Картины, посвященные освобождению Испании

• «Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде»;
• «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года» (обе около 1814, Прадо)

Серии офортов

• «Капричос»,1797—1798 — творение на 80 листax с комментариями, которое раскрывает уродство моральных, политических и духовных основ испанского «старого порядка»;
• «Тавромахия», 1815 — изданы в 1816 в Мадриде;
• «Бедствия войны», 1810—1820 — 82 листа, изданы в 1863 в Мадриде), исполненные большей частью в период народно-освободительных войн против наполеоновского нашествия и первой испанской революции (1808—1814);
• «Диспаратес» («Причуды»), 1820—1823 — 22 листа, изданы в 1863 в Мадриде под названием «Los Proverbios» («Притчи», «Пословицы»)^[1].

Брюллов К. «Последний день Помпеи»

Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.

Брюллов посетил Помпеи в 1828 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков и переправлено в Парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Сэр Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. "Последний день Помпеи" отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

В «Последнем дне Помпеи» художник представляет сцену гибели древнего города, трагическую судьбу его жителей, что многими современниками Брюллова понималось своеобразный отклик на поражение декабристов. Рушатся здания, валятся мраморные истуканы. Правда черты некой отвлеченной театральности исполнения и композиции придают изображенному противоречивый характер, снижая эмоцио­нальное напряжение показываемой сцены.

Что же изображено на картине Карла Брюллова? Основная цветовая гамма, которую К. Брюллов избрал для своей картины, была для того времени чрезвычайно смелой. Это была гамма спектра, построенная на синем, красном и желтом цветах, озаренных белым светом. Зеленый, розовый, голубой встречаются как промежуточные тона. Задумав написать большой холст, К. Брюллов выбрал один из самых трудных способов его композиционного построения, а именно - свето-теневой и пространственный. В центре полотна находится распростертая фигура убитой молодой женщины, как будто именно ею К. Брюллов хотел символизировать гибнущий античный мир (намек на такое истолкование встречался уже в отзывах современников). Это знатное семейство удалялось на колеснице, надеялось спастись поспешным бегством. Но, увы, - поздно: смерть настигла их на самом пути. Испуганные кони сотрясают бразды, вожжи рвутся, ось колесницы надламывается, и сидевшая в них женщина повергается наземь и гибнет. Рядом с несчастной лежат разные украшения и драгоценные предметы, которые она взяла с собой в последний путь. А необузданные кони дальше несут ее супруга - тоже на верную гибель, и тщетно старается удержаться он в колеснице. К безжизненному телу матери тянется ребенок... Ищут спасения несчастные горожане, гонимые пожаром, непрерывными извержениями лавы и падающим пеплом. Это целая трагедия людского ужаса и людских страданий. Город гибнет в море огня, статуи, здания - все низвергается вниз и летит на обезумевшую толпу. Сколько разнообразных лиц и положений, сколько красок в этих лицах! Вот мужественный воин и юный брат его спешат укрыть от неизбежной гибели престарелого отца своего... Они несут расслабленного старика, который силится отодвинуть, отстранить от себя ужасный призрак смерти, старается рукой заслониться от низвергающегося на него пепла. Ослепительный блеск молнии, отражаясь на его челе, приводит тело старика в содрогание... А слева, около христианина, группа женщин с тоской смотрит на зловещее небо...

Одной из первых появилась в картине группа Плиния с матерью. К пожилой женщине в порывистом движении склоняется молодой человек в широкополой шляпе. Здесь же (в правом углу картины) вырисовывается фигура матери с дочерьми...

 

Билет№ 4

Возрожде́ние, или Ренесса́нс — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — начало XIV— последняя четверть XVI веков.

Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Для живописи и ваяния эпохи Возрождения характерно сближение художников с природой, ближайшим проникновением их в законы анатомии, перспективы, действия света и других естественных явлений.

Художники Возрождения, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Важную роль для становления искусства Возрождения имело по-новому понятое античное наследие. Воздействие античности сильнее всего сказалось на формировании культуры Возрождения в Италии, где сохранилось множество памятников древнеримского искусства.

Изменяется характер прикладного искусства, заимствующего формы и мотивы орнаментики в античности и связанного не столько с церковными, сколько со светскими заказами. В его общем жизнерадостном характере, благородстве форм и красок сказалось то чувство единства стиля, которое присуще всем видам искусства эпохи Возрождения, составляющим синтез искусства на основе равноправного сотрудничества всех его видов.

Новые требования, стоящие перед искусством, обусловили обогащение его видов и жанров. В монументальной итальянской живописи широкое распространение получает фреска. С XV в. все большее место занимает станковая картина. Наряду с существовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, выдвигается портрет, зарождается историческая и пейзажная живопись. В Германии и Нидерландах широкое распространение получила гравюра, которая часто использовалась в художественном оформлении книг. Завершается начатый в средние века процесс обособления скульптуры; наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появляется самостоятельная круглая скульптура — станковая и монументальная.

Это время выдвинуло в искусстве личностей, которые стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов). Олицетворением Проторенессанса стал Джотто, противоположные аспекты кватроченто — конструктивную строгость и задушевный лиризм — соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело — это художники — символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры — ранний, средний и поздний — монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.

Я. Ван Эйк, И. Босх и П. Брейгель Старший олицетворяют своим творчеством ранний, средний и поздний этапы живописи нидерландского Ренессанса. А. Дюрер, Грюневальд (М. Нитхардт), Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший утвердили принципы нового изоискусства в Германии.

Творчество Рафаэля Санти

Национальная школа: Италия

Стиль: Высокое Возрождение

Главные произведения:

-Сикстинская мадонна

-Мадонна в зелени

-Афинская школа

-Триумф Галатеи

-Портрет графа Бальдассаре Кастильоне

-преображение

-Мадонна Конестабиле

Характерные черты:

-христианские сюжеты, а также темы классической мифологии

-мощный фигуративный стиль, но нередко атмосфера внутреннего спокойствия

-гармония в композиции

-острое внимание к классическим архитектурным деталям

Рафаэ́ль Са́нти 28 марта^[2] 1483 — 6 апреля 1520 — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.

Сын живописца Джованни Санти. Прошёл первоначальную художественную выучку в Умбрии у своего отца, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочередно - на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело.

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле», ок. 1502—1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима ^[3]. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Однако свадьба Рафаэля и Марии Доваци, одной из племянниц кардинала, так и не состоялась. По одной из версий, девушка умерла, та и не дождавшись выполнения Рафаэлем обещания жениться, по другой версии, художник уже был тайно женат на куртизанке Форнарине. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности ^[4]. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками.

Плакат.

Плакат (от франц. слова «плакар»- объявление, афиша) – разновидность графики, лаконичное, броское изображение на листе бумаги, сопровождаемое текстом. Это самый массовый и общедоступный вид изобразительного искусства известен каждому. Поистине ни одно заметное явление не проходит мимо художника-плакатиста, и поэтому тематика плаката отличается исключительным многообразием: это и плакаты общественно-политического содержания, часто агитационного, призывного характера, это и учебная (например, правила дорожного движения) и рекламная.

Специфика художественного языка плаката определяется тем, что он должен восприниматься на большом расстоянии, привлекать внимание, смысл изображенного должен сразу «бросаться в глаза». Большую роль в этом играет яркое цветовое решение, расположение текста и характер шрифта. Как особый вид изобразительного искусства плакат существует со 2-ой половины XIX века. Появление плаката связано с обострением с середины XIX века противоречий экономической и общественно-политической жизни капиталистических стран. В разные периоды в области плаката работали такие известные художники, как А.Тулуз-Лотрек, Т.Стейнлен, П.Пикассо (Франция), Ю.Вальткорн и К.Кольвиц (Германия), Л.Мендес (Мексика), В.А.Серов и К.А.Соломов (Россия).

Яркая страница в развитии искусства плаката – советский плакат. С момента своего рождения (Появился вместе с Великим Октябрем) советский плакат стал верным пропагандистским и агитационным оружием партии, ее помощником в деле социалистического строительства. Уже в 20-е годы плакат был одним из самых популярных и действенных видов молодого советского искусства. Несмотря на разруху и военную интервенцию, плакаты издавались в те годы более чем в 70 городах республики, на разных языках. В этом жанре работали А.А.Апсит, В.Н.Дени, Д.С.Моор, В.В.Маяковский, В.В.Лебедев. По инициативе В.В.Маяковсого, М.М.Черемных родились знаменитые «Окна Сатиры РОСТА». Время требовало от художников полной самоотдачи, огромного напряжения сил. Всего за сутки, поистине с военной апиративностью, создал Апсит один из первых советских плакатов «Грудью за защиту Петрограда!» (1919). В число лучших произведений нашего изобразительного искусства вошел плакат Мора «Ты записался добровольцем?» (1920). Монументальный, выразительный по форме, лаконичный по композиции, предельно точный по мысли, он стал своеобразным памятником революционной великой эпохе.

Годы первых пятилеток, время ударных бригад и ликбеза, Днепрогэса и Магнитки выдвинули перед художниками-плакатистами новые задачи. Темы индустриализации и коллективизации, социалистического соревнования и интернациональной солидарности успешно разрабатывали мастера старшего поколения и молодые тогда А.А.Дейнека, Г.Г.Клуцис, А.И.Страхов, Кукрыниксы и другие.

Славные, героические страницы вписал в летопись жизни и борьбы Советского государства плакат времен Великой Отечественной войны. Нет, вероятно, человека в нашей стране, который не знал бы проникновенного, мобилизующего произведения И.М.Тоидзе «Родина-мать зовет!». Лучшие советские художники – Н.Н.Жуков, Б.И.Пророков, Д.А.Шмаринов, А.А.Кокорекин, В.С.Иванов, В.Б.Корецкий, Л.Ф.Голованов и другие – отдавали свой талант делу защиты Отечества. Продолжая боевые традиции «Окон РОСТА» появились «Окна ТАСС» - самый оперативный и популярный вид отечественного плаката.

Победа, возвращение к мирной жизни открыли перед художниками-плакатистами новые горизонты творчества. С каждым днем тематика плакатного искусства расширялась. Одними из центральных стали темы борьбы за мир, за разрушение, дружбы между народами.

Искусство плаката в наши дни – многожанровое. Это плакат политический, театральный, киноплакат, рекламный, цирковой и д.р.

Билет№ 5

Собо́р Свято́й Софи́и — бывший патриарший православный собор, впоследствии — мечеть, ныне — музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии.

Во времена Византийской империи собор находился в центре Константинополя рядом с императорским дворцом. В настоящее время находится в историческом центре Стамбула, район Султанахмет. После захвата города османами Софийский собор был обращён в мечеть, а в 1935 году он приобрёл статус музея.

Более тысячи лет Софийский собор в Константинополе оставался самым большим храмом в христианском мире — вплоть до постройки Собора Святого Петра в Риме. Высота Софийского собора — 55,7 метров, диаметр купола 31 метр.

Собор был построен в 324—337 годах при византийском императоре Константине

В плане собор представляет собой продолговатый четырёхугольник (75,6 м длины и 68,4 м ширины), образующий три нефа: средний — широкий, боковые — более узкие. Это базилика с четырехугольным средокрестием, увенчанным куполом. Гигантская купольная система собора стала шедевром архитектурной мысли своего времени. Прочность стен храма достигается, по мнению турецких исследователей, за счёт добавления в строительный раствор экстракта листьев ясеня^[20].

Середина широкого нефа, квадратная в основании, ограничена по углам четырьмя массивными столбами, подпирающими громадные арки, и покрыта довольно плоским куполом 30 м в диаметре, вершина которого отстоит на 51 м от пола. К этому подкупольному пространству примыкают с востока и запада две колоссальные ниши с полусферическим верхом: в восточную нишу открываются своими арками ещё три меньшие ниши, из которых средняя, служившая алтарной апсидой, глубже остальных и выступает из общего плана храма в виде полукружия; к западной большой нише примыкают также три ниши; из них средняя, представляющая вверху не полусферический, а обыкновенный коробовый свод, содержит в себе три двери, ведущие в пристроенные к храму внутренний и внешний притворы (esonartex и exonartex), впереди которых некогда находился теперь несуществующий двор, обнесенный галереей с колоннами.

Подкупольное пространство с северной и южной сторон сообщается с боковыми нефами с помощью арок, поддерживаемых колоннами; под этими арками идёт ещё по ярусу подобных же арок, которыми открываются в подкупольное пространство устроенные в боковых нефах галереи гинекея, а ещё выше — громадные арки, поддерживающие купол, заделаны прямой стеной с окнами, расположенными в три ряда. Кроме этих окон, внутренности храма дают обильное, хотя и несколько рассеянное освещение 40 окон, опоясывающих основание купола, и по пяти окон в больших и малых нишах.

Внутренняя отделка храма продолжалась на протяжении нескольких столетий и отличалась особой роскошью (мозаики на золотом полу, 8 зеленых яшмовых колонн из храма Артемиды в Эфесе). Стены храма также были полностью покрыты мозаиками (как сюжетные композиции, так и орнаменты). Благодаря своей величественной архитектуре и убранству

Карл Па́влович Брюлло́в (1799, Санкт-Петербург —1852, Манциана, Италия) — великий русский^[1] художник, живописец, монументалист, акварелист, рисовальщик, представитель академизма, Член Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, профессор Петербургской и Флорентийской академий художеств, почетный вольный сообщник Парижской академии искусств.

Карл Брюллов родился 12 (23) декабря 1799 года в Санкт-Петербурге, С 1809 по 1821 год занимался живописью в Академии художеств в Петербурге, был учеником Андрея Ивановича Иванова К 1820 году относится его первая известная работа «Нарцисс».

В 1822 году Брюллов был откомандирован в Италию на средства Общества поощрения художников. Он посетил Дрезден, Мюнхен; обосновался в Риме. Жанровые картины: «Итальянское утро» (1823) и «Итальянский полдень» (1827). Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.

(Брюллов посетил Помпеи в 1828 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков и переправлено в Парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Сэр Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. "Последний день Помпеи" отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда и к нему получила доступ широкая публика.)

К этому времени относится его знакомство с Юлией Самойловой, аристократкой из рода Скавронских, т. е. родственников Екатерины I. Портреты: «Ю. Самойловой, с воспитанницей и арапчонком», «Всадница» (1832), а также картина «Вирсавия» (1832) связаны с этим этапом жизни Брюллова.

В 1836 году, после путешествия по Греции и Турции, Брюллов возвращается в Россию — через Одессу в Москву и через несколько месяцев — в Петербург. В Москве он знакомится с А. С. Пушкиным; пишет портреты поэта и драматурга А. К. Толстого и А. А. Перовского (писателя Антония Погорельского). В Петербурге его ожидает торжественный приём в Академии художеств и триумф «Последнего дня Помпеи»; картина успела побывать в Париже (Лувр, 1834), где была холодно принята парижской критикой: это была (уже!) эпоха Делакруа и французского романтизма.

До 1849 года Брюллов живёт и работает в Петербурге. Он — профессор Академии художеств, модный портретист; расписывает лютеранскую церковь на Невском проспекте, Исаакиевский собор (1843—47), пишет большую картину «Осада Пскова» (1839—43; не окончена).

Многочисленные портреты: Нестора Кукольника (1836), В. А. Жуковского (1837—38), И. А. Крылова (1839); Ю. П. Самойловой с воспитанницей (1839); «Автопортрет», (1848

В 1850 году Брюллов возвращается в Италию. Наиболее важные работы этого периода — портреты членов семьи Титтони и «Портрет Микеланджело Ланчи».

Билет№6

ИМПРЕССИОНИЗМ

 

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX в., представители которого стремились запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивое правдиво передать мгновения жизни. Импрессионизм (синоним термина происходит от французского: слова, означающего «впечатление») зародился в 1860-х гг. во Франции, когда живописцы. Э. Мане, О. Ренуар и Э. Дега внесли в «искусство многообразие, динамику и сложность современного городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерна кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, не­ожиданные ракурсы, срезы фигур рамой,

В 70—80-х гг, сформировался импрессио­низм во французской пейзажной живописи. Картины Моне, Писсарро, Сислен, на­писанные на открытом воздухе (пленэре), передавали ощущение сверкающего солнечного света, объемные формы как бы растворялись в вибрации света и воздуха.. Среди многочисленных его последователей - амери­канец Д. Уистлер, немцы М. Либерман, Л. Ко-ринт, М. Слефогт. итальянец Дж. Сегантини, русские живописцы К. Л. Коровин, И. Э. Гра­барь. Присущий импрессионизму интерес к мгновенному движению, ускользающим впе­чатлениям, текучей форме восприняли и скульп­торы — О. Роден во Франции, М. Россо в Ита­лии, П. П. Трубецкой и А. С. Голубкина в России. Но в твор­честве как самих импрессионистов, так и в осо­бенности их последователей часто сказывался отход от анализа и оценки явлений социальной действительности.

Термин импрессионизм родился случайно. Поводом послужило название пейзажа К.Моне "Впечатление. Восход солнца" (от французского impression - впечатление), появившегося на выставке импрессионистов в 1874 году. Это первое публичное выступление группы художников, объединившихся вокруг Э.Мане (в него входили К.Моне, Э.Дега, О.Ренуар, А.Сислей, К.Писсарро и другие), было встречено официальной буржуазной критикой грубыми насмешками и травлей. Вместе с тем импрессионизм и, как мы увидим далее, постимпрессионизм - это две стороны, или, вернее, два последовательных временных этапа того коренного перелома, который положил рубеж между искусством Нового и Новейшего времени. В этом смысле импрессионизм, с одной стороны, завершает развитие всего после ренессансного искусства, ведущим принципом которого было отражение окружающего мира в зрительно достоверных формах самой действительности, а с другой - является началом крупнейшего после Ренессанса переворота в истории изобразительного искусства, заложившего основы качественно нового его этапа - искусства ХХ века.

Оска́р Кло́д Моне́ (1840—1926) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Национальная школа: Франция

Стиль: импрессионизм

Главные произведения:

-женщины в саду

-лягушатник

-пляж в Трувиле

-Впечатление, восход солнца

-вокзал Сен-Лазар

-Тополя, четыре дерева

-пруд с кувшинками

Характерные черты:

-изображение выхваченного момента или впечатления

-индивидуальные оттенки различных цветов

-изучение эффектов освещения в зависимости от цветов

-использование специфических мотивов повтора изображения в разное время в различном ракурсе в серии картин

Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 г.^[1] в Париже. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры.

Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи. Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.

Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла затем стала женой художника.

После начала франко-прусской войны в 1870 г. Моне уезжает в Англию, где знакомится с работами Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. После возвращения во Францию в конце 1872 г. Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant). Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в 1874 г.

Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни.

Пьер Огю́ст Ренуа́р (1841-1919) — французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма, к энгризму.

Национальная школа: Франция

Стиль: импрессионизм

Главные произведения:

-лягушатник

-Мулен де ла Галетт

-завтрак гребцов

-зонтики

-детская

-большие купальщицы

Характерные черты:

-использование цвета

-смелый мазок

В начале 1862 года Ренуар сдал экзамены в Школу изящных искусств при Академии художеств и записался в мастерскую Глейра. Там он встретился с Фантен-Латуром, Сислеем, Базилем и Клодом Моне. Вскоре они подружились с Сезанном и Писарро, так сложился костяк будущей группы импрессионистов.

В ранние годы Ренуар находился под влиянием творчества барбизонцев, Коро, Прюдона, Делакруа и Курбе.

В 1864 году Глейр закрыл мастерскую, обучение закончилось. Ренуар начал писать свои первые полотна и тогда впервые представил в Салон картину «Эсмеральда, танцующая среди бродяг». Ее приняли, но когда холст вернулся к нему, автор его уничтожил.

Избрав в те годы жанры для своих произведений, он не изменял им до конца жизни. Это пейзаж — «Жюль ле Кёр в лесу Фонтенбло» (1866), бытовые сцены — «Лягушатник» (1869), «Понт Неф» (1872), натюрморт — «Весенний букет» (1866), портрет — «Лиза с зонтиком» (1867), «Одалиска» (1870), обнаженная натура — «Диана-охотница» (1867).

В 1872 году Ренуар с друзьями создал «Анонимное кооперативное товарищество».

Первая выставка товарищества открылась 15 апреля 1874 года. Ренуар представил пастель и шесть живописных полотен, среди которых были «Танцовщица» и «Ложа» (обе — 1974). Выставка закончилась провалом, а члены товарищества получили оскорбительную кличку — «импрессионисты».

Несмотря на бедность, именно в эти годы художник создал свои главные шедевры: «Большие бульвары» (1875), «Прогулка» (1875), «Бал в ле Мулен де ла Галетт» (1876), «Обнаженная» (1876), «Обнажённая в солнечном свете» (1876), «Качели» (1876), «Первый выезд» (1876/1877), «Тропинка в высокой траве» (1877).

Ренуар постепенно перестает участвовать в выставках импрессионистов. Он представил в 1879 году в Салон полнофигурный «Портрет актрисы Жанны Самари» (1878) и «Портрет госпожи Шарпантье с детьми» (1878) и добился всеобщего признания, а вслед за этим финансовой независимости. Он продолжает создавать шедевры — «На террасе» (1879), «Бульвар Клиши» (1880), «Завтрак гребцов» (1881).

Ренуар побывал в Алжире, затем в Италии, где близко познакомился с работами классиков Возрождения, после чего его художественный вкус изменился. Ренуар пишет серию картин «Танец в деревне» (1882/1883), «Танец в городе» (1883), «Танец в Буживале» (1883), а также такие полотна, как «В саду» (1885) и «Зонтики» (1881/1886), где ещё проглядывает импрессионистское прошлое, но появляются новые штрихи.

Открывается так называемый «энгровский период». Наиболее известное произведение этого периода — «Большие купальщицы» (1887). Для построения композиции автор впервые использовал наброски и эскизы. Линии рисунка стали четкими и определенными. Краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись в целом стала выглядеть сдержанней и холоднее.^[1]

В 1892 году у Дюран-Рюэля открылась большая выставка картин Ренуара, которая прошла с большим успехом. Признание пришло и от государственных чиновников — картина «Девушки у рояля» (1892) была закуплена для Люксембургского музея.

Ренуар едет в Испанию, где знакомится с творчеством Веласкеса и Гойи.

В начале 90-х годов в ренуаровском искусстве происходят новые перемены. В живописной манере появляется переливчатость цвета, отчего этот период иногда именуют «перламутровым».^[1]

Ренуар пишет такие картины как «Яблоки и цветы» (1895/1896), «Весна» (1897), «Сын Жан» (1900), «Портрет госпожи Гастон Бернхейм» (1901). Он путешествует в Нидерланды, интересуясь полотнами Вермеера и Рембрандта.

«Перламутровый» период уступает место «красному», названному так из-за предпочтения оттенкам красноватых и розовых цветов.^[1]

Ренуар по-прежнему пишет солнечные пейзажи, натюрморты с яркими цветами, портреты своих детей, обнаженных женщин, создает «Прогулку» (1906), «Портрет Амбруаза Воллара» (1908), «Габриэль в красной блузе» (1910), «Букет роз» (1909/1913), «Женщину с мандолиной» (1919).

ДЕГА Эдгар Илер Жермен (1834-1917) - французский живописец, один из самых выдающихся представителей импрессионизма.

 

Национальная школа: Франция

Стиль: импрессионизм, реализм

Главные произведения:

-портрет семьи Белели

-голубые танцовщицы

-юные спартанцы

-хлопковая биржа в Новом Орлеане

-абсент

-14-тилетняя танцовщица

-расчёсывание волос

Характерные черты:

-люди, показанные в неформальной повседневной обстановке

-фигуры с чётко очерченными формами помещённые в стороне от центра картины

-детальное наблюдение движений и жестов

-богатство колорита

 

Родился в старинной банкирской семье. В 1860-е гг., копируя старых мастеров в Лувре, Э.Дега знакомится с Э.Мане, с которым его сближает общее неприятие академического салонного искусства. Э.Дега больше интересовался современной жизнью во всех ее проявлениях, нежели вымученными сюжетами выставленных в Салоне картин.

Особый драматизм образов очень часто рождается из неожиданно смелого движения линий, необычной композиции, напоминающей моментальную фотографию, на которой фигуры с оставшимися за кадром отдельными частями тела сдвинуты по диагонали в угол, центральная часть картины представляет собой свободное пространство ("Оркестр Оперы", 1868-1869, Музей Орсэ, Париж; "Две танцовщицы на сцене", 1874, Галерея института Варбурга и Курто, Лондон; "Абсент", 1876, Музей Орсэ, Париж). Для создания драматического напряжения художник использовал также направленный свет, изображая, например, лицо, разделенное прожектором на две части: освещенную и затененную ("Кафешантан в "Амбассадёр", 1876-1877, Музей изящных искусств, Лион; "Певица с перчаткой", 1878, Музей Фогт, Кембридж). Этот прием впоследствии использовал А. де Тулуз-Лотрек в афишах для Мулен-Руж.

Появление фотографии дало художнику опору в поисках новых композиционных решений своих картин, но в полной мере оценить это изобретение Э.Дега смог только в 1872 г. во время пребывания в Северной Америке. Итогом этого путешествия стал "Портрет в хлопковой конторе" (1873, Музей изящных искусств, По), композиция которого производит впечатление случайного репортажного снимка. Во Франции, Э.Дега вновь оказывается в компании своих близких друзей: Э.Мане, О.Ренуара и К.Писсарро. В середине 1880-х гг. Э.Дега начинает использовать пастель. Именно в это время он создает свои знаменитые изображения обнаженной натуры. Преклонение перед человеческим телом он выразил в серии пастелей, представляющих женщин за туалетом ("После ванны", 1885, частное собрание). Эти восхитительные работы были показаны на восьмой, последней выставке импрессионистов в 1886 г.

В своих поздних работах, напоминающих праздничный калейдоскоп огней, Э.Дега был одержим желанием передать ритм и движение сцены. Чтобы придать краскам особый блеск и заставить их светиться, художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст. Одна из излюбленных тем Э.Дега - изображение лошадей перед стартом. ("Скаковые лошади перед трибуной", 1869-1872; "На скачках", 1877-1880 - обе в Музее Орсэ, Париж; "Жокеи перед скачками", 1881, Художественный музей Барбера, Бирмингем). Потеряв зрение в 1908 г., он вынужден был отказаться от занятий живописью и последние годы провел в глубоком одиночестве.

 

«Медный всадник»

 

Как событие огромной важности для российской и мировой фундаментальной скульптуры специалисты оценили создание Э. М. Фальконе конного монумента Петру I (Медный всадник).

Памятник основателю Санкт-Петербурга Петру I, или Медный Всадник, названный так вслед за одноименной поэмой А.С. Пушкина, был воздвигнут во время царствования Екатерины II в 1778 году по модели скульптора Этьена Фальконе. Голову Петра выполнила ученица мастера Мари-Анн Колло, а змею, попираемую копытами коня, – скульптор Федор Гордеев. Этот шедевр мировой монументальной скульптуры установлен на площади Декабристов, ранее носившей название Петровской и Сенатской. Гордо и величественно возвышается царь Петр на своем вздыбившемся коне, простирая десницу вперед, будто указывая путь своим современникам и потомкам. Раздавлена копытами змея – символ коварства и предательства, вражеской силы. Так поднимает голову великое государство Российское.

Немало времени было потрачено и на поиски достойного пьедестала для столь величественного монумента, олицетворяющего возвышение России и укрепление могущества государства. «Гром-камень» был найден в двенадцати верстах от Петербурга, в поселке Лахта. Свое название глыба получила от местных жителей за широкую трещину, образовавшуюся будто от удара молнии. Путь «гром-камня» до места водружения скульптуры длился целых полтора года: специально для него была построена баржа, а по суше глыбу тащили с помощью желобов с медными шарами. В пути мастера придавали «гром-камню» форму, задуманную Фальконе.