Питер пауэл рубенс и (1577—1640)

Билет№1

Не случайно XVII век называют иногда веком живописи. Именно в этот период были созданы непревзойденные шедевры европейской живописи — достаточно вспомнить полотна Рембрандта, Веласкеса, Хальс, Рубенса, Пуссен, Караваджо.

Одна из основных тем искусства XVII века — человек, становление его характера в борьбе, которая знала и высочайшие взлеты, и поражения. В ней человек познавал свои силы и выявлял свои лучшие качества.

В ХVII веке одновременно возникли и параллельно развивались два ведущих стиля эпохи — барокко и классицизм.. Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает свободное от стилевых элементов реалистическое направление, проявления которого разнообразны в различных национальных школах и у отдельных мастеров.

И есть еще одна особенность искусства XVII века, которую не знали предшествующие эпохи — одновременное развитие искусства сразу в нескольких странах, отсутствие национальной замкнутости.

Хотя культуру и искусство XVII века можно назвать общеевропейскими, особенно значительный вклад принадлежит пяти странам— Италии, Испании, Фландрии, Голландии и Франции

ПИТЕР ПАУЭЛ РУБЕНС И (1577—1640)

Национальная школа: Фландрия

Стиль: барокко

Главные произведения:

-Цикл полотен, посвящённых Марии Медичи

-Аллегория Войны и Мира

-Портрет Екатерины Меннерс, герцогини Бэкингемской

-Осенний пейзаж с видом на Хетт Стин ранним утром

Характерные черты:

-Использование чистых красок

-Изучение света

-Крупномасштабные сцены с многочисленными фигурами

-Панорамные пейзажи

 

По картинам Рубенса легко можно представить себе жизнь Фландрии XVII в. Крупные размеры полотен, свободная манера письма, мощность красочных форм соответствовали тор­жественной пышности храмов, укра­шению замков знати, городских особ­няков дворянства и богатой буржуа­зии. Он был величайшим живописцем этого стиля и одним из его создателей. Первые годы своей творческой жизни Рубенс провел в Италии. Знакомство с произведениями Микеланджело, Караваджо, венецианских живописцев XVI в. оказало на него влияние. Возвратившись в 1608 на родину, Рубенс начинает активно, работать в Антверпене. Он во многом определил характер национальной школы, оставив многочисленных учеников и последователей. В мастерской Рубенса некоторое время вместе с ним работали такие масте­ра живописи, как А. ван Дейк, Я. Йор­дане, Ф. Снейдерс. Деятельность Ру­бенса была необыкновенно много­гранна, он много путешествовал, иногда с дипломатическими поручениями.

В мастерской художника создава­лись религиозные крупноформатные композиции, мифологические сцены, циклы декоративных панно, пейзажи, портреты. Для большинства произве­дений мастера, относящихся и самым разным жанрам, характерна динами­ка контрастных форм, полных энер­гии и обладающих большой эмоцио­нальной выразительностью. Звучная красочность, полнокровная живописная лепка тел, пластическая насыщен­ность мотивов свойственны таким раз­ным произведениям, как «Похищение дочерей Левкиппа», «Снятие с кре­ста», «Крестьянский танец», В цикле картин дли французской королевы Марин Медичи, который включает 21 полотно, Рубенс широко использу­ет аллегории, мифологических персонажей. Наряду с монументальными компо­зициями Рубенс обращался и к порт­рету, но этот жанр никогда не был для него основным. Художник любил писать людей, близких ему или чем-то привлекших его внимание. Поэти­чен один из лучших портретов масте­ра — «Камеристка инфанты Иза­беллы, правительницы Нидерлан­дов» (ок. 1625).

С середины 1630-х гг. Рубенс пре­имущественно работает в собственном замке Стен. Нежным лиризмом, тон­костью колорита проникнуты портре­ты его жены Елены Фоурмен. Ощущением вечной борь­бы стихий, чувством неразрывной связи бытия человека и природы, подлинно эпическим размахом отме­чены пейзажи Рубенса. К значительным поздним произве­дениям Рубенса принадлежат эскизы к оформлению триумфальных арок по случаю въезда в Антверпен правителя Фландрии. Творчество Рубенса не только опре­делило своеобразие фламандской школы живописи, но и решительно повлияло на судьбы всего евро­пейского искусства.

Портретная живопись

Во второй половине XVII века портретное искусство достигает своего расцвета. В это время творят крупнейшие живописцы Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий и В. Л. Боровиковский, создавшие блестящую галерею портретов современников, произведения, воспевающие красоту и благородство устремлений человека. Художники воссоздавали образ человека с по­мощью различных живописных средств: изысканных цветовых оттенков, дополнительных цветов и рефлексов, богатейшей системы многослойного наложения красок, прозрачных лессировок, тонкого и виртуозного исполь­зования фактуры красочной поверхности. Все это определило значительное место отечественного портрета в современной ему европейской живописи.

Ф. С. Рокотов (1735 или 1736 — 1808). В ряду крупнейших портретистов был Федор Степанович Рокотов. Еще будучи молодым человеком, он полу­чил широкую известность как умелый и оригинальный живописец. Его творческое наследие значительно, однако в XIX веке художник был почти забыт и только в начале следующего столетия началось кропотливое собира­ние фактов его биографии и творчества. Многие события из жизни Рокотова остаются загадочными.

Д. Г. Левицкий (1735 — 1822). Когда расцветало творчество Рокотова, началась деятельность другого крупнейшего портретиста Дмитрия Гри­горьевича Левицкого, создавшего серию правдивых, глубоких но характе­ристике портретов. Художник родился, вероятно, в Киеве и вначале учился изобразительному искусству у своего отца — известного украинского гра­вера. Там же молодой Левицкий встретился с Антроповым, который руко­водил работами по украшению Андреевской церкви. Левицкийбыл среди учеников Антропова и в Петербурге, его помощником по выполнению по­ртретов Екатерины II для триумфальной арки в Москве, воздвигнутой при коронации.

В. Л. Боровиковский (1757 — 1825). Третьим выдающимся мастером портретного жанра конца XVIII века был Владимир Лукич Боровиковский. Он родился в Миргороде на Украине, и профессиональные первоначальные навыки получил у своего отца-художника. В иконах, написанных Борови­ковским в молодости, чувствуется его крупное дарование. В Петербурге Боровиковский общался с представителями прогрессивно мыслящей рус­ской интеллигенции кружка Г. Р. Державина, сблизился с Левицким, и воз­можно, у него учился. Портрет Е. Н. Арсеньевой, созданный в 1796 году— произведение высокого мастерства.

Провинциальный портрет. Интенсивное развитие русской культуры во второй половине XVIII столетия обусловило широкое распространение изобразительного искусства, в первую очередь, портрета, в провинции. Русский провинциальный портрет XVIIIвека следует за произведениями столичного искусства, но имеет ряд особенностей. Новые черты искусства XVIII века проникали в провинцию с запозданием. Провинциальные по­ртреты создавались обычно сериями, составляя фамильные галереи. Их характерные черты — некоторая прямолинейность и однозначность в трак­товке образа, буквальное внешнее сходство. Они более тесно связаны с древ­нерусской традицией, отличаются узорочьем, локальным цветом, орнаментальностью.

Билет№2

В западной художественной культуре первые два значительные направления отличаются в эпохе средневековья. 1) Первое направление романское искусство(10-12вв.) Понятие "романский" происходит от слова "римский", в архитектуре культовых зданий романская эпоха заимствовала основополагающие принципы гражданской архитектуры. Романское искусство отличалось простотой, величественностью. 2) Второе направление - Готическое искусство. Понятие готика происходит от понятия варварский. Готическое искусство отличалось своей возвышенностью, готическим соборам было присуще стремление ввысь и характерен богатый наружный и внутренний декорум. Готическое искусство отличалось мистическим характером, богатым и сложным символическим рядом. Наружная система стен, большую площадь стены занимали окна, мелкая детализация.

Влияние церкви, пытавшейся подчинить себе всю духовную жизнь общества, определило облик средневекового искусства Западной Европы. Основным образцом средневекового изобразительного искусства были памятники церковной архитектуры. Главной задачей художника было воплощение божественного начала, а из всех чувств человека отдавалось предпочтение страданию, ибо, по учению церкви, это - очищающий душу огонь. С необычной яркостью средневековые художники изображали картины страданий и бедствий. За время с XI по XII в. в Западной Европе сменились два архитектурных стиля - романский и готический. Романские монастырские церкви Европы очень разнообразны по своему устройству и украшению. Но все они сохраняют единый архитектурный стиль, церковь напоминает крепость, что естественно для бурного, тревожного времени раннего средневековья. Готический стиль в архитектуре связан-с развитием средневековых городов. Главный феномен искусства готики - ансамбль городского собора, который был центром общественной и идейной жизни средневекового города. Здесь не только исполнялись религиозные обряды, но происходили публичные диспуты, совершались важнейшие государственные акты, читались лекции студентам университетов, разыгрывались культовые драмы и мистерии.

ВИЗАНТИЙСКОЕ ИСКУССТВО

 

Византия образовалась в IV в. В искусстве Византии неразрывно слиты утонченная декоративность, стремление к пышной зрелищности, условность художест­венного языка, резко отличающая его от античности, и глубокая религиозность. Визан­тийцы создали художественную систему, в которой господствуют строгие нормы и кано­ны, а красота материального мира рассмат­ривается лишь как отблеск неземной, боже­ственной красоты.

Эти особенности византийского искусства ярко проявились как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Теперь тип античного храма служил местом собрания верующих для участия в таинстве приобщения к божеству и слушания «слова божьего». Строились церкви двух основных типов. Базилики представляли собой прямоугольные, вытянутые в длину здания, разделенные на продольные помещения — нефы, из которых средний был выше боковых. Часто они пересекались широким попе­речным нефом, образуя в плане вытянутый, так называемый латинский крест. В восточ­ной части базилики находился алтарь. Ан­тичные базилики в Византии были приспо­соблены для христианского культа. Позднее наибольшее распространение получил тип крестово-купольной церкви — квадратное в плане здание, в центральной части которого находились четыре столба, поддерживающие купол. От центра расходились четыре сводча­тых рукава, образуя ясно читающийся равно­конечный, так называемый греческий крест. Иногда базилика соединялась с крестово-купольной церковью. В самой Византии возобладал крестово-купольный храм.

 

Главным храмом всей Византийской империи стала церковь святой Софии в Констан­тинополе. Она была построена в 532—537 гг. зодчими Анфимием из Тралл и Исидором из Милета. Церковь поражает своим внутрен­ним пространством, гигантским куполом (ди­аметром более 30 м. Высокого расцвета в Византии достигло искусство живописи. Замечательными произведениями византийских мастеров являются мозаики в Равенне (V-VII вв.). В этот период, получивший название комниновского (от правящей динас­тии Комнинов, XI—XII вв.), вместо прежних живописных решений преобладают сухие графические изображения, отвлеченные об­разы неподвижно стоящих святых. XI век стал веком расцвета искусства миниатюры — небольшой по размерам, но виртуозно тонкой по рисунку. Представление о высоком уровне дает знаменитая икона Владимирской богоматери. Новый расцвет византийского искусства приходится на XIV в. Выдающимся памятником этого времени являются мозаики церкви Кахрие-Джами в Константинополе. В 1453 г. Константинополь был захвачен турками, а храм святой Софии превращен в мечеть.

 

«МИР ИСКУССТВА»

 

Основные участники «Мира искусства»— художественного объединения, сформировавшегося в 1898—1899 гг. в Петербурге — А.Н.Бенуа, признанный лидер группы, художник и критик, К.А.Сомов, М.В. Добужинский, Е.Е.Лансере, Л. С. Бакст. Главная организаторская роль принадлежала С. П. Дягилеву. В состав выставочного совета «Мира искусства входил В. А. Серов. На выставках объединения впервые были показаны произ­ведения М. А. Врубеля. Первый период деятельности объединения продолжался до 1904г. «Мир искусства» издавал журнал под тем же названием — своеобразный литератур­но-художественный альманах, в котором со­трудничали художники, поэты, философы. Важней­шая сторона деятельности «Мира искусства»— возрождение интереса к забытым страницам русской культуры XVIII и начала XIX в.: орга­низуются ретроспективные выставки старого искусства, систематически публикуются статьи и монографии, посвященные мастерам того времени, выпускается специальное издание «Художественные сокровища России».

«Мир искусства» отстаивал свободу инди­видуального самопроявления в искусстве. Всё, что любит и чему поклоняется художник в прошлом и настоящем, имеет право быть воплощенным в искусстве, независимо от злобы дня — такова эстетическая программа объединения. Современный буржуазный мир, по мнению художников «Мира искусства», кра­соты лишен. Поэтому в собственном творчест­ве «мирискусники» выступают интерпрета­торами красоты, закрепленной в памятниках искусства прошлых эпох. Жизнь интересует их лишь постольку, поскольку она уже вырази­ла себя в искусстве. Ведущим в живописи «Мира искусства» стал историко-бытовой жанр.

Почти все художники «Мира искусства»- прекрасные иллюстраторы. Классические образцы — иллюстрации А. Н. Бенуа к «Медному всаднику».

Стилистика«Мира искусства» формировалась под сильным влиянием немецкой и английской журнальной графики. «Мир искусства» характеризует любовь к силуэту, К изысканной орнаментальной организации изображения, преобладание линейно-графического начала над живописным, преимущественный интерес к техникам гуаши, акварели, пастели. Последняя выставка «Мира искусства» состоялась в 1922 г. Высокая графическая культура, необычайно широкая осведомленность в различных областях художественного быта и искусства прошедших исторических эпох, тонкий художественный вкус - наиболее ценные черты творчества «Мира искусства», сохраняющие свое значение и влияние до нынешних дней, особенно для театрально-декорационного искусства и книжной иллюстрации.

 

Билет№3

Серии офортов

• «Капричос»,1797—1798 — творение на 80 листax с комментариями, которое раскрывает уродство моральных, политических и духовных основ испанского «старого порядка»;
• «Тавромахия», 1815 — изданы в 1816 в Мадриде;
• «Бедствия войны», 1810—1820 — 82 листа, изданы в 1863 в Мадриде), исполненные большей частью в период народно-освободительных войн против наполеоновского нашествия и первой испанской революции (1808—1814);
• «Диспаратес» («Причуды»), 1820—1823 — 22 листа, изданы в 1863 в Мадриде под названием «Los Proverbios» («Притчи», «Пословицы»)^[1].

Билет№ 4

Возрожде́ние, или Ренесса́нс — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — начало XIV— последняя четверть XVI веков.

Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Для живописи и ваяния эпохи Возрождения характерно сближение художников с природой, ближайшим проникновением их в законы анатомии, перспективы, действия света и других естественных явлений.

Художники Возрождения, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Важную роль для становления искусства Возрождения имело по-новому понятое античное наследие. Воздействие античности сильнее всего сказалось на формировании культуры Возрождения в Италии, где сохранилось множество памятников древнеримского искусства.

Изменяется характер прикладного искусства, заимствующего формы и мотивы орнаментики в античности и связанного не столько с церковными, сколько со светскими заказами. В его общем жизнерадостном характере, благородстве форм и красок сказалось то чувство единства стиля, которое присуще всем видам искусства эпохи Возрождения, составляющим синтез искусства на основе равноправного сотрудничества всех его видов.

Новые требования, стоящие перед искусством, обусловили обогащение его видов и жанров. В монументальной итальянской живописи широкое распространение получает фреска. С XV в. все большее место занимает станковая картина. Наряду с существовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, выдвигается портрет, зарождается историческая и пейзажная живопись. В Германии и Нидерландах широкое распространение получила гравюра, которая часто использовалась в художественном оформлении книг. Завершается начатый в средние века процесс обособления скульптуры; наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появляется самостоятельная круглая скульптура — станковая и монументальная.

Это время выдвинуло в искусстве личностей, которые стали олицетворением целых эпох национальной культуры (личностей-«титанов). Олицетворением Проторенессанса стал Джотто, противоположные аспекты кватроченто — конструктивную строгость и задушевный лиризм — соответственно выразили Мазаччо и Анджелико с Боттичелли. «Титаны» Среднего (или «Высокого») Возрождения Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело — это художники — символы великого рубежа Нового времени как такового. Важнейшие этапы итальянской ренессансной архитектуры — ранний, средний и поздний — монументально воплощены в творчестве Ф. Брунеллески, Д. Браманте и А. Палладио.

Я. Ван Эйк, И. Босх и П. Брейгель Старший олицетворяют своим творчеством ранний, средний и поздний этапы живописи нидерландского Ренессанса. А. Дюрер, Грюневальд (М. Нитхардт), Л. Кранах Старший, Х. Хольбейн Младший утвердили принципы нового изоискусства в Германии.

Творчество Рафаэля Санти

Национальная школа: Италия

Стиль: Высокое Возрождение

Главные произведения:

-Сикстинская мадонна

-Мадонна в зелени

-Афинская школа

-Триумф Галатеи

-Портрет графа Бальдассаре Кастильоне

-преображение

-Мадонна Конестабиле

Характерные черты:

-христианские сюжеты, а также темы классической мифологии

-мощный фигуративный стиль, но нередко атмосфера внутреннего спокойствия

-гармония в композиции

-острое внимание к классическим архитектурным деталям

Рафаэ́ль Са́нти 28 марта^[2] 1483 — 6 апреля 1520 — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.

Сын живописца Джованни Санти. Прошёл первоначальную художественную выучку в Умбрии у своего отца, но уже в юном возрасте оказался в мастерской выдающегося художника Пьетро Перуджино. Именно художественный язык и образность картин Перуджино с их тяготением к симметричной уравновешенной композиции, ясностью пространственного решения и мягкостью в решении колорита и освещения оказали первостепенное влияние на манеру молодого Рафаэля.

Необходимо оговорить и то, что творческий почерк Рафаэля включал синтез приемов и находок других мастеров. Сначала Рафаэль опирался на опыт Перуджино, позднее поочередно - на находки Леонардо да Винчи, Фра Бартоломео, Микеланджело.

Ранние произведения («Мадонна Конестабиле», ок. 1502—1503) проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.

Во Флоренции, соприкоснувшись с творениями Микеланджело и Леонардо, Рафаэль учился у них анатомически правильному изображению человеческого тела. В 25 лет художник попадает в Рим, и с этого момента начинается период наивысшего расцвета его творчества: он выполняет монументальные росписи в Ватиканском дворце (1509—1511), среди которых безусловный шедевр мастера — фреска «Афинская школа», пишет алтарные композиции и станковые картины, отличающиеся гармоничностью замысла и исполнения, работает как архитектор (некоторое время Рафаэль даже руководит строительством собора св. Петра). В неустанных поисках своего идеала, воплощающийся для художника в образе Мадонны, он создает самое совершенное своё творение — «Сикстинскую Мадонну» (1513), символ материнства и самоотречения. Картины и росписи Рафаэля были признаны современниками, и вскоре Санти стал центральной фигурой художественной жизни Рима ^[3]. Породниться с художником хотели многие знатные люди Италии, в том числе близкий друг Рафаэля кардинал Биббиена. Однако свадьба Рафаэля и Марии Доваци, одной из племянниц кардинала, так и не состоялась. По одной из версий, девушка умерла, та и не дождавшись выполнения Рафаэлем обещания жениться, по другой версии, художник уже был тайно женат на куртизанке Форнарине. Художник умер в возрасте тридцати семи лет от сердечной недостаточности ^[4]. Незаконченные росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и другие работы были завершены учениками Рафаэля в соответствии с его эскизами и рисунками.

Плакат.

Плакат (от франц. слова «плакар»- объявление, афиша) – разновидность графики, лаконичное, броское изображение на листе бумаги, сопровождаемое текстом. Это самый массовый и общедоступный вид изобразительного искусства известен каждому. Поистине ни одно заметное явление не проходит мимо художника-плакатиста, и поэтому тематика плаката отличается исключительным многообразием: это и плакаты общественно-политического содержания, часто агитационного, призывного характера, это и учебная (например, правила дорожного движения) и рекламная.

Специфика художественного языка плаката определяется тем, что он должен восприниматься на большом расстоянии, привлекать внимание, смысл изображенного должен сразу «бросаться в глаза». Большую роль в этом играет яркое цветовое решение, расположение текста и характер шрифта. Как особый вид изобразительного искусства плакат существует со 2-ой половины XIX века. Появление плаката связано с обострением с середины XIX века противоречий экономической и общественно-политической жизни капиталистических стран. В разные периоды в области плаката работали такие известные художники, как А.Тулуз-Лотрек, Т.Стейнлен, П.Пикассо (Франция), Ю.Вальткорн и К.Кольвиц (Германия), Л.Мендес (Мексика), В.А.Серов и К.А.Соломов (Россия).

Яркая страница в развитии искусства плаката – советский плакат. С момента своего рождения (Появился вместе с Великим Октябрем) советский плакат стал верным пропагандистским и агитационным оружием партии, ее помощником в деле социалистического строительства. Уже в 20-е годы плакат был одним из самых популярных и действенных видов молодого советского искусства. Несмотря на разруху и военную интервенцию, плакаты издавались в те годы более чем в 70 городах республики, на разных языках. В этом жанре работали А.А.Апсит, В.Н.Дени, Д.С.Моор, В.В.Маяковский, В.В.Лебедев. По инициативе В.В.Маяковсого, М.М.Черемных родились знаменитые «Окна Сатиры РОСТА». Время требовало от художников полной самоотдачи, огромного напряжения сил. Всего за сутки, поистине с военной апиративностью, создал Апсит один из первых советских плакатов «Грудью за защиту Петрограда!» (1919). В число лучших произведений нашего изобразительного искусства вошел плакат Мора «Ты записался добровольцем?» (1920). Монументальный, выразительный по форме, лаконичный по композиции, предельно точный по мысли, он стал своеобразным памятником революционной великой эпохе.

Годы первых пятилеток, время ударных бригад и ликбеза, Днепрогэса и Магнитки выдвинули перед художниками-плакатистами новые задачи. Темы индустриализации и коллективизации, социалистического соревнования и интернациональной солидарности успешно разрабатывали мастера старшего поколения и молодые тогда А.А.Дейнека, Г.Г.Клуцис, А.И.Страхов, Кукрыниксы и другие.

Славные, героические страницы вписал в летопись жизни и борьбы Советского государства плакат времен Великой Отечественной войны. Нет, вероятно, человека в нашей стране, который не знал бы проникновенного, мобилизующего произведения И.М.Тоидзе «Родина-мать зовет!». Лучшие советские художники – Н.Н.Жуков, Б.И.Пророков, Д.А.Шмаринов, А.А.Кокорекин, В.С.Иванов, В.Б.Корецкий, Л.Ф.Голованов и другие – отдавали свой талант делу защиты Отечества. Продолжая боевые традиции «Окон РОСТА» появились «Окна ТАСС» - самый оперативный и популярный вид отечественного плаката.

Победа, возвращение к мирной жизни открыли перед художниками-плакатистами новые горизонты творчества. С каждым днем тематика плакатного искусства расширялась. Одними из центральных стали темы борьбы за мир, за разрушение, дружбы между народами.

Искусство плаката в наши дни – многожанровое. Это плакат политический, театральный, киноплакат, рекламный, цирковой и д.р.

Билет№ 5

Собо́р Свято́й Софи́и — бывший патриарший православный собор, впоследствии — мечеть, ныне — музей; всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого века» Византии.

Во времена Византийской империи собор находился в центре Константинополя рядом с императорским дворцом. В настоящее время находится в историческом центре Стамбула, район Султанахмет. После захвата города османами Софийский собор был обращён в мечеть, а в 1935 году он приобрёл статус музея.

Более тысячи лет Софийский собор в Константинополе оставался самым большим храмом в христианском мире — вплоть до постройки Собора Святого Петра в Риме. Высота Софийского собора — 55,7 метров, диаметр купола 31 метр.

Собор был построен в 324—337 годах при византийском императоре Константине

В плане собор представляет собой продолговатый четырёхугольник (75,6 м длины и 68,4 м ширины), образующий три нефа: средний — широкий, боковые — более узкие. Это базилика с четырехугольным средокрестием, увенчанным куполом. Гигантская купольная система собора стала шедевром архитектурной мысли своего времени. Прочность стен храма достигается, по мнению турецких исследователей, за счёт добавления в строительный раствор экстракта листьев ясеня^[20].

Середина широкого нефа, квадратная в основании, ограничена по углам четырьмя массивными столбами, подпирающими громадные арки, и покрыта довольно плоским куполом 30 м в диаметре, вершина которого отстоит на 51 м от пола. К этому подкупольному пространству примыкают с востока и запада две колоссальные ниши с полусферическим верхом: в восточную нишу открываются своими арками ещё три меньшие ниши, из которых средняя, служившая алтарной апсидой, глубже остальных и выступает из общего плана храма в виде полукружия; к западной большой нише примыкают также три ниши; из них средняя, представляющая вверху не полусферический, а обыкновенный коробовый свод, содержит в себе три двери, ведущие в пристроенные к храму внутренний и внешний притворы (esonartex и exonartex), впереди которых некогда находился теперь несуществующий двор, обнесенный галереей с колоннами.

Подкупольное пространство с северной и южной сторон сообщается с боковыми нефами с помощью арок, поддерживаемых колоннами; под этими арками идёт ещё по ярусу подобных же арок, которыми открываются в подкупольное пространство устроенные в боковых нефах галереи гинекея, а ещё выше — громадные арки, поддерживающие купол, заделаны прямой стеной с окнами, расположенными в три ряда. Кроме этих окон, внутренности храма дают обильное, хотя и несколько рассеянное освещение 40 окон, опоясывающих основание купола, и по пяти окон в больших и малых нишах.

Внутренняя отделка храма продолжалась на протяжении нескольких столетий и отличалась особой роскошью (мозаики на золотом полу, 8 зеленых яшмовых колонн из храма Артемиды в Эфесе). Стены храма также были полностью покрыты мозаиками (как сюжетные композиции, так и орнаменты). Благодаря своей величественной архитектуре и убранству

Карл Па́влович Брюлло́в (1799, Санкт-Петербург —1852, Манциана, Италия) — великий русский^[1] художник, живописец, монументалист, акварелист, рисовальщик, представитель академизма, Член Миланской и Пармской академий, Академии Святого Луки в Риме, профессор Петербургской и Флорентийской академий художеств, почетный вольный сообщник Парижской академии искусств.

Карл Брюллов родился 12 (23) декабря 1799 года в Санкт-Петербурге, С 1809 по 1821 год занимался живописью в Академии художеств в Петербурге, был учеником Андрея Ивановича Иванова К 1820 году относится его первая известная работа «Нарцисс».

В 1822 году Брюллов был откомандирован в Италию на средства Общества поощрения художников. Он посетил Дрезден, Мюнхен; обосновался в Риме. Жанровые картины: «Итальянское утро» (1823) и «Итальянский полдень» (1827). Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.

(Брюллов посетил Помпеи в 1828 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков и переправлено в Парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Сэр Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. "Последний день Помпеи" отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда и к нему получила доступ широкая публика.)

К этому времени относится его знакомство с Юлией Самойловой, аристократкой из рода Скавронских, т. е. родственников Екатерины I. Портреты: «Ю. Самойловой, с воспитанницей и арапчонком», «Всадница» (1832), а также картина «Вирсавия» (1832) связаны с этим этапом жизни Брюллова.

В 1836 году, после путешествия по Греции и Турции, Брюллов возвращается в Россию — через Одессу в Москву и через несколько месяцев — в Петербург. В Москве он знакомится с А. С. Пушкиным; пишет портреты поэта и драматурга А. К. Толстого и А. А. Перовского (писателя Антония Погорельского). В Петербурге его ожидает торжественный приём в Академии художеств и триумф «Последнего дня Помпеи»; картина успела побывать в Париже (Лувр, 1834), где была холодно принята парижской критикой: это была (уже!) эпоха Делакруа и французского романтизма.

До 1849 года Брюллов живёт и работает в Петербурге. Он — профессор Академии художеств, модный портретист; расписывает лютеранскую церковь на Невском проспекте, Исаакиевский собор (1843—47), пишет большую картину «Осада Пскова» (1839—43; не окончена).

Многочисленные портреты: Нестора Кукольника (1836), В. А. Жуковского (1837—38), И. А. Крылова (1839); Ю. П. Самойловой с воспитанницей (1839); «Автопортрет», (1848

В 1850 году Брюллов возвращается в Италию. Наиболее важные работы этого периода — портреты членов семьи Титтони и «Портрет Микеланджело Ланчи».

Билет№6

ИМПРЕССИОНИЗМ

 

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX в., представители которого стремились запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивое правдиво передать мгновения жизни. Импрессионизм (синоним термина происходит от французского: слова, означающего «впечатление») зародился в 1860-х гг. во Франции, когда живописцы. Э. Мане, О. Ренуар и Э. Дега внесли в «искусство многообразие, динамику и сложность современного городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерна кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, не­ожиданные ракурсы, срезы фигур рамой,

В 70—80-х гг, сформировался импрессио­низм во французской пейзажной живописи. Картины Моне, Писсарро, Сислен, на­писанные на открытом воздухе (пленэре), передавали ощущение сверкающего солнечного света, объемные формы как бы растворялись в вибрации света и воздуха.. Среди многочисленных его последователей - амери­канец Д. Уистлер, немцы М. Либерман, Л. Ко-ринт, М. Слефогт. итальянец Дж. Сегантини, русские живописцы К. Л. Коровин, И. Э. Гра­барь. Присущий импрессионизму интерес к мгновенному движению, ускользающим впе­чатлениям, текучей форме восприняли и скульп­торы — О. Роден во Франции, М. Россо в Ита­лии, П. П. Трубецкой и А. С. Голубкина в России. Но в твор­честве как самих импрессионистов, так и в осо­бенности их последователей часто сказывался отход от анализа и оценки явлений социальной действительности.

Термин импрессионизм родился случайно. Поводом послужило название пейзажа К.Моне "Впечатление. Восход солнца" (от французского impression - впечатление), появившегося на выставке импрессионистов в 1874 году. Это первое публичное выступление группы художников, объединившихся вокруг Э.Мане (в него входили К.Моне, Э.Дега, О.Ренуар, А.Сислей, К.Писсарро и другие), было встречено официальной буржуазной критикой грубыми насмешками и травлей. Вместе с тем импрессионизм и, как мы увидим далее, постимпрессионизм - это две стороны, или, вернее, два последовательных временных этапа того коренного перелома, который положил рубеж между искусством Нового и Новейшего времени. В этом смысле импрессионизм, с одной стороны, завершает развитие всего после ренессансного искусства, ведущим принципом которого было отражение окружающего мира в зрительно достоверных формах самой действительности, а с другой - является началом крупнейшего после Ренессанса переворота в истории изобразительного искусства, заложившего основы качественно нового его этапа - искусства ХХ века.

Оска́р Кло́д Моне́ (1840—1926) — французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Национальная школа: Франция

Стиль: импрессионизм

Главные произведения:

-женщины в саду

-лягушатник

-пляж в Трувиле

-Впечатление, восход солнца

-вокзал Сен-Лазар

-Тополя, четыре дерева

-пруд с кувшинками

Характерные черты:

-изображение выхваченного момента или впечатления

-индивидуальные оттенки различных цветов

-изучение эффектов освещения в зависимости от цветов

-использование специфических мотивов повтора изображения в разное время в различном ракурсе в серии картин

Клод Оск