Венская Классическая Школа Музыки

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus — «образцовый») возник в XVII столетии во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойдёнными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII — начала XIX столетия — венскую классическую школу.

Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции — они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

Произведение искусства должно было создаваться по строгим правилам и решать высокие нравственные проблемы. Итальянские опера-сериа и опера-буффа этим требованиям не отвечали. Появление оперы, основанной на художественных принципах классицизма, связано с творчеством Кристофа Виллибальда Глюка.

Первыми операми, созданными по новым правилам, стали «Орфей и Эвридика» (17б2 г.), «Альцеста» (1767 г.), «Парис и Елена» (1770 г.). Глюк написал их на тексты итальянского поэта и драматурга Раньери да Кальцабиджи (1714—1795). Это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы. Для опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнения долга. Действующими лицами его произведений являлись обобщённые символические фигуры, олицетворявшие нравственные понятия — любовь, верность, самоотверженность и т. д. В драматургии опер ясно выражена связь с традициями античного театра — количество персонажей минимально, происходящее комментирует хор. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играют речитативы; они всегда звучат под аккомпанемент оркестра (в отличие от секко — речитативов оперы-сериа, которые сопровождались клавесином). Главная мелодическая линия проводится в ариях; композитор отказался от виртуозных приёмов и украшений, отвлекавших слушателей от содержания текста.

В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев.

О музыке Йозефа Гайдна (1732—1809) — одного из основателей венской классической школы — его друг и младший современник Вольфганг Амадей Моцарт писал: «Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и все одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».

С творчеством Гайдна связан расцвет таких жанров, как симфония, струнный квартет, клавирная соната; большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке. Йозефа Гайдна часто называют «отцом» симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки.

В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким образом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта особенность личности отразилась в музыке.

Представителям венской классической школы, и, прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Появление устойчивого состава оркестра — яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки.

Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории («Сотворение мира», 1798 г.; «Времена года», 1801 г.).

Творчество Моцарта (1756—1791) занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека («Буря и натиск», отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности.

Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения — целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Моцарт не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы — новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую — появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие — в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа. В отличие от Глюка, который предпочитал мифологические сюжеты, Моцарт часто обращался к литературным источникам. Моцарт (опять же в отличие от Глюка) главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра.

Будучи представителем венской классической школы, Моцарт, как и Гайдн, большое значение придавал жанру симфонии. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы (Моцарт одним из первых стал использовать эту форму для медленных частей). Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы.

Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта — соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других — драматизм и эмоциональные контрасты.

Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии — так называют музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме.

Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.