Стиль рококо в живописи Франции XVIII в.

В пп XVIII в., когда так активно происходил процесс вытеснения религиозной культуры светской, ведущим направлением во Франции стало рококо. Искусство более камерное, интимное, более тесно связанное с бытом, более искреннее. Мир миниатюрных форм не случайно свое главное выражение нашел в прикладном искусстве — в мебели, посуде, бронзе, фарфоре, а в архитектуре преимущественно в интерьере, где важным теперь было не приятное и удобное. Городские дворцы знати, богатой буржуазии,—«отели», сооружаемые в этот период, как правило, строго классицистичны по экстерьеру. Все искусство рококо построено на асимметрии. Сюжеты только любовные, эротические, любимые героини—нимфы, вакханки, Дианы, Венеры. Художник Жан Антуан Ватто создал в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто начал с подражания фламандцам: маленькие по формату, остро схваченные сцены военных бивуаков. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: галантные празднества — аристократическое общество в парке, музицирующее, танцующее, праздное, сцены беспечной жизни. («Капризница», «Праздник любви», «Общество в парке», «Затруднительное предложение»). Колорит Ватто построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В 1717 г. художник создал одно из самых больших своих произведений «Паломничество на остров Цитеру». Кавалеры и дамы отправляются на остров любви; как будто на наших глазах любовь зарождается, движения полны неуверенности, взгляды — сомнений, затем любовное чувство растет. Он не скрывает театрального приема в композиции: действие разыгрывается на переднем плане, который выглядит как площадка сцены; он всегда пишет кулисы. Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и фр комедии. Его «Жиль» одиноко и печально стоит, от всей его фигуры веет неизбывной грустью, и это пронзительно-грустное настроение тонко передано статикой позы. Пейзаж в картинах Ватто—также выдуманный театральный пейзаж.

«Лавка Жерсена». В правой части беседуют интересующиеся живописью дамы и кавалеры, в левой укладывают в ящики произведения искусства, среди них портрет Людовика XIV.

Франсуа Буше (1703—1770), Буше был истинным сыном своего века, все умевшим делать сам: панно для отелей, картины для богатых домов и дворцов, картоны для мануфактуры гобеленов, театральные декорации, книжные иллюстрации, рисунки вееров, обоев. Типичные сюжеты — «Триумф Венеры» или «Туалет Венеры», «Венера с Амуром», «Купанье Дианы» и т. п. Искусство Ватто и Буше во вт п века, когда идеалам рококо, как и самому заказчику этого искусства, уже был вынесен беспощадный приговор, продолжил блестящий мастер, живописец-импровизатор, художник редкостного таланта Жан Оноре Фрагонар (1732—1806). Достоинствами его живописи были свет и воздух. Будучи пенсионером в Риме, он писал там виллы и парки, по возвращении в Париж — галантные празднества, бытовые картинки, идиллические семейные сцены, темы истор и литер, натюрморты, декоративные полотна. Работал в теме галантно-любовной, иногда откровенно эротические, чувственные сцены («Счастливые возможности качелей», «Поцелуй украдкой»). «Поцелуй украдкой» демонстрирует реалистическое мастерство Фрагонара, точную и тщательную характеристику вещей, которой он научился у «малых голландцев». Жан Батиста Симеона Шарден начал с натюрморта, ранее мало развитого жанра во Фр. Сначала это натюрморты с битой дичью в голландском или фламандском вкусе, в композицию которых входит живое существо, как, например, натюрморт с ободранной тушей и кошкой (1727). Затем художник находит свою тему —живущие какой-то своей «тихой жизнью» вещи кухонного обихода: котлы, кастрюли, бачки («Медный котел», около 1734). В натюрморте с серебряным кубком (около 1750) глубокие гармоничные коричневые и синие тона, насыщенная оливковая зелень фона, коричнево-красные отблески на миске и яблоках объединяют в единое целое утварь, овощи, стол. Шарден, выражая вкусы буржуазии, начинает изображать размеренность, порядок, уют буржуазного быта («Молитва перед обедом»; «Прачка»; «Женщина, моющая кастрюли»). С новых позиций выступает художник и в портрете. За несколько лет до смерти он исполняет пастелью автопортрет (1775): без тени» манерности он изображает лицо труженика и творца, которому открыто то, что не видит в человеке простой смертный. «Отец семейства, объясняющий своим детям Библию», «Деревенская невеста«, «Паралитик», «Балованное дитя» —все это «нравственная живопись», урок морали, изобразительная дидактика, Картина «Паралитик», за которым ухаживают его дети, имеет другое название — «Плоды хорошего воспитания», а «Балованное дитя» — «Плоды дурного воспитания». Морис Кантен де Латур — изображение философов, общественных деятелей, художников (портрет Ж. Л. д'Аламбера).

АРХИТЕКТУРА НЕОКЛАССИЦИЗМА Важнейшую роль в арх-ре англ неоклассицизма сыграли 2 мастера — Уильям Чемберс и Роберт Адам. В его творчестве чувствовалось также влияние англ палладианства. В 60-е гг. XVIII Адам создал множество усадебных домов в пригородах Лондона и Центр Англии. Один из наиболее известных интерьеров Адама — приёмная в доме Сайон-хаус, украшенная двенадцатью колоннами из голубого мрамора с позолоченными капителями и скульптурами наверху. Историю английского неоклассицизма XVIII завершают 2 арх-ра, манера которых сильно отличалась от «стиля Адама»: Джордж Дэнс Младший и сэр Джон Соун. Самой известной постройкой Дэнса была тюрьма Ньюгейт в Лондоне. Это суровое здание, стены которого сверху донизу были оформлены мощным рустом, производило мрачное впечатление. Джон Соун главный арх-р Английского банка. В своём доме в Лондоне он устроил музей архитектуры, который подвёл своеобразный итог английскому неоклассицизму XVIII в.

«ГОТИЧЕСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ» Примерно в серXVIII одновременно с неоклассицизмом появились постройки, в которых использовались мотивы готической архитектуры: стрельчатые арки, высокие крыши, витражи.
Основателем Хорас Уолпол. В 1746—1790 гг. он перестроил в готическом стиле свою виллу в усадьбе Строуберри Хилл в Твикнеме. Аббатство Фонтхилл в Центр Англии, располагавшееся в парке родового поместья Уильяма Бекфорда построено в 1796—1807 арх-ром Джеймсом Уайетом. Извилистые парковые аллеи как бы продолжали внутр галереи Аббатства. Освещение самих галерей в свою очередь напоминало свет в парке и превращало интерьер в пейзаж, словно перенесённый внутрь здания.
Своей вершины арх-ра «готического Возрождения» в Англии достигла уже в XIX. Но если в XVIII готический стиль выражал вкусы и прихоти владельцев построек, то позже он стал гос стилем. Именно в готическом стиле начиная с 30-х XIX строилось здание Парламента в Лондоне (архитекторы Чарлз Бэрри и Огастес Пьюджин) — одно из центральных сооружений англ арх-ры этого столетия.

 

 

4. Становление итальянской скульптуры эпохи барокко. Творчество Л. Бернини. Самым тесным образом с архитектурой связана скульптура. Она украшает фасады и интерьеры церквей, вилл, городских палаццо, сады и парки, алтари, надгробия, фонтаны. В барокко иногда невозможно разделить работу архитектора и скульптора. Художником, который соединял в себе дарование и того и другого, был Джованни Лоренцо Бернини (1598—1680). В качестве придворного архитектора и скульптора римских пап Бернини выполнял заказы и возглавлял все основные архитектурные, скульптурные и декоративные работы, которые велись по украшению столицы. В большой степени благодаря церквам, построенным по его проекту, католическая столица и приобрела барочный характер (церковь Сант Андреа аль Квиринале, 1658—1678). В Ватиканском дворце Бернини оформил королевскую лестницу, связавшую папский дворец с собором. Ему принадлежит типичнейшее создание барокко — ослепляющая декоративным богатством разнообразных материалов, безудержной художественной фантазией сень-киворий в соборе св. Петра (1657—1666), а также многие статуи, рельефы и надгробия собора. Но главное создание Бернини — это грандиозная колоннада собора св. Петра и оформление гигантской площади у этого собора (1656—1667). Глубина площади —280 м; в центре ее стоит обелиск; фонтаны по бокам подчеркивают поперечную ось, а сама площадь образована мощнейшей колоннадой из четырех рядов колонн тосканского ордера в 19 м высотой, составляющей строгий по рисунку, незамкнутый круг, «подобно распростертым объятиям», как говорил сам Бернини. Бернини был не менее знаменитым скульптором. Он обращался, подобно ренессансным мастерам, к сюжетам как античным, так и христианским. Но его образ Давида, например, звучит иначе, чем у Донателло, Вероккио или Микеланджело. «Давид» Бернини — это «воинствующий плебей», бунтарь, в нем нет ясности и простоты образов Кватроченто, классической гармонии Высокого Ренессанса. Его тонкие губы упрямо сжаты, маленькие глаза зло сузились, фигура предельно динамична, тело почти повернуто вокруг своей оси.Бернини создал множество скульптурных алтарей для римских церквей, надгробия знаменитым людям своего времени, фонтаны главных площадей Рима (площадь Барберини, площадь Навона и др.), и во всех этих работах проявляется их органическая связь с архитектурной средой. Бернини был типичнейшим художником, работавшим по заказу католической церкви. Поэтому в его алтарных образах, созданных с тем же декоративным блеском, что и другие скульптурные работы, языком барочной пластики (иллюзорная передача фактуры предметов, любовь к сочетанию разных материалов не только по фактуре, но и по цвету, театрализация действия, общая «живописность» скульптуры) всегда четко выражена определенная религиозная идея («Экстаз св. Терезы» в церкви Санта Мария делла Витториа в Риме).Бернини явился создателем барочного портрета, в котором все черты барокко выявлены в полной мере: это изображение парадное, театрализованное, декоративное, но общая

Живопись Испании XVII века.

Блестящий расцвет живописи начинается с появлением в Испании в 1576 г. живописца Доменико Теотокопули, прозванного Эль Греко. До Испании Эль Греко учился в Италии у Тициана, изучал в Риме произведения Микеланджело. Эль Греко основатель и глава толедской школы и пишет по заказу монастырей и церквей Толедо. Тематика произведений Эль Греко обычна для его времени религиозные сюжеты («Взятие под стражу», «Моление о чаше», «Святое семейство»), чаще всего — алтарные образа («Погребение графа Оргаса», церковь Сан Томе, Толедо). Реже античные мифы («Лаокоон»). Много портретов и пейзажей, в основном виды Толедо.
Лица героев Эль Греко всегда удлиненные, аскетические, глаза посажены асимметрично и широко открыты. Эль Греко подчеркивает ничтожность человека перед силами природы. «Золотой век» испанской живописи означен именами таких художников, как Франсиско Рибальта, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран.Монументальные образы святых Рибальты (1551—1628) всегда строятся на знании конкретной модели, несут определенные черты портретности. («Апостол Петр», «Евангелист Лука»). На ранних этапах в творчестве Хусепе Риберы (1591—1652) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному. Предпочитает темный фон, насыщенные густые тона, красноватые в тенях, точную пластическую моделировку, контрасты света и тени, сложные ракурсы фигур («Св. Себастьян»). Рибера предпочитает изображать сцены мученичеств. «Хромоножка» жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой, в нем подчеркнуты его веселость, лукавство, озорство. Расцвет творчества Риберы относится к 30—40-м годам. Живопись светлее, колорит—тоньше, тени—прозрачнее, исчезают резкие светотеневые контрасты. Стремление к победе идеального начала, «Св. Инессы» —юной христианки, отданной на поругание толпе, но спасенной Богом. Крупным центром Севилья. Севильской школе творчество Франсиско Сурбарана (1598—1664). Заказчиком Сурбарана была церковь, главными персонажами—монахи. Спокойные, важные, благочестивые, они представлены обычно в рост, в белых одеждах на темном фоне. Это всегда национальный, полный достоинства х-р (Св. Лаврентий»). Живопись зрелого Сурбарана совершенно самостоятельна и свободна от каких-либо влияний. Образы полны одухотворенности, величия, ясности и простоты («Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским»). Лаконизм и выразительность пластических средств прослеживаются в натюрмортах. Сурбаран создает поистине монументальный образ «мертвой природы» в своих чистых по краскам и строгих по формам натюрмортах. Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599—1660). Первые самостоятельные работы мастера показывают его интерес к жанру бодегонес («Завтрак», «Водонос»). Почти отсутствуют произведения на религиозные сюжеты, а те, которые он избирает, трактуются им близко к бодегонес как жанровые сцены («Христос в гостях у Марии и Марфы»).В 1623 придворный художник короля Филиппа IV. В к 20-х годов Веласкес пишет картину на мифологический сюжет «Вакх в гостях у крестьян» или «Пьяницы». Контрасты света и тени, золотистый тон. В 1629 г. Веласкес впервые едет в Италию, где самым большим впечатлением для него оказывается живопись венецианцев. «Кузница Вулкана» была как бы результатом изучения им классического искусства, но изобразил вместо античных героев вполне современных испанских крестьян. В сер 30-х Веласкес пишет картину «Сдача Бреды», посвященную единственному победному событию в бесславной для испанцев борьбе с голландцами. Побежденные голландцы, сконцентрированные в левой части картины, представлены с тем же чувством достоинства, что и победители — испанцы. Замком композиции служат две фигуры: коменданта голландской крепости Юстина Нассауского и испанского полководца Спинолы. Действующие лица размещены на фоне равнины. Как придворный художник, он почти сорок лет писал портреты Филиппа IV, его детей, графа Оливареса и многих других придворных. Правдивость изображения и глубина проникновения в истинную сущность модели с особой силой проявились в портрете Папы Иннокентия X. Сидящий в кресле остается как бы один на один со зрителем. Его пронизывающий умный взгляд холодных светлых глаз, его сжатые губы выдают характер целеустремленный, жестокий, если не беспощадный темперамент.Портрет демонстрирует сложнейшее искусство Веласкеса-колориста. Он написан в два цвета: белым и красным.В посл десятил жизни Веласкес 3 самых известных своих произведения. «Венеру с зеркалом» —обнаженное женское тело. «Менины» групповой портрет. «Пряхи». Это также жанровая картина, поданная мастером монументально. На полотне изображена шпалерная мастерская, в которую пришли придворные дамы, чтобы полюбоваться на искусство прях. Веласкес умер неожиданно. В своих образах он поднялся до общечеловеческого, оставаясь истинным испанцем по мироощущению.Самым крупным художником второй половины XVII Веласкеса — Бартоломео Эстебан Мурильо (1618—1682), один из основателей, а затем президент Севильской Академии художеств. Его изображения «Мадонны с младенцем», «Вознесения мадонны», «Непорочного зачатия», «Святого семейства», в которых поэтичность нередко переходит в слащавость, снискали ему европейскую славу, равно как и изображения детей улицы, мальчишек в поэтических лохмотьях («Мальчик с собакой»).