Тема 1.1. Музыкальная культура древних цивилизаций и античности.

Основные области творчества Г. Генделя.

Творческий путь Георга Фридриха Генделя (1685—1759). Роль его творчества в

развитии музыкальной культуры Германии и Англии. Основные этапы творчества. Размах и широта исполнительской деятельности как органиста, клавириста, дирижера. Немецкая основа его творчества, усвоение передовых достижений других национальных школ.

Оперное творчество. Сохранение связи с традицией итальянской оперы-seria, ее драматизма. Опера «Юлий Цезарь». Оратории – высшее творческое достижение композитора. Претворение героико- патриотических идей на основе библейских сюжетов («Иуда Маккавей», «Мессия», «Самсон» и др.). Связь ораторий композитора с общественной жизнью Англии первой половины XVIII века. Монументальный, демократический характер. Черты театральности.

Основные жанры инструментальной музыки: концерты, камерные ансамбли, сонаты и сюиты для различных инструментов, пьесы для клавира. Особая роль Concerto grosso, органного концерта. Произведения, предназначенные для исполнения на открытом воздухе: «Музыка для фейерверка», «Музыка для прогулки на воде»

 

Основные области творчества Ф.Й.Гайдна.

Франц Йозеф Гайдн (1732 – 1809). Творческий облик. Основные черты искусства композитора: жизненная правдивость. Демократичность, оптимизм, связь с народной музыкой – австрийской, а также славянской и венгерской. Темы крестьянской жизни, быта, труда, картины природы. В его музыке преобладают светлые, радостные настроения, жанрово-бытовое начало. Сочинения в разнообразных жанрах: оратории («Сотворение мира» и «Времена года»), симфонии, камерно-инструментальная музыка (квартеты и др.).

Становление и развитие в его творчестве классической сонатной формы, основанной на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, формирование классического состава частей сонаты, симфонии. Формирование классического состава симфонического оркестра. Особенности тематизма композитора и связь с народно- песенными истоками (опора на интонации музыки европейских народов). Гармонический язык (классические мажор и минор, опора на основные трезвучия лада - T, S, D). Оркестр (классический состав оркестра: деревянно-духовая, медная духовая, ударная, струнно- смычковая группа). Трактовка отдельных инструментов и оркестровых групп.

 

Тема 1.11 Основные пути развития Древнерусской музыкальной культуры

Веков

Истоки русской музыки восходят к культуре и быту восточнославянских племен, населявших территорию Древней Руси до образования в IX в. первого русского государства (Киевская Русь). Языческие обряды славян включали заклинания, пение, игру на музыкальных инструментах. Следы древних языческих верований сохранились в календарно-обрядовых (связанных с циклом сельскохозяйственных работ) и семейно-обрядовых песнях (плачах, причитаниях, песнях свадебного обряда). Боевые песни славянских дружин послужили основой для героического русского эпоса (его расцвет пришелся на X–XI вв.), сложившегося впоследствии в циклы былин (старин). К большим достижениям национального народного творчества принадлежат лирическая протяжная и историческая песни, распространившиеся в XVI–XVII вв. Главными носителями фольклорной традиции и профессиональными музыкантами на Руси долгое время были скоморохи. Их музыкальные инструменты включали гусли, трубы, сопели, бубны, гудки.

С принятием христианства (988 г.) развивается церковная музыка – единственный вид письменного профессионального музыкального искусства Древней Руси. Церковные песнопения записывались особыми знаками над строчками текста – знамёнами (крюками), поэтому и само древнерусское церковное пение получило название знáменного (крюкового) распева. В Русской православной церкви могла звучать только вокальная музыка, музыкальные инструменты не допускались. Пение было одноголосным, все певцы пели в унисон; многоголосие проникает в профессиональную музыку только в XVI в., хотя в народной оно появилось значительно раньше.

Несмотря на то, что церковное искусство было каноническим, традиционным, все же оно постепенно менялось. В XVI в. создание мелодий стало рассматриваться уже не только как выполнение религиозного долга, но и как выражение творческой личности распевщика (автора напева). В отличие от безымянного искусства раннего Средневековья история сохранила нам некоторые имена знаменитых распевщиков этого времени: братьев Роговых, Федора Крестьянинина. Царь Иван Грозный тоже создал (распел) несколько мелодий на слова церковных текстов (стихир). За- 21 нятие музыкой становится специальностью, профессией. В Москве возникли два больших профессиональных хора – Государевых певчих дьяков (XV в.) и Патриарших певчих дьяков (XVI в.). Туда отбирались самые способные певцы.

 

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

 

 

Тема 1.1. Музыкальная культура древних цивилизаций и античности.

 

Значение древних цивилизаций в истории мировой культуры и в музыке, в частности.

Древний Египет. Музыка сопровождала трудовые процессы, массовые празднества, религиозные обряды, а также действа, связанные с культом богов Осириса, Исиды и Тота; она звучала на торжественных шествиях и во время дворцовых развлечений. С глубокой древности существовало искусство хейрономии, сочетавшее дирижирование хором и «воздушное» нотное письмо (под древнеегипетском словом «петь» подразумевается «производить рукой музыку»). Среди изображений часто встречаются ансамбли арф. В период Нового царства (XVI- XI вв. до н.э.) при дворе фараона наряду с местной капеллой вводится сирийская капелла. Развивается военная музыка.

Древняя Индия. Истоки индийской музыки восходят к III тыс. до н.э. В древних литературных памятниках конца II — первой половины I тыс. до н.э. Ригведе (веда гимнов), Атхарваведе и Самаведе (веда мелодий) есть запись мелодий условными значками, а также песенные тексты. Трактат «Натьяшастра» (II — IV вв. н.э.) посвящен театру, музыке и танцу.

Древний Китай. Китайская музыка насчитывает несколько тысячелетий своего развития. Она испытала воздействие музыкальных традиций Среднего Востока, Центральной и Южной Азии, Юго-восточной Азии; впитала элементы музыки народов, входивших в состав китайского государства (уйгуров, тибетцев, монголов, чжурчженей, маньчжуров и т. д.); в свою очередь оказала значительное влияние на музыку Кореи, Японии, некоторых народов Юго-восточной Азии и бассейна Тихого океана. Китайская музыка с древности развивалась под воздействием религиозных и философско- идеологических доктрин.

Древняя Греция - античная греческая цивилизация на юго-востоке Европы. Ее наивысший расцвет приходится на V - IV века до н.э. Наиболее широкого и блестящего развития музыка античной эпохи достигла в Греции, представляющей союз городов- государств (полисов), сохранявших самостоятельность. Утверждение в Афинах рабовладельческой демократии, способствующей умственному и художественному прогрессу. Греческая музыка могла отчасти воспользоваться уже готовыми плодами развития более древних культур: египетской, сирийской, хеттской, возможно, индийской. Роль музыки в общественной и личной жизни греков. Обучение музыке как обязательная составная часть образования. Состязания певцов-солистов, хоров, инструменталистов, поэтов - сочинителей стихов. Демократический характер организации музыкальной жизни по сравнению с древневосточными цивилизациями. Музыкальные жанры Древней Греции. Вокальная хоровая лирика. Пифийские игры. Античная трагедия. Появление первых музыкантов-профессионалов.

Ведущими музыкальными инструментами были струнные — лира и кифара. Греческая лира - деревянная фигурная рама, на которой вертикально натянуты струны (как правило, не больше четырёх; воспроизводят тетрахорд). Кифара во многом схожа с лирой, но у нее есть плоский резонатор, а число струн может доходить до восемнадцати. Музыкально-теоретические воззрения в Древней Греции: учение об этосе, учение о ладах, разработка вопросов акустики. Теоретическая школа Пифагора (VI в. до н.э.). Идеи об этическом воздействии музыки (Платон «Государство», «Законы», Аристотель, Плутарх «О музыке»). Древний Рим. Народная музыка древних римлян имела давние традиции, но

профессиональную музыкальную культуру римляне переняли от греков. Как и в Греции, поэзия в Риме была тесно связана с музыкой. Оды Горация, эклоги Вергилия пелись. В трагедии вводили кантики (музыкальные вставки), исполняемые голосом или тибией (древнеримский инструмент типа флейты). В цирках и театрах выступали громадные хоры и оркестры. Богатые римляне содержали капеллы и оркестры. В столицу империи стекались музыканты из Греции, Сирии, Египта и других завоеванных областей. Пользовались успехом публичные концерты виртуозов. Военные легионы располагали мощными духовыми оркестрами; в их составе были тубы (прямые трубы), букцины (изогнутые рога) и другие металлические инструменты. Внешняя помпезность, блеск, виртуозность, изощренность, изнеженность — типичные черты музыкального искусства императорского Рима.

Музыкальная эстетика и музыкальная теория в Древнем Риме. Высокое классическое искусство античного стиля представлено положенными на музыку стихами древнеримских поэтов Овидия, Горация. Зарождение разноплеменных интонационных элементов в напевах римских рабов, в частности, в песнопениях древних христиан той поры, когда они были гонимой сектой выражавшей идеологию порабощенных низов римского общества, что составило впоследствии первичные пласты музыкальной культуры раннего средневековья.

 

Тема 1.2. Музыка эпохи Средневековья в странах Западной Европы.

Римско-католическая церковь как центр феодальной системы. Установление жестокой диктатуры по отношению к науке, искусству, морали. Роль католической церкви в музыкальной культуре эпохи средневековья. Двойственное отношение в правящих церковных кругах по отношению к музыке.

Основные жанры духовной музыки средневековья. Гимн – новый жанр церковной музыки эпохи. Мелодичность, певучесть, структурная завершённость гимнов, связь с текстом. Размер, группировка, ритмичность гимнов. Гимн как основное песнопение мессы. Грегорианский хорал - стиль церковной католической музыки, сложившийся в Западной Европе в IV-VII веках н.э. «Грегорианский антифонарий» - кодекс начала VII века. Секвенция - новая форма «антигрегорианских течений», импровизационно- поэтические вставки-эпизоды IX – X века н.э. Одноголосная хоральная месса - основное католическое воскресное богослужение, состоящее из пяти частей.

В Западной Европе с VI -VII веков складывается строго регламентированная система одноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение), объединяющая речитацию (псалмодия) и пение (гимны). В IX – X веках появляется раннее многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум, мотет, кондукт, затем месса. Жанр литургии, литургической драмы утверждается в X веке. Она представляла собой масштабное пасхальное или рождественское богослужение.

Рондель (рондо, ру) – один из многоголосных жанров духовной музыки среднего и позднего средневековья. Как правило, рондель создавался на авторскую, оригинальную мелодию, (в отличие от хорала, опиравшегося на канонизированные, закрепленные в композиторской практике мелодические обороты) и имел свободную, импровизационную форму, основанную на поочередном вступлении голосов на один и тот же мотив (как своего рода ранняя форма канона). Проприум – часть жанра мессы, изменяющаяся в зависимости от церковного календаря (в отличие от неизменной части мессы - ординариума). Антифон – один из наиболее древних жанров духовной музыки, основанный на чередовании пения двух хоровых групп.

Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая) школа при Соборе Парижской Богоматери (Леонин, Перотин).

В эпоху средневековья (V – XIV вв.) в Западной Европе складывается музыкальная культура нового типа — феодальная, объединяющая в себе профессиональное искусство, любительское музицирование и фольклор.

Профессиональная светская музыка была представлена вначале лишь певцами, создающими и исполняющими эпические сказания при дворе, в домах знати, среди воинов и т. д. (барды, скальды и др.). Со временем развиваются любительские и полупрофессиональные формы рыцарского музицирования: во Франции — искусство трубадуров и труверов, в Германии — миннезингеров (XII-XIII века), а также городских ремесленников. В феодальных замках и в городах культивируются всевозможные роды, жанры и формы песен (эпические, «рассветные», рондо, виреле, баллады, канцоны, лауды и др.).

Входят в быт новые музыкальные инструменты, в том числе пришедшие с Востока (виола, лютня и т. д.), возникают ансамбли (нестабильных составов). В крестьянской среде расцветает фольклор. Действуют «народные профессионалы» - сказители, странствующие артисты: жонглёры, мимы, менестрели, шпильманы. Музыка выполняет главным образом прикладные и духовно-практические функции.

Творчество выступает в единстве с исполнительством (как правило — в одном лице) и с восприятием. В содержании и в форме музыки господствует коллективность; индивидуальное начало подчиняется общему, не выделяясь из него (музыкант-мастер — лучший представитель общины). Во всём царят строгая традиционность и каноничность.

Закреплению, сохранению и распространению традиций и эталонов, но и их постепенному обновлению способствовал переход от невм, лишь приблизительно указывавших характер мелодического движения, к линейной нотации (Гвидо д'Ареццо, XI век), позволившей точно фиксировать высоту тонов, а затем и их длительность.

Постепенно обогащаются содержание музыки, её жанры, формы, средства выразительности.

 

Тема 1.3. Музыка эпохи Возрождения в странах Западной Европы.

На рубеже Возрождения, в XIV веке, появляется «Новое искусство» («Ars nova») во Франции и Италии, когда в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием и музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функции (обслуживание церковных обрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных. Этот период получил в истории название «Арс нова» («Новое искусство»), так как изысканная светская поэзия отныне положена на музыку нового склада, пронизанную особой живостью, богатством звуковых красок. Французское «Новое искусство» возглавил композитор и поэт Гийом де Машо (ок. 1300 - 1377) — основоположник целой школы многоголосной песни, его искусство способствовало расцвету светской вокальной и инструментальной музыки во Франции. Баллада в его творчестве стала образцом утонченной лирики, такие произведения исполнялись чаще всего одним певцом с многоголосным инструментальным сопровождением, причем выбор инструментального состава по обычаю того времени предоставлялся самим исполнителям. Выдающимся мастером итальянского «Нового искусства» был Франческо Ландино (1325 - 1397), сочинивший множество лирических песен в характерных итальянских жанрах того времени: полифонические баллады и мадригалы. Творчество де Машо, Ландино и их современников открыло путь следующему этапу - музыке эпохи Возрождения.

Возрождение - могучее и плодотворное гуманистическое течение в истории европейской культуры. Музыкой эпохи Возрождения или музыкой Ренессанса, называют

период в развитии европейской музыки приблизительно между 1400 и 1600 гг. Свое название этот период получил в связи с возрождением интереса к античному искусству, ставшему идеалом для деятелей культуры нового времени.

Многообразие жанров эпохи Возрождения. Лауда - одноголосная, затем многоголосная лирическая, сатирическая и др. песня ремесленников. Виланелла - вокальный жанр, непосредственно связанный с крестьянской песней. Баркарола - песня лодочников. Сальтарелла - жанр итальянской танцевальной и инструментальной музыки, распространённый в XIV и XVI веках; начиная с конца XVIII века, возродился как народный танец (существует и поныне). В эпоху Раннего Возрождения (XIV век) появляется мадригал в поэтическом творчестве Ф. Петрарки, Дж. Боккаччо и у композиторов итальянского Ars nova. В период позднего Возрождения (XVI век) мадригал — многоголосная вокальная пьеса обычно для 4 - 6 голосов (реже на большее число

голосов, вплоть до 10), как правило, в строфической форме. В Италии XVI века мадригал — основной жанр для различных творческих экспериментов композиторов, особенно в области сочетания поэзии и музыки. (Дж. Палестрина - автор многочисленных мадригалов).

Появление и утверждение полифонических школ в Европе. Полифоническое сочинение создавалось по строгим и сложным правилам, требовало от композитора глубоких знаний и виртуозного мастерства.

Дж. Палестрина - глава римской полифонической школы, автор многочисленных мадригалов, представитель итальянского Возрождения. Культовая музыка Палестрины: мессы, мотеты, ламентации. Черты стиля Палестрины.

Гийом Дюфаи, Жоскен Депре, Йоханес Окегем, Орландо Лассо - представители национальной школы франко-фламандской (нидерландской) полифонии. Мессы и многоголосные песни. Стилевые черты. Клеман Жанекен – французский композитор эпохи Ренессанса, автор шансонов - французской разновидности полифонической песни. Возникновение оперы в Италии - родине европейского оперного театра. Опера появилась в мистериях, то есть духовных представлениях, в которых эпизодически вводимая музыка стояла на низкой ступени. В середине XVI века большой популярностью пользовались пасторали или пастушеские игры, в которых музыка ограничивалась хорами, в характере мотета или мадригала. В конце XVI века появляются музыкально- драматические произведения (drama in musica или drama per musica), в которые вводится одноголосное пение (монодия), что позволило вывести оперу на тот путь, на котором ее развитие быстро пошло вперед. (Однако название «опера» стало применяться к этим

сочинениям в первой половине XVII века.) Истоками оперы можно считать и античную трагедию. Как самостоятельный жанр опера возникла в Италии на рубеже XVI -XVII веков в кружке музыкантов, философов, поэтов во Флоренции. Назывался кружок любителей искусства «камерата», участники которого мечтали возродить древнегреческую трагедию, объединить в одном спектакле драму, музыку и танец. Первой большой оперой можно считать «Эвридику» Якопо Пери, исполненную в 1597 году.

 

Тема 1.4. Музыка эпохи Барокко в Западной Европе. Опера

Музыка эпохи Барокко — период в развитии европейской академической музыки, приблизительно между 1600 и 1750 годами. Исторический рубеж: конец средневековья и феодального периода, переход к капиталистическому развитию. Барочная музыка появляется в конце эпохи Возрождения и предшествует музыке классицизма. Музыкальный термин «барокко» означает «странную», «необычную», «причудливую» музыку доклассической эпохи. Условно музыкой барокко называют множество существовавших в течение 150 лет композиторских стилей обширного, в географическом смысле, западноевропейского региона. Определяют раннее, зрелое и позднее барокко. До 1960-х годов XX века в академических кругах не утихал спор о том, правомочно ли применение единого термина к сочинениям таких разных композиторов, как: А. Вивальди, К. Монтеверди, Ж. Б. Люлли, Д. Скарлатти и И. С. Бах. Однако термин прижился и сейчас повсеместно используется для обозначения широкого спектра музыки. Для музыки эпохи Барокко характерно углубленное, многообразное воплощение процессов внутреннего мира человека, стремление к драматической экспрессии, к синтезу различных видов искусств. Утверждаются: вокальная мелодия и аккордовое сопровождение, гомофонно-гармонический склад с «длящимся басом» (bassocontinio), развивается гомофонно-гармоническое мышление. В обогащении музыкальной образности особое значение приобретает цифрованный бас. Осуществляется переход от

строгого к свободному стилю в полифонии. Рождается фуга как высший тип полифонии. Утверждается мажоро - минорная система. Развиваются такие жанры как: опера, оратория, кантата, пассион, ария, дуэт, вариация, сюита, многочастное рондо. Инструментальная музыка эпохи Борокко.

Развитие демократических форм музицирования. Исполнение в церковных

концертах для прихожан в храмах не только духовной музыки, но и светской. Проникновение в профессиональную музыку различных приемов вариирования народных мелодий. Активное распространение в городах клавесина (cembalo). Сближение органного стиля с мадригалом и оперным барокко. Введение органа в концерт как чисто светский жанр.

Основоположник итальянской органной школы - Джироламо Фрескобальди (1583 1643) и немецкой - Дитрих Букстехуде (1637 – 1707), предшественник И. С. Баха. Развитие полифонии и доведение фуги до высокого совершенства.

Скрипичное итальянское искусство. Скрипка начинает свое триумфальное шествие не столько как солирующий инструмент, сколько как ансамблевый инструмент. Венецианская скрипичная школа. Выходец из болонской скрипичной школы - Арканджело Корелли (1653 – 1713), выдающийся итальянский скрипач-виртуоз XVII века и композитор. Народные истоки его творчества. Его Concertо grossо – совершенные образцы в истории концертного жанра доклассической эпохи. Джузеппе Тартини (1692- 1770) – итальянский скрипач, глава падуанской школы. Скрипичные сонаты (Соната «Дьявольские трели»). Антонио Вивальди (1680 - 1741) - композитор, скрипач, дирижёр. Жанр концерта в творчестве композитора и программность его музыкального мышления.

Клавесинная музыка XVIII века представлена сочинениями итальянца Доменико Скарлатти (1685 – 1757), в творчестве которого окончательно складывается старинная соната. Франсуа Куперен (1668– 1733) и Жан Филипп Рамо (1683 -1764) – блестящие мастера французской клавесинной школы. Жанровый облик пьес для клавесина формировался прежде всего танцевальными жанрами, но широко представлены и песенные жанры. Лирические пейзажи, жанровые зарисовки, изобразительность в клавесинной музыке.

Искусство английских верджиналистов: В. Берд, Д. Булл, Д. Дауленд.