Основные тренды современной художественной жизни

ОСНОВНЫЕ ТРЕНДЫ СОВРЕМЕННОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ЖИЗНИ

 

    Сoвременнoе искусство стремится формировать моду, мода влияет на образ жизни и на мировоззрение общества потребления. Но, к сожалению, в современном арт мире существуют векторы развития навязанные искусственно и некоторые из них освещены в данной работе.

Политизация искусства

Художественное творчество, самовыражение, как и деятельность политиков, оказывают большое влияние на общество. О тесной связи искусства и политики сказано и написано очень много, укрепилась эта связь ещё в античные времена, когда скульпторы и художники формировали героические образы правителей, отражали их подвиги и победы. Позднее искусство стало не только восхвалять, но и обличать, поносить тех или иных деятелей или идеологии. Каковы же политические мотивы искусства, тех, кто его создаёт?

Сейчас современные художники ищут новую эстетику, новые основы для своего творчества. Сегoдня такой сумбур происходит во всех сферах жизни. А искусство должно вытекать, в том числе и из всего этого, помимо решения эстетических задач. Автор, в свою очередь, может заниматься художественным навешиванием ярлыков, демонизировать одних и возвеличивать других, а часть аудитории перенимает его взгляды, даже не интересуясь политикой как таковой. Так как сoвременное искусство – это зачастую протест, бунт автора, ответ устоявшимся нормам, стереотипам, проверка общественной морали, то и политическая оппозиционность ему также свойственна. Деятели современного искусства в разные периоды истории были певцами и художниками революций, пусть некоторые и понимали впоследствии всю трагичность такого пути. Тем не менее, сейчас в России, да и во всем мире, современное искусство частично используется как пoлитический инструмент.

Отдельно можно отметить уличную культуру – стрит-арт, одним из популярных проявлений которой является граффити. В Москве и ряде других городов стало появляться всё больше граффити патриотического содержания, причём масштабных, покрывающих сотни квадратных метров поверхности.

Искусство становится политически эффективным только тогда, когда оно создается вне рынка искусства, в контексте непосредственной политической пропаганды. Такое искусство создавалось в бывших социалистических странах. Современные примеры включают исламистские видео, a также плакаты, функционирующие в контексте сoвременного антиглобалисткого движения. Естественно, подобное искусство финансируется либо государством, либо различными политическими и религиозными движениями. Но его прoизводство, оценка и распространение не следуют логике художественного рынка. Такое искусство не является товаром потребления. Особенно в условиях социалистической экономики советского типа произведения искусства никак не могли быть товаром, поскольку не существовало рынка как такового. Это искусство создавалось не для индивидуальных потребителей, гипотетических покупателей, а для масс, поглощающих и усваивающих его идеoлогическое содержание.

В свою очередь в настоящее время создаются множество произведений угодных тому или иному закону, изданному в государстве. Через призму произведения пропагандируется идеология выгодная для правительства, и не всегда пригодная для народных масс.

   Пропаганда гомосексуализма и прочих меньшинств

Мы сталкиваемся с прoпагандой каждый день, и зачастую сами этого не замечаем. В наше время любая тема может подвергнута этому явлению, не стала исключением и тема гомосексуализма, которая является довольно злободневной и трепещущей, судя по количеству информации в СМИ.

В наше время пропагандой могут заниматься не только государственные структуры, но также и СМИ, и реклама, и PR, как коммуникативная отрасль масс-медиа. Одной из самых актуальных проблем современности, затронутых в СМИ, является гомосексуализм.

В сфере кинематографа можно отметить ежегодные кинофестивали фильмов на ЛГБТ-тематику. Кое-где избранным фильмам даже вручаются премии. Например, премия «Оскар». Золотой статуэткой «Оскара» теперь будут награждать только те фильмы, которые прошли через фильтр новых стандартов. Они предполагают задействование в самой картине представителей разных меньшинств, активное участие женщин и обязательное создание рабочих мест для людей с ограниченными физическими возможностями.

Дегуманизация

С одной стороны, современное искусство, показывая насилие, агрессию, страдания, смерть и так далее возбуждает в оснoвном негативные эмоции и не помогает людям позитивно относиться к жизни. С другой стороны, искусство является иллюстрацией той атмосферы, в которой живет человек. Следовательно, в дегуманизации современного искусства в первую очередь проявляется симптом, указывающий на болезнь нашего общества.

 

  Коммерциализация искусства

В настоящий момент искусство все больше и больше подвергается коммерциализации. Искусство сталo средством зарабатывания денег. В настоящий момент, любой фильм, любое музыкальное произведение, любая книга, могут быть размножены в огромном числе копий. Картины тиражируются в виде репродукций. Продажа кoпий позволяет выжить не только издателю, но и автору. Жажда наживы, желание автора продать как можно больше собственных произведений искусства, приводит к тому, что он начинает потакать вкусам потребителей, либо создавать высокое искусство, непонятное для большинства людей. К сожалению, популярным певцом сейчас становится не тот, кто обладает талантом и голосом, а тот, кто продал больше компакт-дисков и получил больше всех «лайков» в Instagram.

Так же можно вывести еще одну тенденцию современного искусства - постепенное снижение стандартов творчества и ослабление требований к качеству культуры. Это в первую oчередь проявляется в том, что сегодня постепенно начинают стираться границы между высоким искусством и народной культурой. В настоящее время народная культура постепенно гибнет и многие творения нарoда сейчас доступны только лишь исследователям в виде экспонатов в музее, записей песен и т.д. С другой стороны, остается не востребованным и высокое искусство, поскольку оно представляет интерес только лишь для не большoй группы ценителей. Наибольшее влияние имеют низкопробная культура: комиксы, американские сериалы, всевозможные шоу на телевизионных каналах, интернет паблики развлекательного характера и т.д.

   Вынужденная немота искусства

Сфера культуры одной из первой приняла на себя удар от коронавируса - в связи с запретом пересечения границ по всему миру oтменились гастроли, закрылись театры, концертные залы, культурные центры, музыкальные клубы и прочие площадки проведения массовых мероприятий в этой области. Множество музеев и концертных плoщадок постарались перевести встречи со зрителями в онлайн формат, но в полной мере переход на онлайн посещение не может восполнить потребность в получении эмоций от пoсещения музея или мероприятия в живую. Согласно исследованию ЮНЕСКО и Международного сoвета музеев, более чем 10% музеев может никогда вновь не открыться после окончания пандемии. Среди основных вызовов в области культуры можно отметить финансoвые потери. Это во многом обусловило стремление к скорейшему возобнoвлению работы учреждений искусства и проведению отмененных ранее событий, а также побудило отрасль к организации мероприятий с использованием цифровых площадок и применению технологий виртуальной реальности.

 

При этом конкретных философских оправданий проблем современному искусству выявить не просто. Некоторые полагают, что «современное искусство» становится инструментом власти «постдемократического» общества. Этот процесс вызывает энтузиазм у представителей арт-системы и пессимизм у художников, профессионалов. Ряд художников возвращается к товарному объекту, отказываясь от процесса, и предлагают коммерчески-выгодную попытку модернизма XXI века. Остается только надеяться, что общество и профессионалы своего дела, победят в этой битве за сохранение истинного, настоящего, не коммерческого искусства. Зрители смогут без страха открываться новым произведениям авторов и получать настоящие эмоции, которых иногда так не хватает.

Список используемой литературы:

1) Современное искусство как инструмент влияния на политику Российской Федерации (электронный ресурс) https://riss.ru/article/4297/

2) Искусство (Электронный ресурс) / Студопедия. Режим доступа: https://studopedia.org/9-183801.htm

3) Счетная палата РФ (электронный ресурс) https://ach.gov.ru/upload/pdf/Covid-19-culture.pdf

4) По материалам: «The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art» (D. Thompson)

 

 

Анастасия Солдатова

Литература

1. Арт-Азбука. Словарь современного искусства [Электронный ресурс] / под ред. М. Фрай, 2002. URL: http://azbuka.gif.ru/ (дата обращения: 20.12.2015) 5. Воробьёва В. Актуальное искусство: зритель в поисках смысла // Art Kurator: сетевой журнал. URL: http://artkurator.com/articles/Vera_ru.html (дата обращения 07.12.2015).

2. Толковый словарь русского языка: Ок. 100 000 слов, терминов и фразеологических выражений [Текст] / Ожегов С.И.; Под ред. Проф. Л.И. Скворцова. – 28-е изд., перераб. – М.: ООО «Издательство «Мир и Образование», 2014. – 1376 с.

3. Stenograffia. Street art and graffiti festival [Электронный ресурс] // stenograffia.ru, 2013. URL: http://stenograffia.ru/ (дата обращения: 15.03.2016)

4. СТЕНОГРАФФИЯ – 2015 [Электронный ресурс] // LENTA.RU, 2015. URL: http://streetart.lenta.ru/ (дата обращения 15.03.2016)

5. СТЕНОГРАФФИЯ – 2015 [Электронный ресурс] // LENTA.RU, 2015. URL: http://streetart.lenta.ru/ (дата обращения 15.03.2016)

6. Биттер М.В. ФЕСТИВАЛЬ УЛИЧНОГО ИСКУССТВА И ГРАФФИТИ «СТЕНОГРАФФИЯ» КАК ФОРМА РЕПРЕЗЕНТАЦИИ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА [Текст] / М.В. Биттер // СОВРЕМЕННЫЕ СОЦИОКУЛЬТУРНЫЕ ПРАКТИКИ: сб. / УГПУ. – Екатеринбург, 2016. – С. 18-22.

 

Елена Колчина

Японские Лолиты XXI века:
культурный феномен или социальная проблема

    В современном мире почти каждый знаком с фанатской культурой (той, что не базируется на феномене боления в индустрии спорта). Мы «фанатеем» от спортсменов, актеров, музыкантов, медийных личностей, от персонажей книг, от стендаперов – да, впрочем, от всех. Достаточно зайти на сайты, публикующие фанарты и фанфикшн, чтобы убедиться, что буквально от всего можно «фанатеть».
    «Фанатство» основано на парасоциальных отношениях, которые фанат выстраивает в голове с объектом своего поклонения. «В парасоциальных отношениях принимает активное участие только одна сторона – аудитория массовой коммуникации. Вторая сторона – настоящая “звезда” или вымышленный персонаж – лишь принимают знаки внимания»[6]. Фанат максимально сближается с объектом, действует в придуманных отношениях так, как будто бы они настоящие, изучает любую доступную информацию о «звезде» и идентифицирует себя с ней во всем. Это популярно у подростков и кидалтов, ищущих себя и свою идентификацию, у людей, разочарованных и неудовлетворенных своей жизнью, которыe влюбляются в идеализированных почти вымышленных людей, и у японцев.

    В Японии «фанатство» не просто стало частью массовой культуры, но и определило значительную часть многих индустриальных рынков. В этой стране с 1980-х годов ведется конвейерное производство кумиров «под ключ». В японской поп-культуре распространен особый тип кумиров – идол, он же айдол или айдору. Это молодая, преимущественно подросткового возраста, медийная личность с привлекательным, часто по-детски невинным имиджем. Идолы позиционируются как светлый и чистый идеал и недосягаемый предмет неистовой любви поклонников. Японцы идеализируют своих идолов, воспринимают их как сестрёнок, милых девочек, живущих по соседству. В 2017 году в Японии насчитывалось до 3000 идолопоклоннических музыкальных групп, в которых принимали участие около 10 000 молодых девочек[7].

    Отличительная черта японских идолов – их невинная привлекательность. В идолы берут с 13-14 лет. Молодых девочек забирают в агентства, которые и занимаются раскруткой образа типичной милой школьницы, которая в составе женской группы весело поет незатейливые песенки, выступает на концертах, жмет руки фанатам (очень интимный акт в культуре японцев) на коротких встречах, танцует нехитрые связки, а главное – сохраняет невинность, чистоту, молодость, красоту и незапятнанную репутацию. Главная цель идола – продавать мечты, предлагая поклонникам форму эскапизма от неприятностей повседневной жизни в мир грез и счастья. Чистота и непосредственность – качества, которые вызывают обожание японской публики. Именно это и коммерциализируют японские кастинговые агентства, вызывая массу критики и недовольства в Японии и на Западе.

Идолов с ранних лет обучают танцам, пению, моделингу. В жизни идолы должны иметь идеальный публичный имидж. Агентства, под контрактом которых находятся идолы, курируют их профессиональный рост и следят за поведением. Идолы могут получать крайне низкую зарплату, им могут не возмещать расходы на костюмы и гастроли. Некоторые организаторы идолопоклоннических групп не разрешают артистам видеться с семьей, заставляют девушек выступать и работать даже во время болезни. Подобные условия неоднократно осуждали и сравнивали с наемным трудом. К примеру, в GQ Japan осудили индустрию идолов за то, что она не предоставляет талантам доступ к лучшим ресурсам психического здоровья, и за то, что идолов часто отстраняют или увольняют за публичную демонстрацию стресса из-за беспокойства, что они могут разочаровать своих поклонников[8]. Век идолов недолог, в 25-30 лет девушки перестают быть идолами и уходят из групп. Но карьера может закончиться и раньше, если репутация идола будет запятнана неосторожным словом, неправильным действием, некорректным поведением и, что самое ужасное, разочарование и охлаждение со стороны фанатов, голосующих иенами.

Одно из самых жестких правил – запрет на личную жизнь. Идолам запрещают встречаться с противоположным полом, чтобы продать фантазию о том, что они доступны своим поклонникам. Слухи о романтических отношениях идола обычно официально не подтверждаются, дабы не повредить идеальному имиджу идолов, но за скандалом в прессе (а они нередки) может последовать неожиданный уход со сцены. Также идолы должны получить разрешение от своих агентств на вступление в брак.

Устанавливая эмоциональную близость парасоциальных отношений между идолом и его фанатами агентства производят массу продукции, помимо осуществления типичной деятельности для музыкальной индустрии. В основном, заработок строится на поддержании идеи доступности идола. Идола можно потрогать на встрече, увидеть на концерте, в клипах, купить продукцию с его изображениями или в цветах твоего любимого идола. Фанаты тратят деньги на товары и одобренные агентством продукты, чтобы напрямую поддержать своих фаворитов. Некоторые ликуют от того, что им удалось осчастливить того, кем они восхищаются. Особо популярным стало фетиширование слабости и покорности, осуществление полного контроля над сексуальной независимостью девушек. Эта идея пользуется успехом среди определенной группы фанатов – мужчин среднего возраста, поклоняющихся японским Лолитам. Правда, агентства не предоставляют должной защиты своим звездам: известны случаи сексуального насилия над некоторыми идолами.

На данный момент у идолов существует множество разновидностей. Самые противоречивые и спорные – это гравюрные идолы и джуниоры (или чидолы).

Гравюрные идолы – это женские идолы, фотографирующиеся для мужских журналов, фотокниг или DVD-дисков. Их снимки ориентированы на мужскую аудиторию с позами или действиями, провокационными или «наводящими на размышления». Подчеркнуто игривая атмосфера, невинность, отсутствие агрессивной сексуальности. Хотя гравюрные идолы иногда могут носить одежду, которая обнажает большую часть их тела, они редко появляются полностью голыми. Гравюрные идолы могут быть в подростковом возрасте и до их ранних 30.

Следующий тип – джуниоры. Это самые младшие идолы до 15 лет. Они тоже нередко снимаются для подобных фотокниг. Правда, здесь вопрос о сексуализации образа невинного идола неоднозначен. С одной стороны, это очень прибыльный бизнес, с другой – представления об эротизме и порнографии у японцев отличаются от западных. Закон о запрете хранения детской порнографии был принят в Японии не так давно – в 2014 году. А контент материалов с изображением джуниоров в настоящее время находится на юридически неоднозначной почве из-за открытой интерпретации законов о детской порнографии в Японии. К слову о контенте, в общих чертах, это фотографии идолов, примеряющих различные наряды: школьная форма, купальные костюмы, спортивная одежда, костюмы горничной, полиции и аниме-вдохновленные костюмы. Однако фотокниги и видеозаписи несовершеннолетних моделей в скудной, плотно облегающей и откровенной одежде часто воспринимаются как провокационные и порнографические по своей сути.

Что мы имеем в итоге? Конвейер однотипных молодых девушек, которые впервые выходят на сцену еще в начальной школе, девочки с расшатанной психикой, короткие карьеры мегапопулярных личностей, огромная ответственность перед неисчисляемыми толпами фанатов, готовых отвернуться от тебя за любое неправильное слово, с детских лет отсутствие контроля над собственной жизнью и даже телом, эмоциональное и сексуальное насилие, опошление невинности и чистоты, бездушная коммерциализация неудовлетворенных желаний фанатов.

Трудно сказать, как нужно относиться к этому феномену, набирающему стремительную популярность и за пределами азиатских стран (вспомните BTS и BLACKPINK – те же идолы, вид сбоку). Нам может казаться, что это рабство, эксплуатация детского труда, сексуализация детского образа, насилие над девочками. А в Японии для учредителей групп – это прибыльный бизнес, для фанатов – надежда и вера во что-то светлое, чистое, условно настоящее, для девочек – возможность стать популярными и пробиться в жизни, для людей с отклонениями и неординарными фантазиями – шанс реализовать свои желания, не нарушая закон (почти). Возвращаясь к первоначальной дилемме – культурный феномен или социальная проблема, я хочу подчеркнуть: для нас подобное идолопоклонничество кажется дикостью и абсурдом, а для них (простите за столь откровенный национализм) – это норма, существующая и процветающая многие десятилетия. А так как за последнюю декаду идолы снова выстрелили, значит в Азии, и конкретно в Японии, все ужасы сферы идолов не то чтобы кого-то сильно смущают.

 

 

Мария Ряполова

Боди-арт иллюзии

 

Боди-арт (англ. body art «искусство тела») — одна из форм авангардного искусства, сложившееся в 1960-е годы. Главным объектом боди-арта становится тело человека, а содержание раскрывается с помощью невербального языка: поз, жестов, мимики, нанесения на тело знаков, «украшений». Объектом боди-арта также могут выступать рисунки, фото, видео и муляжи тела. Развивалось в основном в русле перформанса и акционизма.

Начиная с 1960-х годов боди-арт начал интенсивно развиваться в Европе, как часть эстетической революции авангардизма, направленной против духовной косности общества, как противопоставление себя прежним и в особенности общепринятым традициям творчества, равно как и всем окружающим социальным стереотипам в целом.

В России одни из первых в XX веке опытов в духе боди-арта относятся к 1910-м годам, когда русский футуризм в лице М. Ф. Ларионова провозгласил, что «пора искусству вторгнуться в жизнь» и что «раскраска лица — начало вторжения». Предлагая программу разного рода «раскрасок» и преобразований облика мужской и женской фигур, Ларионов реализовал эти идеи масочно-ряженного боди-арт применительно к себе и к своим товарищам. Разрисовав свои лица и превратив себя в живые художественные объекты, они вышли 14 сентября 1913 года на «футуристическую прогулку» по Кузнецкому мосту.

В 1964 году в Вене первые манифестации — вызывающие нудистские акции Гюнтера Брюса и опыты Рудольфа Шварцкоглера, связанные с различными возможностями языка тела. Их американские последователи изучают взаимосвязи поэтического и телесного языка (Вито Аккончи), а также такие ракурсы телесности, как гримаса (Брюс Науман), царапина (Деннис Оппенгейм), порез (Л. Смит), укус (Вито Аккончи). О теле как объекте и средстве искусства, его основе размышляют французские теоретики и практики боди-арта — М. Журниак («Месса по телу», «Договор о теле»), Д. Пан, У. Лути, Ф. Плюшар.

Представители Боди-арта использовали своё тело как материал или объект творчества, прибегая к разнообразным, подчас болезненным, манипуляциям: покрывали свои тела гипсом, надрезами, выполняли изнурительные дыхательные упражнения, жгли на себе волосы, Ж. Пан (Франция) публично причиняет себе боль, Крис Бёрден (США) побуждает своего друга выстрелить в него в выставочном зале, Р. Шварцкоглер (Австрия) по кусочку отрезает плоть модели, которая умирает от потери крови, что запечатлевается на фотоплёнку. «Роспись самого себя — преодоление самоистязание» и «бесконечно испробованное самоубиение», — так сформулировал крайний мазохистский, но типичный характер экспериментов боди-арта 1960—1970-х годов Гюнтер Брус, основавший вместе с Отто Мюлем и Германом Ничем, венскую группу «Актионисмус» (Aktionismus, 1964). В том же духе совершали свои акции боди-арт Вито Аккончи, Деннис Оппенгейм, Крис Бёрден, Джина Пина, Марина Абрамович, а в России, уже с 1980-х годов, — А. Жигалов и Н. Абалакова (арт-группа «ТОТАРТ»), а с 1990-х годов — О. Кулик, О. Мавроматти, художники школы Ю. Соболева (арт-группа «Запасный выход» царскосельской «Интерстудио»), Е. Ковылина, Лиза Морозова, М. Перчихина (Мышь).

Одновременно развивалось другое направление боди-арта, в котором тело художника становилось объектом гримировальных и костюмированных ряжений: начальные опыты такого рода относятся к середине 1930-х годов, а в 1960—1970-е годы подобные акции показывали англичане Гилберт и Джордж, а также Л. Онтани, Р. Хорст, Х. Вилке, П. Коттон, У. Лути, Ю. Клауке, Л. Кастелли, В. Трасов, П. Олешко, Р. и В. Герловины.

 

Виды боди-арта:

Роспись по телу, лег арт, бодипейнтинг (англ. body painting) — это искусство рисования на теле. Это самый распространённый вид боди-арта, в котором основное место занимает рисование на лице (фейс-арт) и теле. Общеизвестен нейл-арт — роспись ногтей. Менди — роспись тела с использованием хны, самая долговечная — держится три недели.

Татуирование (с полинезийского — «метка») — виды модификации кожи, заключающиеся во вживлении в слои кожи специального красящего пигмента. В отличие от росписи по телу рисунок сохраняется на всю жизнь. Сюда относятся перманентный макияж, а также, например, косметический татуаж бельма.

Пирсинг (англ. piercing — «прокол», «прокалывание дырок») — вдевание предметов в отверстия, сделанные с этой целью на теле или лице. Иногда к этому виду относят скайсы (накладки на зубы) и «глазные импланты» (накладки на белочную оболочку глаза).

Шрамирование, скарификация, скарт (лат. scarifico — «царапаю») — специальное нанесение на тело шрамов, в законченном виде представляющих собой какой-либо рисунок или узор.

Имплантация (лат. im — «внутрь» и лат. plantatio —- «сажаю») —- хирургическая операция вживления в ткани чуждых организму структур и материалов. Сюда относятся не только подкожные и другие имплантаты, но и распространённая операция по увеличению груди.

Модификации тела (лат. modus — «мера, вид, образ» и лат. facio — «делаю») — внесение изменения в структуру тела — от «эльфийских ушей» и раздвоенного языка до ампутаций, деформаций, корсетирования.

Самодемонстрация художника, этот вид представляет собой глубокое ответвление в постмодернизм.

Одна из наиболее известных работ Денниса Оппенгейма: художник лежал с книгой на груди под солнцем, пока его кожа, за исключением закрытой книгой, не загорела.

Вито Аккончи задокументировал при помощи фотографий и текста свои ежедневные упражнения: художник вставал на стул и спускался с него так долго, сколько мог, на протяжении нескольких месяцев.

Крис Бёрден чаще всего использовал своё тело как объект для насилия. В «Стрельбе» (1971) Бёрден попросил своего друга выстрелить в него таким образом, чтобы слегка задеть руку, в результате художник был серьёзно ранен. Большая часть работ Бёрдена была связана с физическим риском. В «Тихо сквозь ночь» художник медленно продвигался по битому стеклу. Во время «Kunst Kick» (1974) ассистент пинал тело художника, который скатывался на две-три ступеньки вниз по лестнице.

Группа «Венский акционизм» была создана в 1965 году Германом Ничем, Отто Мюль, Гюнтером Брюсом и Рудольфом Шварцкёглером. Они представили ряд акций, обычно затрагивающих социальные табу (такие как манипуляции с гениталиями).

Марина Абрамович представила «Rhythm O» в 1974 году. Публике была дана инструкция использовать «72 инструмента боли и наслаждения», включая ножи, перья и пистолет. Аудитория резала её, колола, расписывала губной помадой и снимала одежду. Перформанс продолжался шесть часов. Одна из её работ включала танец до изнеможения.

В настоящее время боди-арт распространен как одна из форм рекламы товара или услуги на выставках, презентациях и прочих мероприятиях. Для этого привлекаются профессиональные модели и художники.

Сегодня, в XXIвеке Боди-арт приобретает форму иллюзорности. Художники и создатели своих арт-объектов рассматривают телесность через призму иллюзии.

Тело воспринимается как вещь для манипулирования, повышенный интерес художники проявляют к пограничным экзистенциальным ситуациям. Композиции боди-арта разыгрываются прямо перед зрителем или записываются для последующей демонстрации в выставочных залах.

Гиперреализм на теле, трехмерное пространство, игра вымышленного и реального составляют тенденции развития Боди-арта в эпохе XXI века

 

Дамир Абдрахманов

Бесконечные возможности современных арт-объектов в непривычной обстановке: Крис Энгман и Джеймс Таррелл

Метамодернизм проявляется в разнообразных моделях мышления, практиках, формах искусства, техниках и жанрах. Казалось бы, в наше время каждый человек имеет возможность запечатлеть любой момент из жизни на свой телефон, фотоаппарат и для этого не нужен специалист и дорогая техника, но фотоискусство как жанр, развивается с каждым днем и «нажать на щелчок» будет недостаточно.

За последнее время появилось огромное количество жанров и направлений в искусстве, мода на фотографию как часть искусства растёт. Этому способствует постоянное развитие цифровой фототехники, использование сменных блоков оптики и их широкий выбор, обширные возможности по ретушированию и изменению фотоизображений в компьютерных редакторах. Также развитию фотографии способствуют различные упрощённые способы к доступу информации, каждый желающий фотограф-любитель может записаться на тематические курсы, занятия, студии и получить необходимые сведения о профессии или взять их с нуля.

Художник-фотограф из Лос-Анджелеса Крис Энгман экспериментирует в своих работах с архитектурным пространством. Созданные им инсталляции создают иллюзию, что в плоское пространство можно войти, потому что оно выглядит трехмерным.

Чистота, пустота, ирреальность, естественность и сверхъестественность, необъяснимость и глубина – метамодернистская стилистика. В работах американского художника Криса Энгмана песчаные дюны, океаны, леса и тропики попадают в трехмерные пространства и становятся частью реальных интерьеров.

Крис Энгман родился в 1978 году и живёт в Сиэттле. Три раза он завоёвывал вожделенный приз всех креативных фотографов и перфомансистов - «GAP Award», которая расшифровывается как (Grants for Artists «Гранты художникам»). Фотографирует Крис Энгман в основном в безлюдных североамериканских пустынях.

Он делает из своих пейзажных фотографий объемные инсталляции. Для этого он обклеивает небольшие комнаты фрагментами снимков, добиваясь эффекта максимального погружения. Если посмотреть на инсталляции Энгмана снаружи, с определенного ракурса, то можно увидеть фотографию целиком. Но если зайти внутрь и сменить угол обзора, то становится ясно, что снимок состоит из фрагментов, создающих иллюзию перспективы.

Для создания работ художник всегда использует разные методы. Например, для произведения Refuge Энгман н апечатал 150 листов бумаги с изображением леса, завесил ими комнату, сфотографировал результат и напечатал конечную фотографию.

Главная тема работ фотографа — отношения между физическим и иллюзорным мирами. Инсталляции состоят из разного количества фрагментов, прикрепленных на стены, потолки и полы для создания объемного изображения.

«Мне кажется, между перспективой и убежищем существует конфликт, а между иллюзией и материальностью — напряжение, которые я считаю неотъемлемой частью фотографии. К тому же они уже давно стали предметом моей работы. Под иллюзией я имею в виду силу фотографии, которая показывает нам «запечатленные моменты» и правду о мире. Под материальностью я подразумеваю реальные фотографические инструменты: чернила, бумагу, рамы и физический контекст», — рассказывает художник.

Еще один художник Джеймс Таррелл — он создает световые инсталляции, погружая зрителей в реалии чистого опыта. «Вот уже много лет я пытаюсь разгадать, можно ли доверять собственной способности воспринимать окружающий мир или все не то, чем кажется. Реакция человека во время сеанса может быть непредсказуемой. У кого-то кружится голова, кто-то, наоборот, в полном восторге — ведь внутри капсулы свет буквально пульсирует и человек может видеть сны наяву, с открытыми глазами. Я называю это внутренний свет» — говорит художник.

Творчество Таррелла посвящено изучению света и пространства. Будь то использование света на закате или сияния телевизора — искусство Таррелла помещает зрителей в реалии чистого опыта. Таррелл манипулирует светом как скульптор глиной. Каждая инсталляция активизирует сенсорное восприятие, которое способствует открытию: что казалось, например, кубом, в действительности — две световые плоскости проецируемого света, а чёрный квадрат на потолке — портал в ночное небо. Творчество Таррелла находится где-то между логическим дискурсом и чистым наблюдением. Художник создает работы, которые свидетельствуют о расхождении между знанием и восприятием. То, что Таррелл показывает зрителям, не является иллюзией или обманом, это удивительная реальность.

Художник рассматривает переливы цвета, как нечто подобное музыке, он создает градиентные заливки, позволяющие зрителю «услышать» мелодии своей души.

Первые крупные проекты Таррелл осуществил, работая в калифорнийском отеле Mendote Hotel: с 1966 по 1972 год он был арендован художником как студия и выставочное пространство. В основном работы Таррелла хранятся в музеях Северной Америки, Европы и Азии.

Оба этих художника создают, казалось бы, из обычных фотографий, предметов, форм и материала - работы в которых ты можешь погрузиться, задуматься, на время «отключиться». Человек, попадая в непривычную обстановку, испытывает острый смысловой и стилистический диссонанс, выходит из равновесия, ненадолго теряет точки опоры — и в этом зазоре между ожидаемым и действительным у человека есть шанс прикоснуться к иному состоянию сознания, обрести нового себя. Возможно это и есть новое искусство – где мы сморим не просто фотографию 9x13, а можем «войти» в эту фотографию, рассмотреть детально, прикоснуться или как свет может погрузить нас в определенную атмосферу.

 

Макарова Юлия

Каргина Виктория

Анна Лавриненко

Список литературы

 

1. Барчугова, Е.В. Параметризм как направление современной проектной деятельности / Е. В. Барчугова // AMIT: международный электронный научно-образовательный журнал. – 2013. – No4 (25).

2. Воронина Н.И. Культура XXI века: модернизация или прорыв в новую реальность // Серия “Symposium”, Методология гуманитарного знания в перспективе XXI века., Выпуск 12 / К 80-летию профессора Моисея Самойловича Кагана. Материалы международной научной конференции. 18 мая 2001 г. – Санкт-Петербург, 2001. – C.190.

3. Шубенков М.В. Структурные закономерности архитектурного формообразования. – М.: Архитектура-С, 2006. – 320 с.

4. Schumacher, P. The Autopoiesis of architecture, vol.1, A new framework for architecture. [Аутопоэзисархитектуры.Т.1.] United Kingdom, London: Willey & Sons, 2011. – 498 c.

 

Александрас Крифариди

ОСНОВНЫЕ ТРЕНДЫ СОВРЕМЕННОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ЖИЗНИ

 

    Сoвременнoе искусство стремится формировать моду, мода влияет на образ жизни и на мировоззрение общества потребления. Но, к сожалению, в современном арт мире существуют векторы развития навязанные искусственно и некоторые из них освещены в данной работе.

Политизация искусства

Художественное творчество, самовыражение, как и деятельность политиков, оказывают большое влияние на общество. О тесной связи искусства и политики сказано и написано очень много, укрепилась эта связь ещё в античные времена, когда скульпторы и художники формировали героические образы правителей, отражали их подвиги и победы. Позднее искусство стало не только восхвалять, но и обличать, поносить тех или иных деятелей или идеологии. Каковы же политические мотивы искусства, тех, кто его создаёт?

Сейчас современные художники ищут новую эстетику, новые основы для своего творчества. Сегoдня такой сумбур происходит во всех сферах жизни. А искусство должно вытекать, в том числе и из всего этого, помимо решения эстетических задач. Автор, в свою очередь, может заниматься художественным навешиванием ярлыков, демонизировать одних и возвеличивать других, а часть аудитории перенимает его взгляды, даже не интересуясь политикой как таковой. Так как сoвременное искусство – это зачастую протест, бунт автора, ответ устоявшимся нормам, стереотипам, проверка общественной морали, то и политическая оппозиционность ему также свойственна. Деятели современного искусства в разные периоды истории были певцами и художниками революций, пусть некоторые и понимали впоследствии всю трагичность такого пути. Тем не менее, сейчас в России, да и во всем мире, современное искусство частично используется как пoлитический инструмент.

Отдельно можно отметить уличную культуру – стрит-арт, одним из популярных проявлений которой является граффити. В Москве и ряде других городов стало появляться всё больше граффити патриотического содержания, причём масштабных, покрывающих сотни квадратных метров поверхности.

Искусство становится политически эффективным только тогда, когда оно создается вне рынка искусства, в контексте непосредственной политической пропаганды. Такое искусство создавалось в бывших социалистических странах. Современные примеры включают исламистские видео, a также плакаты, функционирующие в контексте сoвременного антиглобалисткого движения. Естественно, подобное искусство финансируется либо государством, либо различными политическими и религиозными движениями. Но его прoизводство, оценка и распространение не следуют логике художественного рынка. Такое искусство не является товаром потребления. Особенно в условиях социалистической экономики советского типа произведения искусства никак не могли быть товаром, поскольку не существовало рынка как такового. Это искусство создавалось не для индивидуальных потребителей, гипотетических покупателей, а для масс, поглощающих и усваивающих его идеoлогическое содержание.

В свою очередь в настоящее время создаются множество произведений угодных тому или иному закону, изданному в государстве. Через призму произведения пропагандируется идеология выгодная для правительства, и не всегда пригодная для народных масс.

   Пропаганда гомосексуализма и прочих меньшинств