Лекции 26, 27. Искусство Испании

Конец 16 — первая половина 17 в. — период блестящего расцвета испанской культуры. В Испании подъем искусства наступает позднее, чем в передовых для того времени странах Европы — Италии и Нидерландах. Католическая религия, игравшая большую роль в жизни Испании, оказывала сильное влияние на изобразительное искусство, на его тематику. Только в Испании могло существовать искусство, «от которого пахло землей», и наряду с этим изысканно утонченное, болезненно хрупкое искусство для «посвященных». На протяжении столетий (8—15 вв.), проходивших под знаком национально-освободительной борьбы (реконкисты) испанского народа с завоевателями-маврами, в Испании сложились формы государственности, общественные отношения и ярко выраженные черты национального характера. Реконкиста сформировала народную основу культуры, так как ее движущей силой были народные массы города, крестьянство, рано освободившееся от крепостной зависимости и осознавшее свои гражданские права. Большое влияние на развитие испанского искусства оказали арабская культура и искусство, отличавшиеся живописностью, декоративностью, динамичностью.

В конце 15 — начале 16 в. города Валенсия, Севилья, Толедо стали центрами новой, ренессансной культуры, свободолюбивые идеалы которой также оказали огромное воздействие на формирование сознания испанского народа. Испания, втянутая при Карле V и Филиппе II в мировую политику, завоевав Америку, вышла из многовековой изоляции, соприкоснулась с пере- довой Европой. Испанское искусство второй половины 16 в. несет печать мрачного величия и трагизма. В Испании распространялось проникшее из Италии течение маньеризма, сохранялись пережитки готики. Подъем национального реалистического искусства начался с конца 16 в.Особое место в испанской живописи второй половины 16 — начала 17 в. занимает Эль Греко (Доменико Теотокопули, 1541 — 1614), художник философского мышления и мятежных порывов. Трагизм образов Эль Греко, их повышенная выразительность отразили дух современной ему жизни — острый кризис гуманистических идеалов, начавшийся в Европе во второй половине 16 в. Самое значительное произведение Эль Греко периода расцвета - «Погребение графа Оргаса» (1586—1588, Толедо, церковь Сан-Томе) - раскрывает основные черты искусства художника, его размышления о неизбежности смерти, о моральных подвигах, вознаграждаемых в потустороннем мире. Свое понимание человеческих характеров Эль Греко выразил в образах апостолов Петра и Павла (1614, Санкт-Петербург, Эрмитаж). Творчество Эль Греко подготовило новый этап в развитии психологических проблем испанской живописи, открыло новый путь решения живописных задач.

Расцвет испанской реалистической школы, развивавшейся в основном в рамках религиозной живописи в борьбе с идеализирующим придворным направлением, наступил в первой половине 17 в. Главными очагами реализма стали Севилья и Валенсия, в их художественной жизни ярко проявились передовые веяния. Одним из первых представителей реалистической школы Валенсии был Хусепе Рибера (ок. 1591 —1652), живописец и график.В однофигурных композициях Рибера шел от этюдов с натуры: изображал рыбаков, уличных бродяг. Темпераментная лепка пастозным мазком придает пластическую силу суровым фигурам его героев в рубищах и нищенских лохмотьях.

К ранним работам Риберы относится картина «Святой Иероним, внимающий звуку небесной трубы», (1626, Санкт-Петербург, Эрмитаж). С середины 1630-х гг. живописная манера Риберы стала легче, свободнее, воздушнее, образы его героев стали более одухотворенными, его привлекали не внешние драматические коллизии, а внутренние переживания («Св. Онуфрий», 1637, Санкт-Петербург, Эрмитаж). В «Св. Инессе» (1641, Дрезден, Картинная галерея) лицо девушки-мученицы написано широко и свободно. Рибера часто изображал людей из народа, используя композиционные приемы парадного портрета. В «Хромоножке» (1642, Париж, Лувр) он сочетает элементы парадного портрета и жанра.

Художественные идеалы Испании 17 в. по-другому воплотились в творчестве Франсиско Сурбарана (1598 —ок. 1664). Он писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов убедительно рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных ритмах и композициях, в монументальных формах (цикл картин из жизни святого Бонавентуры, 1629). В Испании уже в начале 17 в. распространился обычай писать фрукты, цветы и предметы кухонного обихода. Наиболее характерное из того, что было создано в этом жанре, принадлежит Сурбарану. «Натюрморт с четырьмя сосудами» (1632—1634, Мадрид, Прадо); «Натюрморт с апельсинами и лимонами» (1633, Флоренция, собрание Контини-Бонакосси). В конце жизни Сурбарана характер его искусства изменился. В образах появились мягкость, теплота, нежность; в «Отрочестве Марии» (ок. 1660 г., Санкт-Петербург, Эрмитаж) запечатлена скромная девочка— воплощение кротости и душевной чистоты.

Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего Родригес де Сильва Веласкеса (1599—1660), одного из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы он пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Веласкес — один из первых мастеров валерной живописи. Виртуозный мазок разнообразен. Валеры не только обогащают цвета, которыми пользовался Веласкес, но и моделируют формы, окутывают их мерцающей световоздушной средой. В ранний период творчества (1617—1621) он был близок к караваджизму, обратился к распространенной в Испании жанровой живописи — «бодегонес», изображая незатейливые сцены жизни простых людей в повседневной обстановке бедных темных харчевен, в кухнях.

В 1623 г. Веласкес переехал в Мадрид, где жил около 40 лет; он получил место придворного живописца. В портрете короля Филиппа IV (Мадрид, Прадо) он воплотил распространенный в испанском обществе идеал достойной личности, исполненной самообладания и чувства чести. В картине «Вакх» («Пьяницы», 1628—1629, Мадрид, Прадо) обратился к мифологической теме, но интерпретировал ее в бытовом аспекте.

Для формирования Веласкеса-живописца большое значение имела поездка в Италию (1629—1631), знакомство с произведениями великих мастеров Возрождения. Он написал большую картину на современную историческую тему—«Сдача Бреды» (1634—1635, Мадрид, Прадо). В поколенном парадном портрете Филиппа IV (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик) он утверждает новые принципы реалистического портрета. С блеском воспроизведенный великолепный костюм лишь обостряет впечатление заурядности, душевной инертности и безволия короля. Во время второй поездки в Италию Веласкес написал портрет папы Иннокентия X (1650, Рим, гелерея Дориа-Памфили). По беспощадности и многогранности характеристики, по блеску живописного воплощения это один из лучших реалистических портретов в мировом искусстве. Портрет Иннокентия X открывает поздний этап творчества Веласкеса, когда он написал ряд великолепных произведений. («Инфанта Маргарита», ок. 1660 г., Мадрид, Прадо; Киев, Музей западного и восточного искусства, портрет ученика и слуги мавра Хуана Парехи, 1649, Солсбери, собрание Раднор, серия портретов шутов и карликов, «Венера с зеркалом», 1657, Лондон, Национальная галерея, «Менины» или «Фрейлины», 1656, Мадрид, Прадо, «Пряхи» 1657, Мадрид, Прадо). Открытия Веласкеса в области цвета и света, его могучий реализм оказали влияние на живопись 18—19 вв.

С середины 17 в. испанское искусство утратило непосредственную связь с жизнью. В нем усилились черты идеализации, внешней эффектности, обнаружились мистические тенденции. Последним крупным живописцем севильской школы, где живопись дольше сохраняла верность реализму, был Бартоломео-Эстебан Мурильо (1617—1682). Экономический и политический упадок Испании тяжело отразился на всех областях жизни. К концу 17 — началу 18 в. в испанском искусстве утвердился стиль барокко со свойственными ему пышной декоративностью и театральностью.

Франсиско Гойя (1746-1828) - испанский живописец, гравер, рисовальщик. С 1773 художник работал в Мадриде, в 1776-1791 выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений ("Зонтик", 1777, "Игра в пелоту", 1779, "Игра в жмурки", 1791, - все - Прадо, Мадрид). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке ("Семья герцога Осуна", 1787, Прадо, Мадрид; портрет маркизы А.Понтехос, около 1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств, в 1799 -"первый живописец короля". Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании "старого порядка". Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов "Капричос" (80 листов с комментариями художника, 1797-1798). В 1790-х - начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде, 1798, Лувр, Париж), аромат тайны и скрытой чувственности ("Маха одетая" и "Маха обнаженная", обе - Прадо, Мадрид). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете "Семья Карла IV" (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции ("Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде", "Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года", обе - около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов "Бедствия войны" (82 листа, 1810-1820). В загородном доме "Кинто дель Сордо" ("Дом глухого"), стены он расписал маслом. В созданных здесь сценах (ныне в Прадо, Мадрид), включающих невиданно смелые для своего времени устрашающие символико-мифологические образы, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени ("Сатурн") и освободительной энергии юности ("Юдифь"). Еще сложнее система мрачных гротескных образов в серии офортов "Диспаратес" (22 листа, 1820-1823). Но и в самых мрачных видениях Гойи жестокая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, вечного обновления жизни, ставшее лейтмотивом в картине "Похороны сардинки" (около 1814, Прадо, Мадрид), в серии офортов "Тавромахия" (1815). С 1824 Гойя жил во Франции, где писал портреты друзей, осваивал технику литографии. Искусство Гойи повлияло на формирование многих художественных явлений 19 века. Его воздействие ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье, Эдуард Мане. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается до сих пор.

Лекция 28. ИСКУССТВО РОССИИ 18 в. (ПЕТРОВСКАЯ ЭПОХА)

XVIII век был временем широкого и всестороннего расцвета русской художественной культуры, обусловленного коренными социально-экономическими и политическими преобразованиями, которые осуществлялись Петром I. В отличие от средневековой эпохи, когда искусство носило культовый характер, в XVIII веке стали интенсивно развиваться его светские формы. Строительство новой столицы России — Санкт-Петербурга - и других городов, повлекло за собой развитие декоративной пластики и живописи, круглой скульптуры и рельефа, которые придавали неповторимую красоту архитектурным ансамблям, способствуя формированию искусства первой половины и середины XVIII века. Оно складывалось на основе национальных традиций, но впитывало в себя творчески претворенные черты европейских художественных стилей — классицизма XVII века, а в дальнейшем — барокко.

Петр I приглашал иностранцев в Россию, но вместе с тем заботился о воспитании русских художников. В первой четверти XVIII века широко практиковалось «пенсионерство» — посылка за границу для обучения и совершенствования в профессии. Именно так было с И. Н. Никитиным, А. М. Матвеевым, И. К. Коробовым и другими художниками и архитекторами. Приглашая иностранцев в Россию, их обязывали не только исполнять работы по договору, но и обучать русских.

Русское искусство первой половины XVIII века принято разделять на три временных этапа: Петровская эпоха (первая четверть XVIII века), конец 1720-х — начало 1740-х и 1740-е — 1750-е годы. Первый этап характеризуется, развитием светских форм изобразительного искусства, созданием новой системы художественного образования, решением градостроительных задач. Второй этап — время, когда петровские реформы приносят ощутимые плоды в области архитектуры и изобразительного искусства, когда возвращаются из-за границы и начинают работать многие петровские пенсионеры, закладываются основы развития искусства середины XVIII столетия. Третий этап представляет собой период дальнейшего подъема национальной художественной культуры, определенный возврат к традициям искусства Древней Руси, расцвет архитектуры барокко.

Крупным архитектором петровской эпохи был Доменико Трезини (ок. 1670—1734), соорудивший Петропавловский собор (1712 — 1733) и Петровские ворота в Петропавловской крепости, спроектировавший здание Двенадцати коллегий (1722—1742), главного административного учреждения страны, и Гостиный двор (1723— 1735, находился недалеко от здания Двенадцати коллегий, не сохранился). Здания, построенные Трезини, способствовали формированию приемов русского барокко. Они отличались рациональностью планов и конструкций, а также умеренным пластическим убранством фасадов. С именем И. К. Коробова (1700—1747) связаны большие работы в Адмиралтействе, проводившиеся в 1730-х годах. П. М. Еропкин (ок. 1698—1740) был выдающимся градостроителем. Общая направленность строительства середины XVIII века принципиально другая, чем в начале столетия. В эти годы подъема дворянской культуры определяющими были дворцовые и церковные сооружения. Крупнейшим архитектором того времени был Франческо-Бартоломео Растрелли(1700—1771), сына известного скульптора. Самыми характерными его постройками стали три больших комплекса — Екатерининский дворец (1752 — 1756) в Царском Селе, Зимний дворец (1754—1762) и Смольный монастырь (1748—1764) в Петербурге, представляющие собой как бы три типа дворцов: загородного, городского и дворца-монастыря.

В Древней Руси скульптура, в отличие от живописи, находила небольшое применение, в основном как украшение архитектурных сооружений. В первой половине XVIII века постепенно осваиваются все жанры станковой и монументальной скульптуры. Прежде всего начинает развиваться монументально-декоративная пластика, тесно связанная с ар-хитектурой. Под руководством архитектора И. П. Зарудного создавался резной декор Петропавловского собора в Санкт-Петербурге, церкви Архангела Гавриила в Москве (Меншикова башня). Б.-К. Растрелли (1675 —1744) явился первым мастером скульптуры в России. Большой известностью пользуется его бронзовый бюст Петра I (1723—1730), бюст А. Д. Меншикова. Самое значительное произведение Растрелли — конный памятник Петру I.

Живопись первой половины XVIII столетия представлена новыми для русского искусства жанрами - историческим, батальным, портретом, натюрмортом, миниатюрой. Широкое распространение получает монументально-декоративная живопись. В станковой живописи основными материалами становятся холст и масляные краски. В ранних произведениях, создававшихся на рубеже столетий, еще сохраняются элементы средневековой портретной живописи — парсуны, с характерной для нее передачей социального положения модели, статичностью поз, плоскостностью трактовки форм, интересом к орнаменту или «узорочью».

И. Н. Никитин и А. М. Матвеев быстрее других преодолели иконописные влияния и создали произведения нового времени. Середина XVIII века — время подъема и возрождения национальных традиций — в области живописи представлена именами И. Я. Вишнякова, А. П. Антропова, И. П. Аргунова. Легкость и свобода в построении композиции, в движении кисти и мазке петровских пенсионеров сменяется у мастеров середины столетия большей традиционностью письма, нарочитостью. Локальность цветовых пятен в полотнах Антропова, архаизм композиции Вишнякова, статика Аргунова связывают их произведения с искусством конца XVII века.

В эпоху петровских реформ гравюре придавалось большое значение, ибо она отражала успехи политического и культурного строительства русского государства. Она существовала в форме книжной иллюстрации, а также самостоятельных станковых произведений, исполненных в жанре баталии, городского пейзажа, портрета и т. д. Мастером гравюры начала XVIII века был Алексей Федорович Зубов(1682 — после 1750). В середине XVIII века обширную серию видов Петербурга создал М.И. Махаев. При помощи камеры-обскуры он фиксировал контуры изображений, а затем сочинял свои композиции — панорамы Невы с кораблями, виды отдельных зданий вдоль этой реки и каналов. Вместе с совершенствованием «ученой» гравюры в русском искусстве XVIII столетия получает развитие народная картинка — лубок, резавшийся вначале на дереве, позднее — на меди. Именно в ней, сохранявшей традиционные сюжеты и в то же время, затрагивавшей злободневные вопросы, отчетливее всего проявилась сатирическая тенденция в изобразительном искусстве всего XVIII века.