Тема 3. Русская культура конца XIX - начала XX века.

    Россия на рубеже веков напоминает своеобразный карнавал художественных стилей.

Вот поэты- символисты, властители дум русской интеллигенции во главе с Валерием Брюсовым. Вслед за ним идут поэты-символисты младшего поколения – поэтичный и трагичный Александр Блок, философствующий Александр Белый. В живописи – загадочный Михаил Врубель.

    Вот футуристы всех мастей, предпочитающие туманным поэтическим символам яркие краски и определённость примитивного искусства. Среди них – знаменитые поэты: Владимир Маяковский в жёлтой кофте, Давид Бурлюк, Велимир Хлебников – первый председатель Земного шара и прорицатель будущего. Футуристами называют себя и художники – супруги Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, их картины радуют глаз яркими цветовыми контрастами. Вслед за ними появляются художники-беспредметники – Казимир Малевич, Василий Кандинский.

    Немало колоритных фигур и среди мастеров театра. Поэт и музыкант Александр Вертинский выступает в маске печального Пьеро. Потрясает своим актёрским искусством Вера Комиссаржевская, виртуознейший балетмейстер-новатор Михаил Фокин и несравненная балерина Анна Павлова. Среди режиссёров царствует Константин Станиславский, создавший «театр переживания». Но в то же время набирает силу новое направление – «театр представления», условный театр. Здесь стремятся создать не иллюзию жизни, а новый, не связанный с нею мир. Во главе этого направления встаёт неутомимый экспериментатор Всеволод Мейерхольд, за ним идут Евгений Вахтангов, Александр Таиров.

Россия на рубеже веков переживает яркий «культурный ренессанс». Достижения отечественных художников стали известны в Западной Европе во многом благодаря колоссальной фигуре Сергея Дягилева. Устраиваемые им знаменитые «Исторические концерты» и «Русские сезоны» в Париже в начале ХХ века показали все богатства русской культуры. Оперы Римского-Корсакова, Бородина, Мусоргского, балеты Стравинского и Прокофьева шли с великолепными декорациями Льва Бакста, Александра Бенуа, Николая Рериха, Михаила Добужинского (художников «Мира искусства»). В балетах участвовали легендарные танцовщики - Вацлав Нижинский, Анна Павлова, Тамара Карсавина. В операх пел знаменитый бас Федор Шаляпин.

Эту эпоху нередко называют переходной. В ней причудливо смешалось всё: представления о прошлом и будущем, о «высоком» и «низком» искусстве, в ней пересеклись поколения художников уходящего Х!Х и наступающего ХХ века. «Столкновение» прошлого и будущего в русской культуре того времени было одной из характерных её примет. Оно сказалось во всех областях творчества – живописи и поэзии, музыке и театре.

Живопись – особенно ярко демонстрирует «смешение» будущего и прошлого. Художники «Мира искусства», объединившиеся вокруг созданного в 1898 году одноименного журнала, опоэтизировали искусство прошлого. Любимым веком мирискуссников был век XVIII. В живописных полотнах и в оформлении театральных спектаклей они любовно воспроизводят изысканный аромат эпохи пудреных париков и жеманных красавиц. Особенно ярко это выражено на полотнах Константина Сомова, Александра Бенуа.

По-своему идеализировал прошлое В. Борисов-Мусатов, воспевающий неброскую и обаятельную, чуть меланхоличную красоту русской природы и усадебного быта XIX столетия. Дворцы и парки уходящей России, мечтательные «тургеневские» девушки становятся основными сюжетами и персонажами его картин.

Новое художественное течение – авангардизм. Его представители (Н.Гончарова, М.Ларионов, братья Д. и В.Бурлюки, В.Кандинский, К.Малевич) стремятся обновить не только темы, но и язык художественного творчества. Их работы были показаны публике на выставке 1910 года под названием «Бубновый валет». Выставка произвела фурор – картины были настолько необычны, что вызвали у публики настоящий шок. Отвергая старую живопись, бубнововалетцы смело обращались к народному искусству и использовали в своих картинах приёмы городской вывески и лубка. Такой подход называли «примитивизмом».

За этой выставкой последовали и другие с не менее странными названиями: «Ослиный хвост»(1912 г.), «Мишень» (1913 г.).

В России возникает и живописный футурологический мотив. Художники-футуристы создают городские пейзажи, прославляя мощь и силу техники: полёт аэропланов, стремительный бег автомобилей, пишут «портреты» телефонов и городских гостиниц.

Поэзия. Причудливо объединяется прошлое и будущее в поэзии символистов. Они воспевают далёкие времена и далёкие страны. «Золотой жилой» для Гумилёва становится Африка, для Бальмонта – культура ацтеков и майя. Темы из языческой Руси мирно уживаются с картинами отдалённого будущего.

Ещё более настойчиво пытались приблизить будущее в театре режиссёры, драматурги. В декабре 1913 года группа петербургских футуристов (Хлебников, Маяковский, Малевич, Матюшин) создали свои футуристические спектакли – первые шоу ХХ века. Это были трагедия «Владимир Маяковский» и опера «Победа над солнцем». В постановках использовались всевозможные сценические и световые эффекты. В них было падающее на сцену крыло аэроплана, разрывающийся надвое занавес, «роботообоазные» персонажи, цирковые трюки и эффектные костюмы.

Многим Театр Будущего представлялся как действо, объединяющее театр и религию. Например, поэт Вячеслав Иванов предполагал, что религиозное действо (богослужение) должно объединиться с театральным. В таком театре не будет разделения на актёров и зрителей – ведь все присутствующие примут участие в представлении. Мнение Иванова разделял и Скрябин, обратившийся в конце жизни к замыслу грандиозной Мистерии.

Музыка. Сосуществование прошлого и будущего можно видеть и в музыкальной культуре на рубеже веков. Мощная лирико-романтическая линия, начатая П.Чайковским, была продолжена А.Скрябиным, С.Рахманиновым, Н.Метнером, С.Танеевым. Продолжает творить Н.Римский-Корсаков, создавший свою «русскую мистерию» - «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии». Национальной тематике по-прежнему верны петербуржцы А.Лядов, А.Глазунов.

Эта романтическая традиция вызывает отторжение у новых композиторов начала ХХ века – «варваров» - Сергея Прокофьева и Игоря Стравинского, подобно поэтам-футуристам отрицающие предшествующее искусство, ломающие привычные представления о музыке и эпатирующие публику. Их язык далёк от чарующих романтических мелодий и красочных гармоний. Они привносят в него резкие, «терзающие» слух созвучия и агрессивный ритм.

В художественной культуре России рубежа веков именно музыка играла одну из ведущих ролей. Ощущение музыки как некоей силы, управляющей миром, сказывается в сочинениях поэтов, художников, а законы музыкального языка становятся для них образцом. Все ищут «пересечения» звука и слова, звука и цвета.

Во взаимодействии звука и цвета наиболее радикальным оказался Александр Скрябин. Первым в своей симфонической поэме «Прометей»(1910г.) он добавил к партиям инструментов ещё и партию для света. Тем самым он положил начало светомузыке. Способностью к цветному видению звучаний обладал и Н.Римский-Корсаков, который задолго до Скрябина передавал глубокий синий цвет моря в «Шехеразаде» и сверкающий жёлто-красный колорит весеннего солнца в «Снегурочке».

Художники стремятся омузыкалить живописные полотна. Например, композиция «Жёлтый звук» у Василия Кандинского. А литовский художник М.Чюрлёнис в 1907 году пишет целые музыкальные серии: «Соната солнца» и «Соната весны», «Соната пирамид» и «Соната моря». Особое внимание художники уделяют музыкальным инструментам: рояль, скрипка, гитара становятся их любимыми «персонажами».

Стремятся к музыкальности и поэты. Нередко авторы свои стихи не просто читают, а «поют» (например, Андрей Белый). Другие исполняют их под собственный музыкальный аккомпанемент (как Михаил Кузьмин). Невероятно музыкален Александр Блок, а поэтический мир Маяковского – своего рода «большой оркестр».

        

Скрипка издёргалась, упрашивая,

       И вдруг разревелась

       Так по-детски,

       Что барабан не выдержал:

       «хорошо, хорошо, хорошо!»

       А сам устал,

       Не дослушал скрипкиной речи,

       Шмыгнул на горящий Кузнецкий

       И ушёл.

       Оркестр чуждо смотрел, как

       Выплакивалась скрипка

       Без слов

       Без такта

       И только где-то

       Глупая тарелка

    Вылязгивала:

       «Что это?»

    «Как это?»

 

На смену классическому романсу приходит «стихотворение с музыкой».

Так, во взаимодействии музыки, литературы и живописи происходит в России постепенное «слияние» всех искусств в единое Всеискусство, согласно пророчествам русского философа Владимира Соловьёва.

    Период рубежа веков в России обычно называют «Серебряным веком русской культуры». Но последнее десятилетие – предреволюционное – гораздо чаще именуют как «проклятое». Стремительно надвигавшееся ХХ столетие несло с собой две мировые войны, а для России – ещё две революции и войну гражданскую. И хотя никто не мог заглянуть в будущее, приближающуюся катастрофу ощущали многие. О ней писали символисты, о ней пророчествовали Хлебников и Маяковский, отзвуки её слышны в музыке Рахманинова и Скрябина.

Предчувствие «грядущих перемен» вызвало к жизни две ведущие художественные темы этого времени – это тема России и тема Апокалипсиса. Последняя оказалась тесно связана с образами смерти.

Примеры – симфоническая картина «Из Апокалипсиса» Лядова, опера Ребикова и симфоническая картина Василенко «Сад смерти». Образы надвигающейся катастрофы звучат у молодого Рахманинова («Колокола», «Остров мёртвых»), трагические колокольные звоны прорываются у раннего Скрябина (прелюдия ор.11 до# минор).

Предчувствие грядущих перемен вызывало к жизни не только апокалиптические настроения, но и лихорадочную жажду развлечений. Полны театральные и выставочные залы, один за другим проходят публичные диспуты, доклады, лекции. По всей России открываются многочисленные театры-кабаре. Самые популярные из них – петербургские «Кривое зеркало», «Дом интермедий», «Бродячая собака», «Приют комедиантов» и московская «Летучая мышь». Публика обеих столиц и провинции с удовольствием посещает балы и маскарады, участвует в спиритических сеансах, пытаясь заглянуть в будущее.

   С началом Первой мировой войны культурная жизнь России теряет свою интенсивность. Новых сочинений создаётся немного – среди них «Всенощное бдение» (1915г.) Рахманинова и кантата Танеева «По прочтении псалма».

    В военные годы многие русские художники уходят из жизни. В 1914 году умирает А.Лядов, в 1915 – смерть Танеева и неожиданная гибель Скрябина. Начавшаяся революция   «разбрасывает» русских художников по всему миру. В послереволюционные годы из России уезжают Шаляпин и Рахманинов, за ними – Прокофьев и Метнер. Игорь Стравинский, оказавшийся за границей ещё до войны, в Россию так никогда и не вернётся (в отличие от Прокофьева).

    Среди оставшихся в России в это время немало представителей «Серебряного века». Это поэты Блок и Гумилёв, Ахматова и Цветаева, композиторы Мясковский, Сабанеев и Рославец (ученики Скрябина), режиссёры Мейерхольд, Таиров и многие другие. Они будут создавать новую культуру – культуру послереволюционной России.

 

СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ РАХМАНИНОВ
(1873-1943)

 

«Господин Рахманинов – тот столп, вокруг которого группируются все поборники реального направления, все те, кому дороги основы, заложенные Мусоргским, Бородиным, Римским-Корсаковым и Чайковским», - писала отечественная музыкальная критика.

История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным.
Сергей Рахманинов родился в Старорусском уезде Новгородской губ. 20 марта 1873 г. После переезда семьи в Петербург мальчика отдали учиться в консерваторию. Но особого интереса к учебе он не проявлял. Все изменилось после того, как Сережиным педагогом стал профессор Московской консерватории Николай Сергеевич Зверев, который брал на полное обеспечение двух-трех наиболее талантливых учеников своего класса. С 1887 г. Сережа, у которого открывается тяга к импровизации, начинает записывать свои сочинения. С 1889 г. он изучает контрапункт у замечательного композитора, ученого и педагога Сергея Ивановича Танеева. С 1890-х гг. начинается самостоятельная жизнь Рахманинова. Он зарабатывает себе на жизнь уроками фортепиано и теории музыки. В 1892 г. Рахманинов блестяще сдает экзамен по композиции и покидает консерваторию с Большой золотой медалью. Первой значительной работой композитора стала одноактная опера «Алеко» (1882) по мотивам пушкинских «Цыган», премьера которой в Большом театре состоялась в 1893 г.

Рахманинов выступает со сцены как пианист, исполняя собственные произведения, преподает теорию музыки в Мариинском женском училище. Мелодичность, мощь, полнота «пения» - вот первые впечатления от его пианизма. Стальной и вместе с тем гибкий ритм, полная живого дыхания динамика сообщают игре Рахманинова неисчерпаемое богатство оттенков.

Большой популярностью пользуются камерные произведения этого периода – прелюдии, музыкальные моменты, этюды-картины для фортепиано и романсы. Все они полны самобытнейших лирических мелодий – бесконечных, бескрайних, как русская степь, стихийных и могучих, как удары церковных колоколов. «Мелодия – это музыка – главная основа всей музыки…Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, - главная цель композитора», - считал Рахманинов. Этот основной творческий принцип не будет нарушен композитором никогда, даже когда творческие искания будут уводить его в мир жёстких, урбанистических звучаний и ритмов.

 Прелюдии Рахманинова базируются на традициях романтического пианизма Шопена, Листа. Малые формы зачастую превращаются в поэмы, картины.

· Послушаем прелюдию до# минор ор.3 №2 – образец лирико-патетического стиля Рахманинова 80-90-х годов. Страстные, мятежные образы, трагедийный пафос заставляют вспомнить о драматических событиях русской истории. В музыке слышны и набатные звучания русских колоколов, и интонации древних знаменных распевов.

· Прелюдия Соль мажор – другого плана. На фоне плавно «журчащих» квинтолей неторопливо развёртывается широкая, певучая тема, которая в конце растворяется в узорчатых фигурациях, напоминающих свирельный наигрыш. Создаётся пасторальный созерцательный образ тишины, покоя, созвучный пейзажам Левитана, Нестерова.

· Из ранних вокальных сочинений наиболее часто исполняется романс на стихи Пушкина «Не пой, красавица при мне». Он написан в жанре «восточной песни». Песенность мелодии соседствует с декламацией. Экспрессивные речитативы звучат и в вокальной, и в фортепианной партии. Романс написан в куплетно-вариационной форме.

В 1895 г. пишет   Первую симфонию. На премьере в 1897 г. дирижировал симфонией А. Глазунов. Премьера провалилась. Следствием этого у композитора началась депрессия. В течение трех лет он ничего не писал. Спасала новая работа — Рахманинов был приглашен в московскую Русскую частную оперу С. И. Мамонтова на должность второго дирижера. Театральный опыт для композитора оказался весьма полезным. Он приобрел определенную технику, раскрылся его дирижерский дар. В мамонтовской опере Рахманинов подружился с Ф. Шаляпиным.

Преодолеть депрессию Рахманинову помог врач Н. Даль. После нескольких лет молчания был создан   Второй фортепианный концерт (1901), имевший грандиозный успех. Трудно представить себе музыку, более тесно связанную с образами России, её природой и историей.

· Послушаем фрагмент из 1 части Второго фортепианного концерта. Тяжело и гулко звучат вступительные аккорды – это любимые рахманиновские колокола. Главная тема – широкая, распевная, но несколько суровая и сдержанная, неразрывно связана с русской народной песней, а также со старинными церковными песнопениями. Музыка вызывает ассоциации с картинами среднерусской природы – бескрайними полями, уходящими вдаль до горизонта, озёрами, весенним разливом, небом с плывущими облаками. И- всегда простором, над которым музыка «плавно реет, как могучая, властная птица над водной спокойной гладью».

Накануне своего тридцатилетия Рахманинов женится на Наталье Сатиной. После заграничного свадебного путешествия молодая чета поселяется в Москве, на Воздвиженке. Интенсивность его концертных выступлений в этот период очень велика. Рахманинов все больше проявляет себя как универсальный исполнитель — пианист, дирижер, нередко -  как ансамблист.
С 1904 г. два сезона он проработал в Большом театре в качестве дирижера. За это время им были осуществлены постановки опер А. Даргомыжского,  П. Чайковского, А. Бородина, М. Мусоргского. К столетию М. Глинки в Большом поставили «Ивана Сусанина». Рахманиновские работы получили самую высокую оценку и на многие годы остались образцовыми спектаклями прославленного театра. Параллельно композитор завершает партитуры опер «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини».

С 1906 г. Рахманинов с семьей поселяется в Дрездене. Зиму они живут в Германии, весну и лето проводят в имении Ивановка в Тамбовской губернии. Из дрезденского периода выделяется симфоническая поэма «Остров мертвых», написанная под впечатлением от одноименной картины швейцарского художника-символиста Арнольда Бёклина. Художественная целостность поэмы делает ее по-своему совершенным творением Рахманинова. Его творческая зрелость достигает расцвета, слава и всеобщее признание сопутствуют ему.
По возвращении в Москву он активно включается в российскую музыкальную и культурную жизнь, занимает должность инспектора музыки в московской дирекции Русского музыкального общества. В 1909г. Появляется Третий фортепианный концерт.

Следующее пятилетие отмечено появлением произведений, которые сам композитор очень любил. Это хоровые циклы «Литургия Иоанна Златоуста» (1910) и «Всенощное бдение» (1915). Между ними — этюды-картины (1911) и симфоническая поэма «Колокола» (1913). Духовные произведения С. Рахманинова принадлежат к вдохновенным страницам его творчества и представляют вершину развития нового направления русской церковной музыки, начатого сочинениями П. Чайковского, С. Танеева, А. Гречанинова, А. Кастальского, деятельностью С. Смоленского и Московского синодального хора. «Литургию» и «Всенощную» нельзя назвать произведениями, написанными для церкви, — они требуют большого хора и особого исполнительского мастерства.

· Послушаем фрагмент из «Всенощного бдения» - «Ныне отпущаеши».

В 1912 г. Рахманинов вступил в должность дирижера симфонических концертов Московского филармонического общества и с невероятным успехом провел сезон, в одном из концертов которого была исполнена его симфоническая поэма «Колокола» по произведению Эдгара По в переводе К. Бальмонта.
«Колокола» — сочинение Рахманинова с наиболее яркой программностью. Четыре части поэмы — четыре образа-символа человеческой жизни. Колокола вызванивают судьбу человека. То они разливаются серебристым звоном колокольчиков бегущих по заснеженной равнине саней, то звучат «золотым» свадебным звоном, то тревожно гудят набатом во время разыгравшегося пожара; а в финале монотонно отсчитывают погребальные удары.

За этот период состоялось несколько удачных заграничных гастролей Рахманинова. Концертные турне в 1909 г. по Америке и в 1914-м — по Англии принесли ему всемирную славу. Во время первой мировой войны его концертная деятельность с наибольшим масштабом развернулась в России. В сезоне 1917 г. он с успехом играл концерты в пользу русской армии.
Поначалу радостно встреченная Февральская революция все отчетливее стала вызывать у Рахманинова тревогу. После Октября конец старой России стал для него очевиден. В итоге Сергей Васильевич воспользовался приглашением из Швеции и вместе со своим другом Н. Струве, взяв всю семью, выехал в декабре в Стокгольм, рассчитывая дать там ряд концертов. Покинув родину, Рахманинов вынужден был отказаться от сочинения произведений. На долгие годы он становится концертирующим пианистом. Он будет постоянно совершенствовать свое мастерство, упорно занимаясь даже тогда, когда за ним окончательно закрепился титул пианиста номер один в мире.

1 ноября 1918 г. семья Рахманиновых отплыла из Норвегии в Нью-Йорк: начался американский период жизни музыканта, насыщенный концертами в Америке и Европе и омраченный тоской по утраченной родине. «Уехав их России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял самого себя»,- пишет Рахманинов. В числе немногих американских друзей — Фредерик Стейнвей, глава фортепианной фирмы, на роялях которой играл великий пианист. Вообще же, Рахманиновы в Америке живут достаточно уединенно, избегая назойливых и шумных знакомств. Вскоре успешные гастроли делают Рахманинова мировой знаменитостью.

С 1919 по 1939 г. Рахманиновы на лето выезжали в Европу, осень же и зиму проводили в Америке. С 1931 года семья Рахманинова жила в Швейцарии на берегу Фирвальдштетского озера, где была построена вилла, напоминавшая имение композитора в Ивановке. Виллу назвали «Сенар» (сокращенное от «Сергей и Наталья Рахманиновы»). Здесь семья проводила лето и чувствовала себя как «дома». С началом Второй мировой войны Швейцария стала недоступна.

В 1926 г. были написаны Четвертый фортепианный концерт и «Три русские песни» для симфонического оркестра и хора, в 1931-м — Вариации на тему Корелли и Вторая фортепианная соната. В них нет традиционных для Рахманинова жизнеутверждающих финалов. Интонации печали, тоски, вторжения инфернальных сил характеризуют образную драматургию последних творений композитора.

Венчают жизненный путь великого художника гениальные музыкальные полотна, составляющие своеобразную «лебединую» трилогию. В 1934 г. появляется «Рапсодия на тему Паганини», в 1936-м — Третья симфония. В 1940 г. Рахманинов завершает работу над «Симфоническими танцами».

· Послушаем фрагмент из «Рапсодии на тему Паганини» - вариацию №18 Реb мажор. Это воспоминание о былом. Вся «Рапсодия» строится на теме знаменитого 24-го каприса Паганини и мрачной, агрессивной теме средневековой католической секвенции «Dies irae», постепенно вытесняющей собой всё. Лишь одна лирическая вариация напоминает о прежнем Рахманинове.

Войну России с Германией композитор переживал очень тяжело. Осенью 1941 года он выступил с призывом поддержать Россию и весь гонорар от первого в сезоне концерта – 3920 долларов – целиком передал генеральному консулу России в США. В последние два года своей жизни Рахманинов как мог поддерживал своих соотечественников, перечисляя большие суммы в различные фонды и отправляя посылки с продуктами и вещами друзьям и знакомым в СССР.

Сергей Васильевич умер 28 марта 1943 г. в час ночи, не дожив нескольких дней до своего семидесятилетия. Последние переживания композитора были связаны с известиями о ходе боев советской армии с войсками фашистской Германии. Утраченная родина жила в его сердце как самая большая, дающая творческие силы любовь.