Тема: «Производственное искусство

Тема: «Производственное искусство

В Советской России: теория и практика»

 

Вопросы:

1) Творчество Кузьмы Петрова-Водкина – основа создания авангардного течения в России (первое десятилетие ХХ века);

2) Течение авангардного искусства. Истоки кубизма;

3) Супрематизм Казимира Малевича;

4) Экспрессионизм Василия Кандинского;

5) Владимир Татлин – родоначальник конструктивизма;

6) «Производственное искусство» - послереволюционное движение России.

 

Литература:

1) Н. А. Ковешникова «Дизайн. История и теория». М.: Омега-Л, 2005 г.

2) Воронов Н. В. «Очерки истории отечественного дизайна».

3) Дмитриева Н. А. «Краткая история искусств., выпуск №3: Страны Западной Европы ХIХ в., Россия ХIХ в.». М.: Искусство, 1992 г.

4) Розенталь Р., Ратцка Х. «История прикладного искусства Нового времени»: перевод с англ. – М.: Искусство, 1971 г.

5) Хан-Магамедов С. О. «Пионеры советского дизайна». М.: Галарт, 1995г.

6) Холмянский Л. М., Щипанов А. С. «Дизайн». М.: Просвещение, 1985 г.

7) Цыганкова И. Г. «У истоков дизайна». М.: Наука, 1977 г.

8) Сурина М. О., Сурин А. А. «История образования и цветодидактики». М., Р-на-Д.: МарТ, 2003 г.

9) Журнал «Юный художник» №8, 1999 г.

 

В отличие от Западной Европы, где формирование дизайна стимулировалось стремлением промышленных фирм повысить конкурентоспособность своих изделий, в России, где ни до, ни после революции подобный заказ со стороны промышленности еще не был сформирован, истоки дизайна следует искать в левых художественных течениях. В первое десятилетие ХХ в. авангардные течения в живописи неуклонно двигались в сторону беспредметности, то есть к абстрактивизму.

И конечно же, прежде, чем перейти к знакомству об авангардном искусстве, начнем с истоков авангарда. У истоков русского авангарда стояло творчество русского художника Кузьмы Петрова-Водкина. Он открыл путь смелым обобщениям авангарда, стремился создать новый тип построения пространства – сферической планетарной перспективы. Огненные краски, символический мир образов и особое пространство – обратная перспектива, исходящие от древнерусской иконописи легли в основу его творчества.

«Купание красного коня» - осмысление художником различных иконных прообразов. Конь знаменует переход от ограниченности мира реального в мир духовный. В этом направлении пойдет русское искусство авангардной эпохи.

Творчество Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина органично объединяет две эпохи. С одной стороны он связан с символизмом 10-х годов, с другой – определяет художественное искание и высшие творческие достижения 20 – 30-х гг. своим отточенным до формулы произведением «Купание красного коня» откроет путь еще более смелым обобщениям авангарда, таким как, например, «Черный квадрат» К. Малевича. В своем творчестве Петров-Водкин Стремился создать особый тип построения пространства – сферической планетарной перспективы. Он словно пытался услышать пульс мироздания, созвучный состоянию души и общества. Бенуа видел в творчестве Петрова-Водкина воплощение своей мечты – возрождение классического идеала и монументальности. Огненные краски, символический мир образов и особое пространство – обратная перспектива, исходящие от древнерусской иконописи, легли в основу его творчества.

Идея картины «Купание красного коня» - осмысление художником различных иконных прообразов. Конь знаменует переход от ограниченности мира реального в мир духовный. В этом направлении пойдет русое искусство авангардной эпохи.

Авангардное искусство: кубизм, кубофутуризм и супрематизм, берет свое начало из Франции. Основатели кубизма стали Пабло Пикассо и Жорж Брак, которые в 1909 г. занялись исследованием живописной формы. Основным принципом кубизма стало разложение формы: предмет изображался не целиком, а частями, и не с одной, а сразу с нескольких точек зрения. Художники стремились увидеть предмет во всей его полноте, в четырех измерениях, не только снаружи, но и изнутри, он в результате он рассыпался на осколки, грани, дробящиеся формы. Пикассо и Брак отказались от ярких цветов, буйства красок и сосредоточились на пластических построениях, ограничивая свою палитру коричневым, серым и черным цветами. Стиль, изобретенный двумя французами, получил быстрое распространение, как по странам Европы, так и в России.

Но в России влияние французского кубизма приняло иные формы. В противовес французской монохромности, русские художники используют яркие контрастные цвета, кажется, что рябит в глазах от мелькания разноцветных плоскостей. Принцип «мелькания» был заимствован у другого течения в искусстве: итальянского футуризма, главной идеей которого является динамика современной жизни, победное шествие науки и техники. Темами картин является изображение машин, паровозов, аэропланов и наивные попытки передать движение путем фиксирования каждой его стадии (бегущая собака – не 4 ноги, а 40 мелькающих ног).

По определению искусствоведа Александры Шатских, «русские левые», совместив открытия французских кубистов и итальянских футуристов, сумели породить собственный «изм»; срастив приемы, они срастили и словесные определения: кубофутуризм стал оригинальным отечественным направлением в искусстве.

Одним из самых сильных произведений русского кубофутуризма является «Портрет Матюшина» работы Малевича, в котором лицо представляется уже почти абстрактной композицией. Изображение словно распилено на кусочки, а затем собрано снова в произвольном порядке.

Малевич, создавший немало кубофутуристических произведений, позже стал критиковать этот стиль, уже с точки зрения беспредметного искусства. В статье 1916 г. «от кубизма к супрематизму» (супрематизм – от лат. сл. – превосходство, доминирование абстракции, это упрощенные геометрические видения. Их можно было применять и в архитектуре, и в дизайне бытовых предметов). Современная жизнь, полная рева автомобилей, блеском прожекторов, динамикой движения, навела на мысль выдвинуть и динамику живописной пластики. Малевич разрушил предметы ради достижения динамики и сделал шаг к чистой, абстрактной живописи, в которой будут господствовать лишь форма и цвет, игра цветных плоскостей в пустом белом пространстве. Малевич поставил точку в экспериментах русских художников с раздроблением предмета, цветом, формой и пространством. Этой точкой стал знаменитый «Черный квадрат», впервые показан на «Последней футуристической выставке картин» 0, 10, в декабре 1915 г. в Петрограде. Малевич, предъявивший на суд зрителей и художников «4. к.», провозгласил, что он «преобразился в нуле форм и вышел за нуль к творчеству, т. е. супрематизму, к новому живописному реализму – беспредметному творчеству». Иконой нового искусства он объявил «Черный квадрат»: «Квадрат живой, царственный младенец. Первый шаг чистого творчества в искусстве. До него были наивные уродства и копии натуры. Наш мир искусства стал новым, беспредметным, чистым. Каждая форма свободна и индивидуальна, каждая форма есть мир. Всякая живописная плоскость живее всякого лица, где торчат пара глаз и улыбка. Я развязал узлы мудрости и освободил сознание краски. Снимайте же скорее с себя огрубевшую кожу столетий, чтобы вам легче было догнать нас». Согласно теории Малевича, кубизм и кубофутуризм расчистили дорогу супрематизму, высвобождая энергию «чистых живописных сущностей» - цвета, формы, ритма: именно они являются теперь истинным и самоценным содержанием картин.

В супрематизме бестелесные цветные геометрические элементы парят в бесцветном, безвестном космическом измерении, представляя собой чистое умозрение. Малевич считал, что необычное пространство супрематизма ближе всего к мистическому пространству русских икон. Малевич в свою концепцию супрематического преобразования мира включил и архитектуру, и предметный мир.

Заслуга «перевода» супрематизма из плоскости в объем принадлежит Л. Лисицкому. В 1919 – 1921 гг. он создал свои «проуны» (проекты утверждения нового) – аксонометрические изображения находящихся в равновесии различных по форме геометрических тел, которые то покоились на твердом основании, то как бы парили в космическом пространстве.

Прямым предшественником или родоначальником конструктивизма – еще одного мощного течения авангардного искусства – был В. В. Татлин. С самого начала он наметил путь у конструктивизму, утверждая новый род искусства – скульптоживопись. В 1914 г. после возвращения из Парижа он занялся созданием контррельефов – конструкторских композиций. Отправной точкой для новых исканий художника явились композиции П. Пикассо.

Владимир Евграфович Татлин (1885 - 1953) – советский художник, архитектор и дизайнер. Участвовал в выставках «Мира искусства» и «Союза молодежи», а также в выставках «Бубновый валет» и «Ослиный хвост». Для ранней живописи Татлина характерны крупные плоскости, чьи соотношения подчинены особому ритму, такова, например, живописная работа «Матрос (Автопортрет)» 1911 г.

После возвращения в Москву Татлин работает над конструкциями, именуемыми им «живописными рельефами» или «контррельефами», где предметы покидают двухмерную плоскость основы и вторгаются в трехмерный мир. Для этих конструкций художник использует такие материалы как дерево, железо, стекло и т. д. с конструкциями публика могла познакомиться впервые в 1914 г. в мастерской Татлина, а позднее на художественных выставках «Трамвай Б», «1915» и «Магазин». Художественные поиски Татлина этого периода дают основание считать его одним из основоположников русского конструктивизма.

Татлин принял активное участие в процессе преобразования культуры, был преподавателем Киевского художественного института (1925- 1927), а также Вхутемаса-Вхутеина (1927 - 1930).

В 1919 – 1920 гг. Татлин создал самое известное свое произведение, модель здания-памятника Октябрьской революции или «Монумент III Интернационала», которая была выставлена на VIII съезде Советов в декабре 1920 г. модель, выполненная из металла, стекла и дерева, не сохранилась. «Башня» представляла собой комплекс вращающихся с разной скоростью простейших элементов, расположенных на общей наклонной оси. Динамическая конструкция символизировала вселенское обновление, устремленность в будущее. «Башне» надлежало стать самым высоким сооружением в мире (планируемая высота – около 400 м).

Татлин является родоначальником советской школы образного дизайна. Он подчеркивал, что любая вещь должна быть удобной, прочной, целесообразной и нравиться ее обладателю. Художник обязан создавать вещи, формирующие новый быт, как цельную среду обитания и здесь, по его мнению, необходима совместная работа с инженерами и техниками, а также комплексный подход. Татлину принадлежат проекты печей, новые конструкции кроватей, модели одежды и посуды.

В 1920 г. художник начал заниматься своим знаменитым «летатлиным» - летательным аппаратом, способным без мотора передвигаться с человеком по воздуху. Идеи Татлина подхватили Родченко, Степанова, братья Стенберги и многие другие художники, ставшие вместе с Татлиным родоначальниками советского дизайна.

Наряду с различными авангардными художественными течениями в послереволюционной России нарождается движение, получившее название «Производственное искусство». Своими корнями оно уходит в футуризм начала ХХ в., который провозглашал интеграцию искусства и техники. В процессе его становления взаимодействовали два мощных потока: теория производственного искусства и художественные формообразующие процессы. Группа теоретиков производственного искусства (О. Брик, Н. Пунин, Б. Арватов, А. Ган, С. Третьяков и др.) отрицали старое станковое искусство и провозглашали новое искусство как «новую форму практической деятельности».

Целый ряд архитекторов, искусствоведов и художников поставили перед собой цель – слияние своего искусства с новой жизнью, вхождение его в промышленное производство. Их называли производственниками.

Конструирование оказалось той специфической областью работы первых советских дизайнеров, которая коренным образом отличала ее от работы художника-прикладника и от художника, раннее работавшего в художественной промышленности.

к экспериментам с пространственными конструкциями следует рассматривать как важнейший этап переориентации в художественных процессах формообразования с приемов внешней стилизации на приемы конструирования.

Советский дизайн формировался в условиях почти полного отсутствия фактического заказа со стороны промышленности на проектировщика-художника. Почти вся новая техника создавалась без участия художника. Однако в плакате, книге, одежде, ткани, праздничном оформлении, где активно работали пионеры советского дизайна.

В первые годы советской власти период блестящего расцвета переживал плакат, в котором органично сочетались острые политические темы и новейшие достижения различных течений изобразительного искусства. Наряду с политическими появился и развивался советский рекламный плакат. Реклама была орудием экономической борьбы государственной торговли с частником, она должна была привлечь покупателя в государственные магазины. Бесспорно лучшие образцы советского торгового рекламного плаката 1920-х гг. создал А. Родченко с текстами В. Маяковского.

Художники-производственники внесли много принципиально нового в конструирование одежды. Введение в начале 1920-х гг. новой экономической политики (нэп) привело к появлению новой имущественной социальной прослойки – нэпманов, ставших основными потребителями моды. Это вызвало волну отрицания модной одежды представителями рабочего класса, провозглашавшими простоту и даже аскетизм в одежде. С повседневной одеждой экспериментировал В. Татлин. Его работы в области костюма немногочисленны, но они заложили основы дизайнерского подхода к конструированию целесообразной одежды.

Вначале затрагивало только скульптуру, а позже и архитектуру. Абстрактные формы создавались под влиянием концепции кубизма и футуризма. Родоначальником конструктивизма был В. Татлин. Используемые материалы: дерево, металл, пластик.

М. Эрнст, Андре Массон, Хоан Миро, Сальвадор Дали, Рене Магрит, Поль Дельво. Стремление правдоподобно воспроизвести образ, возникающий в подсознании – первое направление и свободно текущие формы, переходящие в абстракцию.

Постепенно отказываясь от предметных изображений, Кандинский разработал три типа картин: импрессии, импровизации и композиции. Импрессии, т. е. впечатления, передают, по мнению художника, эффект видимой натуры. Импровизации же выражают впечатления внутренние и допускают большее участие фантазии, переосмысление впечатления. Композиция – это высшая форма выражения внутреннего откровения творца.

Насыщенные цветовые пятна заполняют пространство холста, то свободно клубящиеся подобно облакам, то жестко оконтуренные. Пульсирующее светоцветовое марево стремительно пронзают и пересекают молнии линий, усиливая динамику композиционного ритма.

Тема: «Производственное искусство