Джованни пьерлуиджи да палестрина жоскен депре орландо лассо

Другим выдающимся музыкантом эпох и Высокого Возрождения является Орландо Лассо (настоящее имя Ролан де Лассю). Кроме того, что он был прекрасным капельмейстером, прославился Лассо и как прекрасный композитор, чьи произведения изобилуют элементами эпико-драматической силы, оказывающей огромное воздействие. Его музыкальное письмо отличается поразительной легкостью во многом благодаря тому, что он отказывался от сухих идей предшествовавших ему композиторов нидерландской школы. При создании духовных сочинений Лассо стремится к естественному ведению голосов и впервые расширяет формы мотета, начав работать на создаваемые им самим темы. В своих произведениях он применяет хроматизмы и модуляции, а временами встречающиеся в музыке Лассо, основанной еще на церковных ладах, гармонические сочетания приближаются к современным. Говоря об эпохе Высокого Возрождения, необходимо также упомянуть еще и о таком гениальном ее представителе-музыканте, каковым является Томас Таллис —знаменитый английский композитор XVI века. Сочинения Таллиса по праву считаются образцами того времени в смысле техники.

Музыка XVII—XVIII веков

 

На рубеже XVI—XVII столетий полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. «хомо'с» — «один», «одинаковый» и «фоне» — «звук», «голос»). В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонном многоголосии выделяется один, исполняющий главную тему, а остальные играют роль аккомпанемента (сопровождения). Аккомпанемент представляет собой, как правило, систему аккордов (гармоний). Отсюда и название нового способа сочинения музыки — гомофонно-гармонический.

Изменились представления о церковной музыке. Теперь композиторы стремились не столько к тому, чтобы человек отрешился от земных страстей, сколько к тому, чтобы раскрыть сложность его душевных переживаний. Появились произведения, написанные на религиозные тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. (Такие сочинения называют духовными, так как слово «духовный» имеет более широкое значение, чем «церковный».) Основные духовные жанры XVII— XVIII вв. — кантата и оратория. Возросло значение светской музыки: она звучала при дворе, в салонах аристократов, в общедоступных театрах (первые такие театры были открыты в XVII в.). Сложился новый вид музыкального искусства — опера.

Инструментальная музыка также отмечена появлением новых жанров, и в первую очередь инструментального концерта. Скрипка, клавесин, орган постепенно превратились в сольные инструменты. Музыка, написанная для них, давала возможность проявить талант не только композитору, но и исполнителю. Ценилась, прежде всего, виртуозность (умение справляться с техническими трудностями), которая постепенно стала для многих музыкантов самоцелью и художественной ценностью.

Композиторы XVII—XVIII столетий обычно не только сочиняли музыку, но и виртуозно играли на инструментах, занимались педагогической деятельностью. Благополучие художника в значительной степени зависело от конкретного заказчика. Как правило, каждый серьёзный музыкант стремился получить место либо при дворе монарха или богатого аристократа (у многих представителей знати были собственные оркестры или оперные театры), либо в храме. Причём большинство композиторов легко сочетали церковное музицирование со службой у светского покровителя.

В конце XVI столетия в Италии сложился художественный стиль барокко (от um. barocco — «странный», «причудливый»). Характерными чертами искусства данного периода являются грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, накал страстей, пристрастие к эффектным зрелищам, совмещению иллюзорного и реального, к сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактуры, света и тени. Музыке барокко также свойственны контрастность, напряженность, динамичность образов, тяготение к величавой пышности, совмещению действительности и вымысла (опера, оратория, культовая музыка). Кроме того, музыка обретает полную независимость от слова, в связи с чем возникают крупные циклические формы (например, сольная и ансамблевая сонаты), а также жанры concerto grossi и сюиты, причем в последних гармонично сочетаются театральные увертюры, бытовые танцы, арии, импровизации.

Данные черты в полной мере проявились в опере, возникшей на рубеже XVI—XVII вв. Одно произведение соединяло в себе музыку, поэзию, драматургию и театральную живопись.

Первоначально опера имела иное название: «драма для музыки» (ит. dramma per musica); слово «опера» (ит. opera — «сочинение») появилось только в середине XVII в. Идея «драмы для музыки» родилась во Флоренции, в художественном кружке Флорентийская камерата. Идеал сочетания слова и музыки члены кружка находили в античном театре: стихи произносились нараспев, каждое слово, каждый слог звучали ясно. Так Флорентийская камерата пришла к идее сольного пения в сопровождении инструмента — монодии (от греч. «мо'нос» — «один» и «оде'» — «песня»).

Опера стала быстро развиваться, и, прежде всего как придворная музыка. Знать покровительствовала искусствам, и такая забота объяснялась не только любовью к прекрасному: процветание искусств считалось обязательным атрибутом могущества и богатства. В крупных городах Италии — Риме, Флоренции, Венеции, Неаполе — сложились свои оперные школы.

Лучшие черты разных школ — внимание к поэтическому слову (Флоренция), серьёзный духовный подтекст действия (Рим), монументальность (Венеция) — соединил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643). В произведениях Монтеверди гармонично сочетаются музыка и текст. В основе опер — монолог-речитатив, в котором ясно звучит каждое слово, а музыка гибко и тонко передаёт оттенки настроения. Монологи, диалоги и хоровые эпизоды плавно перетекают друг в друга, действие развивается неспешно (в операх Монтеверди три-четыре акта), однако динамично. Важную роль композитор отводил оркестру. В «Орфее», например, он использовал почти все известные в то время инструменты. Оркестровая музыка не просто сопровождает пение, но сама рассказывает о событиях, происходящих на сцене, и переживаниях персонажей. В «Орфее» впервые появилась увертюра (фр. ouverture, or лат. apertura — «открытие», «начало») — инструментальное вступление к крупному музыкальному произведению. Оперы Клаудио Монтеверди оказали значительное влияние на венецианских композиторов, заложили основы венецианской оперной школы. Монтеверди писал не только оперы, но и духовную музыку, религиозные и светские мадригалы. Он стал первым композитором, который не противопоставлял полифонический и гомофонный методы — хоровые эпизоды его опер включают в себя приёмы полифонии. В творчестве Монтеверди новое соединилось со старым — традициями эпохи Возрождения.

К началу XVIII в. сложилась оперная школа в Неаполе. Особенности этой школы — повышенное внимание к пению, главенствующая роль музыки. Именно в Неаполе был создан вокальный стиль бельканто (ит. bel canto — «прекрасное пение»). Бельканто славится необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством.

В XVIII столетии опера стала основным видом музыкального искусства в Италии, чему способствовал высокий профессиональный уровень певцов, обучавшихся в консерваториях (ит. conservatorio, от лат. conservo — «охраняю») — учебных заведениях, готовивших музыкантов.

Значительны достижения музыки Италии XVII—XVIII вв. и в области инструментальных жанров. Для развития органного творчества много сделал композитор и органист Джироламо Фрескобальди (1583—1643). В церковной музыке он положил начало новому стилю: его сочинения для органа — развёрнутые композиции фантазийного (свободного) склада. Фрескобальди прославился виртуозной игрой и искусством импровизации на органе и клавире.

Достигло расцвета скрипичное искусство. Основатель римской скрипичной школы — Арканджело Корелли являющийся родоначальником виртуозной скрипичной игры и камерной музыки.

Один из выдающихся мастеров скрипичной музыки — Антонио Вивальди (1678—1741). Он прославился как блестящий скрипач-виртуоз. Характерными чертами его музыки являются яркость музыкальных тем, лиричность, разнообразие скрипичной техники. Концертное творчество Вивальди стало ярким воплощением в инструментальной музыке стиля барокко.

Французская музыка наряду с итальянской — одно из значительных явлений культуры XVII—XVIII столетий. Французская опера испытала сильное влияние классицизма и, прежде всего — классицистического театра. При дворе «короля-солнца» Людовика XIV опера заняла важное место. Королевская академия музыки (театр, в котором проходили оперные постановки) стала одним из символов роскоши королевского двора и могущества монарха.

Классицизм (от латинского classicus—«образцовый»)—стиль и направление в литературе и искусстве XVII— начала XIX века, обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Сфор-мировался в XVII веке во Франции. Стремился воплотить представления о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, возвышенные героические и нравственные идеалы.

Основоположником классицизма в музыкальном театре стал Жан Батист Люлли (создатель лирической трагедии), черты классицизма и барокко объединены в жанре оперы-seria.

Главное в музыке Люлли — развёрнутые арии-монологи, в которых темы песенного или танцевального характера чередуются с речитативом, гибко и тонко передающим чувства персонажей. Влияние барокко проявилось не только во внешней роскоши постановки,но в повышенном внимании к любовной драме.

В области инструментальной музыки во Франции основные достижения связаны с клавиром. Клавирная музыка представлена двумя жанрами. Один из них — пъесы-миниатюры, простые, изящные, утончённые. В них важны мелкие детали, попытки изобразить звуками пейзаж или сценку.

Другой жанр французской клавирной музыки — сюита (от фр. suite — «ряд», «последовательность»). Такое произведение состояло из нескольких частей — танцевальных пьес, контрастных по характеру; они следовали друг за другом.

XVII век стал для Англии временем важных общественно-политических перемен. Буржуазная революция и гражданские войны, когда к власти пришли пуритане, которые отвергали церковную музыку, созданную в предшествующие столетия: они сжигали ноты, разрушали органы, скрипка была объявлена инструментом греховным. Светское искусство, особенно театр, считалось греховной роскошью. В 1660 г. произошла реставрация (восстановление) монархии и художественная жизнь вновь сосредоточилась вокруг королевского двора.

Крупнейший английский композитор эпохи Реставрации — Генри Пёрселл (около 1659—1695). За свою короткую жизнь Пёрселл написал много вокальных, инструментальных, музыкально-театральных произведений, наиболее значительное из которых — опера «Дидона и Эней» (1689г.). Это первая английская национальная опера. Отличительная черта творчества Пёрселла — гармоничность. Композитор обладал удивительным даром создавать совершенные мелодии — спокойные, величественные и безукоризненные по форме. После Генри Пёрселла в английской музыке до XX в. не было столь же ярких мастеров.

Музыкальная культура Германии XVII в. тесно связана с событиями общественной жизни предшествующего столетия, и прежде всего с Реформацией. Протестантский хорал, появившийся в тот период, к началу XVII в. перестал звучать исключительно в церкви. Постепенно мелодии этих песнопений начали использовать в ораториях, кантатах и других духовных жанрах.

Заслуга создания в немецкой музыке оратории, кантаты, духовного хорового концерта во многом принадлежит композитору, органисту и педагогу Генриху Шютцу (1585— 1672). Он написал первую немецкую оперу «Дафна» (1627 г.) и оперу-балет «Орфей и Эвридика» (1638 г.). Однако в Германии XVII в. опера не получила дальнейшего развития. В стране ещё не было общедоступных музыкальных театров, постановки обычно осуществлялись при дворах знатных вельмож, а аристократия предпочитала итальянскую оперу.

С именем Георга Фридриха Генделя (1685—1759) связано развитие оперы и оратории. Гендель состоялся как оперный композитор в Италии. Известность ему принесла постановка «Агриппины» (1709 г.) в Венеции, а опера «Ринальдо» (1711 г.), поставленная в Лондоне, сделала Генделя крупнейшим оперным композитором Европы. Он работал в жанре итальянской оперы-сериа. Музыка необыкновенной красоты (к тому же с запоминающимися мелодиями) производила огромное впечатление на слушателей. В 40-х гг., после провала оперы «Дейдамия» (1741 г.), Гендель больше не обращался к этому виду музыкального искусства и посвятил всё своё время оратории. Новые сочинения композитора были горячо приняты публикой. В конце жизни мастер был окружён почётом и уважением.

В сочинениях Генделя чувствуется влияние итальянской и английской музыки. Однако по образу мышления Гендель оставался немецким композитором. Его произведения оказали значительное влияние на художников последующих поколений, особенно на представителей венской классической школы.