Ренессансная комедия и экранный мир: по фильмам «укрощение строптивой» Ф. Дзеффирелли, «венецианский купец» М. Редфорда, «собака на сене» Я. Б. Фрида.

 

История ренессансного театра начинается с комедии. В 1470 году впервые после тысячелетнего перерыва в Италии были поставлены пьесы Плавта и Теренция, великих комедиографов античного Рима. Учась у них и подражая им, итальянские драматурги создали первый жанр ренессансного театра — комедию эрудита ученая, или ученическая комедия. В "ученой комедии" театр Ренессанса обрел полноту жизни. Из названия понятно, что в ней прослеживалась прямая связь с античностью, но идеология гуманизма внесла свои коррективы, поскольку пьесы писались учеными-гуманистами.

В середине того же столетия в Италии появилась комедия дель арте. Пьесы этого жанра предполагают актерскую импровизацию. Излагая сюжетные обстоятельства, драматурги не прописывали диалоги, оставляя их актерам.

В подражание комедии эрудита сочиняли пьесы первые драматургии испанского Возрождения — Хуан дель Энсина и Лопе де Руэда. В конце ХVI века в Испании возник жанр комедии плаща и шпаги, создателем которого был Лопе де Вега. Его пьесы отличают стремительное действие и острая интрига. Благородные герои плаща и шпаги одержимы сильными страстями и совершают доблестные поступки, следуя кодексу чести. В жанре комедии плаща и шпаги писали также Тирсо де Молина и Кальдерон.

В Англии Вершиной ренессансной комедии стали пьесы Шекспира.

Комедии Шекспира чужды дидактики и сатиры. Они вобрали в себя атмосферу карнавала, народной смеховой культуры. Смех в комедиях Шекспира не обличает, а причащает, делая человека частью праздничного мира.

Ренессансная комедия имеет богатейшую театральную историю. В ХХ веке она обрела новую жизнь в кинематографе.

«Укрощение строптивой» Ф. Дзеффирелли (1967). Комедия в данном случае, усилиями режиссера и актеров, стремится к фарсу, однако автор был бы доволен вниманием к деталям и оригинальному тексту – это выгодно отличает все "шекспировские" картины Дзеффирелли от прочих экранизаций. Декорации и костюмы здесь очень точно воспроизводят описанную в пьесе эпоху, а актеры произносят свои реплики так, будто Шекспир написал текст вчера, про них или специально для них.

«Венецианский купец» М. Редфорда (2004). Современный взгляд на проблему религиозного и национального шовинизма делает из комического персонажа, ростовщика Шейлока, созданного Шекспиром на потеху публике, сильную личность, переживающую глубокую драму. Обиды, нанесенные Шейлоку, на национальной и религиозной почве, делают его образ глубже и одновременно ближе современному зрителю, затрагивая болезненные социальные вопросы. Режиссер хотя и привнес свое понимание в пьесу Шекспира, не отошел от сюжетной линии. Разница восприятий классической постановки и кинокартины Редфорда лежит лишь в несколько смещенных акцентах, выраженных в основном актерской игрой. В центре драмы – долговое обязательство, данное купцом ростовщику. Второстепенная сюжетная линия, помогающая лучше понять характер персонажей – линия любовных отношений Антонио, Бассанио и Порции. В трактовке режиссера зритель увидит необычный любовный треугольник, делающий картину еще более актуальной.

«Собака на сене» Я.Б. Фрида (1978). Музыкальная комедия Яна Фрида — тот редкий случай, когда талант писателя, создавшего литературный оригинал, и талант режиссера, снявшего экранизацию, удачно дополняют друг друга, пусть даже оба автора — представители разных эпох и столь непохожих стран. «Собака на сене» поставлена по мотивам одноименной пьесы драматурга Лопе де Веги. Разрешение на постановку «Собаки на сене» Фрид добивался не один десяток лет. И когда руководство Ленфильма наконец одобрило идею режиссера, то разрешило сделать картину, но... только для телевидения. Стоит ли говорить, что фильму это скорее пошло на пользу: создатели ленты не ограничивали себя во времени, умудрились сохранить многие диалоги оригинала в классическом переводе Лозинского и разбавить их песнями уже собственного сочинения. Вопросы, поднятые Лопе де Вега относительно понятия чести и долга, неравного брака, социальных предрассудков, положения женщины в обществе, роли счастливого случая в жизни человека, а самое главное, настоящей любви, до сих пор ищут своего ответа.

Трагедия Шекспира и ее воплощения в музыке и киноискусстве: на материале произведений П.И. Чайковского и С.С. Прокофьева («Ромео и Джульетта»), фильмов Ф. Дзеффирелли («Ромео и Джульетта», «Гамлет»), П. Брука («Король Лир»), Г.М. Козинцева («Гамлет», «Король Лир»).

 

К жанру трагедии Шекспир обратился после хроники и комедии. Трагедию Шекспира отличают персонализация характеров, эпическое построение действия, сложная жанровая структура. В шекспировских трагедиях соединяются возвышенное и низменное, часто используются комические эпизоды. Пушкин называл такой стиль трагедии смешанным.

Вершиной трагедийного творчества Шекспира явился «Гамлет». Источником сюжета послужила скандинавская летопись Саксона Грамматика, в которой изложена история мести ютландского принца Амледа за убийство отца. Хитрого и коварного мстителя, изображенного летописцем, Шекспир превратил в трагического героя, размышляющего о смысле бытия.

При жизни Шекспир снискал театральную славу, какую до него в Англии не знал ни один драматург. Однако в дальнейшем его слава померкла. В середине ХVII века в европейском театре восторжествовал классицизм, утвердивший строгие правила и каноны драматургии. Шекспир не вписывался в эти каноны, и поэтому его пьесы ставят теперь исключительно в переделках, выполненных по правилам классицистической трагедии. Только в начале ХIХ века на сцену вернулся подлинный Шекспир.

Шекспир — глобальный факт современной культуры. Ни один драматург не дал такого количества постановок и такого разнообразия сценических воплощений. По произведения Шекспира сняты сотни фильмов.

Чайковский «Ромео и Джульетта». Одно из первых произведений, которое сформулировало главную идею его творчества – столкновение прекрасного и ужасного, сопряжение любви, жизни и смерти, раскрытие внутреннего мира человека. Действующие силы предстают в ярком конфликте, показан рост и развитие каждой из сил, растет и конфликт. Весь драматургический план оформлен в сонатную форму с медленным вступлением и кодой. Тема смерти – вступительная, звучит возвышенно как хоралл, чередуется с мелодической линией в восходящем направлении. В разработке звучит в роковом варианте у медных духовых. Тема любви звучит 8 раз. В экспозиции и репризе она возобновляется в основном виде, но каждый раз сильнее и с измененным подходом. Песенная мелодия, в ней есть низкие мелодические обороты в грудном регистре, тяготение к высоким нотам. В 7 раз звучит траурно на фоне ударов литавр, мелодия искаженная. В 8 раз – в высоком регистре у скрипок на фоне арф (просветленно и возвышенно).

Прокофьев «Ромео и Джульетта». «Ромео и Джульетта» Прокофьева — один из самых популярных балетов двадцатого столетия. Прокофьев создал драматическую основу балета и сочинил к нему музыку в 1935 году. Он написал сценарий в четыре акта со счастливым концом, который резко отличался от финала знаменитой шекспировской трагедии. Эта редакция балета, однако, так и не дошла до постановки. Он создал счастливый финал в балете потому что так герои смогут продолжить танцевать. Прокофьев и его соавторы изменили сценарий и ввели традиционный трагический конец. Всего в партитуре произведения представлено 52 различных по характеру выразительных мелодий. Тот факт, что Прокофьев обратился к трагедии Шекспира, исследователи называют весьма смелым шагом. Бытовало мнение, что сложные философские темы невозможно передать в балете.

«Король лир» П. Брук. Поставил спектакль "Король Лир. Спектакль пользовался таким успехом, что Брук решился перенести его на экран, что позволило добавить кое-что новое, не выкинув ничего старого. Основный сюжет Брук сохранил в неприкосновенности. Сохранены и важные подсюжеты. Впрочем, сохраняя сюжеты, Брук свободно играет с наполняющим их текстом, из-за чего некоторые сцены приобретают новое значение, значение же других неожиданно ярко раскрывается...
Кстати, Брук поступает в этом фильме весьма благородно, не показывая самые кровавые сцены - он просто убирает с экрана изображение.

«Король лир» Козинцев. Его увлекает в «Короле Лире» иное – в частности, лживая маска цивилизации, а под нею – дикость. В «Короле Лире» исторические пласты смещены, наложены один на другой. И Средневековье, и легендарные времена до нашей эры. Здесь же, в «Короле Лире», дана обобщенная картина цивилизации, идущей к гибели. Исследуется проблема власти в обществе, основанном на несправедливости и неравенстве. Через весь фильм лейтмотивом пройдет некий «марш нищих», «марш горя», к которому один за другим присоединяются герои трагедии.

Дзеффирелли «Ромео и Джульетта». Не отходит от основного сюжета, есть только незначительные изменения. В данном случае трагедия превращена в мелодраму. «Гамлет» Дзеффирелли отдаёт грубостью.  Все-таки раньше некоторые люди знали, что именно Гамлет представляет собой - философа, призванного к решительной деятельности, или потустороннего мечтателя – у Дзеффирелли: очередной обозлённый убийца, которым следует любоваться, ибо он ловко избавился от семи врагов, прежде чем самому погибнуть.

 Отечественный фильм Козинцева довольно «скучный» в противоположность динамичной американской версии. Именно в версии Козинцева постановка была трагедией до конца, а не динамичной мелодрамой.

С помощью костюмов для «Гамлета фильм бесконечно выиграл: пропала стилизация под историю, и не было вопиющего осовременивания. Козинцев оставил в кадре только самое нужное, играющее вместе с человеком. Заказывая музыку к картине давнему другу Д.Шостаковичу, расписывал, где какое настроение желательно, и давал точный хронометраж в минутах и секундах. Музыка Шостаковича к фильму «Гамлет» - одно из лучших произведений композитора. Козинцев всегда помнил о философии истории, болезненно переживая настоящее. Фильм это было осмысление трагедии, которую переживает человек в мире, находящемся на грани распада. И главное искусство XX века - кино - воплотило эту мысль на экране замечательными фильмами Григория Козинцева.