Отображение религиозно-философских идей в музыкальной культуре серебряного века

 

Обострившаяся в литературе и искусстве Серебряного века борьба различных направлений сказалась и на развитии русской музыки. Именно в музыке Серебряного века нашли отражение религиозно-философские идеи той эпохи. Русской религиозной философии этой поры присуще обращение к гносеологической и этической проблеме: многие мыслители, прежде всего, обращали своё внимание на духовный мир личности, они освобождали человека от иллюзии всеохватывающего детерминизма, приводили его к пониманию многообразия практического и духовного опыта. В творчестве некоторых композиторов усвоение классических традиций сочеталось с воздействием модернистских тенденции, ясно обозначившихся за рубежом и проникавших в художественную жизнь России начала века. В музыке это выражалось в обращении к миру узких, индивидуалистических переживаний, а в соответствии с этим в излишней усложненности музыкального языка, в одностороннем развитии какого-либо одного из средств музыкальной выразительности. Однако в творчестве ведущих композиторов эпохи эти тенденции никогда не становились господствующими и не создавали существенных преград общему развитию русской музыкальной классики.

В музыкальной культуре Серебряного века впервые остро ставится проблема композиторского мастерства, потому что искусство признаётся самоценным, оно не должно изображать реальность, поэтому любое произведение искусства должно быть выполнено мастерски. Классические, консервативные традиции сменяются экспрессионизмом, импрессионизмом и неоклассицизмом. Меняется жанровая картина. Опера отходит на второй план, а роль балета напротив возрастает. В симфонической музыке - переход от циклической симфонии к произведениям поэмного типа, более свободным формам. Также на первый план выходят жанры камерной музыки, так как в них можно полностью проявить технику. Широко развиваются симфонические, камерные жанры в творчестве А. К. Глазунова. Фортепианная музыка наполняется философским содержанием. Огромной популярностью пользуется фортепьянное творчество Рахманинова, который также был и великим пианистом. Меняется роль выразительных средств. Мелодика не главное, она приобретает мотивный и инструментальный характер, состоит из коротких мотивов. Среди молодого поколения музыкантов были композиторы, чьи сочинения были написаны по-своему остро, иногда, даже дерзко. Таким, например, являлся А. Н. Скрябин. Одних слушателей его музыка покоряла вдохновенной силой, других возмущала необычностью. Несколько позднее выступил И. Ф. Стравинский. Его балеты, Поставленные во время "Русских сезонов" в Париже, привлекли внимание всей Европы. И, наконец, уже в годы Первой мировой войны на русском восходит ещё одна звезда – С.С. Прокофьев.

Огромную роль в произведениях композиторов Серебряного века играет гармония, ритмика, оркестровый колорит. Значительная роль отводится полифонии. В конце XIX и в начале XX века, а особенно в предоктябрьском десятилетии, через всё русское искусство, и в частности музыку, проходит тема ожидания великих перемен, которые должны смести старое и несправедливое.

Русское музыкальное искусство конца XIX — начала XX в. представлено творчеством различных поколений. В 1880 — 1890-е годы интенсивно сочиняет П. И. Чайковский. До 1908 г. продолжает композиторскую деятельность Римский-Корсаков, чутко откликаясь на запросы времени. К середине 1890-х годов достигает полной зрелости творчество их учеников, младших соратников и последователей — А. К. Глазунова, А. К. Лядова, С. И. Танеева, А. С. Аренского, В. С. Калинникова. В годы, предшествующие первой русской революции, расцветает творчество выдающихся композиторов XX в. — А. Н. Скрябина и С. В. Рахманинова. Наконец, в предоктябрьское десятилетие уже становятся известными имена И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева, Н. Я. Мясковского.

Являясь современниками, эти композиторы, каждый по-своему, отразили в своем творчестве новые приметы времени. Богатство их творческих индивидуальностей, самостоятельность и неповторимость художественного преломления ими устремлений своей эпохи составляют многообразную и сложную картину развития русской музыки в этот отмеченный большими событиями и острыми противоречиями период.

А. К. Глазунов - один из крупнейших русских композиторов конца 19 - начала 20 вв. Продолжатель традиций Могучей кучки и Чайковского, он соединил в творчестве лирико-эпическую и лирико-драматическую ветви русской музыки. В творческом наследии Глазунова одно из основных мест принадлежит симфонической музыке разных жанров. В ней нашли отражение героические образы русского эпоса, картины родной природы, русская действительность, песни славянских и восточных народов. Произведения Глазунова отличаются рельефностью музыкальных тем, полным и ясным звучанием оркестра, широким использованием полифонической техники. Он применял одновременное звучание различных тем, сочетание имитационного и вариационного развития. Глазунов выступает как мастер монументальных симфоний. Среди созданных им восьми симфоний выделяется Пятая. Ее музыка проникнута мужеством, полнотой жизневосприятия, праздничностью. Недаром современники воспринимали ее как продолжение героической линии бородинского симфонизма, хотя главенствует в ней не героика, а воспевание жизни. Но есть у Глазунова и страницы драматической взволнованности, как, например, первая часть Шестой симфонии, а в музыку начала XX в. проникло ощущение тревоги, жизненных противоречий. В симфонических произведениях, созданных в более ранние годы, — поэме «Стенька Разин» и картинах «Кремль», «Лес», «Весна» — ясно прослеживаются принципы программных произведений композиторов «Могучей кучки». Большой вклад внес Глазунов в развитие русского балета. Его «Раймонда» вслед за «Лебединым озером», «Спящей красавицей», «Щелкунчиком» Чайковского углубляет значение музыки в балете, основанной на разнообразном музыкальном развитии характеристик действующих лиц и чутком восприятии национального колорита. Покоряют слушателей выразительные лирико-патетические образы его Концерта для скрипки с оркестром. Сфера душевных переживаний человека широко запечатлена им в семи струнных квартетах, из которых по образной яркости выделяются Четвертый и Пятый. Возглавляя с 1905 по 1928 г. Ленинградскую консерваторию, Глазунов вошел в историю отечественной музыки и как один из строителей молодой советской культуры.

Размышляя об эстетической направленности стиля Глазунова, можно выделить проблему «дионисийского» и «аполлоновского» искусства применительно к творчеству композитора. По словам Сабанеева, Глазунов принадлежит не «дионисийскому» в искусстве, а считается истинным «аполлоновским греком». Сабанеев причисляет его творчество к достижениям «аполлоновской культуры», которая, по словам Ницше, «свергнув царство тиранов и умертвив чудовища, должно с помощью ярких и смелых фантазий и радостных иллюзий одержать победу над страшной глубиной простого созерцания мира и над собственностью к возбуждению и страданию».[7]

А. К. Лядов, в противоположность Глазунову, — мастер музыкальной миниатюры. Его прелюдии, пасторали, мазурки и другие пьесы — это «картинки настроений», в каждой из которых выражено одно состояние, один образ, или меткие характеристические зарисовки отдельных явлений быта и природы, подкупающие юмором, наблюдательностью, тончайшим мастерством. В музыке баллады «Про старину» оживают образы преданий «давно минувших дней». Большая и увлеченная работа Лядова над русской песней привела его к созданию замечательной сюиты «Восемь русских народных песен» для оркестра. Для каждой из ее восьми песен он находит особый художественный прием, создает свой неповторимый колорит, свою характерность. Удивительное проникновение в строй русского музыкального мышления отличает и три тетради «Детских песен», созданных Лядовым на подлинные народные тексты прибауток и присказок. Симфонические миниатюры «Волшебное озеро», «Баба-Яга», «Кикимора» рисуют образы природы и русской сказки. А.К. Лядов обращался к русской сказке как к аутентичному источнику национальной традиции, показывая путь сложения эстетического комплекса самосознания русской культуры в процессе включения фольклорной традиции в христианское предание.

С. И. Танеев видел в искусстве, прежде всего, большую силу морального воздействия на человека. Поэтому этические вопросы жизни занимали центральное место в его творчестве. Для воплощения их он иногда обращается к образам античной культуры. Такова его опера «Орестея», написанная на сюжет из Эсхила, утверждающая торжество справедливости, света над силами мрака и насилия. В Четвертой симфонии Танеев раскрывает драматически напряженную борьбу противоположных сил, которая в итоге приводит к торжеству человеческого разума, гуманности. Вера в человека, в красоту его души, в победу справедливости характерна для содержания всей музыки композитора. Сочетание строгой логики мышления с глубокой эмоциональностью отличает и такие выдающиеся произведения Танеева, как кантата «Иоанн Дамаскин», Четвертый квартет, фортепианный квинтет соль минор, двенадцать хоров без сопровождения на стихи Полонского, многие романсы. Большую роль играет в творчестве Танеева и хоровое искусство. Характерным для его творчества является преобладание хоров светского содержания. Правда, у Танеева есть несколько церковных композиций, написанных им в ранний период творчества, но эти произведения для него самого носили характер упражнений в овладении хоровым искусством и не были опубликованы. Тексты для хоров Танеев выбирал с большой тщательностью; все они принадлежат лучшим русским поэтам и отличаются высокой художественностью. По своему содержанию они относятся в большинстве случаев к области философской лирики и часто дают поэтические описания природы. Такие лирико-философские произведения, как «На могиле», «Звезды», типичны для творческих интересов Танеева. Содержание текстов в значительной мере определяет и круг художественных образов танеевских хоров. Созерцательность, соединенная иногда с меланхолической грустью, раздумье, взволнованный порыв, смятенность чувств — все это находит разнообразное преломление в хорах Танеева.

Успешно развивал в своем творчестве традиции русской музыкальной классики А. С. Аренский. Композитор лирического склада, он привлекал задушевностью, искренностью высказывания. Особенно это проявилось в его романсах, раскрывающих различные стороны душевных переживаний и настроений человека. Из крупных сочинений наибольшую известность получили фортепианное трио до минор, пронизанное единством элегически-скорбного настроения, и фантазия на темы И. Т. Рябинина для фортепиано с оркестром — в ее основе лежат два былинных напева, записанных композитором у этого известного певца-сказителя Онежского края.

Однако определяло развитие русской музыки начала XX в. творчество наиболее выдающихся композиторов того времени — А.Н. Скрябина и С. В. Рахманинова. В творчестве Рахманинова с особой силой воплощена тема родины. Романтические настроения сочетаются в его музыке с лирико-созерцательными, неистощимое мелодическое богатство, широта и свобода дыхания - с ритмической энергией. Рахманинов уделяет значительное внимание крупным хоровым формам. Огромное значение для духовной русской музыки имеют его великолепные богослужебные композиции Литургия св. Иоанна Златоуста и Всенощное бдение. В 1913 была написана монументальная поэма «Колокола» на стихи Э. По для солистов, хора и оркестра. Неповторимые черты его творческой индивидуальности запечатлелись в многочисленных сочинениях. Острота и психологическая насыщенность жизненных конфликтов, бурный протест и романтически приподнятая патетика сочетаются в музыке Рахманинова с поэтически прекрасной лирикой, проникнутой глубоким и сильным чувством. Его сочинениям присущи значительность идейно-художественных замыслов, полнота чувств, богатство реалистически правдивых образов.

Мистическая философия А. Н. Скрябина нашла отражение в его музыкальном языке, особенно в новаторской гармонии, далеко выходящей за границы традиционной тональности. Музыка Скрябина – явление исключительное в русской культуре. Его искусство озарено светом грядущих перемен в жизни человечества, страстно устремлено в будущее с непоколебимой надеждой, что это будущее принесет человечеству счастье и совершенство. Классическая стройность и ясность мысли, изящество и совершенство формы сочетаются в сочинениях Скрябина с обновлением музыкального языка, с предвосхищением путей развития искусства ХХ века. Наиболее значительные произведения Скрябина - «Поэма экстаза» и «Прометей». Скрябин придает первостепенное значение воплощению творческого начала и подчеркивает: «Я хочу не осуществления чего бы то ни было, а бесконечного подъема творческой деятельности, который будет вызван моим искусством»[8]. Его музыка - это бесконечный поток, который сносит все установленные традиции и превращает произведение в единый сгусток энергии. Для творчества Скрябина характерно создание богатейшего звукового и тембрового колорита, виртуозная по гибкости ритмика и фразировка.

В 1910-х годах обратил внимание на свое яркое дарование И. Ф. Стравинский, выступивший с первыми балетами — «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная». Постепенно из музыки Стравинского исчезают элементы русского фольклора. Русские темы еще присутствуют в партитуре «Истории солдата», а также в кантате «Свадебка», но в более поздних сочинениях прослеживается поворот к классицизму и религиозной тематике. Сюда относятся Концерт для фортепиано с оркестром, балет «Аполлон Мусагет» и кантата «Симфония псалмов». Его Симфония в трех частях – синтез неоклассицистской манеры и революционного стиля Весны священной. Наиболее полно художественный аскетизм Стравинского проявился в «Царе Эдипе», опере-оратории на латинский текст. Наиболее примечательным этапом творческой эволюции Стравинского стало освоение им 12-тоновой системы композиции. В этом стиле созданы балет «Агон» для 12 танцовщиков и духовная кантата на библейский текст «Плач пророка Иеремии» для солистов, хора и оркестра. Неповторимая манера Стравинского отчетливо проявилась в ритмике, полифонии и тембровой палитре этих сочинений.

В предоктябрьское десятилетие начался творческий путь С. С. Прокофьева. Он вошёл в историю советской и мировой музыкальной культуры как композитор-новатор, создавший глубоко самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Творчеству Прокофьева присущи действенность и активность. В его произведениях преобладает эпическое начало. Яркой индивидуальностью отмечена лирика Прокофьева - вдохновенная, глубокая, внутренне сдержанная, кристально чистая. В процессе развития творчества Прокофьева всё яснее выявлялись его тесные связи с традициями русской музыки. Присущая композитору острая наблюдательность сделала его одним из выдающихся мастеров музыкального портрета, сочетающего внешнюю характерность с психологической правдивостью. Это предопределило главную роль сценических жанров в творчестве Прокофьева. Стремясь к сценическому реализму, преодолению статики Прокофьев значительно усилил в балете роль пантомимы, в опере отказался от стихотворного либретто, заменив его повсюду свободным прозаическим текстом. Прокофьев существенно обогатил сферу вокальной выразительности в опере за счёт широкого использования декламационности, основанной на гибком претворении речевых интонаций. Для его опер характерны жанровая многозначность и многоплановость драматургии. Большое место в творческом наследии композитора занимают фортепианные сочинения, в которых своеобразно преломились особенности пианизма Прокофьева: конструктивная ясность формы и фактуры, отчётливость звучания, инструментальная трактовка фортепианного тембра, упругость и энергия ритма. Симфонические и вокально-симфонические произведения также отразили характерную для Прокофьева эпическую направленность. Большинству из них присущи объективность, повествовательность тона, драматургия, основанные не на столкновении, а на сопоставлении контрастных образов. С первых же своих шагов на музыкальном поприще Прокофьев зарекомендовал себя как сторонник шокирующих, «экстремальных» средств выразительности; критика 1910-х годов часто называла его музыкальным футуристом. Музыка раннего Прокофьева проникнута всесокрушающей радостной энергией, ей не чужд своеобразный лиризм. Творчество композитора составило целую эпоху в мировой музыкальной культуре ХХ века. Самобытность музыкального мышления, свежесть и своеобразие мелодики, гармонии, ритмики, инструментовки композитора открыли новые пути в музыке и оказали мощное воздействие на творчество многих советских и зарубежных композиторов.

Таким образом, можно отметить, что важной тенденцией духовных поисков в эпоху Серебряного века в России стало возрастание внимания к личности. Творческая личность, художественная индивидуальность получает в это время гораздо больше, чем прежде, возможности для самовыражения. Этим и объясняется появление новых выразительных средств музыкальной выразительности. Философская мысль Серебряного века возвращает нас к проблеме специфики духовного опыта в русской культуре, к осознанию самой возможности нового синтеза искусства и религии. Структура взаимообусловленности религии и искусства определена в профессиональной музыкальной традиции Серебряного века. Источниками музыкального предания в истории русской культуры выступают как профессиональные, так и непрофессиональные типы традиции – композиторское и народное творчество, основные темы музыки связаны с различными типами культуры – церковной, светской, народной.