Билет 46. Что такое Культура модернизма. Художник гюстав климт. Что такое искусство фовизма. Художники М. Вламинк, М. Марке, А. Матисс, А. Дерен.

Модернизм. обозначает всю совокупность художественных течений, школ и направлений начала XX века, выразивших отход от культурных ценностей XVIII—XIX веков и провозгласивших новые подходы и ценности. Модернизм (авангардизм) связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности. Выступления художников-модернистов принимали зачастую форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов в искусстве. Авангард обозначал идущих впереди всех, т. е. экспериментирующих с художественным материалом, создающих новые, ни на что не похожие стиль, язык, содержание в изобразительном искусстве.

Густав Климт — австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело.

Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала[3]. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символистыС начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка главного здания Венского университета. Картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги — политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. «Золотой период» творчества Климта отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной в многих работах художника, начиная с «Дворца Афины» (1898) и «Юдифи» (1901), но наиболее известной его работой этого периода является «Поцелуй» (1907—1908). Золотой фон и символика, близкая византийской, восходят к мозаикам Венеции и Равенны, увиденным Климтом во время путешествия по Италии. В это же время он увлёкся декоративным искусством в стиле ар-нуво. В 1904 году он с группой художников получил заказ на отделку дворца Стокле, принадлежащего бельгийскому промышленнику и ставшему одним из известнейших памятников ар-нуво.

Фовизм (от фр. fauve — дикий) — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века.

Название закрепилось за группой художников, чьи полотна были представлены на осеннем салоне 1905 года. Картины оставляли у зрителя ощущение энергии и страсти, и французский критик Луи Восель назвал этих живописцев дикими зверями (фр. les fauves). Это было реакцией современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок. Так случайное высказывание закрепилось как название всего течения. Сами же художники никогда не признавали над собой данного эпитета. Лидерами направления можно назвать Анри Матисса и Андре Дерена. К отличительным чертам -динамичность мазка, стихийность, стремление к эмоциональной силе. Силу художественного выражения создавал яркий колорит, чистота и резкость, контрастность цветов, интенсивно открытые локальные цвета, сопоставление контрастных хроматических плоскостей. Дополняет образ острота ритма. Для фовизма характерно резкое обобщение пространства, объема и всего рисунка, сведение формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы.

Анри Матисс (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Под влиянием живописи О. Ренуара, с которым Матисс знакомится в Ницце, он увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях (цикл «одалисок»); интересуется мастерами рококо. В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику вырезок из цветной бумаги («декупаж»), которой широко пользовался в дальнейшем (например, в серии «Джаз», 1944-47, воспроизведенной впоследствии в литографиях). Мир Матисса — это мир танцев и пасторалей, музыки и музыкальных инструментов, красивых ваз, сочных плодов и оранжерейных растений, разнообразных сосудов, ковров и пестрых тканей, бронзовых статуэток и бесконечных видов из окна (любимый мотив художника). Стиль его отличается гибкостью линий, то прерывистых, то округлых, передающих разнообразные силуэты и очертания, четко ритмизирующих его строго продуманные, большей частью уравновешенные композиции.Лаконизм рафинированных художественных средств, колористических гармоний, сочетающих то яркие контрастные созвучия, то равновесие локальных больших пятен и масс цвета, служат главной цели художника — передать наслаждение от чувственной красоты внешних форм.

ВЛАМИ́НК Морис де -французский живописец. Представитель фовизма. Специального образования не получил, в 1893 начал самостоятельно заниматься живописью. Вместе с Руо, Мангеном, Пюи, Комуэном, Дереном организовал так называемую «школу Шату». Вламинк хотел совершить переворот «в нравах и обычной жизни»Выработал собственный стиль, отличавшийся упрощенной геометризованной трактовкой предметов, тонкими градациями света и использованием ярких контрастных цветов. Его называли «самым диким из диких». На осеннем салоне 1905 выставил восемь своих полотен. Картина «Красные деревья» (1906) принесла ему известность. Был дружен с Пикассо. В ряде работ проявился его интерес к кубизму. В 1908 под влиянием Сезанна изменил манеру письма. Несмотря на духовный кризис художника, связанный с началом Первой мировой войны и разрывом с Дереном, его выставка в 1919 прошла с большим успехом. В произведениях 1920–1930-х годов подчеркивал контраст света и тени, создавая динамичные, эмоциональные картины в жанре пейзажа и натюрморта, отражавшие его увлеченность природой. Эти работы стали относить к французскому экспрессионизму, неоромантизму и неогуманизму.

Дерен Андре — французский живописец, один из основателей фовизма. Заниматься живописью начал в Шату в 1895 г., его учителем был местный художник. Большое влияние на формирование художественного стиля Дерена оказало искусство В. Ван Гога, П. Сезанна и П. Гогена. В 1900 г. он познакомился с М. Вламинком. Вдвоем они работали в окрестностях Шату, создавая пейзажи, отмеченные чертами фовизма. В 1905 г. вместе с Матиссом Дерен совершает поездку на юг Франции, в Коллиур. Природа Коллиура и, особенно, южное освещение произвели на художника неизгладимое впечатление. Под влиянием увиденного он создает очень яркие и красочные пейзажи. Чувство цвета, присущее Дерену, делает его живопись целостной и гармоничной. Красные мачты, пересекающие пространство залива, сочетаются с желто-зелеными оттенками травы в картине «Порт в Коллиуре» В 1907 г. состоялось знакомство Дерена с П. Пикассо и с художниками его окружения, что сильно повлияло на живописную манеру первого. Цветовая гамма становится сдержанной, а формы — простыми и лаконичными. Пейзажи и натюрморты художника близки произведениям П. Сезанна и ранних кубистов («Монтрёй-сюр-Мер. Гавань», 1910; «Роща», ок. 1912 — обе в Эрмитаже,

 

Альберт Марке был одним из немногих художников, которые, однажды увлекшись фовизмом, остались верны этому направлению искусства всю жизнь. Альбер Марке работал в различных жанрах - писал натюрморты, портреты, интерьеры, пейзажи. Но в первую очередь он являлся автором индустриальных пейзажей. Отличительной чертой работ художника является тот момент, что он любил выбирать высокую точку зрения.

Этот способ художник использовал для того, чтобы как можно больше охватить пространство, помогая художнику захватить и небо, причем Альбер Марке выделял для неба достаточно большую часть картины, в отличие от его художников-современников. Так же он часто пользуется резкими перспективными сокращениями. Это позволяло Марке уносить зрителя вглубь картины. В начале 20 века Альберт Марке обращается к фовистам и к их методам. Пейзажи этого времени очень колоритны, насыщены.