Стиль барокко (середина XVI - XVIII вв. ). Инструментальные жанры светской музыки. Творчество И. С баха и А. Вивальди

Музыкой барокко называют период в развитии европейской классической музыки приблизительно между 1600 и 1750 годами. Барочная музыка появилась в конце Возрождения и предшествовала музыке эпохи классицизма. Слово «барокко» предположительно происходит от португальского— жемчужина причудливой формы. И действительно, изобразительное искусство и архитектура этого периода характеризовались весьма вычурными формами, сложностью, пышностью и динамикой. Позже это же слово стало применяться и к музыке того времени. Произведения того времени широко исполняются и изучаются. В эпоху барокко родились такие гениальные произведения, как фуги Иоганна Себастьяна Баха, хор «Аллилуйя» из оратории «Мессия» Георга Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, «Вечерня» Клаудио Монтеверди. Музыкальный орнамент стал весьма изощрённым, сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Композиторы эпохи барокко работали в различных музыкальных жанрах. Опера, появившаяся в период позднего ренессанса, стала одной из главных барочных музыкальных форм. Можно вспомнить произведения таких мастеров жанра, как Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди и других. Жанр оратории достиг пика своего развития в работах И. С. Баха и Генделя; оперы и оратории (крупное музыкальное произведение для хора, солистов и оркестра. В прошлом оратории писались только на сюжеты из Священного Писания. Отличается от оперы отсутствием сценического действия, а от кантаты — бо́льшими размерами и разветвлённостью сюжета) часто использовали схожие музыкальные формы. Например, имевшую широкое распространение арию da capo.

Инструментальные сонаты и сюиты были написаны как для отдельных инструментов, так и для камерных оркестров. Появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Пышности и великолепия многим королевским дворам добавили и произведения в форме французской увертюры, с их контрастными быстрыми и медленными частями.

Иога́нн Себастья́н Бах немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы;), Творчество Баха оказало сильнейшее влияние на музыку последующих композиторов, в том числе и в XXI веке Бах писал музыку для разных инструментов, как духовную, так и светскую. В течение жизни Бах был больше всего известен как первоклассный органист, преподаватель и сочинитель органной музыки. Он работал как в традиционных для того времени «свободных» жанрах, таких как прелюдия, фантазия, токката, пассакалия, так и в более строгих формах — хоральной прелюдии и фуги. Бах переписывал себе произведения многих французских и итальянских композиторов, чтобы понять их музыкальный язык; позже он даже переложил несколько скрипичных концертов Вивальди для органа. Бах также написал ряд произведений для клавесина. Наиболее известные произведения Баха для оркестра — «Бранденбургские концерты». Другие дошедшие до нас произведения Баха для оркестра включают два скрипичных концерта, концерт для 2 скрипок ре минор, и концерты для одного, двух, трёх и даже четырёх клавесинов

Анто́нио Лючио Вива́льди — родился в 1678 в Венеции в семье профессионального скрипача. «Prete rosso» («Рыжий священник») — такое прозвище получил Антонио Вивальди в мемуарах Карло Гольдони. И действительно, он был и рыжим («Рыжий» — было прозвище и его отца), и священником. Антонио получил церковное образование и готовился стать священником. Но вскоре после того, как он был посвящен в священники (1703), что давало ему право самостоятельно служить мессу, он отказался от этого, сославшись на плохое состояние здоровья (он страдал астмой, явившейся следствием перенесенный при рождении травмы грудной клетки). В 1703 он числился учителем игры на скрипке в Оспедале делле Пиета. Это один из венецианских приютов для девочек-сирот. С перерывом в два года Вивальди занимал этот пост до 1716 года. Позже, находясь уже далеко от Венеции, он сохранил свои связи с Пиета (одно время он каждый месяц посылал туда два своих новых концерта). Репутация Вивальди начала быстро расти с его первыми публикациями: они, содержа некоторые из его самых прекрасных концертов, были изданы в Амстердаме и широко распространились в северной Европе; это заставило музыкантов, посещавших Венецию, разыскивать там Вивальди, а в ряде случаев заказывать у него новые, произведения. Баху так понравились концерты Вивальди, что пять концертов он переложил для клавесина, а еще ряд концертов — для органа. Антонио Вивальди писал оперы для театров Венеции (участвовал в их постановке). Как скрипач-виртуоз концертировал в Италии и др. странах. Последние годы провёл в Вене и там же умер.Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо, автор 90 опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Его наиболее известной работой является серия из четырёх скрипичных концертов «Времена года»

4. Зарождение и развитие оперы в Италии (XVII – начало XVIII вв.) Оперные школы итальянских городов. ОПЕРА (итал. opera, букв. - труд, дело, сочинение) - род музыкально-драматического произведения. Опера основана на синтезе слова, сценического действия и музыки. В отличие от различных видов драматического театра, где музыка выполняет служебные, прикладные функции, в опере она становится основным носителем и движущей силой действия. Для оперы необходим целостный, последовательно развивающийся музыкально-драматический замысел. Возникновение оперы в Италии на рубеже 16-17 вв. было подготовлено, с одной стороны, некоторыми формами ренессансного театра, в которых музыке отводилось значительное место, а с другой - широким развитием в эту же эпоху сольного пения с инструментальным сопровождением. Важнейший элемент оперного произведения - пение, с помощью которого передаются особенности характера и темперамента каждого действующего лица. Существует множество систем классификации певческих голосов. Чаще всего используется классификация, учитывающая диапазон голоса и пол певца. Так голоса делятся на Мужские (тенор (высокий), баритон (средний), бас (низкий)) и Женские (Сопрано (дискант) — высокий, Меццо-сопрано (средний), контральто (низкий)). Оркестр выполняет в опере многообразную комментирующую и обобщающую роль. Важная роль принадлежит оркестру также в создании фона действия, обрисовке обстановки, в которой оно происходит. В опере используются разнообразные жанры бытовой музыки - песня, танец, марш (в их многочисленных разновидностях). Песня или танец становятся средством реалистической типизации образа, выявления общего в частном и индивидуальном. Существуют оперы по преимуществу вокальные, в которых оркестру отведена второстепенная, подчинённая роль. Вместе с тем оркестр может быть главным носителем драматического действия и доминировать над вокальными партиями.

В Венеции, ставшей в середине 17 в. гл. центром развития оперного жанра, в 1637 был открыт первый публичный оперный театр. К крупнейшим представителям венецианской оперной школы принадлежали Ф. Кавалли, А. Страделла.

Уже в середине 17 в. итальянская опера распространилась в ряде европейских стран. С течением времени драматургическое содержание оперы всё больше отходило на задний план. В 30-х гг. 18 в. в Италии возник новый жанр - опера-буффа, развившийся из комических интермедий. Вершиной развития оперы в 18 в. было творчество Моцарта, который синтезировал достижения разных национальных школ и поднял этот жанр на небывалую ещё высоту. Для каждого сюжета он находил особую форму воплощения и соответствующие выразительные средства в «Свадьбе Фигаро» «Дон Жуане». В конце 18 в. во Франции возник жанр «оперы спасения», в которой надвигающаяся опасность преодолевалась благодаря смелости, отваге и бесстрашию героев. Эта опера обличала тиранию и насилие, воспевала доблесть борцов за свободу и справедливость Лучшие черты разных школ — внимание к поэтическому слову (Флоренция), серьезный духовный подтекст действия (Рим), монументальность (Венеция) — соединил в своем творчестве Клаудио Монтеверди (1567—1643) — первый классик оперы. Композитор родился в итальянском городе Кремона в семье врача. Как музыкант Монтеверди сложился еще в юности. Он писал и исполнял мадригалы; играл на органе, виоле и других инструментах. Наиболее известны такие оперы Монтеверди, как «Орфей» (1607). В 1613 г. Монтеверди переехал в Венецию. Богатая музыкальная жизнь Венеции открыла перед композитором новые возможности. Монтеверди пишет оперы, балеты, интермедии, мадригалы, музыку к церковным и придворным празднествам. Во многом благодаря Монтеверди в 1637 году в Венеции открылся первый в мире публичный оперный театр.

 

5. Венская классическая школа. Симфонический оркестр. Новые жанры инструментальной музыки: симфония, соната, классический концерт, квартет, симфоническая увертюра. Венская классическая школа— направление европейской классической музыки второй половины XVIII века в Вене. К нему принадлежат композиторы Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Трёх великих композиторов венской школы объединяет виртуозное владение разнообразнейшими стилями музыки и приёмами композиции: от народных песен до полифонии эпохи барокко. Венские классики создали тот высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. Основной особенностью данного направления является применение трёх приёмов: обязательного аккомпанемента, наличия сквозных тем и работы над темой и формой. Для искусства представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания. С симфонизмом, в широком смысле, связаны расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи — симфонии, сонаты, концерта и камерного ансамбля, окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла. Расцвет венской классической школы совпал с общим процессом становления симфонического оркестра — его стабильного состава, функциональной определённости оркестровых групп. Сложились главные классические типы камерных ансамблей — фортепианное трио, струнный квартет и другие. Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная музыка. Симфони́ческий орке́стр — большой коллектив музыкантов, исполняющих симфонические музыкальные произведения. Симфонический оркестр включает 4 группы инструментов: струнно-смычковые — Скрипка, Альт, Виолончель, Контрабас деревянные и медные духовые — Флейта, Гобой, Кларнет, Фагот, Труба, Тромбон, Валторна, Туба ударные — Литавры, Тарелки, Ксилофон, Барабан, Перкуссия одиночные — Арфа, Фортепиано, Орган. Соната — жанр инструментальной музыки, а также музыкальная форма, называемая сонатной формой. Сочиняется для камерного состава инструментов, как правило, соло или дуэта. Также словом «соната» может называться собрание пьес в одно целое, потому что некоторые из этих пьес написаны в сонатной форме. Симфо́ния (от греч. συμφωνία — «созвучие») — музыкальное произведение для оркестра. Как правило, симфонии пишутся для большого оркестра смешанного состава (симфонического), но существуют и симфонии для струнного, камерного, духового и других оркестров; в симфонию могут вводиться хор и сольные вокальные голоса. Известны и такие разновидности жанра, как симфония-концерт (для оркестра с солирующим инструментом) и концертная симфония (от 2 до 9 солирующих инструментов), родственные по своему строению концерту, хоровая симфония, органная. Симфония может сближаться с другими музыкальным жанрами, как например симфония-сюита, симфония-фантазия, симфония-поэма, симфония-кантата.Классическая симфония (созданная композиторами венской классической школы) состоит, как правило, из четырёх частей, написанных в сонатной циклической форме; в XIX—XX веках широкое распостранение получили композиции как с бо́льшим, так и с меньшим количеством частей

Классический концерт представляет собой трехчастное произведение для солиста-инструменталиста и оркестра. Контраст звучания - один инструмент и тутти, виртуозность солиста и мощь оркестра. Сольный концерт появился как редукция кончерто гроссо - когда группа солистов постепенно стала заменятся двумя (двойной концерт) или тремя (тройной концерт) солистами. Квартет — музыкальный ансамбль из четырёх музыкантов-исполнителей, вокалистов или инструменталистов.

Увертюра -(франц. ouverture, от лат. apertura - открытие, начало), оркестровое вступление к опере, балету, драматическому спектаклю и т. п. (часто в сонатной форме), а также самостоятельная оркестровая пьеса, обычно программного характера.;

6. Характеристика творчества Л. Бетховена. Симфоническое творчество (симфонии № 3, 5, 9) Людвиг Ван Бетховен — немецкий композитор, дирижёр и пианист, один из трёх «венских классиков». Бетховен — ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее уважаемых и исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, балет, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX века.

Симфония № 3 ми бемоль мажор. Изначально была посвящена Наполеону. Состоит из 3 частей. Симфония успеха не имела. Впервые прозвучала в 1804 году в Вене, имении князя Лобковица. Первая часть торжествующая и лирическая, вторая – похоронный марш, третья - слышны те же мажорные трезвучные зовы, что и в главной партии первой части, и в светлом эпизоде траурного марша.

Симфония № 5 до минор, op. 67, написанная Людвигом ван Бетховеном в 1804—1808 годах, — одно из самых знаменитых и популярных произведений классической музыки и одна из наиболее часто исполняемых симфоний. Впервые исполненная в 1808 в Вене, симфония вскоре приобрела репутацию выдающегося произведения. Симфония, и особенно начинающий её мотив (известный также как «мотив судьбы», «тема судьбы»), стали настолько широко известны, что их элементы проникли во множество произведений, от классических до популярной культуры разных жанров, в кино, телевидение и т. д. Она стала одним из символов классической музыки. Пятая симфония известна своим долгим временем вызревания. Первые её наброски датируются 1804 годом, сразу после окончания работы автора над Третьей симфонией. Однако Бетховен неоднократно прерывал свою работу. Окончательная доработка Пятой симфонии проводилась в 1807—1808 параллельно с Шестой симфонией, а премьера обеих состоялась на одном и том же концерте.

В это время Бетховену было 35—38 лет, его жизнь осложнялась прогрессирующей глухотой. Бетховен посвятил симфонию двум своим покровителям — князю Ф. Й. фон Лобковицу и графу Разумовскому. Посвящение было напечатано в первом издании произведения в апреле 1809 года. Премьера была неудачной. Концерт длился более четырёх часов — с 18:30 до 22:30. В зале царил холод, публика устала от массы нового материала, и в начале второго отделения вряд ли могла полноценно воспринимать любое произведение, тем более такое новаторское, как Пятая симфония. Первоначально планировалось завершить вечер симфонией до минор, но Бетховен, справедливо опасаясь, что и слушатели, и оркестранты будут утомлены, просто добавил после неё ещё несколько произведений, чтобы она не была последней. Репетиций было недостаточно, и качество исполнения оставляло желать лучшего. (Исполняя в конце Хоральную фантазию, музыканты допустили ошибку, в результате чего её пришлось начать сначала, таким образом ещё больше удлинив концерт.)^[ис

Симфония № 9 Ре минор, Op. 125 — последняя завершённая симфония, созданная Людвигом ван Бетховеном. Будучи завершённой в 1824, она включает в себя часть («Оды к радости»), поэмы Фридриха Шиллера, текст которой исполняется солистом и хором в последней части. Это первый образец, когда крупнейший композитор использовал в симфонии человеческий голос в одном ряду с инструментами. её более общее, официальное название это Симфония No. 9 в D minor, Op. 125. Также симфонию называют «Хоральной». Данная симфония является одним из наиболее известных произведений классической музыки и считается выдающимся шедевром Бетховена, который создал его, будучи совершенно глухим. Произведение играет заметную роль и в современном обществе.

7. Характеристика творчества В. Моцарта. Инструментальные сочинения. Моцарт - один из величайших мелодистов. Простые, легко запоминаемые мелодии Моцарта, сочетающие черты австрийской и немецкой народной песенности и танцевальности с певучестью итальянской оперной кантилены, отличаются богатством внутреннего содержания. Гармонии Моцарта еще больше оттеняют выразительность и красоту мелодического образа, как это было свойственно всей музыке XVIII века. При этом гармоническое новаторство Моцарта нигде не сопровождается разрушением основ мажорного или минорного лада; напротив, оно обогащает лад, расширяет его выразительные возможности. Австрийский композитор, капельмейстер, скрипач-виртуоз, пианист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы. Отличительной чертой творчества Моцарта является удивительное сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Особое значение Моцарт придавал опере. Он был величайшим реформатором жанра оперы, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие — в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта». Наиболее популярными стали три последние симфонии — № 39, № 40 и № 41 («Юпитер»). Также Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта. Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Моцарт отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, отчётливостью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента. Перу Моцарта принадлежит огромное множество произведений во всех жанрах инструментальной музыки: симфонии, серенады, дивертисменты, струнные дуэты, трио, квартеты, квинтеты, фортепианные трио, ансамбли с участием духовых инструментов, скрипичные сонаты, фортепианные сонаты, фантазии, вариации, рондо, сонаты и вариации для фортепиано в четыре руки и для двух фортепиано, концерты с сопровождением оркестра для различных инструментов (фортепиано, скрипки, флейты, кларнета, валторны, флейты и арфы), марши и танцы для оркестра. Наличие в одной теме двух контрастных элементов является в ряде произведений Моцарта эмбрионом последующего развертывания, сопоставления и столкновения различных музыкальных образов, и одним из стимулов драматического развития. И Моцарт писал оперы на протяжении всей жизни, начиная с одиннадцатилетнего возраста. Но высшие его достижения в области оперного творчества относятся к последнему десятилетию (1782--1791 годы). Моцарт писал оперы разных типов и жанров: зингшпили (<<Похищение из сераля>>, <<Волшебная флейта>>), оперы- buffa (<<Свадьба Фигаро>>, <<Так поступают все>>), оперы-seria (<<Идоменей>>, <<Милосердие Тита>>). Опера <<Дон-Жуан>>, сочетающая особенности музыкальной трагедии и комедии, не сводится ни к одному из этих типов.

Обзор оперного наследия В. Моцарта. Оперы: «Свадьба Фигаро», «Дон – Жуан», «Волшебная флейта». Оперное реформаторство Моцарта. Наряду с Глюком, Моцарт был величайшим реформатором оперного искусства XVIII века. Но, в отличие от него, свою реформу не декларировал теоретически. Исходя из других эстетических предпосылок, Моцарт создал иной тип музыкальной драматургии. Если Глюк стремился подчинить музыку драматическому действию, то для Моцарта, наоборот, музыка являлась основой оперы. В одном из писем к отцу Моцарт писал, что «в опере поэзия должна быть послушной дочерью музыки». Но из этого не следует, что Моцарт не придавал большого значения либретто оперы. Напротив, оперная музыка Моцарта находится в полном единстве с развитием сценического действия. Искусство Моцарта — одна из высочайших вершин мировой музыкальной культуры. Моцарту принадлежат 23 произведения для музыкального театра, 49 симфоний, более 4 инструментальных сольных концертов с оркестром, сонаты для фортепиано, скрипки, большое количество различных ансамблей. Моцарт особое внимание уделял опере. Путь оперного композитора он начал с одиннадцати или двенадцати лет.

Последнее десятилетие его жизни — пора наивысшего творческого расцвета и одновременно годы жестокой материальной нужды, сломившей в конце концов силы композитора в особенности в последующих прославленных сочинениях — «Свадьба Фигаро» (1786) и «Дон Жуан» (1787) — полностью раскрылся моцартовский реализм характеров и чувств.
Последнее произведение Моцарта — гениальный «Реквием» — осталось незаконченным. Работу над ним оборвала смерть, наступившая 5 декабря 1791 года в Вене.

«СВАДЬБА ФИГАРО». Сюжет комедии Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Опера написана в традициях итальянской оперы-buffa. В этом отношении типичны: сюжет, изобилующий комическими столкновениями, недоразумениями, неузнаваниями, переодеваниями; структура оперы, состоящей из двух действий, завершающихся большими финалами, опера делится на законченные номера (арии, дуэты, ансамбли). Вместе с тем Моцарт в своей опере вышел за рамки жанра оперы- buffa, создав в ней реалистическую комедию характеров. Каждое действующее лицо оперы получило в музыке свою, присущую ему характеристику. Несмотря на остроту комедийных положений, вся опера проникнута мягкой, поэтической лирикой. «Свадьба Фигаро» написана в традициях оперы- buffa, но не все в ней укладывается в рамки этого жанра, в частности обе арии графини характерны скорее для оперы-seria. Если опера-seria деградировала в XVIII веке, то отдельные ее элементы получили новую жизнь, влившись в другие оперные жанры, что как раз характерно для музыкальной драматургии Моцарта. Вместе с тем стилистическая основа во всех операх Моцарта одна: венский классицизм. Его принципы получили в оперном творчестве Моцарта своеобразное преломление; это сказывается в мелодическом стиле, в возросшей роли оркестра, в приемах развития, особенно в больших ансамблевых сценах и финалах.

«Волшебная флейта» - это сказка, имеющая философско-этический и гуманистический смысл, заключающийся в победе света над тьмой, разума и добра над суеверием и злом. «Волшебная флейта», по сравнению с другими операми Моцарта, имеет более прямые, непосредственные связи с венской народной комедией. Музыка, характеризующая Папагено, обнаруживает чрезвычайную близость к австрийской и немецкой народной песне. Другая линия выражена во взаимной любви Тамино и Памины. Их арии полны мягкого лирического чувства, задушевных, певучих мелодий. Третья линия связана с образом мудреца Зорастро, его слуг и жрецов. Здесь в музыке господствует строгая, возвышенная, светлая хоральность. Наконец, четвертая линия характеризует мир тьмы и зла. Это особенно ярко чувствуется в знаменитой второй арии Царицы Ночи.

Опера <<Дон-Жуан>> целиком не принадлежит ни к одному из существовавших в ту эпоху оперных направлений. В ней синтезируются музыкальная трагедия и комедия, но в новом музыкально-театральном качестве. Как нам уже известно, Моцарт назвал оперу («Веселая драма»), подчеркивая тем самым драматическую сущность своего произведения. Сочетая в «Дон-Жуане» трагедийное и комедийное начало, Моцарт наделил действующих лиц своей оперы соответствующими музыкальными характеристиками, в зависимости от их драматургической функции. Опера состоит из двух действий, каждое из которых основано на чередовании контрастных сцен. Опера обрамляется музыкой, характеризующей мрачный, трагический образ Командора (вступление к сонатному аллегро увертюры и финал второго действия).