Заглавная страница Избранные статьи Случайная статья Познавательные статьи Новые добавления Обратная связь FAQ Написать работу КАТЕГОРИИ: АрхеологияБиология Генетика География Информатика История Логика Маркетинг Математика Менеджмент Механика Педагогика Религия Социология Технологии Физика Философия Финансы Химия Экология ТОП 10 на сайте Приготовление дезинфицирующих растворов различной концентрацииТехника нижней прямой подачи мяча. Франко-прусская война (причины и последствия) Организация работы процедурного кабинета Смысловое и механическое запоминание, их место и роль в усвоении знаний Коммуникативные барьеры и пути их преодоления Обработка изделий медицинского назначения многократного применения Образцы текста публицистического стиля Четыре типа изменения баланса Задачи с ответами для Всероссийской олимпиады по праву Мы поможем в написании ваших работ! ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ?
Влияние общества на человека
Приготовление дезинфицирующих растворов различной концентрации Практические работы по географии для 6 класса Организация работы процедурного кабинета Изменения в неживой природе осенью Уборка процедурного кабинета Сольфеджио. Все правила по сольфеджио Балочные системы. Определение реакций опор и моментов защемления |
Русская живопись второй половины XIX века↑ Стр 1 из 4Следующая ⇒ Содержание книги
Похожие статьи вашей тематики
Поиск на нашем сайте
Русская живопись второй половины XIX века Вторая половина XIX в. ознаменовалась расцветом русского изобразительного искусства. Оно стало подлинно великим искусством, было пропитано пафосом освободительной борьбы народа, откликалось на требования жизни и активно вторгалось в жизнь. В изобразительном искусстве окончательно утвердился реализм, сильно заметный даже в портретных работах, — правдивое и всестороннее отражение жизни людей, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и справедливости. Центральной темой стал народ, не только угнетенный и страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего лучшего, что есть в жизни. Творчество русских художников второй половины XIX века развивалось в обстановке нараставшего народно-освободительного движения. С каждым десятилетием все более углублялись классовые противоречия, характерные для царской России. Народ изнемогал под ярмом чудовищной эксплуатации. Крестьянские волнения были одной из главных причин отмены в 1861 году крепостного права. После отмены крепостного права капиталистическое развитие России пошло ускоренными темпами. «Освобождение» явилось в действительности бессовестным грабежом крестьян, развитие капитализма несло трудящимся лишь новые оковы. Движение народных масс становилось все более грозным, все более опасным для господствующих классов. В освободительном движении этого периода ведущую роль играли революционеры-разночинцы; выходцы из различных непривилегированных сословий, связанные с народом уже самим своим происхождением, они напряженно искали пути борьбы за народное дело. Революционные демократы, идейным вождем которых был Н. Г. Чернышевский, всю свою деятельность посвящали непримиримой борьбе против бесправия и угнетения человеческой личности, за прогресс и просвещение. Они оставили глубокий след в общественной жизни России, во всех областях русской культуры. Передовая, демократическая русская культура выражала идеи и настроения народа. «Судья теперь мужик, а потому надо воспроизводить его интересы», — писал И. Е. Репин. Всеми лучшими своими чертами русская культура обязана свободолюбивым устремлениям русского народа. Формирование новой, реалистической школы в русском изобразительном искусстве непосредственно связано с историческими событиями конца пятидесятых и начала шестидесятых годов; этим переломным моментом, собственно, и открывается искусство второй половины XIX века. Ломка крепостнических отношений, массовые крестьянские волнения, бурный подъем общественной жизни — таково было начало разночинского этапа освободительного движения в России. Реалисты — петербуржцы и москвичи — совместно и положили начало подъему национальной реалистической школы русской живописи. В 1873 г. художник тяжело заболел и был вынужден оставить преподавание. В 1879 г. коллеги добились для него скромной пенсии. Но денег не хватало, живопись не удавалась. Пукирев распродал свою коллекцию картин, менял квартиры. Менялся и его характер, прежде доброжелательный и мягкий. В 1890 г. полузабытый художник умер в бедности.
Архип Иванович Куинджи (1842—1910) – (41) Архип Куинджи родился на окраине Мариуполя в семье грека сапожника. Фамилия Куинджи произошла от прозвища деда, что по-татарски означат “золотых дел мастер”. В раннем возрасте он остаётся сиротой. В десять лет Куинджи определяют к строительному подрядчику. От строительного подрядчика Куинджи переходит к хлеботорговцу Аморетти комнатным мальчиком. В 1866 году Куинджи едет в Петербург поступать в Академию художеств. Он дважды держал экзамены в Академию художеств и оба раза безрезультатно: слабой оказалась художественная подготовка. В 1868 году на академическую выставку Куинджи представил картину “Татарская сакля”, за которую получил звание неклассного художника. В этом же году его приняли вольнослушателем в Академию. В Академии Куинджи подружился с И. Е. Репиным и В. М. Васнецовым, познакомился с И. Н. Крамским, М. М. Антокольским, В. Е. Маковским. Будущие передвижники во многом определили его художественные интересы. В творчестве художника цвет освобождается от темной тональности. В природе Куинджи улавливает тончайшие градации цвета. В живописи же художник свободно варьирует освещенностью, полутонами, яркостью. Он намеренно активизирует, звучно сопоставляет дополнительные цвета. Куинджи постиг в совершенстве тонкое знание гармонии цветов, колорита, тона. Эта его способность в полной мере проявилась в картинах 1879 года и последовавших за ними произведениях – «Березовая роща. Пятна солнечного света» (42), «Березовая роща» (43), «Вечер на Украине» (44), «Закат» (45), «Пейзаж.Степь» (46), «Радуга» (47). В конце 1870-х годов отношения Куинджи с передвижниками резко ухудшились. В марте 1880 года он выходит из Товарищества передвижных художественных выставок. В 1880 году Куинджи устраивает в Обществе поощрения художеств выставку одной своей картины: “Лунная ночь на Днепре” (48), выставка эта имела огромный успех. Мастерство Куинджи в передаче лунного света — результат огромной работы художника, длительных поисков. Он много экспериментировал, изучал законы действия дополнительных цветов, отыскивая верный тон, сверял его с цветовыми отношениями в самой природе. “Лунная ночь на Днепре” рисовала не столько конкретный вид, сколько обширное небесное пространство, мирозданье. Картина настраивала на философские раздумья о жизни, о земном существовании, о небесном мире, словно успокоившемся в медлительном течении. Для Куинджи становится характерным созерцательное, философское восприятие мира, наполняющее человека сознанием величия земного бытия. Искусство Куинджи резко выделялось на фоне передвижнического реализма и академизма, и было непонятно коллегам, вызывало недоумение. И. Н. Крамской был обескуражен декоративной яркостью картин Куинджи, дававших, как ему казалось, неверное воспроизведение реальности. Куинджи предложил новые принципы романтического искусства, тем самым до крайности сократил разрыв между угасающим академическим романтизмом и появлением нового романтического искусства.
Илья Ефимович Репин родился 24 июля 1844 года в семье военного поселенца в городке Чугуеве, близ Харькова. Мать мальчика подрабатывала, расписывая пасхальные яйца. Илья помогал ей в этом. Позже он поступил в мастерскую иконописца Бунакова. Через некоторое время Репин уже принимает участие в росписи сельских церквей. Скопив на заказах 100 рублей, он в 1863 году отправился в Петербург, где стал заниматься в Рисовальной школе Общества поощрения художников у Р. К. Жуковского и И. Н. Крамского. Под влиянием Крамского Репин начал работу над своей картиной “Бурлаки” (50). Сюжет возник во время прогулки под Петербургом летом 1868 года. Внимание Репина привлекли две группы: одна из них — пестрый “цветник” барышень и кавалеров, и другая — оборванные бурлаки, которые тянули баржу по Неве. Картина построена так, что процессия движется из глубины на зрителя, фигуры не заслоняют друг друга. Это сделано мастерски. Перед нами — вереница персонажей, каждый из которых — самостоятельная портретная индивидуальность. Репину удалось соединить условность картинной формы с удивительной натурной убедительностью. Художник разбивает ватагу бурлаков на отдельные группы, сопоставляя различные характеры, темпераменты, человеческие типы. В 1873 году Репин выехал за границу пенсионером Академии. Озабоченный социальным содержанием искусства, он не принимал творений современных ему западных живописцев. “Французы совсем не интересуются людьми, — замечал он. Костюмы, краски, освещение — вот что их привлекает”. За границей написана “Садко” (51) (за эту картину Репин получил звание академика). Самым значительным произведением на революционную тематику стало полотно “Не ждали” (52). Художник изобразил революционера, возвратившегося в родной дом из ссылки. Его неловкая поза, ожидание, застывшее в глазах, свидетельствующих о неуверенности, даже страхе: узнает ли его семья, примут ли отца, отсутствующего много лет, его дети? Репину удалось мастерски передать всю сложную гамму чувств, отраженных на лицах революционера и членов его семьи. Испуганно смотрит на незнакомого мужчину девочка (когда его забрали, она была слишком мала и потому забыла своего отца), изумлением полны глаза жены, сидящей у рояля. А на лице мальчика — радостная улыбка, говорящая о том, что ребенок догадался, кто стоит перед ним. Репин написал свою картину очень быстро, на одном дыхании. Но затем дело остановилось: в течение нескольких лет он переделывал голову революционера, стремясь добиться нужного выражения. По первоначальному замыслу его герой должен был иметь мужественный облик, но, в конце концов, художник остановился на мысли, что гораздо важнее показать муки и душевные переживания человека, на много лет оторванного от родного дома и семьи. Картину, показанную на XII Передвижной выставке, зрители встретили восторженно. Своего высочайшего творческого подъема Репин достиг в картине “Иван Грозный и сын его Иван” (53). На ней изображен царь после того, как он нанес смертельную рану сыну, в ту минуту, когда к нему приходит осознаниечудовищности совершенного им преступления.В январе 1913 года один из посетителей Третьяковской галереи, иконописец из старообрядцев, А. Балашов, с исступленным криком «Довольно крови! Довольно крови!» в припадке душевной болезни изрезал картину ножом. Только ценой большого труда художников-реставраторов ее удалось восстановить. Выделяется своей колоритностью полотно “Запорожцы пишут письмо турецкому султану” (54). В 1878 году, гостя в Абрамцеве, Репин услышал рассказ украинского историка о том, как турецкий султан писал к запорожским казакам и требовал от них покорности. Ответ запорожцев был смел, дерзок, полон издевок над султаном. Репин пришел в восторг от этого послания и сразу сделал карандашный эскиз. После этого он постоянно возвращался к этой теме, работая над картиной более десяти лет. В 1894 году Репин принял предложение Академии занять место профессора. На почве переутомления у Репина стала болеть, а потом перестала действовать правая рука, но он научился писать левой рукой. Современники восхищались его до иллюзии “живыми” портретами – «Портрет композитора Мусоргского» (55), и многофигурными жанровыми композициями – «Проводы новобранца» (56), артистичной манерой письма, а в социальном плане — умением обозначить самые злободневные проблемы русской жизни – «Отказ от исповеди» (57). В 1885 году Васнецову предложили работу по декорированию Владимирского собора в Киеве. Это стало исполнением желаний художника. Васнецов трудился над росписью собора более десяти лет. Это грандиозная работа, не имеющая аналогов в русском искусстве XIX века, стала его самым значительным монументально-декоративным свершением. При создании церковной росписи Васнецов стремился обновить византийские каноны, внося в них лирически-личностное начало, воплощая в ряде мозаик и фресок фольклорные образы, в которых явственно проявляется дух народного жизнеутверждения и пантеистичесой тайны. Возрождая монументальное искусство художник создал свой “васнецовский стиль”. В 1889 году художник создал станковое полотно “Иван-царевич на Сером волке” (87), наполненное могучей силой природы. В этой картине “васнецовский пейзаж” окончательно обрел одно из своих самых ярких воплощений. Своим гражданским долгом художник считал написание полотна “Богатыри” (88). В конце XIX начале XX веков художник выполнил ряд архитектурных проектов. Он был автором проекта своего дома в Москве; автором проекта павильона для Всемирной выставке в Париже; Грановитой палаты; Красного крыльца; проекта перехода из Оружейной палаты в Кремлевский дворец; проектов орнаментального оформления Большого Кремлевского дворца (1901 — 1903). Васнецов был одним из участников устройства экспозиции Третьяковской галереи, для которой он оформил фасад и спроектировал деревянные витрины для показа икон. На месте убийства великого князя Сергея Александровича в Кремле Васнецовым был создан памятный крест (1905), уничтоженный при советской власти и воссозданный на территории московского Новоспасского монастыря. Вернувшись к мотиву песнопения, Васнецов пишет картину “Сирин и Алконост. Песнь радости и печали” (89). В картинах последних лет Васнецов обращается к лирическим мотивам, но фольклор “не отпускает” его и он создает картины “Царевна-лягушка”, “Несмеяна-царевна” (90), “Сказка о спящей царевне», “Бой Добрыни Никитича со Змеем Горынычем”. «Бог Саваоф» (91) Иван Николаевич Крамской - русский художник, критик и теоретик искусства. Организатор Петербургской художественной артели, один из создателей объединения передвижников, тонкий художественный критик, страстно заинтересованный в судьбах русского искусства, он был идеологом целого поколения художников-реалистов. В годы учения в Академии художеств сплотил вокруг себя передовую академическую молодежь. Возглавил протест выпускников Академии (“бунта четырнадцати”), отказавшихся писать картины (“программы”) на заданный Советом мифологический сюжет. Молодые художники подали в совет академии прошение о том, чтобы им было разрешено выбрать каждому тему для картины на соискание большой золотой медали. Академия неблагосклонно отнеслась к предложенному новшеству, вследствие чего 14 молодых художников, с Крамским во главе, отказались в 1863 году писать на заданную академией тему — “Пир в Валгалле” и вышли из академии. Вышедшие из Академии художники объединились в Петербургскую артель. Царившей здесь атмосфере взаимопомощи, сотрудничества и глубоких духовных интересов они во многом обязаны Крамскому. Однако с течением времени “Артель” стала мало-помалу отходить в своей деятельности от заявленных при ее зарождении высоких нравственных принципов, и Крамской покинул ее, увлеченный новой идеей — созданием товарищества Передвижных художественных выставок. Он принял участие в разработке устава “Товарищества” и сразу сделался не только одним из самых деятельных и авторитетных членов правления, но и идеологом Товарищества, защищавшим и обосновывавшим основные позиции. От других предводителей Товарищества его выгодно отличала самостоятельность мировоззрения, редкая широта взглядов, чуткость ко всему новому в художественном процессе и нетерпимость ко всякому догматизму. В это время вполне определилось и призвание Крамского-портретиста. Тогда он чаще всего прибегал к своей излюбленной графической технике с применением белил, итальянского карандаша, работал также, используя метод так называемого “мокрого соуса”, позволявший имитировать фотографию. Техника живописи у Крамского была — тонкая законченность, которую некоторые иногда считали излишней или чрезмерной. Тем не менее Крамской писал быстро и уверенно: за несколько часов портрет получал сходство. Наследие Крамского очень неравноценно. Замыслы его картин были значительны и оригинальны, однако их осуществление наталкивалось на ограниченность его возможностей как художника, которую он сам хорошо осознавал и пытался преодолеть настойчивым трудом, но не всегда успешно. Вообще Крамской был очень требователен к художникам, чем нажил себе немало недоброжелателей, но вместе с тем строго относился к себе и стремился к самосовершенствованию. Основное его требование — содержательность и национальность художественных произведений, их поэтичность; но и самой живописи он отводил не последнее место. Наибольших успехов Крамскому удалось добиться в портретном творчестве. Незаурядным произведением оказалась его “Неизвестная” (100), до сих пор манящая зрителей своей неразгаданностью (а историков искусства — загадочностью обстоятельств работы над нею). Он запечатлел многих деятелей русской культуры: «Некрасов в период «Последних песен» (101). Крупным явлением искусства стали изображения русских крестьян: “ Созерцатель” (102). Очень много у Крамского женских образов – «Иродиада» (103), «Сомнамбула» (104),«Девушка с распущенной косой» (105), «Лунная ночь» (106). Со временем Крамской-портретист стал очень популярен, у него появилось множество заказчиков, вплоть до членов императорской фамилии. Это позволяло ему в последние годы жизни существовать безбедно. Иван Айвазовский Иван Константинович Айвазовский (настоящее имя – Ованес Айвазян) – русский художник армянского происхождения, мастер морского пейзажа. Родился в Феодосии в семье разорившегося купца. Благодаря протекции городского архитектора, заметившего у юного Айвазовского талант к живописи, учился в Академии художеств в Санкт-Петербурге. За довольно долгую творческую жизнь Айвазовский создал более 6 000 морских и городских пейзажей. Был профессором петербургской Академии художеств, а также членом ряда европейских академий. Айвазовский много путешествовал, вел активную общественную жизнь – открыл школу живописи, галерею, спонсировал строительство железной дороги и благоустройство родного города Феодосии. На окраине Феодосии он построил для себя дом и мастерскую и на всю жизнь поселился в этом небольшом черноморском городке. Айвазовский был последним и самым ярким представителем романтического направления в русской живописи. Творчество Айвазовского своего рода морская энциклопедия. Из нее можно в деталях узнать о любом состоянии, в каком пребывает водная стихия — штиль, легкое волнение, шторм, буря, производящая впечатление вселенской катастрофы. В его работах можно увидеть море в любую пору суток — от светозарных восходов до лунных ночей; и в любое время года насчитать десятки оттенков, окрашивающих морские волны — от прозрачных, почти бесцветных через все мыслимые нюансы голубизны, синевы, лазури до густой черноты. Айвазовский прекрасно умел передать раскат волны на песчаном берегу, чтобы было видно прибрежный песок, просвечивающий сквозь пенистую воду. Он знал множество приемов для изображения волн, разбивающихся о прибрежные скалы. Но воспроизвести море таким, как оно есть, Айвазовский считал невозможным и потому никогда не писал с натуры, полагаясь лишь на воображение. Окончив курс обучения в Академии художеств с золотой медалью первой степени, Айвазовский получил право на поездку за границу в качестве пенсионера академии. Художник работал в Италии с огромным воодушевлением и создал здесь около пятидесяти крупных картин. Картина «Хаос. Сотворение мира» (108) Айвазовского удостоилась чести войти в постоянную экспозицию Ватиканского музея. Папа Григорий XVI наградил художника золотой медалью. По этому поводу Гоголь шутливо говорил художнику: "Твой "Хаос" поднял хаос в Ватикане". Неповторимы ночные марины Айвазовского - Буря на море ночью (109), Ночь. Голубая волна (110), Черное море ночью (111) - эта тема проходит через все творчество Айвазовского. Эффекты лунного света, саму луну, окруженную легкими прозрачными облаками или проглянувшую сквозь разорванные ветром тучи, он умел изображать с иллюзорной точностью. Образы ночной природы Айвазовского - одни из самых поэтических изображений природы в живописи. Особенно ярко романтические черты сказались в картине Девятый вал (112). Своим названием картина обязана распространенному мнению, будто бы каждый девятый вал во время шторма является особенно большим и страшным, превосходящим все другие. На картине художник изобразил раннее утро после бурной ночи. Первые лучи солнца освещают бушующий океан и громадный "девятый вал", готовый обрушиться на группу людей, ищущих спасение на обломках мачт. За обломок мачты погибшего корабля цепляются четыре человека в восточной одежде, уцелевшие после кораблекрушения. Пятый старается выбраться из воды на мачту, ухватившись за падающего с нее своего товарища. Им ежеминутно угрожает гибель среди обрушивающихся на них валов, но они не теряют надежды на спасение. И. Айвазовский во многих своих картинах изображал кораблекрушения и людей, борющихся с морской стихией. В «Девятом вале» он особенно резко противопоставляет бушующее море и упорство нескольких человек. Красочное великолепие раннего солнечного утра над волнующимся еще морем передано И. Айвазовским с замечательной смелостью и силой. Он соединил в одно целое золотистые, сиреневые, зеленые и синие тона. В картине все находится в движении. Верхняя часть картины вся наполнена фиолетово-розовой мглой, пронизанной золотом низко стоящего солнца и расплывающихся, клубящихся, похожих на горящий туман облаков. Под ними хрустальное, зеленовато-синее море, высокие бурные гребни которого сверкают и переливаются всеми цветами радуги. В 1881 году Айвазовский создал одно из наиболее значительных произведений - картину Черное море (113). Сдержанное напряжение и эпическая сила волновали художника при создании подобных пейзажей. На картине море изображено в пасмурный день; волны, возникая у горизонта, движутся на зрителя, создавая своим чередованием величавый ритм и возвышенный строй картины. Она написана в скупой, сдержанной красочной гамме, повышающей ее эмоциональное воздействие. Картина свидетельствует о том, что Айвазовский умел видеть и чувствовать красоту близкой ему морской стихии не только во внешних живописных эффектах, но и в едва уловимом строгом ритме ее дыхания, в ясно ощутимой потенциальной мощи ее. И, конечно, в этой картине он демонстрирует главный свой дар: умение показать пронизанную светом, вечно подвижную водную стихию. Небо всегда занимало большое место в композиции картин Айвазовского. Воздушный океан — движение воздуха, разнообразие очертаний облаков и туч, их грозный стремительный бег во время бури или мягкость сияния в предзакатный час летнего вечера иногда сами по себе создавали эмоциональное содержание его картин – «Облака над морем, штиль» (117). Свет как идея играет в творчестве Айвазовского значительную роль. Изображая море, облака и воздушное пространство, художник фактически изображает свет. Свет в его искусстве — символ.
Михаил Врубель 1856 – 1910 Учился в петербургской Академии Художеств. Неоднократно бывал в Италии и Франции, посетил Германию, Грецию, Швейцарию. Следуя традиции А. А. Иванова и Н. Н. Ге, Врубель в своём творчестве обращался к проблемам бытия человека, к морально-философским вопросам о добре и зле, о месте человека в мире. Но в условиях сложного и противоречивого развития русской художественной культуры конца 19 - начала 20 вв. стремление решить эти вопросы приводило Врубеля, стоявшего в стороне от общественной борьбы своей эпохи и не видевшего реальных путей преодоления острых противоречий буржуазной действительности, к мучительным поискам выхода лишь во внутренней, духовной жизни человека. Это придаёт творчеству Врубеля, как и творчеству ряда других русских художников конца 19 - начала 20 вв., субъективные, индивидуалистические, а порой и мистически-болезненные черты, что вызывало ожесточённую полемику по поводу его произведений в различных кругах русского общества. В поисках большей духовности, монументальности и пластической выразительности произведений Врубель обращается к опыту классического искусства. Однако он далёк от стилизации или подражания. В характерной манере Врубеля, живописца и рисовальщика, творчески преломились декоративность и обострённая экспрессия византийского и древнерусского искусства, цветовое богатство венецианской живописи. Резкий, ломающийся штрих, сопоставление нескольких планов в изображении предмета, расчленение объёма на множество взаимосвязанных пересекающихся граней и плоскостей, широкий мозаичный мазок, лепящий форму, напоминающее витраж горение красок и эмоциональные цветовые сочетания становятся в творчестве Врубеля (окончательно манера Врубеля сложилась в нач. 1890-х гг.) пластическими средствами выражения того тревожного и драматического восприятия мира, которое во многом определяет своеобразие его творчества.
Васильев Федор Александрович (1850-1873) – з амечательный пейзажист. Васильев был сыном мелкого почтамтского чиновника в Петербурге; уже двенадцатилетним ребенком его отдали на службу в Главпочтамт за три рубля жалованья в месяц. Он с ранних пор пристрастился к рисованию. Молодой Васильев вскоре оставил службу и поступил в рисовальную школу Общества поощрения художеств, а несколько позже стал пользоваться советами И.Н. Крамского и И.И. Шишкина. В 1867 г. Васильев написал на Валааме несколько этюдов с натуры, которые были выставлены в Обществе поощрения художеств. В 1870 г. вместе с Репиным и Макаровым предпринял поездку по Волге и написал картины: “Оттепель”, “Вид на Волге” и “Зимний пейзаж”, доставившие ему известность. Зимой 1870 г. Васильев сильно простудился и у него обнаружилась чахотка. По приглашению графа Строганова он провел лето 1871 г. в имениях его в Харьковской и Воронежской губерниях, но здоровья своего не поправил. Общество поощрения художеств дало ему средства ехать в Крым; еще до отъезда Васильев был зачислен вольноопределяющимся учеником Академии художеств и получил звание художника 1-й степени с условием выдержать экзамен из научного курса. В Крыму Васильев провел два года и, кроме множества рисунков, написал две картины: “Болото” и “Крымский вид”, за которые ему была присуждена премия от Общества поощрения художеств в 1872 г. В сентябре 1873 г. он умер в Ялте от чахотки. Последние годы его существования были омрачены безуспешностью хлопот о документах, которые определили бы его общественное положение (Васильев был незаконнорожденный). Все оставшиеся после него произведения, большей частью неоконченные, были раскуплены. Из альбомов его два были приобретены покойной императрицей Марией Александровной и д
|
||||
Последнее изменение этой страницы: 2016-04-08; просмотров: 2681; Нарушение авторского права страницы; Мы поможем в написании вашей работы! infopedia.su Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. Обратная связь - 18.207.255.67 (0.026 с.) |