Жанровая живопись XVIII века

Англия

В XVIII столетии центр развития жанровой живописи перемещается во Францию и Англию. Несмотря на главенство академической эстетики с ее предпочтением круга возвышенных сюжетов, светская живопись продолжала прокладывать себе дорогу, и ощутимо возросла потребность в маленьких «кабинетных» картинах жанрового содержания. Картины голландских жанристов коллекционировал даже глава Королевской академии художеств Джошуа Рейнолдс, в ежегодных речах в Академии не устававший утверждать превосходство исторической живописи. Новые заказчики в лице среднего класса тем более способствовали появлению национальной школы жанровой живописи.

В Англии XVIII век — время формирования национальной художественной школы, в рамках которой в творчестве Уильяма Хогарта (1697–1724) оформилось и направление жанровой живописи.

Вместе с жанром родилась и отличительная особенность английской бытовой картины — ее сатирическая направленность. Все произведения представляют собой критику нравов общества. Каждая из серий рассказывает определенную историю, ключевые эпизоды которой составляют сюжеты отдельных полотен. Драматургическая подоплека циклов сближает их с театральными пьесами, в том числе с современной художнику английской литературой. Вполне естественно было, при отсутствии собственной изобразительной традиции, найти опору в смежных искусствах — театре и литературе.

Аналогия с театром намеренно предусмотрена художником — это становится ясно из текста «Автобиографии» Хогарта: «Я... обратился к… новому жанру, а именно к написанию и гравированию современных моральных сюжетов. Я старался трактовать мои сюжеты как драматический писатель, моя картина — моя сцена, и мужчины и женщины — мои актеры, которые посредством определенных действий и жестов должны изображать пантомиму». И первый опыт Хогарта в этом роде представлял сцену из только что поставленной и уже снискавшей популярность социально-политической сатиры Джона Гея «Опера нищего», а последующие серии воплотили «пьесы» Хогарта собственного сочинения. Интересно отметить, что много времени спустя гравюры по картинам Хогарта «Карьера мота» сами легли в основу театральной постановки, составив сюжетную канву оперы Игоря Стравинского «Похождения повесы».

Сатирическая и юмористическая интонации и преимущественное распространение в виде гравюры стали отличительными чертами английского жанра. Направление, заданное Хогартом, продолжили в карикатуре Джеймс Гиллрей и Томас Роулендсон. От их внимательного взгляда не укрылись не только социальные пороки, но и недостатки и слабости современной жизни — мода, манеры, вкус, обстановка.

Во второй половине века под влиянием эстетики сентиментализма возникает новый, более мягкий стиль. Картины Джорджа Морленда представляют идиллические сцены деревенской жизни, счастливые семейства, связанные узами нежных чувств, невинные детские шалости.

К концу века английский жанр становится все более назидательным, отражая мораль среднего класса, предписывающую низшим слоям населения трудиться, в то время как сословие богатых людей занято спортом и охотой. Традиционные скачки в Эпсоме и всевозможные разновидности охоты — сюжеты, именно в Англии получившие особенно широкое распространение в силу повсеместного присутствия их в жизни.

Италия

Самые причудливые формы обретали жанровые картины у итальянских художников. Генуэзец Алессандро Маньяско, Гаспаре Траверси использовали бытовые ситуации (трапезы монахов, собрание квакеров, темницы) для создания таинственных фантазий, носящих мрачный характер. Неаполитанец Якопо Черутти писал подчеркнуто натуралистичные изображения нищих и бродяг. «Каприччи» на жанровую тему, в которых реальные фигуры смешивались с фантастическими декорациями, создавал венецианец Пьяцетта. Повседневная жизнь Венеции с ее концертами, балами, уроками танцев, кофейнями и сценами в Ридотто (игорном доме) нашла отражение в произведениях Пьетро Лонги. При всем прозаизме его картин они удовлетворяли требованию современников: живопись должна отражать современную жизнь, и сам Гоцци защищал его реализм как равный по совершенству в своем роде исторической живописи Джамбаттисты Тьеполо. А фрески его сына Джандоменико Тьеполо для семейной виллы в Дзианиго объединили жанровую тенденцию с большим стилем. Поистине только в таком фантастическом городе, как Венеция, могла возникнуть причуда сделать сюжетами стенных декораций не только карнавальные сцены с «пульчинеллами», но и такие сюжеты, как «Прогулка» или «Менуэт», — обычные развлечения обитателей виллы.

Франция

Настоящее продолжение голландский жанр нашел во Франции. Стиль рококо — легкий, прихотливый, грациозный, — пришедший на смену величественному классицизму, отразил перемену вкусов аристократии, уставшей от официально-парадной жизни при дворе и отдававшей предпочтение частному существованию. Небольшие городские особняки, изящно отделанные и обставленные, создавали идеальную среду для развлечений в дружеском кругу собиравшегося здесь небольшого общества.

Другим полюсом французского жанра XVIII в. были картины, отражавшие жизнь третьего сословия. Уже знакомые нам по голландской живописи моменты жизни дома (молитва перед обедом, возвращение с рынка, служанка, чистящая овощи), но в новом, французском обличье, отмеченном большей тонкостью вкуса и более тесной психологической связью героев, встречают нас на картинах Шардена.

Влияние идей и произведений Руссо отозвалось в искусстве требованием к художникам не только изображать открытые проявления чувств, но и вызывать в зрителях живой, страстный отклик.

Жан Антуан Ватто (1684-1721) — французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо.

Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты. Ватто открыл художественную ценность хрупких нюансов чувств, едва уловимо сменяющих друг друга. Его искусство впервые ощутило разлад мечты и реальности, и поэтому оно отмечено печатью меланхолической грусти.

Ватто очень любил театральные сюжеты, хотя вряд ли точно воспроизводил эпизоды определенных спектаклей. В театре его привлекали полет воображения, живое воплощение фантазии, наконец, та искренность игры, которую он не находил в жизни, похожей на лицедейство. Характеру образного мира Ватто соответствуют прихотливость ритмов, плавность маленьких, словно вибрирующих мазков, нежность изысканных красочных созвучий, изменчивость цветовых нюансов.

Его замечательные рисунки наделены живописностью, да тем более,что они обычно выполнены в три цвета (красный, белый и чёрный), что позволяло передать ощущение красочных оттенков и тонких градаций пластической формы. После безраздельного господства исторического жанра и аллегорических сцен Ватто открыл разнообразие реальных типов французского общества того времени — солдат и нищих савояров, дворян и актёров ярмарочного театра.

Жан Оноре Фрагонар (1732-1806)— французский живописец и гравёр. Работал в стиле рококо. Создал более 550 картин (не считая рисунков и гравюр).

Сперва ученик Ж.-Б. Шардена, а потом Франсуа Буше. В 1752 за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII века Бароччо, Солимена, П. да-Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Гюбером Робером, он сделал вместе с ним и с талантливым любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 г. картину: «Смерть Кореза» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены.

Однако вскоре после того он бросил исторической род живописи и, подчинившись вкусу того времени, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он успел составить себе хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, водворённый во французском искусстве Ж.-Л. Давидом, лишил его прежней популярности.

В 1793 Фрагонар покинул Париж и нашёл пристанище в родном Грассе. В начале 19-го века он вернулся в Париж, где умер в 1806 почти полностью забытый.

В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенною и приукрашенною; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретённой композицией, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения. К числу известнейших между ними принадлежат: «Урок музыки», «Пастораль» (амуры указывают отдыхающим под деревом любовникам на циферблат), «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» (La chemise enlevee), «Молодой гитарист», «Молодая читательница» и «Вдохновение», в Луврском музее; «Семейство фермера» и «Поцелуй украдкою», в Императорском Эрмитаже; «В отсутствии отца и матери», «Прятки», «Замок», «Генрих IV и Габриэль» и «Учёные собаки», в разных частных коллекциях.

Франсуа Буше (1703-1770)— французский живописец, гравёр, декоратор. Яркий представитель художественной культуры рококо.

Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Мольера, Боккаччо, Овидия. Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для опер и спектаклей, картины для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т. п.

Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.

Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765 год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и совершенным исполнением.

Написанные им пейзажи окрестностей Бове и Парижа словно перешли со шпалер или эскизов декораций, для которых они создавались, на станковые полотна. Эти красивые декоративные композиции могли быть использованы как фон в любой пасторальной сценке. Непосредственные жанровые наблюдения сочетаются в них с обобщенно и декоративно решенным общим построением композиции.

С темой сельских пейзажей связаны и пасторали Буше, тоже строящиеся по принципу театральной декорации: с площадкой для актеров, кулисами и уподобленным играющим на сцене молодым миловидным поселянам, занятым отдыхом или выяснением любовных отношений.

Декоративный талант и фантазия художника проявились и в мифологических сценах. Они изображались на фоне воображаемых античных построек.

В жанровых сценах в интерьере Буше с большим мастерством не только передает детали изображаемых будуаров, костюмы персонажей — дам, занятых туалетом и беседой со служанками, расположившихся за столом матерей или гувернанток с детьми, — но и умеет придать сцене занимательность, объединить всех общим настроением («Утро», 1745, Национальная галерея, Стокгольм; «Завтрак», Лувр)[6].

Прекрасный рисовальщик, Буше работал не только в технике пастели, но и гуаши; любил сочетать черный и белый мел с сангиной, то есть исполнял рисунок «в три карандаша» по тонированной коричневым тоном бумаге, что создавало изысканные цветовые эффекты. Для шпалерной мануфактуры он создал более 40 эскизов для шести серий шпалер («Сельские празднества», «История Психеи», «Китайская серия», «Любовь богов» и др.). Рисунки Буше использовались для украшения фарфора и изготовления фигурок из бисквита с изображением детей и пасторальных сцен («Едоки винограда», «Маленький садовник», «Продавец бубликов», все в Эрмитаже)[6].

В позднем творчестве Буше начинает изменять чувство цвета. В его произведениях появляется сопоставление ярких локальных цветов, придающих «ковровость» его живописи. Он по-прежнему создает пейзажи («Пейзаж с рыбаком и его друзьями», 1770, Метрополитен-музей), картины на библейские сюжеты, декоративные композиции в медальонах с пышно оформленными в стиле рококо обрамленьями (они обычно размещались или над дверями, или над зеркалами). У него постепенно вырабатывается легкий, но эффектный штамп, так как от него требуют повторения работ. За это Буше подвергался критике Дидро, всегда, однако, высоко ценившего его дарование.

Жан Батист Симеон Шарден (1699—1779) — французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи.

В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности.

Он рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Бытовой жанр и натюрморт органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин — не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.

В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом», 1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни — то в самые заурядные, но лирически возвышенные моменты, то в эпизодах, имеющих внутреннее нравственное значение.

Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г. принял на себя должность её казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.

Жан-Батист Грёз (1725-1805)— знаменитый французский живописец-жанрист.

Первоначально учился в Лионе под руководством Грандома, потом в парижской Академии художеств. Первым его произведением была картина «Отец семейства, объясняющий своим детям Библию».

Став в 1769 году академиком, задумал посвятить себя исторической живописи и с этой целью отправился в Рим. По возвращении в Париж выставил картину «Север и Каракалла», которая не имела никакого успеха. Возвратившись к бытовому жанру, Грёз вскоре завоевал себе одно из первых мест.

Во время французской революции Грёз жил уединённо и не вмешивался в политику. К концу жизни он имел довольно значительное состояние, но утратил его в рискованных предприятиях. Когда конвент решил предоставить заслуженным писателям и художникам даровые квартиры, Грёз получил помещение в Лувре; там он и умер почти в нищете, забытый своими современниками, вкусом которых овладел в ту пору Давид.

Из многочисленных его произведений следует упомянуть:

«Отеческое благословение», «Проклятие», «Сельская невеста», «Счастливая мать», «Девочка с собакой», «Девушка, оплакивающая смерть своей птички», «Разбитый кувшин», «Отцовское проклятие», «Наказанный сын».

В жанре семейного быта с его драмами у Грёза совсем немного соперников во французской живописи. Он в совершенстве группирует фигуры; однако его сцены отчасти банальны, отчасти сентиментальны и театральны.

Грёз занимает во французской живописи важное место и как портретист. В его время французские портретисты мало заботились о сходстве, лишь бы изображаемые мужчины получали вид Марсов и Аполлонов, а женщины — Диан, Флор и Венер. Грёз понимал портретную живопись иначе: его портреты полны сходства, жизни, выразительности, чувства. Его женские головки, может быть, носят печать слишком искусственной, преувеличенной выразительности, но они необыкновенно грациозны.

Жак Луи Давид (1748-1825)— французский художник, основоположник французского неоклассицизма.

Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1756 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Мари Вьена. Педагогическая система последнего была основана на изучении античного искусства, Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия». Вьен несколько лет провёл в Италии, был увлечен античностью.

В 1775—1780 обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения. В 1783 избран членом Академии живописи.

Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Примкнул к радикально-экстремистскому крылу революционеров во главе с Маратом и Робеспьером. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.

В 1797 стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона и с тех пор становится его пылким сторонником.

После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежит в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни. Похоронен на кладбище святой Гудулы в Брюсселе.

Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746-1828)— испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма.

В 1766 году Гойя попадает в Мадрид. Здесь он знакомится с работами придворных художников, совершенствует своё мастерство и даже участвует в конкурсах мадридской Академии художеств, надеясь быть принятым в Королевскую Академию изящных искусств Сан-Фернандо. Его картина была отвергнута, и он отправился в Италию. Оказывается в Риме, где знакомится с живописью итальянских мастеров. Однако, являясь натурой авантюрной, вновь попадает в неприятную историю: ночью пробирается в женский монастырь, чтобы похитить возлюбленную; застигнутый на месте преступления, он вынужден покинуть Рим.

В 1771 году, получив вторую премию пармской Академии художеств за картину на тему из античной истории, возвращается в Сарагосу, где работает над фресками в традициях позднего итальянского барокко (боковой неф церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771—1772).

 

Около 1773 года Гойя обосновался в Мадриде у своего друга Франсиско Байеу, и работал у него в мастерской. Байеу был тогда официальным придворным художником короля Карла IV и королевы Марии Луизы. Франсиско познакомил Гойю со своей сестрой Хосефой, от которой тот был в восторге и вскоре соблазнил ее. В 1775 году Гойе пришлось жениться на ней, когда она была на пятом месяце беременности. Через четыре месяца родился мальчик, которого назвали Эусебио, он прожил недолго и вскоре умер. Всего Хосефа родила пять (по разным данным и больше) детей, из которых выжил лишь один мальчик по имени Хавьер — Франсиско Хавьер Педро — который стал художником. Как только Гойе стали доступны встречи с придворными аристократками, Хосефа была тут же им практически забыта. Гойя написал только один ее портрет.

В 1791 году Гойя познакомился с герцогиней Альба, которая стала его возлюбленной и покровительницей. Он начинает ухаживать за ней. Но в 1792-1793 годах его настигает болезнь, в результате которой теряет слух. Во время выздоровления в 1792 году Гойя начал работать над своей первой большой серией офортов Капричос (закончена к 1799 году) — сатирой на политические, социальные и религиозные порядки. В 1798 году Карл IV поручил Гойе расписать купол своей загородной церкви Сан Антонио де ла Флорида.

В 1796 году муж герцогини скончался, она едет оплакивать эту потерю в свое поместье в Андалусию, и берёт Гойю с собой. Он писал ее портреты много раз; два самых знаменитых из них — «Маха обнажённая» (ок. 1797) и «Маха одетая» (ок. 1802, Прадо). После ее смерти создает «Маху на балконе» (около 1816, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Герцогиня Альба скончалась в 1802 году. Она завещала выдавать ежегодно 3500 реалов из оставшегося после нее состояния Хавьеру Гойе, сыну художника.

В 1808 году Испания была оккупирована Наполеоном. Гойя стал свидетелем восстания против наполеоновских войск в Мадриде и последовавших репрессий. После того как Испания была освобождена, он запечатлел эти события в двух знаменитых полотнах: «Восстание на Пуэрта дель Соль 2 мая 1808 года» и «Расстрел мадридских повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года» (обе ок. 1814, Мадрид, Прадо).

Его сын женился на дочери богатого купца и стал жить отдельно. Гойя остался совсем один. В эти чрезвычайно тяжёлые для Гойя годы, он жил в одиночестве в загородном доме «Кинта дель Сордо» (то есть «Дом Глухого»), стены которого расписал маслом (1820—1823, росписи находятся сейчас в Прадо).

Он знакомится с Леокадией де Вейс, женой предпринимателя Исидро Вейса, которая затем разводится с мужем. У нее родилась дочь от Гойи, которую назвали Росарита. Опасаясь преследований со стороны нового правительства Испании, в 1824 году Гойя вместе с Леокадией и маленькой Росаритой выехал во Францию, где провёл свои последние четыре года жизни. В изгнании он пишет портреты своих друзей-эмигрантов, осваивает новую тогда технику литографии и делает серию, посвящённую бою быков: «Бордоские быки», 1826 и картину «Молочница из Бордо» (1827—1828). К этому времени влияние Гойи на художественную культуру начинает приобретать общеевропейское значение.

Уильям Хогарт (1697-1764)— английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

В 1730—1731 гг. Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин) вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.

Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-ых годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. В портретной живописи художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740, Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон, Национальная портретная галерея). В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору. Так, в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает предпочтение английскому пиву «Пивная улица». Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях «Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.

Сэр Джошуа Рейнольдс (1723 —1792) — английский исторический и портретный живописец, представитель английской школы портретной живописи XVIII века. Теоретик искусства. Первый президент Королевской академии художеств, член лондонского королевского общества.

Рейнольдса можно считать родоначальником настоящей английской школы живописи — основателем того отличающего ее направления, которое стремится, главным образом, к глубине тона и к сочности письма и не осталось без влияния на другие новейшие школы, особенно на французскую и английскую. Рейнольдс был эклектик, умевший в своем творчестве разумно соединять качества нескольких излюбленных им мастеров, одновременно подражавший Тициану, Рубенсу, Рембрандту и Корреджо. Всего лучше удавались ему портреты, замечательные по сходству, выразительности, изящной постановке фигур, умному подбору аксессуаров и смелой, сочной манере письма. Как на главные произведения Рейнольдса в портретном роде следует указать на «Лорда-изгнанника» (в Лондонской национальной галерее), портреты герцога Мальборо с женой и шестью детьми (в Бленгеймской галерее), лорда Гитфильда, виконта Дж. Альтгорна, графини Бют, герцогини Бюкклейх, трагической актрисы Сиддонс и др.

Что касается исторических картин Рейнольдса, то они значительно уступают его портретам; композиция страдает в них принужденностью, недостатком благородства и отсутствием истинной жизни, хотя среди них встречается немало таких, в которых видно мастерство первоклассного живописца, каковы, например, «Смерть кардинала Бофорта» (в Дульвичской коллегии, близ Лондона), «Смерть Уголино и его сыновей», «Амур, развязывающий пояс Венеры» (в лондонской национальной галерее) и некоторые др. В Эрмитаже имеются три картины Рейнольдса: «Младенец Геркулес, удушающий змей» (№ 1391), «Воздержанность Сципиона» (№ 1392) и повторение вышеозначенного «Амура» национальной галереи (№ 1390). Многие из произведений Рейнольдса потеряли первоначальный блеск красок и потрескались вследствие того, что, исполняя их, он пробовал употреблять, вместо масла, другие вещества.

Томас Гейнсборо (1727-1788)— английский живописец, график, портретист и пейзажист.

Родился в 1727 году в Садбери (Саффолк). Уже в 10 лет начал писать пейзажи. В 1740-х годах учился в Лондоне у французского графика Юбера Гравло. Около 1745 года Гейнсборо открыл свою студию в Лондоне. В 1748 году, после смерти отца, Гейнсборо возвратился в Садбери, а в начале 1750-х переехал в Ипсуич, где писал картины по заказу. В 1759 году Гейнсборо переехал в курортный город Бат. В 1774 году Гейнсборо отправился в Лондон, где стал членом Совета Академии.

Гейнсборо скончался в Лондоне 2 августа 1788 года от рака горла.

В живописном наследии Гейнсборо превалируют работы в двух жанрах — портрет и пейзаж. Если портреты Гейнсборо зачастую делал на заказ, то пейзажи исполнял «для себя». Тем не менее и в портретных работах мы нередко видим использование в качестве фона видов природы. Деликатная, утонченная манера зрелого мастера словно бы предопределяла «созвучие» отстраненно-мечтательного настроения моделей портретов и состояния окружающего их пейзажа.