Раздел I. Культура стран Западной Европы в эпоху Средневековья.

Раздел I. Культура стран Западной Европы в эпоху средневековья.

 

Тема 1. Искусство раннего средневековья

В то время, как Византия устояла под ударами варваров, западная часть империи пала. Германские племена вторглись в Италию, разорили Рим. На огромном пространстве Восточной Европы распространяется «звериный стиль», для которого характерна патетика, драматичность. Гробницы вождей наполнены множеством ювелирных украшений. Орнамент играл ведущую роль в варварском искусстве. Он имел ряд черт, отличных от орнамента античности. Среди них:

- одинаковая выпуклость вместо постепенного нарастания объема;

- постоянные мотивы узора располагаясь в разных направлениях, пронизывают друг друга;

- разнообразие предметов,

В середине первого тысячелетия в Европе античность еще не стала основой дальнейшего развития искусства, и со времени образования в конце V века Франкского государства потребность в усвоении классического наследия стала возрастать. В конце VIII века началось Каролингское Возрождение. Через полтора века германские императоры Оттоны в X веке вновь пытаются возродить Римскую империю. Но времена были дркгие. Оттоны выдерживали натиск славян и мадьяр на Востоке. Суровый дух эпохи, грубость нравов определяли характер искусства.

Тема 2. Романский стиль

Романским стилем в старину называли памятники архитектуры, выполненные по римскому образцу, то есть из камня со сводчатым покрытием, а не из дерева, ка строили варвары.

Романский стиль в начатоящее время определяется как стиль западно-европейского искусства XI –первой пол. XII веков. Основой романского искусства были в первую очередь слолжившаяся на Западе в темные века» местные художественные традиции. Суровые нравы, нескончаемые феодальные войны, право грубой силы, практическое чутье людей того времени – все это проявилось в феодальных замках той эпохи. При возведении крепости выбиралось место на высоком откосе. Характер участка определял форму план крепости. Она окружалась со всех стороно широким рвом и высокими гладкими стенами, сложенными из огромных камней. Стены заканчивались зубцами, на углах и по стенам стояли сторожевые башни цилиндрической формы К входу вел подъемный мост, по бокам от портала стояли башни. В середине крепости находился обширный двор посреди донжон – огромная массивная башня с маленькими окнами.

Собор в своих истоках связан с древнехристианской базиликой. Его основная задача – служить местом соприкосновения человека с Богом. Глубоко под землей располагались крипты, в которых помещались саркофаги епископов и знати и хранились мощи святых. Главный продольный неф, который окаймляли еще 2 или 4 нефа, служил местом собрания общины верующих. «Святая святых» храма – полукруглая апсида, служившая местом для алтаря, окружалась венцом полукруглых капелл. Уровень это части храма был несколько выше пола главного нефа. Над венцом капелл поднимался обход алтаря, которое замыкал квадрат перекрести, к которому с боков примыкали рукова трансепта. Над местом пересечения нефа и поперечного зала, т.н. трансепта, высилась башня. Еще две башни высились с двух сторон портала. Нефы перекрывались сдвускатными крышами, либо тяжелыми камеными сводами. Стены из-за сильного бокового распора, стремившегося воалить стену, утолщались и могли достигать 6 метров в толщину, окна были узкими как бойницы. Обстоятельства требовапли увеличения внутреннего пространства храмов, поэтому их стали перекрывать крестовыми сводами, получающиеся при пересечении двух полуцилиндров под прямым углом. Такая конструкция пененосит тяжесть перекрытия на угловые опоры, но вес сводов доходивший иногда до двух метров в толщину был все же весьма велик. Все равно таким массивным сводом не перекрыть достаточно большого пространства В романской архитектуре определился тип архитектурной композиции, которого не знали ни Греция, ни Рим.Традиционые римские арки, столбы и колонны вступили в тесное взаимодействие. Нередко одна арка охватывает другую или целую группу более мелких арок. Полуколонны входят своими кубическими капителями в массив стены и собираютсяв пучки. Бокове стены стали более масиивны, членение на яруса исчезает Внтури романики существаоло несколько школ. Среди французских мест первое место занимала Бургундия, где орден Клюни разработал тип монастырского храма со множеством алтарей, поперечных и боковых нефов. Бургундские храмы отличаются совершенством форм, законченностью и закругленностью частей. Нормандская школа и школа Прованса, в которой преоюладали однонефные зальные храмы с ясными формами и пропорциями. Романские храмы Германии более кубичны и массивны, в них слабее выражены членения. Их черта – тяжелая башня на перекрестье. Романский стиль получил свое развитие в Испании, испытав при этом сильные мавританские влияния. В Италии архитекторы Ломбардии разработали сводчатую конструкцию

Ранние романские храмы Германии перекрывались плоским потолком. Однако уже в XI веке романские зодчие попытались связать две боковые стены одним цилиндрическим сводом. Но он мешал освещению и производил давящее впечатление. Поэтому главный неф стали перекрывать крестовыми сводами, представлявший собой два взаимно пересекающих Коробовых свода. При этом средний неф покрывался большими квадратными в плане крестовыми сводами. 1. Романское изобразительное искусство отличалось большой разнообразностью стиля В романском искусстве создается тип «повествовательной капители», когда капитель представляет собой ряд фигур. Возрождается после долгого перерыва круглая скульптура, подготовленная почитанием мощей. Романская миниатюра составляет противоположность византийской. Ее любимые цвета – желтый, синий, красный.

Положение художника. Искусство в средние века не отделялась от ремесла, поэтому живописцы Флоренции могли объединяться в одном цеху с аптекарями и оружейниками, а в Германии скульпторы состояли в одном цеху с оружейниками и переплетчиками. Цех принимал художника в обучение с 12 лет, воспитывал в течении 3-х и даже 6 лет.

Граница между романским стилем и готикой падает во французской архитектуре на 1150 год. В других странах перелом произошел позже.

Живопись дученто

Джотто ди Бондоне родился в 1266 или в 1267 году. Учителем его был Чимабуэ. Джотто – фресочник, он находился под влиянием искусства Византии. В 90-е годы Джотто провел в Ассизи, где принимал участие в росписи Верхней церкви Сан Франческо. К его ранним творениям относятся фрески на тему Ветхого и Нового завета и жития св. Франциска. Затем Джотто уезжает в Рим, где на него большое впечсатлен6ие оказали раннехритианские мозаики. Во второй половине 90-х годов Джотто снова работает в Ассизи, где применяет метод, заимствованный им из практики художников-мозаичистов: на стене, покрытой толстым слоем грубой штукатурки, красной краской наносился рисунок, затем работу продолжали помощники, после чего часть нарисованной композиции вновь покрыалась тонким слоем штукатурки. Легкой штриховкой светлой охрой рисунок восстанавливался, после чего живопись выполнялась в технике фрески. Некоторые детали (орнамент, пейзаж) Джотто писал по- сухому.

В 1304 году в Падуе Джотто приступает к росписям в капелле Скровеньи. Цикл росписей посвящен жизнеописанию Марии и Христа.С 1328 года Джотто работает при дворе короля Анжуйского в Неаполе, с начала 30-х годов он работает во Флоренции, с 1334 года руководит строительством флорентийского собора и начинает проектирвоать колокольню – кампаниллу. Затем снова работает в Милане, а перед самой смертью вернулся во Флоренцию..

 

 

Возрождение в Германии.

Развиваясь в общем русле европейского Возрождения, немецкое искусство во мигом продвигалось собственным путем. В искусстве Германии XV – XVI веков проявляясь реминисценции готики. Важное значение для развития немецкого искусства имели местные художественные традиции. Писатели-мистики XIII- XIV веков дали богатый материал художникам последующих двух столетий.

Германия, находясь в центре Европы, подвергалась внешним воздействиям. Искусство немецкого Возрождения сформировалось в один из самых драматических периодов в истории Германии. Авторитет папства был подорван вынужденным перенесением папского престола во Францию и последовавшим за этим церковным расколом, когда право на обладание папской тиарой оспаривали трое пап. В 1453 год пала Византия. Распространялись еретические учения. Конец света многие ожидали в 1500 году.

Альбрехт Дюрер 1471-1528.

Дюрер родился в Нюрнберге в семье ювелира в 1471 году. Дюрер был третьим ребенком в многодетной семье, в которой из 18 детей осталось три брата. Первые навыки рисования Альбрехт получил в мастерской отца. Три года учебы у Михаэя Вольгемута в крупнейшей мастерской города. 1 декабря 1489 года Дюрер закончил обучение и согласно цеховым правилам отправился путешествовать по городам Германии. Странствия продлились 4 года. Осенью 1493 года художник переехал из Базеля в Страсбург. В этом году Дюрер исполнил свой автопортрет, представ перед нами в образе мечтательного юноши с цветком в руке. Весной 1494 года отец вызвала Дюрера в Нюрнберг, где тот женился на дочери влиятельного Нюрнбергского бюргера, механика и музыканта Ганса Фрея 15- летней Агнесс.

Летом 1494 года Дюрер исполнил несколько акварельных пейзажей окрестностей Нюрнберга. Во время пребывания в Италии Дюрер уделял много внимания изображению нагого тела. Возвращаясь из Венеции в Нюрнберг, Дюрер запечатлел альпийские горы и лежавшие на его пути города в многочисленных акварелях. Пейзаж «Вид Инсбрука» 1495 г., «Вид Триента».

1495-1500 годы – начало самостоятельной деятельности. Вернувшись из Италии, художник одновременно пробовать себя в живописи, гравюре на дереве и гравюре на меди. Он работает над алтарными образами, придавая им реалистическую достоверность. Портреты Дюрера положили начало расцвету этого жанра в немецкой живописи. Он расширил тематику гравюры, привлекая мифологические, бытовые и литературные сюжеты. К концу 90-х годов его имя становится известным не только в Германии, но и в Европе главным образом благодаря популярности гравюр. Главными для Дюрера в это время были гравюры на дереве. Он обратился к распространенной однолистной гравюре на дереве, со временем переходит к созданию серий гравюр, соединенных в виде сброшюрованных книжек с сопроводительным текстом на обороте листов. Во второй половине 90-х годов Дюрер переходит к новой технике, он вводит штриховку по форме изгибающимися линиями, применял перекрещивающиеся штрихи, дающие глубокие тени. Среди лучших ксилографий этого периода – «Св. Екатерина» 1498 года. Серия гравюр «Апокалипсис». Содержавшиеся в «Апокалипсисе» описания бедствий и гибели человечества производили в то время сильное впечатление. Иллюстрации Дюрера отражают реформационные настроения. Вавилон – это папский Рим, современные немецкие и венецианские костюмы, оружие, архитектура. Серия состоит из 15 гравюр, к которым впоследствии Дюрер присоединил титульный лист. Более ранние листы – «Открытие седьмой печати», «Поклонение отцу» отличаются обилием фигур, в более поздних – «Семь светильников», «Иоанн, глотающий книгу» фигуры укрупняются, формы трактуются более обобщенно. В заключительном листе 2Небесный Иерусалим» показано, как ангел запирает побежденного Сатану в преисподней. Другой ангел показывает Иоанну Небесный Иерусалим, похожий на средневековый город с массивными воротами и многочисленными башнями.

Вторая серия гравюр на дереве носит название «Большие страсти» была завершена лишь в 1510-1511 годах. Первые 7 листов повествуют о самых трагических эпизодах истории Христа («Моление о чаше», «Бичевание», «Се человек», «Несение креста», «Оплакивание» и «Положение во гроб». Одним из самых популярных листов серии стало «Несение креста», в котором Дюрер представил Христа упавшим под тяжестью креста.

Тематика гравюр на меди разнообразна. Это и мифологические, литературные и бытовые сюжеты. Одна из наиболее известных работ – «Блудный сын». Среди жанровых изображений – «Три крестьянина». Живописные работы Дюрера этого времени не столь многочисленны. В портретах сказывается влияние нидерландской школы – что проявляется в тщательности отделки деталей, для портретов характерна необычайная экспрессивность. Одним из лучших является Автопортрет представляющий художника нарядным кавалером

«Меланхолия» 1514 года изображает одиноко сидящую женщину в лавровом венке, олицетворяющую творческий гений. На боку у нее связка ключей и кошелек, на коленях – закрытая книга, в правой руке циркуль – символ геометрии и строительного искусства. На стене за спиной женщины висят весы, песочные часы, колокол и магический квадрат.

«Четыре апостола». Дюрер создал монументальные фигуры людей, полных чувства собственного достоинства, уверенных в своей силе

Теоретические работы в 1525 году Дюрер выпускает «Руководство измерению циркулем и линейкой», годом позже – «Наставления к укреплению городов, замков и крепостей», уже после смерти Дюрера выходит его труд «Четыре книги о пропорциях человека». В 1528 году Дюрер скончался

. Ганс Гольбейн Младший 1497-1543 – портреты, изысканные по колористическому решению. Альбрехт Альтдорфер, глава «Дунайской школы». Лукас Кранах

Возрождение во Франции. Хотя искусство Франции развивалось в русле идей и образов, приходящих из Италии, своеобразный характер французского Возрождения вызвано его придворным, аристократическим характером

В развитии французской архитектуры XVI века выделяют два этапа. Один длится от начала столетия до начала 1540-х годов, второй – с середины и до конца века. Архитектура раннего Возрождения формировалась во Франции под воздействием итальянских образцов и при участии таких мастеров, как Леонардо да Винчи, Виньола. Наиболее значительным сооружением этого времени является замок Шамбор (1519-1540 гг.), построенный Франциском I, который в 1515 году стал королем Франции. Над проектом здания работал Леонардо да Винчи, приглашенный Франциском I во Францию. Черты замка – крепости, как внутренний замкнутый двор, рвы с подъемными мостами, башни. Верхняя часть замка взметнулась в небо своими пинаклями, каминными трубами, скульптурными саламандрамим, в центре кровли фонарь высотой 12 метра, который венчал винтовую лестницу.

С 40- х годов начинают свою деятельность наиболее крупные французские зодчие XVI века: Пьер Леско и Филибер Делорм. Наиболее значительная работа Леско совместно со скульптором и декоратором Жаном Гужоном – строительство Лувра. Здание было задумано с квадратным в плане внутренним двором, вокруг которого располагались корпуса. Трехэтажное здание в первых этажах было расчленено ордерами. При Людовике XIII и XIV продолжалась постепенное расширение здания.

Скульптура. В первой четверти XVI столетия происходит усиление итальянского влияния, но мастера еще работают в традициях готики. Крупнейшим скульптором французского Возрождения был Жан Гужон (1510-1568 гг.), ставший придворным скульптором короля Генриха II. Гужон создал декоративные фигуры на фасаде юго-западного крыла внутреннего двора Лувра, лестницу Генриха II и Портик кариатид.

Искусство Нового времени.

Распространение бытового жанра в его модификациях: возвышенно-поэтической у Веласкеса и Вермера Дельфтского, натурного у голландцев, гротескно-заостренного у Бровера.

Исторический жанр сочетает натурное изображение с аллегорическими и мифическими мотивами у Рубенса. Темы античной истории находят свою новую трактовку у Пуссена. Появляются такие новые жанры, как натюрморт и анималистический жанр (изображения животных).

В архитектуре – это время новых градостроительных идей, расцвета садово-паркового искусства, создания грандиозных дворцовых ансамблей.

Обновление творческого метода. Более напряженная и динамичная композиция, богатство цветовой нюансировки, развитие тонального колорита, изобретательное использование светотени.

Отсутствие стилевого единства. Господство двух больших стилей – барокко и классицизма, для которых характерным было стремление к обобщению, реализуемое различным художественным языком.

Великими художественными державами становятся в XVII веке Испания, Франция и Фландрия. В Италии и Франции на первые роли выходит архитектура, монументальная скульптура, монументально-декоративная живопись. В буржуазной Голландии ведущую роль играет станковая живопись.

Ведущим стилем эпохи выступает барокко. Центром формирования новой системы явился Рим.

 

Фландрское барокко

К концу ХУ1 века ряд северных провинций превращается
в буржуазную республику. Южные провинции остались
под гнетом испанцев. Питер Пауль Рубенс родился в 1577 в Зигене, после смерти
отца вместе с матерью возвратился из Германии в Нидерланды в 1587
году. Училсяу Отто Вениуса, который представил своего ученика наместникам испанской короны в Южных Нидерланадх, а те рекомендовли молодого художника герцогу Мантуанскому. В 1598 году был принят в гильдию св. Луки, что дало ему право
работать самостоятельно. В 1600 году он едет в Италию, где проводит 8
лет. В Италии Рубенс вошел в круг известных художников, наряду с копиями картин других матеров он создает ряд алтарных образов, много работает как портретист. Среди созданных им в это времякартин мифологического жанра представлено изображение трех граций, «Ромул и Рем с волчицей», он положил начало жанру большого конного портрета. В Мантуе существовала галерея, вкоторой были собраны выдающиеся произведения различных итальянских школ. Громадное значение для Рубенса имело знакомство с произведениями Караваджо.
В 1608 году Рубенс возвращается в Антверпен и вскоре
женится на Изабелле Брандт. Могущественные корпорации стали поручать ему большие заказы, такие, как «Снятие с креста», «Водружение креста», заказ на алтарь св. Ильдефонса, а для зала заседаний антверпенской ратуши Рубенс написал «Поклонение волхвов».В эти годы Рубенс создает алтарные
картины почти для всех католических церквей Южных Нидерландов,
одна из первых алтарных картин — «Водружение креста», созданная для
церкви св. Вальпургии в 1610-1611 гг. Вся композиция строится на
резких контрастах и противопоставлениях, картина полна бурного
движения. Ощущение динамики создает рвущая вверх диагональ креста,
перерезающая полотно и уходящая вглубь, а также движение фигур,
идущее в двух резко противоположных направлениях. Стремление
Рубенса разрушить замкнутость пространства — одна из отличительных
черт барокко. Особым драматизмом отмечена алтарная работа для
Антверпенского собора, выполненная в 1612 году — «Снятие с креста».
Картина изображает момент, когда ученики Христа снимают с креста
мертвое тело учителя.

Изучая памятники античного искусства, Рубенс никогда не повторял
буквально созданный древними идеал прекрасного. Не столько
классическая строгость и красота пропорций волнуют художника,
сколько телесная физическая мощь, движение («Статуя Цереры», «Союз
Земли и Воды», ок. 1615 г., «Вакханалии». «Венера и Адонис», «Персей
и Андромеда», 1620-1621 гг.). В конце второго десятилетия ХУП века в
поисках новых форм выражения энергии, напряжения
противоборствующих сил Рубенс обращается к теме фантастических охот. Не позднее 1619 года Рубенс пишет одно из своих лучших творений – «Битву с амазонками». В 1620 году Рубенс заключает договор на выполнение алтарных картин, 33 эскизов потолочных росписей и 36 плафонов для боковых нефов и верхних галерей для церкви св. Карла Борромея в Антверпене. А в 1621 году Рубенс приехал в Париж ко двору вдовствующей королевы Марии Медичи, где создал эскизы 12 монументальных картин для большого зала Люксембургского дворца, изображающих в аллегорической форме жизнь королевы. Картины были выполнены к 1625 году. Слава Рубенса стала всеевропейской, что частично помешало его творчеству, так как эрцгерцог Фердинанд привлек мастера к исполнению дипломатических поручений. Около 10 лет, с 1623 года Рубенс вел сначала тайные, а затем публичные переговоры с государственными деятелями Голландии и Англии с целью заключения мира в Южных Нидерландах.

Последние десятилетие своей жизни Рубенс вновь посвятил живописи. Он работал над монументальным циклом картин, посвященных Генриху IV, создал ряд алтарных картин, среди которых «Святой Рох» для церкви св. Мартина в Алосте 1631 года. После смерти Изабеллы Брант, Рубенс женится на 17 –летней Елене Фоурмент, чью красоту и молодость о запечатлел на 19 картинах. В это время он приобрел замок поместье Стен близ Малина, где подолгу жил. Именно в этот период была написана большая часть пейзажей. Драматический дар художника проявился в его последних работах – «Избиении младенцев» и «Несении креста», «Стигматизации св. Франциска». Рубенс умер 30 мая 1640 года.

Мастерская Рубенса. Сотрудники мастерской специализировались на исполнении отдельных частей картин. В жанре анималистике сильней всех был Франс Снайдерс, писавший фигуры животных.

Ван Дейк одно время работал вместе с Рубенсом

В 1627 году ван Дейк возвращается в Антверпен. Начинается период, явившийся вершиной его творчества. Будучи придворным художником нфанты Изабеллы, ван Дейк пишет портреты не только антверпенских
бюргеров, но также портреты фламандской и испанской аристократии.В 1632 году художник принимает приглашение короля Англии Карла 1. В
портретах английской придворной аристократии он тонко почувствовал и передал атмосферу английского двора. Выполняя многочисленные заказы, художник выработал определенную схему парадного портрета.
Он часто повторяет одни и те же удлиненные пропорции фигур, позы, жесты. Искусство все более аристократизируется. колористическое решение отличается большей декоративностью, обращением к холодной
голубовато-серебристой гамме. Одним из лучших является «Портрет Карла 1», 1635. Ван Дейк создал около 30 портретов Карла1, множество портретов его жены Генриетты-Марии и детей короля.
Франс Снейдерс (1579-1657 гг.) — крупнейший из фламандских художников-анималистов и мастеров натюрморта. Его «Лавки»,1618- 1621 гг. написаны для украшения столовой во дворце епископа Антония
Триста в Брюгге. Типичен его натюрморт «Рыбная лавка» с простой и монументальной композицией: картину держит горизонталь огромного стола.
После смерти Рубенса главой антверпенской школы живописи стал Якоб Йорданс (1593-1678 гг.). Плодовитый художник, он работал во многих жанрах живописи. Особой славой пользовались его жанровые картины. Он прославил такие качества бюргерства. как его жизненная сила, телесная связь с реальностью («Портрет семьи Йорданса», «Семейный
портрет», «Бобовый король»). Своих героев художник
воспроизводил в натуральную величину, а часто и больше нее. Число персонажей, как правило, невелико. Они написаны вплотную к переднему краю картины. На один и тот же сюжет он пишет несколько картин.

17 век определяют обычно как время расцвета барокко и классицизма Определяющим художественным принципом эпохи, во всяком случае в первой
его половине, стало обращение к реальной действительности. Отсюда его стилевая неопределенность. Новое мировоззрение, в том числе и удожественное, искало формы в которые могла вылиться «трагическая ситуация 17 века, и находила их прежде всего в барокко, к стилистическим
особеннстям которого можно отнести экспрессивность, эмоциональность, динамизм, контрастность, метафоричность, плюрализм точек зрения.

 

Искусство классицизма. Классицизм -генеральное направление развитие французского
искусства ХУ11 века. Классицизм XVI-XVII века существенно отличается от классицизма посмледующих столетий. Классцизм окончательно сложился как определеная художественная система в XVII веке, хоя само название «классицизм» родилось в XIX веке, когда романтики объявили войну эпигонам этого художественного стиля. Слово «классицизм» (лат. Образцовый) воплощала ориентацию нового искусства на античные образцы. Однако верность духу античности не означала для классицистов простого повторения античных образцов, ни прямого копирования античных теорий. Прежняя возрожденческая концепция мира и человека утратила свою целостность и последовательность. Вера в возможности личности преимущественно связывается теперь со сферой познания, отсюда особое значение приобреате науки о человеке.

Расцвет французского искусства отделен от эпохи Возрождения мрачной и трашгической эпохой. Это было время гражданской войнф 1562-1594 годов. Жак Калло (1593-1635), уроженец Лотарингии, которя только недавно вошшла в состав Французского королевства, обучался гравированию в Риме

Французский классицизм XVII века в лице своего главного представителя Н.Буало находился под влиянием рационализма Декарта и в качестве основного принципа для всякого художественного произведения ставил разум, более точно рассудок и даже здравый смысл и тем самым исключал всякую фантазию и требовал торжества идей и долга гад чувственными стремлениями в человеке. Само собой разумется здесь требовалисб суровая регламентация всякого творческого произведения и тончайшеесоблюдение правил.

В области изобразительного искусства классицизм
развернулся в сильное и яркое явление, связанное в первую очередь с
именем Пуссена.

Живопись классицизма

Никола Пуссен (1594-1665 гг.) родился в окрестностях
нормандского городка Андели. Попав в Париж, Пуссен знакомится с античным искусством и Рафаэлем. В 1624 году Пуссен оказался в Риме,
прожив там 40 лет. Чуждый импульсивности и неуравновешенности
барокко Пуссен видел в живописи возможность выразить мысль и искал путей для создания стиля большого общественного звучания, искусства,
затрагивающего общечеловеческие проблемы и философские вопросы.
Стиль этот должен быть глубоко продуманным, последовательно
логичным. Пуссен ограничил себя исторической живописью, поскольку искал
идеалы гражданственности. Он придавал создаваемым
образом обобщенный характер, черпал сюжеты из античной мифологии,
исторических легенд. Античные сюжеты и образы станут признаками
классицизма, а затем академизма в живописи.

Рисунок Пуссена чеканен, как в античном рельефе, Колорит обычно
основан на чистых локальных цветах, среди которых главную роль
играют неразложимые простые цвета — синий, красный, желтый. Свет
всегда рассеянный, ровный. Нюансировка скупая. В конце 20-х годов он
пишет «Смерть Германика», а вскоре «Царство Флоры», где оказались
соединены в сложной композиции фигуры и группы из «Метаморфоз» Овидия.

Клод Лоррен (1600-1682).

 

Классицизм с середины стал ведущим стилем французской Академии. В своем
официальном варианте он утратил философскую глубину, лишился
эмоциональной силы, сохранив рассудочность и пренебрежение к
конкретной реальности. Уравновешенность композиции, четкость р
исунка, скульптурная лепка форм, локальность цвета стали штампами
академической живописи.

1 февраля 1648 года открылась Академия, в 1655 году королевская
власть взяла Академию под свой контроль. Только историческая
живопись признается высоким искусством, усиливается помпезность.

Ш
арль Лебрен (1619-1690 гг.) – один из основателей Академии.
Четыре года обучаясь у Пуссена, он в 1662 году получил звание первого
живописца короля, в 1664 году стал президентом Академии и взял в свои р
уки строительство Версаля.. Эклектизм Лебрена заключается в подмене человеческих идеалов официальными штампами
из придворного арсенала, в банальностях и чрезмерности
аллегорий.

Архитектура классицизма

Идея триумфа централизованного государства находит выражением в монументальных образах архитектуры, которая впервые решает проблему архитектурного ансамбля. Новые художественные особенности архитектуры проявляются и в применении ордерной системы, в целостном построении объемов и композиций зданий, в утверждении строгой закономерности, порядка и симметрии, сочетающейся с тягой к огромным пространственным решениям, включающим парадные парковые ансамбли. Первый крупный ансамбль такого типа – дворец Во-ле-Виконт, принадлежавший главному интенданту Фуке был создан архитекторами Луи Лево и Андре Ленотром.

В 70-х годах Людовик Х1У решает создать себе новую резиденцию. Версаль был маленьким охотничьим замком. С конца 1670-х
годов начались грандиозные, работы, которые не закончились еще и в
ХУШ веке.

Жюль Ардуэн - Мансар (1646-1708 гг.) крупнейший
архитектор конца столетия, расширил дворец и придал ему новый облик.
Парк Версаля явился делом рук Андре Ленотра. В Версале соединен торжество
абсолютизма и величие Франции. Залы дворца, отделанные в духе

Во второй половине XVII века Франция была самой сильной феодально-абсолютистской державой Западной Европы.

Строительство и контроль над ним сосредотачиваются в руках государства. Вводится должность «архитектора короля». По всей стране разворачиваются градостроительные работы. Планируются новые города в виде прямоугольника либо виде пяти, шести, восьмиугольников, образованных оборонительными сооружениями. Внутри – строго регулярная прямоугольная или радиально-кольцевая система улиц с площадью в центре. На левом и правом берегах Сены возводятся дворцовые комплексы Люксембургского дворца и Пале - Рояль, создаются квадратная в плане Королевская и треугольная площадь Дофина на западной части острова Ситэ.

Вторая половина XVII века – время наивысшего расцвета архитекутры французского классицизма. В это время особенно ярко проявилась социальная роль архитектуры. Большое значение имело образование Академии архитектуры, задачей которой сатал выработка основных эстетических норм и критериев архитектуры классицизма.

Для классицизма в архитектуре характерно: преобладаение горизонтальных членений над вертикальными, ндиная кровля, нередко скрытая баллюстрадой, более простая композиция. Зрелые черты классицизма проявляются в загородном ансамбле дворца и парка Во- ле –Виконт близ Мелена (1655-1661 гг.). Его создатели – архитектор Луи Лево и мастер садово-парковыфх ансамблей Андре Ленотр, живописец Шарль Лебрен. Композиционным центром не только дворца, но и всего ансамбля, стал большой овальный зал, поскольку он расположен на пересечении основных планировочных осей ансамбля. Большой ордер пилястр охватывает два этажа.

Крупнейший архитектор XVII столетия – Жюль Ардуэн-Мансар (1646- 1708), по проектам которого были сооружены плащади Людовика Великого (впоследствии Вандомская) и площадь Побед. Самым грандионым стало проектирование и осуществление Луи Лево И Ардуэн-Мансаром ансамбля Версаля, начатое в 1668 году и длившееся 20 лет. К Версальскому дворцу, расположенному на высокой террасе, сходятся три широких прямых лучевых проспекта города, образующих трезубец, средний проспект которого ведет в Париж, два других в королевские дворцы. В интерьерах даорца использованы мотивы барокко. Это и круглые и овальные медальоны, орнаментальные заполнения над дверями и впростенках, использование ценных пород дерева, бронзы, множества зеркал, широкое применение скульптуры и живописи в оформлении интерьеров. В парке Версаля было обилие воды.

Среди скульпторов выделяются Франсуа Жирардон (1628-1715 гг.). Его работы «Похищение Прозерпины», «Купальня Аполлона» украшали Версаль. В «Купальне Аполлона» Жирардон изобразил центральную фигуру, образцом для чего послужила статуя Аполлона Бельведерского». «Похищение Прозерпины» - этокомпозиция, одна из четырех задуманных Лебреном тем похищений, представляет античный мифо похищении Прозерпины, дочери Юпитера и Цереры, Плутоном Мастерство скульптиора в том, как группа из трех фигур высечена из единого блока, как мастерски передано в ней напряжение борьбы. Жирардон является автором памятника Людовику XIV, установленному в на Вандомской площади.

Антуан Куазевокс (1640- 1720 гг.)- младший современник Жирардона с 1666 года стал королевским скульптором и работал над декорировкой Весальского дворца и парка вместе с Мансаром. Среди его работ – аллегорические скульптуры Силы, Изобилия, для украшения зала Войны им были выполнены золотые и серебряные десюдепорты, над камином – огромный стуковый барельеф иображением Триумфа короля, для парка Куазевокс изготовил копсии античных скульптур «Нимфа с раковиной», «Венера Медичи», «Венера на корточках», Кастор и Поллукс». Для дворца Марли он изготовил знаменитые конные статуи «Меркурий на Пегасе» и «Виктория на Пегасе». Ему принадлжеит огромная стауя короля, потьреты его друзей Лебрена, Мольера и покровителей Кольбера, Мазарини. Всего более пятидесяти бюстов.

Пьер Пюже (1620- 1694 гг.) работал в Тулоне, Марселе, Париже. Величайшая работа Пюже – проект перестройки Марселя остался незавершенным. Полноре признание творчества Пюже пришло только после его смерти.

Барокко и классицизм не исчерпывали все многообразие и сложности творческих устремлений эпохи. Важное, а во многих случаях решающее значение в художественной культуре XVII века приобрели тенденции, связанные преимущественно со станковыми формами искусства, особенно живописи, на непосредственном контакте с жизнью, с натурой, с изображением действительности такой, как она реально видится человека. Художественное толкование действительности оказывается в этом случае менее обусловленным теми или иными стилистическими нормами, в нем более отчетливо проявляются индивидуальные творческие замыслы. Эта линия художественного развития приобретает особое значение в искусстве тех стран, где предпосылки для вызревания барокко или классицизма были более слабыми, или вовсе отсутствовали, как, например, в буржуазной Голландии XVII века. Но и в других национальных школах тенденция, в большей или меньшей степени не зависящая от стилистических концепций барокко и классицизма проявляется себя.

Реализм понимается в широком смысле слова – как общая установка на изображение жизни такой, какой она видится человеку, в более узком смысле. – как творческий метод, сводимый к определенным эстетическим принципам – показу жизни в развитии и противоречиях, стремление раскрыть сущность жизненных явлений без ограничения тем и сюжетов: устремленность к нравственным исканиям и воспитательному воздействию.

В широком смысле реализм, представляющий основную тенденцию художественной культуры, существовал и продолжает существовать в искусстве и литературе с глубокой древности.

Рембранлт ван Рейн (1606-1669 гг.) родился в Лейдене. в 1631 году
переехал в Амстердам и скоро добился славы. В 1634 году женился на аскии ван Уленберг. В 1630-х годах он много писал портретов на заказ. В 1636 году он написал «Данаю». Каргина богата контрастами формы. цвета и освещения. В 1632 году он пишет групповой портрет доктора Тульпа и его коллег («Анатомия доктора Тульпа»), в 1642 году«Ночной дозор», в которой он представил слитную, динамическую сцену в
которой все участники занимают свое место, одчиняясь сложному, но единому ритму.
Однако заказчики остались работой крайне недовольны. От
Рембрандта отшатнулось большинство богатых заказчиков. В этом же году умерла Саския, началось разорение. Офорт позволял сопоставить энергичеы штрихи с тончайшими, еле уловимыми, работать темными поверхностями, достигать постепенности в градациях тонов. В офортах Рембрандт создает жанровые сцены, пейзажи, а также портреты и сцены из Библии и Евангелий.

В 40-х и 50-х годах Рембрандт создвает тип портрета-биографии. В этих потретах отсутствуют атрибуты. В 60-е годы Рембрандт, пережив смерть Хендрикьеи Титуса, остается один, создавая свои последние шедевры. В 1660-м году он пишет картину «Ассур, Аман и Эсфирь», изображающий момент, когда Эсфирь раскрывает