иконы портретному

изображению.

Икона мыслится как проявленный в земном обличии образ Бога,

созданный мастером, руководимым Духом Святым, поэтому само

живописное изображение не должно представлять молящемуся мир,

похожим на земной.

Отсюда основные правила иконописного канона:

1) плоскостность изображения

2) обратная перспектива

3) символика локального цвета и жестко регламентированных поз и

жестов

4) присутствие поясняющих надписей

5) отвлеченный золотой фон.

Самой первой иконой считается нерукотворное изображение лика

Христа, созданное им самим с помощью приложения к лицу материи.

Именно поэтому изображение Бога в человеческом обличии в Византии,

отрицающей идольские изображения (речь идет о скульптуре и объемной

живописи), стало возможным и необходимым. Роль иконописца в процессе создания иконы можно сравнить с ролью

сосуда или оболочки для энергетики Святого Духа, проявляющего лик божий

в видимых живописных образах.

Символическое значение иконы – быть средством связи человеческой

души и Духа Божьего.

В своем развитии византийская иконопись проходит несколько этапов.

1) Этап сложения византийской иконы (VI – VII вв.), иконы «Сергий и

Вакх» (VI в.), «Богоматерь с младенцем» (VI в.).

2) Период иконоборчества (726-843 гг.): отрицание антропоморфных

изображений Бога.

3) Период правления Дук, Комнинов и Ангелов (вторая пол. XI – 1204

г.): сложение иконографического канона. Иконы «Владимирская Богоматерь»

(XII в.), «Григорий Чудотворец» (первая пол. XII в.).

4) Палеологовский Ренессанс (вторая пол. XIII – XV вв.). Иконы

«Двенадцать апостолов», «Благовещение» (XIV в.).

РАЗДЕЛ

 

 

Лекция №3

«Система художественного образования в Древнем Египте».

 

 

Искусство Древнего Египта было создано народом, который был

творцом одной из древнейших культур человечества, и в течении

тысячелетий играл важнейшую роль в истории Средиземноморья, Восточной

Африки и Передней Азии. Это искусство было наиболее передовым и

совершенным среди искусств народов Древнего Востока. Исторические

условия (деспотия фараонов, консерватизм земледельческого общества)

привели к длительному сохранению характерных особенностей египетского

искусства. Ещё один важнейший фактор: искусство Египта было составной

частью культа заупокойного ритуала. Оно тесно связано с религией,

обоготворяющей силы природы и земную власть. Пантеон египетских богов

велик, их культ восходит к первобытным временам, когда люди поклонялись

тотему – зверю – покровителю племени. Божества египтян зверолики:

покровитель умерших Анубис – с головой шакала, бог мудрости и письма –

павиан Тот, богиня войны – львиноголовая Сохмет. После этого нас не

должно удивлять изысканное мастерство анимализма у египетских

художников (животных бальзамировали, сохранились кладбища священных

животных). Высшим культом – был культ солнечного божества Ра

(впоследствии Амона Ра). Египет называли страной солнца, а фараонов –

«сынами солнца» (налицо связь с первобытной культурой). В эпоху Нового

 

 

 

царства был недолгий период искусства Амарны, когда фараон Аменхотеп IV

(Эхнатон) упразднил все культы кроме солярного и ввёл единобожие –

поклонение солнечному диску Атону. Солнечная символика многообразна:

крылатый шар с множеством распростертых рук-лучей, сокол, телец, обелиск

– архитектурная форма, впервые созданная в Египте и символизирующая

солнечный луч.

Воплощением солнечного божества, побеждающие силы мрака, был

бог Гор, светлый сокол, сын Осириса. Миф об Осирисе и Горе особенно

важен для понимания египетского искусства. Согласно мифу, бог плодородия

Осирис некогда был царём Египта и научил Египтян возделывать землю. Он

был убит своим братом Сетом, олицетворявшим начала мрака и зла. Сын

Осириса, Гор, вызвал Сета на поединок и победил его. После этого Гор

воскресил Осириса, дав ему проглотить свой глаз. Но воскресший Осирис

уже не вернулся на землю, он стал господином подземного царства мёртвых.

А наследником его на земле, царём живых стал Гор.

Практически вся земная жизнь представляла собой подготовку к иной,

вечной жизни. В обеспечении достойного уровня загробной жизни искусство

играло особую роль. Оно своими произведениями сопровождало покойного в

загробную жизнь, демонстрировало уровень его социального положения.

Поэтому художник находился на высокой ступени социальной лестницы,

особенно, это касалось архитекторов, в чьем искусстве соединилось

художественность и строгий математический расчет (зодчий Хесира,

рельеф).

Культ богов и умерших требовал соблюдения религиозных ритуалов. В

изобразительном искусстве это могли обеспечить только математически

выверенные каноны. С одной стороны каноны облегчили задачу

художникам, а с другой – наложили отпечаток скованности форм.

Если целью изобразительного искусства было изобразить все

необходимое для загробной жизни, то задача представлялась в сохранении

композиционного единства изображения с плоскостью.

 

 

 

В изображении животных египетские художники достигли

высочайшего уровня натурализма, поскольку животных изучали на практике,

в процессе бальзамирования.

Человек же изображался в строгом соответствии с каноном. Был

выработан канон стоящего, идущего и сидящего человека, что было

справедливо как для скульптуры, так и для изображения на плоскости.

Определение пропорций всего тела по одной его части – это заслуга

египетских художников. Эталоном измерения пропорций служила длина

указательного пальца, вытянутого вдоль бедра, которая делила фигуру на 19

частей плюс головной убор. Все фигуры имели резко очерченный контур:

женские окрашивались в красный, мужские в черный цвет. Применялся закон

предпочтения фронтальности в изображении отдельных частей тела.

В области композиции решалась задача совмещения в пределах одного

изображения различных точек зрения по закону фронтальности, отсутствие

реальной перспективы, масштабность по значению фигур, отсутствие учета

возрастных особенностей. Пейзаж изображался условно без перспективного

сокращения, либо по периметру площадки. Композиция имела форму

шествия.

Особого мастерства египтяне достигли в искусстве рельефа. Сочетая

барельеф, горельеф, контррельеф, контурный рельеф, они добивались

практически мистической игры светотени.

Также следует отметить, что иероглифическая письменность требовала

определенных художественных навыков.

В архитектуре были разработаны типы сооружений, которые будут

использовать многие последующие цивилизации: храмовая и бытовая

архитектура.

Все богатство применения художественных знаний и навыков

требовало создания системы художественного образования. И она была

создана. Она состояла из двух направлений: общеобразовательное и

профессиональное. Общеобразовательная система художественного образования

строилось на обучении рисунку, так как написание иероглифов требовало

определенных навыков. Обучение рисунку строилось по двум направлениям:

выработка техники свободного движения руки и твердость в выполнении

рельефов и написании папирусов. Основной метод – копирование и

заучивание. Система образования имела строгие требования к дисциплине.

Хотя получать образование могли лишь привилегированные слои

египетского общества, практиковались телесные наказания (ходили 3 месяца

в колодках).

Профессиональное обучение носило с одной стороны родовой

характер, когда секреты мастерства передавались от отца к сыну, с другой

стороны организовывались профессиональные школы.

Ведущей профессиональной школой изобразительного искусства

являлась Мемфиская придворная школа архитекторов и скульпторов. Во

времена Рамсеса II и его наследника в Египте существовал институт для

художников, где студенты могли выбирать себе преподавателей.

Методика преподавания в таком учебном заведении разрывалась в

таблицах, которые служили методическими указаниями с поэтапным

выполнением работ. В частности применялся такой прием как построение

фигуры человека по сетке. Это была не просто попытка увеличить

изображение, а прообраз модульной сетки, позволявшим увеличить

изображение, построить фронтальное и боковое изображение, поскольку

пересечение линий сетки проходило в определенных узловых соединениях.

Рисунок строился с любого места по этой сетке. Изображение выявлялось не

с определения общей формы, а с механической подготовки расчетов

пропорций. В обучении скульптуре применялся метод эталона и метод

незавершенной работы как наглядного пособия для понимания поэтапности

работы.

Таким образом, налицо системный подход к обучению

изобразительному искусству, положено теоретическое обоснование практики

 

 

 

изобразительного искусства, впервые установлены законы

изображения и обучения будущих художников. Существовала ли теория

процесса обучения (дидактика) не установлено. Однако существовали

педагогические сочинения (автор Тауф). Обучение строилось не на изучении

окружающей действительности, а на заучивании установленных канонов.

ИЗО а Египте было уже общеобразовательной дисциплиной.

 

 

Лекция №4

«Система художественного образования в Древней Греции».

 

 

Искусство Древней Греции – величайший по значению пласт в истории

мирового изобразительного искусства. Произведения, созданные в этот

период, поражают современников своей соразмерностью, реалистичностью,

гармонией с окружающей средой. Поэтому закономерен интерес к системе

художественного образования, которая, в свою очередь, является

значительным этапом в истории развития всего художественного

образования в целом.

Коренные изменения в системе образования Древней Греции связаны, в

первую очередь, с изменением мировоззрения и, как следствие, изменение

религии и общественного сознания в рамках все той же рабовладельческой

экономической формации.

Пантеон греческих богов, в отличие от египетских зооморфных

(впоследствии с человеческими телами), был антропоморфен. Загробный мир

представлялся по аналогии с реальностью. А подготовка к переходу в мир

иной была не столь всепоглощающей. Вообще мироощущение древних

греков носило гуманистический характер, обращенный на выявление

закономерностей реальной действительности, а красота человеческого тела

считалась эталоном гармонии, то есть соразмерности частей относительно

целого. Этот эстетический идеал выражен в словах Перикла

 

 

 

(древнегреческий стратег, возглавивший Афины в период его расцвета): «Мы

любим прекрасное, соединенное с простотою, и мудрость без изнеженности».

Однако, все новое, созданное греками имеет фундамент. И фундамент

этот – египетское искусство. Греческие художники систему канонов и

способы ваяния, выработанные в Египте. Например братья Телеклес и

Теодор из Самоса, живя в разных городах, взялись за выполнение заказа

самосцев на статую Аполлона Пифийского. Независимо друг от друга они

изготовили каждый свою половину статуи так искусно, что при соединении

обе половины сошлись между собой. Такому успешному ходу работы

способствовала соблюдение египетская методика работы над скульптурным

произведением.

В дальнейшем греки по-новому подошли к проблеме обучения и

воспитания. Реализм – основа греческого искусства. Художники утверждали,

что в мире царит строгая закономерность, и сущность прекрасного

заключается в гармонии частей и целого, в правильных математических

пропорциях.

В 432 году до н.э. Поликлет из Сикиона создал сочинение о

пропорциональных закономерностях построения человеческого тела и

впервые в истории решил проблему конрпоста. Изображение тела человека

стало естественным и жизненным. Как образец исполнения скульптуры по

новым канонам выступает «Дорифор» (копьеносец). Рисунки с этой

скульптуры делали не только будущие профессионалы, но и дети в

общеобразовательной школе.

Еще один великий скульптор уже поздней классики Пракситель создал

свой канон, в котором пропорции тела были несколько удленены по

отношению к поликлетовскому канону.

О методах обучения данного периода мы знаем из позднейших

теоретических трудов римских историков Плиния, Павзания и Ветрувия, а

так же на основе сохранившихся артифактов. Причем артифактов греческого

станкового искусства осталось не так много: скульптура дошла до нас, в

 

 

 

основном, в римских копиях, которые не передают всей глубина

древнегреческого искусства, артифакты живописи также немногочисленны.

История первых методических разработок в изобразительном

искусстве Древней Греции связывают с именами Полигнота и Аполлодора

Афинского. Полигнот, образовав круг художников в Афинах, где ему были

даны права гражданства, развернул свою педагогическую деятельность. Он

призвал художников стремиться к реальности. Однако овладел только

линейным рисунком, без передачи светотени. Но и здесь линия работала на

передачу пространства. Плиний пишет: «Полигнот…который нарисовал

женщин в просвечивающей одежде, прикрыл головы их пестрыми чепцами и

первый внес в живопись очень много нового, коль скоро начал открывать

рот, показывать зубы и вместо прежнего ненодвижного лица давать

разнообразие». Аристотель отмечал, что Полигнот идеально передавал

форму человеческого тела, рисовал в натуральную величину модели. Однако

живописьего представлялась раскрашенным в монохроме рисунком.

Настоящая революция в области рисования и методов обучения

приписывается Аполлодору Афинскому, который Плиний относит к

«светочам искусства». Заслуга Аполлодора заключается в том, что он

впервые ввел светотень и стал моделировать объем формы в рисунке. Это

почиталось за чудо. Появилась необходимость в иных методах обучения,

которые рассматривали закономерности распределения светотени

относительно источника света. Живопись стала основываться на игре

теплохолодности.

Аполлодор был не просто талантливым художником, но и прекрасным

педагогом. Одним из его учеников был Зевкис (420-380гг до н.э.). В одной из

своих эпиграмм Аполлодор называл его «похитителем моего искусства».

Методика Зевкиса основывалась на пристальном изучении природы,

понимание законов красоты через наблюдение. Есть легенда о том, что

Зевкис нарисовал мальчика, несущего виноград. К винограду слетелись

 

 

 

птицы, так он был искусно нарисован. А мастер расстроился: «Если бы я так

же искусно изобразил мальчика, то птицы бы не прилетели, испугались».

Знаменито соперничество Зевкиса и еще одного значительного

художника Паррасия. Плиний пишет: «Про Паррасия передают будто он

вступил в состязание с Зевкисом. Зевкис принес картину, на которой

виноград был изображен так удачно, что слетелись птицы. Паррасий принес

полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевкис, гордясь

приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрано и показана

сама картина. А затем понял свою ошибку и уступил пальму первенства под

влиянием благородного стыда».

Паррасий проявил себя еще и как художник-теоретик, написав трактат

по рисунку, в котором особое внимание уделил линии и ее работе по

посторению иллюзии пространства. «Ведь контур должен состоять из своей

линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что скрыто. Характерные

особенности его преподавания:

-ясность в передаче очертаний предметов;

-линеарность в передаче формы предметов;

-активная работа с натуры;

-сочетание высокотехничного рисунка с знанием законов

реалистичного построения человеческого тела;

-владение средствами светотеневого рисунка;

-стремление к передаче реалистичности изображения, доходящей до

самоцели.

В IV веке до н. э. существовало несколько прославленных школ

рисунка: Сикионская, Эфесская, Фиванская.

Фиванская школа – основатель Аристид – придавали значение

светотеневым эффектам, передаче ощущений, иллюзий.

Эфесская школа – Эфранор или Зевкис – основывалась на чувственном

восприятии природы, ее внешней красоте.

 

 

 

Сикионская школа – основатель Эвпомп – базировалась на научных

данных естествознания и строго придерживались законов изображения

реальной природы. В этой школе требовалась величайшая точность и

строгость рисунка. Она оказала влияние на дальнейшее развитие

изобразительного искусства. Эвпомп (400-375гг до н.э.) был выдающимся

педагогом и живописцем. Он призывал своих учеников изучать

закономерности природы на основе научных данных, главным образом,

математики. Это принципиально новый метод – наблюдение+анализ.

Ученик Эвпомпа – Панфил придавал большое значение рисованию как

общеобразовательному предмету, поскольку при рисовании человек не

только передает форму предмета, но и познает его строение. Панфил много

работал много работал в области соприкосновения рисунка с геометрией,

поскльку считал, что последняя развивает пространвтвенное мышление. На

двери его школы было написано: «Сюда не допускаются люди, не знающие

геометрии». Продолжительность обучения у Панфила была 12 лет и стоила

один талант (26,196 кг золота).

К IV веку до н. э. древнегреческие художники начали разрабатывать

теорию перспективы. Однако она имела мало сходства с той, что создал

Филлиппо Брунеллески (с одной точкой схода). Это, скорее всего

перцептивное восприятие действительности.

Так в истории западноевропейского искусства появилось и существует

поныне два направления: рисование от цветового пятна и от конструктивного

анализа формы.

Мастера Древней Греции призывали своих учеников к изучению

натуры на научной основе, преимущество отдавалось знаниям, а не порывам

вдохновения. Поэтому обучение рисунку имело первостепенное значение.

Ученики рисовали, в основном, на буковых дощечках, покрытых воском,

металлической или костяной палочкой. Художественные школы Древней

Греции – это частная мастерская-студия, напоминающие по своему принципу

частные мастерские эпохи Возрождения.

 

 

 

Итог:

- новые методы обучения, в основе – рисование с натуры;

- задача рисовальщика не только копирование предметов, но и

познание закономерностей их построения;

- рисование в общеобразовательной школе как инструмент познания

окружающей действительности;

- выработка канонов построения человеческого тела по законам

видимой действительности научных знаний;

- человек – венец красоты, в нем все соразмерно о гармонично,

«Человек – мера всех вещей» (Гераклид).

 

 

Лекция №5

«Художественное образование в Древнем Риме»

 

 

Художественное наследие значительно по своей ценности для мировой

культуры. Но оно носит иной характер, нежели греческое. Все дело в

мировоззрении римлян. Они, как греки и этруски, были язычниками, но их

религия, а отсюда и художественная фантазия были прозаичнее греческой, их

мировосприятие – более практичным и трезвым. Римляне создали свой

прекрасный театр, острую комедию, мемуарную литературу, выработали

кодекс законов (римское право явилось основой всей европейской

юриспруденции), новые формы в архитек