Союз русских художников». Понятие московской живописной школы

«Союз русских художников» — организация, возникшая в России в феврале 1903 г. после прекращения деятельности «Мира искусства» и объединения бывших «мирискусников» с группой молодых московских художников, бывших членов Товарищества передвижных художественных выставок. Начало их выступлению было положено в 1901 г. совместной выставкой «тридцати шести», имевшей большой успех в Москве.

«Союз русских художников» объединил практически всех крупных мастеров живописи Петербурга (Бенуа, Добужинский, Сомов) и Москвы (Архипов, Васнецов, Иванов, Коровин, Малютин, Рылов, Юон и др.) того времени.

Однако, противоречия внутри «Союза» привели в 1910 г. к его расколу. Часть художников организовала новое объединение «Мир искусства» под председательством Н. Рериха. Программа СРХ окончательно определившаяся после выхода из него группы петерб. художников характеризуется демократической направленностью, интересом к русской природе и самобытности народной жизни, декоративностью живописной манеры, иногда тяготением к импрессионизму.

Члены СРХ могли выставлять свои работы «без жюри», что дало возможность им реализовывать себя в разных направлениях. Это объединило очень непохожих мастеров. Именно увидев эту возможность развития к ним примкнули мирискустники.

«Союз русских художников» просуществовал до 1923 г., организовал 18 крупных выставок в Москве, Петербурге, Киеве и Казани. Даже если работа продавалась в Москве её обязательно экспонировали по другим городам. Тем самым выполнялась миссия продвижения русского искусства. СРХ активно представлялся и на иностранных выставках.

Московская школа живописи, представленная в итоге СРХ представлена в основном станковой живописью (п. отличаются в этом смысле универсальностью). Определяет русский дух и качество масляной живописи, где большую важность приобретает фактура. Это очень полнокровная, энергичная живопись (в отличие от эстетизма п.). Представители, в основном пейзажисты. Работающие на пленэре, отличающиеся широтой и свободой письма. С появлением авангардного искусства интерес к характерно русскому здесь несколько поугас. Для московской школы характерно тяготение к живописности, почвенничество в национальном самоизучении, непосредственное отношение к природе и жизни. Искусство, привязанное к плоти вещей и цвета. Обращение к современности. Отказ от многоаспектных, панорамных пейзажей, интерес к отдельным аспектам реальности.

Союзники проявили себя не только в качестве живописцев, но и как активные общественные деятели, активно подключившиеся к рев. движ. 1917 г. Все союзовцы вели активную педагогическую деят-ть. Они показали всю Россию – деревянные избы, колокольный звон и т. д., их называли «выставкой национальной живописи».

Свой вклад в успехи пейзажной живописи внесли и уча­стники возникшего в 1903 году выставочного объединения «Союз русских художников» и предшествовавшего ему Общества 36-ти художников. В массе они были воспитан­никами Московского училища живописи, вая­ния и зодчества, последователями В. Д. По­ленова, поклонниками И. И. Левитана, иногда его учениками, а также сторонниками и уче­никами В. А. Серова, К. А. Коровина, в основ­ном близкими импрессионизму.

Другое направление, но в сфере того же «Союза русских художников» возглавляли уче­ники А. И. Куинджи по Академии художеств: А. А. Рылов, участники выставок «Мир искус­ства», входившие в это объединение Н. К. Ре­рих, К. Ф. Богаевский, склонные к героико-романтическому мировосприятию, работавшие над картинными формами пейзажа, тогда как представители первого направления в основном культивировали непосредственный этюд с натуры.

Общее движение живописцев к свету, колористическому единству привело к бурному развитию этюдной деятельности, ибо каждый видел, как в мастерской гаснут и тускнеют краски, такие свежие и живые в самой по­роде. Работе в мастерской стали предпочитать работу на открытом воздухе. Пейзажный этюд приобретал самостоятельную эстетическую ценность (здесь привлекала свежесть, единство освещения и колорита, тонкая передача состояния природы). Эти наблюдения в основном стали основным импульсом творчества.

В общем характерно:

o Внимание к изучению отдельных предметов, но к передаче общего момента

o Поиск композиции в самой натуре, достижение впечатления жизненной непосредственности

o Быстрота работ, небольшие размеры этюда

Грабарь, Петровичев и Туржанский продолжали линию левитановских пейзажей.

Леонард (Леонид) Викторович Туржанский. К. А. Коровина и В. А. Серова. Природу родного ему Урала Туржанский писал особенно проникновенно. Он выбирал самые непритязательные мотивы, изображая тихое захолустье, деревенские задворки, приусадебные огороды, землю, греющуюся под весенним солнцем, влажную от только что прошедшего дождя; писал небогатые луга, где пасутся работяги-лошаденки и другая скотина. Их художник часто делает эмоционально-цветовым центром картины. Любовь к изображению деревни и животных Туржанский перенял от В. А. Серова.. Однако живопись художника эволюционировала от разработки серо-серебристой гаммы раннего периода к большей цветистости, хотя и сдерживаемой требованиями тона. Петровичев, так же как Туржанский, писал картины небольшого размера, скорее этюды. У него есть и чистый пейзаж, и пейзаж архитектурный.

Петр Иванович Петровичев (1874—1947) уна­следовал левитановскую лиричность, чуткость к состояниям природы. В работах Петро­вичева, относящихся к 1910-м годам, оттенок интимной лирики исчезает, уступая место стремлению раскрыть величие, могущество природы. Художник передает уже иной образ родины: в свете ее исторического значения. Он часто пишет в это время памятники архи­тектуры, создавая на свой лад исторические пейзажи. Петровичев обладал большим чув­ством древнерусской архитектуры, глубоко понимал своеобразную композицию зданий, остро чувствовал пропорции и формы, пони­мал, какое значение имеют массивы зданий в пейзаже. Памятники архитектуры были для него особенно значительными акцентами на­циональной красоты в пейзаже. Живопись Петровичева отли­чается большой плотностью и сильно выражен­ной фактурой красочного слоя.

Аркадий Александрович Рылов (1870—1939), ученик А. И. Куинджи, вос­принял романтическую традицию учителя (школа пейзажа, в котором преобладают художественное обобщение, ра­бота в мастерской по памяти и даже по вооб­ражению). Большое влияние на Рылова оказал Левитан. Он покорил задушевностью изображения природы, научил ее новому свежему восприятию; Куинджи помог обрести понимание значительности пейзажа-картины, привил вкус к композиционной работе. Под руководством Куинджи развились композиционные способности Рылова-пейзажиста. Композиция составляет одну из сильнейших особенностей его живописи. Она не подменяет природу, а исходит из заключенных в ней самой законо­мерностей, гармонии цвета, ритма. В типичном северном пейзаже худож­ник открыл целую гамму новых ощущений: словно бы природа обновилась под порывами ветра, треплющего зеленые ветви, покрываю­щего мелкой рябью красновато-лиловую во­ду реки, гонящего плотные облака по свет­лому зеленоватому небу. С неослабной силой дан контраст вертикалей первого плана и го­ризонтальных линий реки, заречных далей. Картине свойственны большая декоративность, отчетливость ритмического строя. Березы и липы заполняют весь первый план полотна. Могучие стволы возвышаются непоколебимо, зато вся сила ветра обрушивается на ветви и листву. Главная тема картины — порыв ветра, трепещущий в ветвях деревьев, гибкие дви­жения которых контрастируют с мощными, прямыми, как колонны, стволами старых де­ревьев и хрупкой, сгибающейся молодой бе­резкой.

Игорь Эммануилович Грабарь (1871 – 1960). Важна была только «большая линия» и «большая форма». В Европе Грабарь познакомился с картинами импрессионистов.

В пейзажах Г. использовал метод цикличности, изучая один и тот же феномен в разных условиях («Сентябрьский снег», «Февральская лазурь», Мартовский снег»). Это свойственно импрессионистам.

«Сент. Снег» - пленэрный пейзаж, традиционный, передающий материальность изображённого. Черты импр.: моментальное состояние природы, девизионизм. Импрессионизм у него отразился своеобразно. Он не ставит узкую задачу передать свет и воздух, но ощущение действительности в реальный момент, «состояние». В его живописи нет растворения предмета в световоздушной среде. Цвет приобретает декоративный характер. Понимание живописной красоты русской деревни связывает Г. с реалистической демократической традицией современного ему русского искусства.

11. Особенности русского импрессионизма на примере творчества Константина Коровина

- учился у Саврасова («Зимой»)

- ставятся и решаются чисто живописные проблемы: соотношение цветов

- К. был классич. театральным художником (театрально-декорационная живопись)

- всегда сохраняет специфику нац. колорита

- поездка на Север с Серовым, после чего возникает идея построить рус. павильон в Ниж. Новгороде «Рус. Север» 1896 г.

- 1900 г.- тема павильона для всемирной выставки в Париже

- К. создавал большие панно

Особ-ти рус. импрессионизма:

- отрывистые мазки (сходство с Европ) интенсивнее по цвету и более темпераментны

- жив-сь всегда вещественна, конструктивна

- не только пейзаж, но и натюрморт

- четкость контуров, вещественность, фактурность

Самым ярким представителем импрессионизма (направления, заключающегося в передаче общего впечатления, которое воспроизводит краски предметов и фигур, избегая подробностей в рисунке) в России считается К.А. Коровин. В 1900-х годах он использует светлую, как бы мерцающую цветовую гамму, импульсное эскизное письмо («Парижское кафе»), а в 1910-х годах обращается к широкой пастозной, зачастую ярко декоративной, живописи густым насыщенным цветом (портрет Ф.И. Шаляпина). Работая театральным декоратором, Коровин создал новый тип красочных, зрелищных декораций, эмоционально связанных с идеей и настроением спектакля.

Родился Константин Алексеевич Коровин 23 ноября 1861 года в состоятельной купеческой семье. Мать рисовала, увлекалась музыкой. Отец сделал дом одним из центров художественной жизни Москвы.

В 14 лет он поступает на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества, где уже учится живописи его старший брат Сергей, впоследствии известный художник-реалист. К этому времени их семья разорилась. "Мне пришлось сильно нуждаться, - вспоминал Константин Коровин о годах учебы, - уже пятнадцати лет я давал уроки рисования и зарабатывал свой хлеб".

После двух лет обучения, представив написанные во время каникул пейзажи, Коровин переходит на отделение живописи. Его преподавателем стал А. К. Саврасов, уделявший большое внимание этюдам с натуры и учивший своих воспитанников видеть красоту русской природы. Позднее Коровин вспоминал наставления Саврасова: "Ступайте писать, пишите этюды, изучайте, главное - чувствуйте..."

Под влиянием Саврасова рано сказалось тяготение Константина Коровина к пейзажу. Уже в училище он, стараясь сохранить свежесть впечатления, заканчивает свои работы непосредственно на натуре. В картинах "Село" (1878, Харьковский государственный музей изобразительного искусства), "Ранняя весна" (1870-е, ГТГ), "Мостик" (1880-е, ГТГ) внимательное наблюдение природы сочетается с непосредственным ее восприятием.

1883 – «портрет хористки» - первое самостоятельное произведение (живописность, психологизм)

Чтобы завершить образование, Коровин едет в Петербург и поступает в Академию художеств, но через три месяца уходит оттуда, разочарованный устаревшими методами преподавания и возвращается в Москву.

В последние годы пребывания в училище он занимается у В. Д. Поленова, который придавал серьезное значение вопросам художественной формы.

Лучшая жанровая картина «У балкона».

Работал в различных жанрах: пейзаж, натюрморт, жанровая картина, декоративная живопись, театральные декорации

Любовь к жизни, любовь к человеку пронизывает всё творчество

Размашистость, артистизм

Необычные точки зрения

Отрывистые мазки

Чистота палитры (очищение от грязных чёрных и серых).

- ставятся и решаются чисто живописные задачи: соотношение цветов

Работал с натуры

Непосредственное впечатление

Зимние пейзажи

Сдержанная гамма

Увлечение народными мотивами (Северная идиллия, Хористка)

Любит ночные сюжеты

Сохраняется предметность, нет вибрации

Писал натюрморты, в з.е. искусстве не было.

- К. был классич. театральным художником (театрально-декорационная живопись)

- всегда сохраняет специфику нац. колорита

- поездка на Север с Серовым, после чего возникает идея построить рус. павильон

в Ниж. Новгороде «Рус. Север» 1896 г.

- 1900 г.- тема павильона для всемирной выставки в Париже

- К. создавал большие декоративны панно для павильона Северной выставки

с изображением природы Сибири и Севера

Натюрморты:

1. богатые по цвету, насыщенные

2. часто включают в себя пейзаж (любит ставить цветы и фрукты на террасе, с которой видно море, или у открытого окна, в которое врываются Шум (J) и сверкание фонарей Парижа)

3. пронизаны любовью к человеку, к радостям его жизни, они предназначены для того, чтобы украшать его жильё, радовать глаз.

в 1900е годы многократно пишет Париж. Особенно ночной. Люди всегда органично слиты с городом, они оживляют пейзаж

интерес к передаче световоздушной перспективы усиливается.

В портретах образ человека воспринимается как составная, но не главная часть залитой солнцем природы. В портретах 90х – острота психологического анализа, в 900 – жизнерадостность и приветливость, изображения в залитых солнцем интерьерах.

В жанровых картинах нет подробного рассказа о происходящем. Художник вводит нас в какой-то миг жизни героев, заражая зрителя их состоянием, настроением, будь то сдержанная радость или лукавство, лирическая задумчивость или грусть. Обращается прежде всего к чувствам человека.

Нет внешней этнографичности, понимание сути явления