Понятие о художественном образе в искусстве.

Художественный образ – творческое,образное выражение чувств, мыслей художника, облаченных в особые художественные формы.

Два понятия – “художественное произведение” и “художественный образ” – не синонимы прежде всего потому, что художественное прозведение идеально – материально, а художественный образ всегда идеален. Мы опираемся на представления о том, что материальное – это вещественное, а идеальное – это мысленное. Идеальна мысль, выраженная системой понятий. Произведение же материально-идеально(2).

Художественный образ – нечто тонкое и сложное, бесконечно многообразное и неисчерпаемое. Художественный образ всегда динамичен, он развивается в индивидуальном и коллективном сознании.

Художественный образ – форма мышления в искусстве. Это иносказательная, метафорическая мысль, раскрывающая одно явление через другое.

Художественный образ – форма отражения (воспроизведения) объективной действительности в искусстве с позиции определенного эстетического идеала. В художественном образе осваивается и перерабатывается творческой фантазией, воображением, талантом и мастерством художника специфический предмет искусства – жизнь во всём эстетическом многообразии. Художественный образ представляет собой неразрывное единство объективного и субъективного, рационального и эмоционального, абстрактного и конкретного, необходимого и случайного, внутреннего и внешнего, содержания и формы. Благодаря слиянию в ходе творческого процесса этих противоположных сторон в единый, целостный, живой образ художник получает возможность достигнуть яркого, эмоционального и в то же время глубоко одухотворенного отражения жизни. На основе этого слияния, воплощаемого при помощи специфических для каждого вида искусства средств, и создаются образы, выражающие определённые эстетические идеи и чувства. Именно с системой художественного образа связана способность искусства осуществлять свою специфическую функцию – доставлять человеку глубокое эстетическое наслаждение, пробуждать в нём художника.

Художественный образ – это специфическая форма отражения действительности в конкретно-чувственной, зрительно воспринимаемой форме. Его создание тесно связано с отбором наиболее характерного, с подчеркиванием существенных сторон предмета или явления.

Художественный образ – это, как мы сказали – иносказательная метафорическая мысль. Так, прикладные изделия скифских мастеров в «зверином стиле» причудливо сочетают реальные формы животных с фантастическими дополнениями: грифон с туловищем рыбы, человеческим лицом и птичьими крыльями; хищные дикие кошки с птичьими когтями и крыльями (особое воплощение религиозно-культовых представлений).

Знаменитые «герои» древних мифологий – кентавр, сфинкс, птица – Сирин являются яркими примерами создания художественного образа. Здесь воплощена художественная мысль, характеризующая особые представления художников эпохи (в данном случае – мифологические).

Каждая эпоха в истории искусства имеет свои приоритеты в подходе к решению художественного образа; так, искусству классицизма присуще художественное обобщение путем выделения и абсолютизации главной черты героя.

Романтизму свойственна идеализация – обобщение путём прямого воплощения идеалов, наложенная на реальный материал.

Реализму присуща типизация – художественное обобщение через индивидуализацию путём отбора существенных черт личности. В реалистическом искусстве каждое изображаемое лицо – тип, но вместе с тем и вполне определенная личность – «знакомый незнакомец» (4).

Образ – целая система мыслей, чувств, владеющих художником, образ многозначен, богат смыслом и глубок, как сама жизнь. Один из аспектов многозначности образа – недосказанность. Это качество делает зрителя (реципиента) активным участником восприятия произведения искусства. Реципиент получает исходный импульс для раздумий, ему задаётся эмоциональное состояние и программа переработки полученной информации, но за ним сохранены и свобода воли, и простор для творческой фантазии. Недосказанность образа, стимулирующая мысль реципиента, с особой силой проявляется в принципе nonfinito (незаконченность).

Художественный образ – это способ и форма отражения и создания образа мира в искусстве. Он определяет специфику искусства.

В историко-эстетическом плане проблема художественного образа поставлена уже античной эстетикой. В «Поэтике» Аристотеля искусство рассматривается как область возможного именно потому, что в художественном образе действительность отражается не зеркально, а в правдоподобной форме. Теория художественного образа как категории художественного творчества впервые была разработана Гегелем, который раскрыл диалектические соотношения художественного образа с идеей. По Гегелю, художественный образ – органичное выражение в чувственной форме «абсолютной идеи» или «абсолютного духа». У Канта, который отрицал закономерности художественного творчества, художественный образ появляется как результат собственного переживания художника.

На современном этапе осмысления значения и содержания термина «художественный образ» мы считаем, что он имеет двоякое толкование: он, конечно же, – основное ядро художественного произведения, а также, в целом – воплощение понятия художественности в искусстве (скульптура, картина, здание и др.).

Художественный образ – диалектично противоречивое подвижное единство содержания и формы. Он тесно связан со стилем.

Первоначально образ возникает в сознании художника. При его создании важное значение приобретает мировоззренческая и эстетическая позиция художника, которая вместе с художественным вымыслом, интуицией, художественным вкусом выступают в качестве компонента в рабочей структуре художественного образа. Создание полноценного образа в искусстве – цель и задача любого художника, в каких бы областях творчества он бы ни работал.

 

Содержание и форма в искусстве.

Проблема содержания и формы – одна из ключевых в теории искусства. Содержание и форма в искусстве, – категории, служащие обозначению основных граней художественного произведения (и искусства в целом), необходимых друг другу и находящихся в диалектическом взаимодействии. Основной критерий отличия «содержания» и «формы» в искусстве – духовный характер содержания и материальный характер формы.

Хотя в искусстве, как во всех других сферах бытия и человеческой деятельности, форма зависит от содержания и его «обслуживает», здесь она, однако, необыкновенно активна и оказывает на содержание решающее обратное воздействие, поэтому «соответствие формы содержанию», их единство (гармония) обычно рассматривается как критерий художественности. При этом необходимо отметить, что в искусстве само содержание должно обладать художественной ценностью, а форма – ценностью эстетической, иначе недостижимо их органическое слияние.

В искусстве содержание и форма конкретного произведения настолько слитны, что происходит их взаимное отождествление – отсюда невозможность перенести содержание художественного произведения в другую форму. В искусстве всякое изменение формы ведёт к изменению содержания, а изменение содержания требует коренной переработки формы. Современная эстетика критикует метафизические представления об искусстве, сводящие его либо к одной только форме, либо к чистой идеологии. Формализм в искусстве (в теории и практике) возникает тогда, когда пытаются сделать форму самоценной, имеющей чисто эстетическое и только эстетическое значение. Столь же губительна для искусства другая крайность – пренебрежительное отношение к эстетической значимости формы, признание ценности одного только содержания.

Содержание художественного произведения – это не просто совокупность ряда элементов (тема, сюжет, идея), а их органическое, неразрывное единство. Форма художественного произведения настолько тесно связана с его содержанием, что разделить их при восприятии почти невозможно. Форма выступает как совокупность многих средств образного выражения содержания, а также воплощения его в материале данного вида искусства.

В теории искусства существуют две крайности в оценке специфического соотношения содержания и формы в художественном произведении:

Первая теория – структуралистская.Сторонники этой концепции говорят о «растворении» содержания в форме. Ими выдвигается аргумент, что форма сама по себе содержательна и что содержание искусства пронизывает собой его форму, и стало быть, стираются грани между формой и содержанием.

Вторая теория   состоит в недооценке содержательности формы, в узком и ограниченном понимании содержания.

Обе концепции «грешат» однобокостью, тогда как содержание и форма художественного произведения и равноценны, и одинаково важны.

Мы утверждаем, что об идейном звучании художественного произведения следует судить не только по замыслу автора, но и по тому, как этот замысел реализован в произведении, взятом в единстве его содержания и формы.

Содержание и форма художественного произведения тесно взаимосвязаны друг с другом.

Содержание произведения – это то, о чём произведение говорит, т.е., это отражение действительности.

Содержание искусства первично по отношению к форме.

Во-первых, определяющая роль содержания отчётливо выявляется в процессе исторического развития искусства, в становлении нового метода, направления, стиля, жанра.

Во-вторых, зависимость формы художественного языка от содержания прослеживается на уровне процесса творчества, целью которого и является воплощение содержательного, эмоционального замысла с помощью тех или иных выразительных средств.

В-третьих, в законченном художественном произведении форма существует для того, чтобы выражать содержание, смыслы и значения.

Содержание отражает общие, типичные черты предмета, форма же – его особенные, индивидуальные черты. Содержание соотносится с рациональным, форма – с эмоциональным началом.

Из главных компонентов содержания отметим: замысел, тема, сюжет, идея произведения.

Замысел – общее представление о содержании и форме будущей работы.

Как рождается замысел? Немногие художники путём самонаблюдения способны уловить этот момент.

Впрочем, существуют и художники-аналитики, такие, как И.Н. Крамской.

В высшей мере, владея искусством самонаблюдения, в письме В.М. Гаршину Крамской детально раскрывает процесс работы над своей прославленной картиной «Христос в пустыне».

Вот как Крамской пишет о начальном этапе своей работы: это ряд «впечатлений», породивших у него «очень тяжелое ощущение от жизни», понимание всеобщности «страшной драмы» выбора пути: «Я вижу ясно, что есть один момент в жизни каждого человека, мало-мальски созданного по образу и подобию Божию, когда на него находит раздумье – пойти ли направо или налево, взять ли за Господа Бога рубль или не уступать ни шагу злу». В итоге этих размышлений у художника формируется «страшная потребность рассказать другим» о своих мыслях и переживаниях. Таков толчок, импульс к творчеству. Вслед за этим рождается образ, являясь внутреннему взору: «Вдруг увидел фигуру, сидящую в глубоком раздумье». С каждым днём образ проявляется, обретает в воображении художника всё более определённые, конкретные черты – фокусируется, и всё глубже художник проникает в состояние этого человека: его неподвижность свидетельствует о том, «что его душа была также серьезна и глубока», а локти прижаты к телу инстинктивно «из-за наступившего внутреннего холода». «Губы его как бы засохли, слиплись от долгого молчания, и только глаза выдавали внутреннюю работу», хотя ничего не видели».(2).

Образ, в конце концов, обретает такую конкретность, что художник утверждает: «Я его видел…». Притом это внутреннее видение пропущено через сердце – сопереживание герою, сочувствие таковы, что вольно или невольно, Крамской придает образу Христа заметное автопортретное сходство.

Тема – круг жизненных явлений, избранных художником. Так, темой картины И. Репина «Не ждали» стал бытовой эпизод, связанный с русским революционным движением 1880-х гг. (внезапное возвращение ссыльного в семью). Тема художественного произведения отвечает на вопросы о том, что в нём отражено, характеризует предмет отражения. Становление и развитие творческой индивидуальности немыслимо вне поиска новых тем. Этот поиск, однако, не самоцель. Важна не тематическая новизна сама по себе, а новаторское проникновение в суть рождающихся в реальной действительности коллизий и характеров.

Тема складывается в результате сложного внутреннего отбора из множества фактов тех немногих, которые исполнены непреходящего значения. Поэтому в изобразительном искусстве сложились «вечные» темы, к которым обращаются художники на протяжении многих веков: любовь, самопожертвование, борьба добра и зла, материнство и др.

В изобразительном искусстве тема находит свою конкретизацию в сюжете.

Сюжет – конкретная разработка темы в развитии.

В сюжете отображаются события, поступки, состояния, характеры и обстоятельства, раскрывающиеся в действии. Сюжет диалектически связан с темой: то или иное жизненное событие, взволновавшее художника, которое позднее ляжет в основу сюжета, осмысливается в качестве темы – и приобретает оттого новые черты. Так случилось, например, с мраморной головкой «Ника», начатой С. Конёнковым в день разгрома Московского восстания 1905 года. Ника – в древнегреческой мифологии богиня Победы, в тот год, по словам скульптора, звала к радости, утверждала, что победа народа не за горами. Это олицетворение светлых идеалов революции – нашло свое олицетворение в портрете реальной девушки, московской дружинницы Тани Коняевой, сражавшейся на баррикадах.

Сюжет – одно из многих взаимосвязанных средств изобразительного искусства; это особенно важно подчеркнуть, потому что часть зрителей видит в нём один-единственный источник содержания.

Идея неотрывна от темы, т.к. вытекает из образного раскрытия сущности этой темы. Идея пронизывает всё художественное произведение, это конкретно-историческая ткань произведения.

Идея – главная мысль произведения, выражающая отношение автора к действительности. В анализе она может быть передана через общие понятия: материнство, героизм, любовь, свобода и т.п.

Так, например, мы говорим, что в картине П. Корина «Александр Невский» выражена идея героизма русского народа.

В полотне Корина выражено индивидуальное, коринское понимание героизма, то есть общая идея героизма приобрела конкретно-индивидуальный смысл. Художник представил Александра Невского грозным, суровым, даже жестоким князем-воином. Это человек мужественный, храбрый, который, однако, побеждает врага не только силою оружия, но и силою духа. Стоит иметь в виду, что картина создавалась в грозном 1942 году. Ею мастер откликнулся на события Великой Отечественной войны. Цельность натуры, ясность жизненной задачи, подвижническая преданность Родине – вот что прославляется в картине. Этим идейным замыслом обусловлена и вся структура работы, её несколько условное решение. Огромна фигура князя, а сзади него – строй дружины и церковь неправдоподобно маленьких размеров. Зато хоругвь с ликом Спаса дана примерно в одном масштабе с главной фигурой. Это сделано не случайно. Автор подчёркивает монументальность, символичность образа, высшую правду дела, которому служит воин. В соответствии с этой сверхзадачей мастер и нарушает привычные законы перспективы, выстраивая композицию в духе кинематографического крупного плана, хотя для Корина такое построение обусловлено обращением к традициям русского иконописания. Каждый компонент образа работает на идею, ею пронизан.

Очевидно, что анализ этой вещи требует сугубо конкретного подхода к ней. Мастерство зрителя (а быть зрителем – тоже искусство) состоит не только в способности сопережить с автором воспринимаемый образ, но и в умении максимально приблизиться к пониманию идеи данного произведения. Является ли идея непременным, всеобщим компонентом любого художественного образа? Бывают ли безыдейные произведения в прямом смысле этого определения? На эти вопросы можно ответить только отрицательно. Создание художественного произведения необходимо предполагает выбор автором (порою даже как бы вопреки его воле) определённой позиции, точки зрения на мир; кстати, отказ от такого выбора, принципиальный объективизм, есть тоже позиция и, подчас, весьма активная.

В изобразительном искусстве идея воплощается в конкретно-образной форме, которая воспринимается визуально.

В декоративно-прикладном искусстве идею выделяют условно: как систему организации декоративных элементов и их определённую упорядоченность.

В архитектуре в роли идеи выступает целесообразность решения архитектурного образа, полнота выявления функционального назначения работы.

Содержание, взятое в целом, является главной, определяющей стороной произведения, ибо оно для того и создаётся, чтобы воплотить мысли, суждения художника о жизни и передать их людям, а форма есть средство решения данной задачи и поэтому зависит от содержания, им определяется.

Вместе с тем форма в искусстве имеет и относительно самостоятельную собственно-эстетическую ценность.

Художественная форма – способ воплощения содержания в художественных образах, решенный определёнными материальными средствами по законам данного вида и жанра искусства. Подобно содержанию, она имеет свою структуру.

В изобразительном искусстве компонентами формы являются: цвет, фактура, материал, силуэт.

Цвет в изобразительном искусстве – средство отражения мира во всём разнообразии его цветового богатства, важнейший элемент структуры художественного образа наряду с композицией, рисунком, фактурой.

Выразительное значение цвета трудно переоценить. Сила живописи состоит, в частности, в том, что она выражает и раскрывает цветовое многообразие реального мира. Цвета, их сочетания способны не только «ласкать взор», они могут формировать ощущение полноты и радости жизни, их восприятие в картине мастера даёт такое эстетическое наслаждение, которое ничем не может быть заменено или восполнено.

Делакруа, автор «Свободы, ведущей народ на баррикады» не раз предостерегал как самих художников, так и зрителей от противопоставления цвета – форме, цвета – содержанию, ибо и то и другое существует лишь в живой целостности. Настоящий художник – романтик или реалист, импрессионист или классицист – мыслит цветовыми массами.

Вот яркая автохарактеристика особенностей цветового мышления художника. Она принадлежит выдающемуся грузинскому мастеру-самородку Нико Пиросманишвили: «Я понимаю хорошо: богатые – бедные, белое – черное. Все в жизни имеет две стороны: добро и зло. Вот белая корова – это символ нежности, спокойствия, любви, она даёт молоко, мясо, шкуру. Белый цвет – это цвет любви… Чёрный бык – он дерётся, орёл – это война. Орёл огромный, беспощадный, он терзает маленького зайчика. Орёл – это царский орёл, а зайчик…это мы с вами. Когда я пишу погибших ортачальских красавиц, я их помещаю на черном фоне черной жизни, но у них есть любовь к жизни – это цветы, помещенные вокруг их фигур, и птичка у плеча. Я пишу их в белых простынях, их я жалею, белым цветом я прощаю их грех». Обратите внимание, какой сложный смысловой ряд стоит у художника – «самоучки, человека без образования» за одним лишь белым цветом.

Цвета отличаются по тону, насыщенности, светлоте и делятся на «тёплые» (от черного до желтого) и «холодные» (от зелёного до фиолетового). С ходом развития искусства сложилась система символического звучания цвета (особенно в иконе).

Цвет – основной структурный элемент живописи, где он создаёт воздушную среду, освещенность, связь пространственных планов.

В живописи цвет является основой художественного образа произведения, решения психологии героев, передаёт гамму чувств и переживаний персонажей. Цвет – основа колорита – важнейшего средства эмоционального воздействия живописного произведения на зрителя, мощный инструмент самовыражения художника. Важное место имеет цвет в монументальном искусстве (панно, витраж, диорама, мозаика), где носит декоративный характер. Широко используется цвет в графике – станковой и печатной.

Фактура – характер обработки, трактовки поверхности художественного произведения.

Работа с фактурой – важный фактор в повышении эмоциональной выразительности произведения. Характер обработки поверхности определяется видом и техническими возможностями материала, авторским замыслом и пр. В живописи фактура – характер красочного слоя, который может быть гладким или рыхлым, пастозным. В скульптуре и ДПИ фактура – полированная или шероховатая поверхность статуи, рельефа; гладкая или рельефная поверхность резного деревянного панно или керамического изделия.

Силуэт – в широком смысле – характерный абрис предметов как вприроде, так и в искусстве. В пластических искусствах роль силуэта весьма значима и очевидна: он очерчивает контуры масс, выделяет героев картин и скульптур, акцентирует внимание зрителя на главном. А в архитектуре и скульптуре силуэт наглядно представляет объёмно-пластическое решение объекта.

Форма и содержание находятся в единстве, могут даже переходить друг в друга, но это единство относительное. Содержание представляет собой динамическую сторону единого целого, форма наоборот, более консервативна. В результате в определённое время возникает противоречие между новым содержанием и старой формой, которое решается путём «отбрасывания» старой формы и замены её новой, соответствующей новому содержанию. Традиционно считается, что содержание первично по отношению к форме, но и она не является чем-то вторичным, пассивным по отношению к содержанию. Соответствие особенностей художественной формы произведения его содержанию – главный критерий художественного образа и целостности произведения искусства.