Искусство Архаики (VIII-н. V в. до н.э.)

Ансамбль Афинского акрополя

Акрополь - (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город), возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, крепость, убежище на случай войны.

Всю вторую половину V н. до н. э. на Акрополе шло строительство. Асимметричный ансамбль Акрополя, блестящий пример единого композиционного замысла, включал в себя следующие сооружения:
- главный храм Парфенон (447—438 гг. до н. э., Иктйн и Калликрат); - парадный вход на западном склоне Акрополя — Пропилеи (437—432 гг. до н. э., Мнесикл);
- грандиозную статую Афины-воительницы - Промахос, созданную скульптором Фидием; - построенные позже небольшой храм Афины-Победительницы, или Нике Аптерос ("Бескрылая") (449—421 гг. до н. э., Калликрат) и Эрехтейон — храм посвященный Афине и Посейдону (421—407 гг. до н. э. Архилох и Филокл). Парфенон (447-438 гг. до н.э.) — крупнейший дорический храм Акрополя и всей греческой метрополии, построен из пентелийского мрамора на вершине Акрополя и посвящен покровительнице полиса богине Афине. Предполагают, что название храма, которое переводится как "помещение для девушек", возникло от того, что именно в этом храме избранные афинские девы ткали пеплос, которые на торжественной церемонии преподносили богине Афине. Подлинной гармонии в сочетании элементов ионийской и дорической архитектуры удалось достичь его строителям - Иктину и Калликрату. По типу Парфенон — октастильный (восьмиколонный) на коротких фасадах периптер, высота колонн — 10,4 м - как и в храме Зевса в Олимпии, но на смену тяжелым пропорциям «сурового» стиля пришли стройность, изящество. Целлу, выложенную из тесаных мраморных блоков, по периметру окружают 46 колонн (8 X 16 с каждой стороны). Входы в два внутренних зала - квадратный (западный) и прямоугольный (восточный) - расположены с противоположных сторон; между внешней галереей и залами размещены два полузакрытых одинаковых портика с 6 дорическими колоннами и антами каждый. Два ряда дорических двухъярусных колонн разделяли на три части прямоугольный зал, в его глубине размещалась знаменитая статуя богини Афины. Квадратный зал, называвшийся " парфенон ", от которого получил название весь храм, служил сокровищницей. Влияние ионийских традиций сказалось в появлении фриза с внешней стороны западной части сооружения. Верхняя часть целлы по всему периметру опоясывала лента длинной 160 м, украшенная барельефным изображением Панафейского шествия, проходящего в честь богини Афины раз в 4 года. Сосредоточенная в верхних частях здания раскраска восковыми красками (энкаустикой) по мрамору подчеркивала тектонику. К соединению обоих стилей стремился и архитектор Мнесиклет, создатель величественного комплекса сооружений, создающих торжественный вход на Акрополь, — Пропилеев (437—432 гг. н. э.) Ионийские колонны соседствуют здесь с дорическими: между двумя крупными дорическими портиками - западным и восточным (высота колонн 8,81 и 8,57 м) в закрытой части сооружения установлены два ряда ионических колонн, в обрамлении которых впервые перед посетителем представала колоссальная статуя Афины Воительницы, поставленная Фидием против Пропилей, которая, по сути, являлась центром пространственной композиции Акрополя.В архитектуре красивого миниатюрного храма Афины-Победительницы (Нике Аптерос) возведенном на высоком выступе крепостной стены - пиргосе, преобладают ионийские черты, хотя построил его тот же Калликрат, что вместе с Иктином прославил город дорическим монументальным Парфеноном. Строительство его было начато в 449 г., в честь победы Афин над персами. Так, в ансамбле Афинского акрополя асимметрия сочетается с гармоническим равновесием масс, продумано взаимодействие отдельных сооружений между собой и учтена последовательность в восприятии зданий снаружи и внутри комплекса, зодчими продумана тесная связь этого архитектурного сооружения с окружающим ландшафтом. Афинский акрополь («верхний город») — природная скала удлиненной формы с плоской вершиной. Ее размеры — около 300 м по длине и 130 м по ширине. В основу ансамбля заложены два последовательно проводимых принципа, которым следовала древнегреческая архитектура: гармоническое равновесие масс и восприятие архитектуры в процессе постепенной, «динамической» ее развертки.

Продуманная композиция всего ансамбля, прекрасно найденные общие пропорции, гибкое сочетание различных ордеров, тончайшая лепка архитектурных деталей и необычайно точный их рисунок, тесная взаимосвязь архитектуры и скульптурного убранства делают сооружения Акрополя высшим достижением древнегреческой архитектуры.

Это храм типа амфипростиль, размеры его стилобата (основания) 5,4 Х 8,14 м, колонны высотой 4 м. Трехчастный антаблемент и колонны - классический пример греческого ионического ордера, хотя пропорции колонн несколько утяжеленные. В отделке храма монументальность сочетается с тонкой и богатой пластикой.Также в духе ионийских традиций сооружен был во время Пелопоннесской войны несимметричный храм из пентелийского мрамора Эрехтейон - последняя по времени постройка Акрополя (421-405 гг. до н.э.). Этот храм расположен весьма живописно рядом с Парфеноном. Он имеет значительно меньшие размеры), но более сложную многоуровневую структуру. Шестиколонный портик с восточной стороны и четырехколонный с северной решены в ионическом ордере. Фриз выложен из темного элевсинского мраморовидного известняка, на фон которого наложены высеченные из белого мрамора рельефные скульптуры. С юга расположен знаменитый портик кариатид, где роль опор играют изображения девушек (кор). Акрополь стал композиционным центром города. Его характерная черта — свободное размещение отдельных сооружений. Посетитель подходил к ним не по центральной оси, а сбоку, и они постепенно разворачивались перед его глазами.

 

ИСКУССТВО ЭТРУСКОВ

Примерно в 8 веке до н.э. Северную Италию населяли этруски. Прошлое этого народа окутано тайной, потому что учёные до сих пор не вполне понимают их письменность, а римляне, освободившись от власти этрусков в 4 веке до н.э., стёрли с лица земли их города. Однако они оставили нетронутыми "города мёртвых" - кладбища, которые порой превосходили своими размерами города живых. У этрусков существовал культ мёртвых: они верили в загробную жизнь и хотели сделать её по возможности приятной для умерших. Поэтому их искусство, служившее смерти, было полно жизни и светлой радости. В росписях на стенах гробниц были изображены лучшие стороны жизни - праздненства с музыкой и танцами, спортивные состязания, сцены охоты или приятное пребывание в семейном кругу. Саркофаги из терракоты, т.е. обожжённой глины напоминали тогдашние ложа. На них возлежат скульптурные изображения супружеских пар за дружеской беседой или за трапезой - на античных пиршествах ели в такой неудобной позе.

Этруски рано познакомились с греческим искусством. В их городах работали мастера из Греции, которые обучали молодых этрусков. От греков, видимо позаимствована характерная улыбка на лицах этрусских статуй - она сильно напоминает "архаическую" улыбку ранних греческих статуй. И всё же эти расписные терракоты сохранили присущие этрусским скульптурам черты лица - крупный нос, слегка раскосые миндалевидные глаза под тяжёлыми веками, полные губы. Этруски хорошо владели техникой бронзового литья. В Этрурии было создано знаменитое изваяние Капитолийской волчицы, вскормившей якобы своим молоком двух младенцев - легендарного основателя Рима Ромула и его брата - близнеца Рема.

Храмы этруски строили из дерева. Перед прямоугольным зданием находился портик с простыми колоннами. Деревянные балки перекрытия позволяли ставить колонны на значительном расстоянии друг от друга. Крыша имела сильный наклон, роль фриза выполняли ряды расписанных глинянных плит. Самой своеобразной чертой храма было высокое основание, которое унаследовали римские строители. Ещё одну важную новинку этруски оставили в наследство римлянам - технику выведения сводов.

Правда, своды появились впервые на востоке; но у этрусков научились этому римляне, которые достигли в строительстве сводчатых перекрытий невиданных высот.

 

20 Произведение художника Сандро Боттичелли (по выбору студента)

Я даю на выбор ДВЕ самых знаменитых картины: «Рождение Венеры» и «Весна», а «Портрет Данте» можно использовать в качестве рисунка для зачета и подпись к нему.

1. Вариант Рождение Венеры. Боттичелли

«Рождение Венеры» было написано для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, кузена Лоренцо Великолепного и важнейшего покровителя Боттичелли. Флоренция, где почти все свою жизнь провел художник, управлялась могущественным семейством Медичи. Сюжет картины связан с культурой двора Лоренцо Медичи, проникнутой философией неоплатонизма. Это время стансов Полициано и сонетов Лоренцо Великолепного, время турниров и карнавальных шествий было временем расцвета Боттичелли.

В «Рождении» Сандро Боттичелли изобразил образ Афродиты Урании - небесной Венеры, дочери Урана, рожденной из моря без матери. На картине запечатлено не столько само рождение, сколько последовавший за тем момент, когда гонимая дыханием гениев воздуха, Венера достигает обетованного берега. Красоту обнаженной фигуры венчает нимфа Ора, являющаяся воплощением природы, она готова прикрыть ее плащом. Ора - одна из трех Гор, нимф времен года. Эта Гора, судя по покрывающим ее одежду цветам, покровительствует тому времени года, когда могущество Венеры достигает вершины. Возможно, на эту картину художника вдохновил один из гомеровских гимнов, в котором описывается, как Зефир, бог западного ветра, принес на остров Кипр Венеру, где ее приняли Горы.

По представлениям кружка Лоренцо Медичи Венера, богиня любви, является также богиней человечности. Именно она учит людей разуму, доблести, она - мать Гармонии, рожденная от союза материи и духа, природы и идеи, любви и души.

 

2. Вариант Рождение Венеры. Боттичелли

Искусство Италии 15 века. Ренессанс.
Знаменитая картина художника Сандро Боттичелли «Рождение Венеры». Размер работы 172,5 x 278,5 см, холст, темпера. Картина написана по заказу Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи, для которого исполнялась и «Весна». Картина была предназначена для украшения все той же виллы Кастелло. По-видимому, они мыслились как парные композиции, и между ними существовала определенная связь.
Картина изображает рождение небесной Венеры из пены моря, или таинство явления в мир Красоты. Под дуновением Зефира, проносящегося над морским пространством в объятиях своей возлюбленной Ауры, богиня приплывает на раковине к берегу. Ее встречает Ора, готовая накинуть на нагое тело Венеры плащ, расшитый цветами. Если «Весна» ассоциируется с праздником в царстве богини любви, то эта композиция представляет теофанию, или богоявление. Так мыслилось неоплатониками загадочное возникновение Красоты. По словам исследователя творчества Сандро Боттичелли Герберта Хорна, одухотворенный строй чувств пронизывает картину, Венера «является в свете невыразимого блаженства, от которого веет скорее кругами Рая, нежели высотами Олимпа». И это не случайность, что, трактуя сцену, Боттичелли снова обратился к религиозной иконографии: симметричное расположение фигур, предстоящих центральной, напоминает композиционный принцип «Крещения Христа», где в небе появляется Святой Дух. Как обычно в живописи Боттичелли, приподнятость чувств здесь граничит с меланхолической задумчивостью, рождая эмоциональную атмосферу, пронизанную светом. Все в композиции несет на себе отпечаток субъективного мира художника. Боттичелли выразительно передал стихию ветров, веющих над водами. Клубящиеся одеяния, линии, которыми написаны волосы и крылья — все это исполнено динамического порыва, олицетворяющего один из основных элементов вселенной. Ветры — Зефир и Аура — зримо колышут водный простор. В отличие от ветров, чья стихия — воздух, пространство Оры — земля. В белом платье, расшитом васильками, украшенная гирляндами из миртов и роз, она, стоя на берегу, готова окутать Венеру плащом, красный цвет которого символизирует любовь. Два боковых крыла композиции — пролетающие ветры и Ора, чей объем зримо увеличивают платье, колеблемое ветром, дерево и плащ Венеры, — это нечто вроде завесы, которая, распахнувшись, представила миру таинство явления Красоты. В картине «Рождение Венеры» удивительно точно найдена каждая деталь, а композиция в целом оставляет впечатление совершенной гармонии. Натянутыми, порывистыми и мелодичными линиями, выводящими сложную арабеску, художник очерчивает фигуры и более обобщенными контурами обозначает окружающую среду. Видна лишь узкая полоска берега, а остальное место занимают светлое сияющее изнутри небо и море. Венера — едва ли ни самый пленительный образ у Боттичелли. Художник дает собственное истолкование классического идеала красоты, внося в чувственный образ черты спиритуализации.

Боттичелли изображает фигуру с изящно покатыми плечами, маленькой головкой на великолепной длинной шее и вытянутыми пропорциями тела и певучими, плавными очертаниями форм. Неправильности в передаче строения фигуры, в фиксации ее контуров лишь усиливают замечательную экспрессию образа. В лице богини также заметны отступления от классической правильности, но оно прекрасно и притягательно своей трогательностью. В выражении его отсутствует определенность, так же как лишена устойчивости поза богини, только что пришедшей в мир. Глаза Венеры смотрят слегка удивленно, не останавливаясь ни на чем. Голова увенчана роскошным каскадом золотистых волос. Следуя древнеримским поэтам, Боттичелли изображает волосы, разделенные на пряди и колеблемые морским ветром. Это зрелище очаровывает. Стыдливым жестом Венера прикрывает тело, такая иконография идет от античного типа Venera pudica («стыдливая»). Чувственный облик прекрасной богини любви и красоты художник наделил чистотой и почти сакральной возвышенностью. Дождь роз, мерно ниспадающих в море, передан ясным языком линий и цвета. Боттичелли не ищет научно выверенной точности их очертаний и форм. Восхищение красотой цветка диктует ему простые и изящные контуры бутонов и раскрытых роз, повернутых в разных ракурсах. Их нежная окраска, хрупкость строения и ритм этого тихого дождя из цветов подчеркивает эмоциональную тональность композиции.

Весна. Боттичелли.

Искусство Италии 15 века. Возрождение.
Мировой шедевр, картина «Весна» была создана художником Сандро Боттичелли в конце 70-х годов. Размер картины 203 x 314 см, дерево, темпера. Картина «Весна» была написана Боттичелли для виллы Кастелло под Флоренцией, принадлежащей Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Годом ее исполнения обычно считают 1478-й год - работа была выполнена вскоре после того, как виллу приобрели для пятнадцатилетнего Лоренцо. Боттичелли на картине изобразил Зефира, преследующего нимфу Хлорис, из их союза возникает Флора; затем видим Венеру, танец Граций и, наконец, Меркурия, который, устремив взгляд ввысь, снимает кадуцеем пелену облаков, препятствующую созерцанию. Тема композиции — весна с сопутствующими ей античными божествами. Центром построения является Венера — не воплощение низменной страсти, а благородная богиня цветения и всяческого благоволения на земле; это неоплатонический образ. Развертывая данный контекст, ученые утверждали, что картина отражает идею о порождении красоты светом божественной любви и о созерцании этой красоты, ведущем от земного к сверхземному. Венера, центральная фигура композиции, стоит под сенью деревьев в этом зачарованном пространстве весеннего леса. Ее платье из тончайшей ткани с золотыми нитями украшений и роскошный плащ алого цвета, символизирующего любовь, свидетельствуют о том, что перед нами богиня любви и красоты. Но в ее хрупком облике проступают и иные черты. Склоненная голова покрыта газовым покрывалом, в какие Сандро Боттичелли любил одевать своих Мадонн. Лицо Венеры с вопрошающе поднятыми бровями выражает грусть и скромность, значение ее жеста неясно — приветствие ли это, робкая защита или благостное приятие? Грации, спутницы и служанки Венеры, — достоинства, порождаемые Красотой, их имена — Целомудрие, Любовь, Наслаждение. Изображение Боттичелли прекрасной триады — само воплощение танца. Стройные фигуры с удлиненными, плавно изгибающимися формами сплелись в ритмической последовательности кругового движения. Художник на редкость изобретателен в трактовке причесок, передавая волосы одновременно как природную стихию и как декоративный материал. Волосы Граций собраны в пряди, то мелко вьющиеся, то ниспадающие волной, то рассыпающиеся по плечам, словно золотистые струи. Легкие изгибы и повороты фигур, диалог взглядов, изящное соединение рук и постановка ступней — все это передает поступательный ритм танца. Отношения его участниц отражают классическую формулу и вместе с тем неоплатоническое понимание Эроса: Любовь ведет Целомудрие к Наслаждению и скрепляет их руки. В изображении Боттичелли оживает представление о мифологическом великолепии, но образы его окрашены подлинной чистотой. Взор Меркурия мечтательно устремлен в небо. Он пытается разорвать плотность облаков, мешающих лицезрению. Боттичелли придает Меркурию характерный для вкуса Флоренции тех лет тип худощавой юношеской фигуры

 

*Портрет Данте. Боттичелли

Один из нескольких портретов, относительно которых авторство Боттичелли подвергается сомнению. Он отнесен к наследию художника из-за его восхищения великим поэтом и того факта, что Боттичелли выполнил ряд великолепных иллюстраций к "Божественной Комедии", преимущественно к "Раю" и "Аду". Возможно, он также разделял радикальные политические взгляды Данте. Поэт, будучи ярым поборником независимости Флоренции, провел большую часть своей жизни в изгнании, поскольку междоусобная борьба, терзавшая город в конце тринадцатого века, привела к победе враждебной партии над той, к которой принадлежал Данте. Картина могла быть написана на основе других портретов или медалей, вышедших из мастерской Боттичелли. Ситуация представляется еще более запутанной из-за существования нескольких вариантов портрета Данте, часть которых была написана в прошлом столетии, после нового открытия Боттичелли.

 

21. Типология храмов Древней Греции и Древнего Рима

Типы греческих храмов: 1 — периптер, 2 — псевдопериптер, 3 — псевдодиптер, 4 — амфипростиль, 5 — простиль, 6 — храм в антах, 7 — толос, 8 — моноптер, 9 — диптер.

Я надеюсь, картинка сработает, ее так же можно принести в качестве ответа.

Греция.

Без сомнения, самое большое влияние на последующие поколения оказало искусство Древней Греции. Его спокойная и величественная красота, гармония и ясность служили образцом и источником для позднейших эпох истории культуры. Потребовалось несколько столетий, прежде чем дорийские племена, явившиеся с севера в XII веке до н.э., к VI веку до н.э. создали высокоразвитое искусство. Далее последовали три периода в истории греческого искусства:

I. архаика, или древний период, - примерно с 600 до 480 года до н.э., когда греки отразили нашествие персов и, освободив свою землю от угрозы завоевания, получили снова возможность творить свободно и спокойно;

II. II. классика, или период расцвета, - с 480 по 323 годы до н.э. - год смерти Александра Македонского, который покорил огромные области, очень непохожие по своим культурам; эта пестрота культур была одной из причин упадка классического греческого искусства;

II.

III. эллинизм, или поздний период; он закончился в 30 году до н.э., когда римляне завоевали находившийся под греческим влиянием Египет.

В греческой архитектуре господствовали три стиля: дорический, ионический, коринфский. Древнейшим из них был дорический стиль, который сложился уже в эпоху архаики. Он был мужественным, простым и мощным. Название он получил от дорических племён, которые его создали. Сегодня сохранившиеся части храмов белого цвета: покрывавшие их краски с течением времени осыпались. Когда-то их фризы и карнизы были раскрашены в красный и синий цвета.

Типы Древнегреческих храмов

I. Храм с портиком, или «простильный» (греч. πρόςτνλος), имеющий впереди входных сеней портик с колоннами, стоящими как раз против их пилястр и колонн.

II. Храм «с двумя портиками», или «амфипростильный» (греч. αμφιπρόστνλος), в котором к хр. in antis о двух крыльцах пристроено по портику к тому и другому

III. Храм «кругокрылый», или «периптерический» (греч. περίπτερος), состоящий из храма in antis, или простильного, или же амфипростильного, сооружённого на платформе и обнесённого со всех сторон колоннадой.

IV. Храм «двоякокругокрылый», или «диптерический» (греч. δίπτερος) — такой, в котором колонны окружают центральное сооружение не в один, а в два ряда

V. Храм «ложнокругокрылый» или «псевдопериптерический» (греч. ψευδοπερίπτερος), в котором опоясывающую здание колоннаду заменяют полуколонны, выступающие из его стен.

VI. Храм «сложнодвоякокругокрылый», или «псевдодиптерический» (греч. ψευδοδίπτερος), казавшийся как бы окружённым двумя рядами колонн, но в котором на самом деле второй их ряд заменялся со всех или только с длинных сторон здания полуколоннами, вделанными в стену.

Жизнеспособность принципов древнегреческой архитектуры объясняется прежде всего ее гуманизмом, глубокой продуманностью в целом и деталях, предельной ясностью форм и композиций. Греками была блестяще решена задача перехода чисто технических конструктивных проблем архитектуры к художественным. Единство художественного и конструктивного содержания было доведено до высот совершенства в различных ордерных системах. Произведения греческой архитектуры отличаются удивительно гармоничным сочетанием с природном окружением. Сделан большой вклад в теорию и практику строительства, в формирование среды жилого дома, в систему инженерного обслуживания городов. Разработаны основы стандартизации и модульности в строительстве, развитые зодчеством последующих эпох.

Рим.

В древнем Риме архитектура была ведущим искусством. В отличие от Греции, где главным был храм, в римской архитектуре основное место занимали сооружения, воплощавшие идеи могущества римского государства, а впоследствии и императора: форумы, триумфальные арки, амфитеатры. Римский театр, в отличие от греческого, это отдельное здание, впервые в нем строится сцена. Одной из вершин римской архитектуры является амфитеатр Колизей, вмещавший 50000 зрителей, предназначался он для гладиаторских боев.

Все же римляне строили храмы из уважения к богам. В целле римского храма, как в греческом храме, находилась статуя бога. Строгому дорическому стилю римляне предпочитали более изящный ионический и коринфский ордер, а также композитный ордер, в котором сочетаются элементы ионического и коринфского ордеров. Вдоль фасадов, кроме главного, не было отдельно стоящих колонн — стены были гладкими или украшены полуколоннами и пилястрами (пилястра — плоский вертикальный прямоугольный в плане выступ на стене или столбе, повторяющий все части и пропорции ордерной колонны, но, в отличие от нее обычно лишённый энтазиса). Некоторые небольшие римские храмы, например, Мэзон Карре в Ниме (2.17- фото), превосходно сохранились благодаря своей прочной конструкции с цилиндрическим сводом. Интерьер таких небольших храмов был чрезвычайно простым: комната с гладкими стенами и кессонированным потолком, в центре возвышалась статуя бога, которому был посвящен храм. Интерьеры больших храмов, ныне лежащих в руинах, значительно сложнее. Так, к примеру, в храме Венеры и Ромы в Риме (135 г. н.э.) было два зала; вдоль боковых стен шли ряды колонн, в промежутках между которыми располагались декоративные ниши; в каждом зале была перекрытая полукуполом апсида, по всей вероятности, в ней помещались статуи богов. Самый известный римский храм — грандиозный и, к счастью, прекрасно сохранившийся храм всех богов Пантеон (ок. 118-128 гг. н.э.) Это ротонда диаметром 43,5 м, увенчанная куполом.

Римская базилика — основной тип в гражданской архитектуре Рима, оказавший огромное влияние на архитектуру последующих эпох. В базилике проходили судебные заседания, участники которых собирались в центральном нефе (неф — вытянутое помещение, часть интерьера, ограниченная с одной или обеих продольных сторон рядом колонн или столбов, называется так из-за сходства с корпусом корабля); судья восседал на возвышении в апсиде в торце здания. Боковые нефы, отделенные аркадой, сообщались с центральным нефом. Боковые нефы имели высоту меньшую, чем высота центрального нефа, что позволяло делать огромные окна. Каменные стены базилики поддерживали деревянную крышу. Как известно, римляне унаследовали от греков многое. Однако любовь к роскоши стала в их интерьерах определяющей доминантой. Именно у римлян сложилась та система типов жилых зданий, которой мы пользуемся и теперь. Это городской дворец, или просто дом (domus), затем — многоквартирный и многоэтажный городской жилой дом, имевший название «инсула», и, наконец, загородная вилла. Все те подлинные интерьеры, что мы можем видеть сегодня благодаря раскопкам в Помпеях, демонстрируют один вид римского жилища — «domus». Их роскошь представляется невероятной даже по сегодняшним меркам. Упомянутые выше Помпеи стали кладезем знаний о быте древней культуры.

Дома в основном одноэтажные, реже двухэтажные и напоминают маленькие крепости, так как выходят на улицу глухими, без окон, стенами. Через, входной портик посетитель попадал в копоткий коридор, ведший прямо к атриуму — главному помещению в доме. (2.22)

При входе в него располагались домашние алтари с изображениями богов и маски предков. Освещался атриум через отверстие в крыше, в которое также стекала дождевая вода, наполняя неглубокий имплювий (бассеин) в центре помещения.

По углам бассейна стояли четыре колонны, поддерживавшие крышу. В атриуме собиралась семья, здесь принимали гостей. Сюда же выходили небольшие кубикулы (спальни). Прямо за атриумом располагалась комната, называвшаяся таблинум. С течением времени из ниши, предназначенной для супружеского ложа, она эволюционировала в парадный кабинет хозяина. В таблинуме находилась библиотека с папирусами и манускриптами, а также архивом семьи. По бокам таблинума находились триклинумы (столовые). В богатых домах имелся ещё перистиль — дворик с внутренней колоннадой, где устраивали сады с водоемами и статуями. Римские императоры строили дома в соответствии с личными вкусами и капризами. Дома римских патрициев (родовой знати) выглядели значительно более представительными, чем греческие.

Причем различались триклинии летние, выходящие в перистиль, и зимние, сообщающиеся с кабинетом хозяина (таблинумом). Перистиль, как и в греческих домах, был гордостью хозяев, местом уюта и тишины. Его украшали скульптура (бюсты, статуи, гермы с портретами философов), фонтаны, цветники, мозаика на стенах или полах. Как и у греков, у римлян были популярны настенные росписи которые создавали иллюзию расширения внутреннего пространства для тесных комнат. Технология римской настенной живописи была довольно сложной и многодельной предполагается, что после нанесения многослойной грунтовки, заключавшей в себе истолченный в порошок мрамор, роспись делали с помощью комбинирования пигментов, приготовленных на воске и яйце. Затем шла полировка шерстью, после чего шелковой кистью наносился расплавленный с растительным маслом пунический воск. Вслед за этим к стенам подносили раскаленные угли из чернильного ореха и снова разглаживали и полировали поверхность чистым полотном.

Фаюмские портреты

Под словосочетанием «фаюмские портреты» подразумевается целый корпус погребальных портретов, созданных в I-IV веках н.э греками и римлянами, проживающими в Египте. Название свое они получили от городка Фаюм в Среднем Египте, неподалеку от которого были найдены первые экземпляры портретов. Создавали их греки, оказавшиеся в Египте после завоевания страны Александром Македонским, а позже римляне, пришедшие после победы Октавиана Августа. Греческая культура была глубоко чужда египтянам, они старались как можно меньше контактировать с чужаками. А вот греки не стеснялись заимствовать традиции коренного населения. В первую очередь они переняли традиции погребения – своих покойников они также старались хоронить в мумифицированном виде в саркофагах. Но в отличие от египтян, создававших объемную посмертную маску для покойников, греки решили обойтись плоскими портретами. Они прикладывались к мумии в том месте, где должно быть лицо и также обматывались саваном. Портреты выполнялись на дощечках толщиною в 1,5-2 см, для них использовали и местные породы древесины, и привозные. Мастера-портретисты писали двумя видами краски – темперой и горячими восковыми краски (в технике энкаустики). Темпера давала более схематичные, «сухие», матовые портреты, более похожие на рисунки. Краски, изготовленные на основе воска, позволяли создавать более «живые», яркие изображения, с отличной проработкой деталей, света и тени. Был у мастеров и какой-то секрет в изготовлении красок – ведь они не утратили своих свойств на протяжении нескольких тысячелетий. Основным фактором отличной сохранности портретов называется сухой климат Египта, но когда жара была хорошим консервантом? Позже и римляне прибегали к такому способу погребения. Портреты более поздней поры приобретают совсем другие черты. Изображение человека становится более схематичным, аскетизм и простота начинают преобладать при создании образов. Игра и богатство красок уступают контурным линиям и однотонности. Это свидетельствует об изменениях в восприятии мира и представлениях о смерти – духовное начало начинает преобладать над телесным. Уже в фаюмских портретах можно усмотреть формирование византийской иконописной традиции. С IV века в Египте устанавливается христианство, и традиция бальзамирования отходит в прошлое, с нею исчезает и фаюмский портрет. Фаюмских портретов было найдено довольно большое количество, во многих музеях мира хранится по нескольку десятков египетских дощечек. Есть они в Британском музее, Лувре, в нью-йоркском Метрополитене. В России, в Государственном музее изобразительных искусств, хранится 23 фаюмских портрета отличного качества.

С фаюмских портретов на зрителя пристально смотрят люди разных наций, возрастов и достатка, роднит их одно – все они «как живые». Тонко проработанные волосы и глаза, искусно прописанные тени и фактура кожи, яркие, за тысячелетия не потускневшие цвета.

Алтарь Зевса в Пергаме

Алтарь Зевса в Пергаме – один из самых замечательных памятников эллинизма II века до нашей эры.

Грандиозный фриз опоясывал цоколь алтаря, воздвигнутого в честь победы Пергамского царства над галлами. На фризе изображена борьба олимпийских богов с гигантами – детьми подземных недр. Могучие тела громоздятся, сплетаются, подобно клубку змей, поверженных гигантов терзают косматогривые львы, впиваются зубами собаки – битва страшна, она дымится кровью. Творца этого памятника можно назвать даже предтечей Микеланджело – те же напряжённые ракурсы тел, та же титаническая мощь и трагедийный пафос.

Многое изменилось в Элладе со времен классического древнегреческого искусства.

Битвы и схватки были частой темой античных рельефов, но так, как в Пергамком алтаре, их никогда раньше не трактовали. Изменился сам строй произведения, оно стало клубящимся, запутанным, хотя принцип гармонии и здесь соблюдён с большим искусством. Борющимся тесно, масса подавляет пространство и все фигуры так переплетены, что образуют какое-то бурное месиво тел. А тела всё ещё классически прекрасны.

Иван Тургенев писал о них: "...то лучезарные, то грозные, живые, мёртвые, торжествующие, гибнущие фигуры.

Но гармония духа колеблется. искажённые страданием лица, глубокие тени в глазных орбитах, змеевидно разметавшиеся волосы... Боги пока ещё торжествуют над силами стихий, но победа эта – миг торжества перед окончательной гибелью, стихийные начала изнутри подрывают стройный, гармонический мир.

Жить олимпийским богам уже осталось недолго.

Родиной Алтаря Зевса является, как известно, Малая Азия, но теперь он хранится в Берлине, в Пергамском музее.

 

Архитектура Колизея

Подобно другим римским амфитеатрам, Амфитеатр Флавиев представляет в плане эллипс, середина которого занята ареной (также эллиптической формы) и окружающими её концентрическими кольцами мест для зрителей. От всех сооружений такого рода Колизей отличается своей величиной. Это самый грандиозный античный амфитеатр: длина его наружного эллипса равняется 524 м, большая ось — 187,77 м, малая ось — 155,64 м, длина арены — 85,75 м, её ширина 53,62 м; высота его стен — от 48 до 50 метров. При таких размерах он мог вместить в себя около 50 тысяч зрителей. Амфитеатр Флавиев был построен на бетонном фундаменте толщиной в 13 метров.

Стены Колизея воздвигнуты из крупных кусков или блоков из травертинового камня или травертинового мрамора, который добывали в близлежащем городе Тиволи. Блоки соединялись между собой стальными связями общим весом примерно 300 тонн; для внутренних частей употреблялись также местный туф и кирпич.

 

Использованы типичные для римской архитектуры ордерные аркады с ордерной суперпозицией.

 

Архитектурно-логистическое решение, применённое в Колизее и получившее название vomitoria (от лат. vomere "извергать"), применяется при строительстве стадионов до сих пор: множество входов располагаются равномерно по всему периметру здания. Благодаря этому публика могла заполнить Колизей за 15 минут и покинуть за 5. Колизей имел 80 входов, из которых 4 были предназначены для высшей знати и вели в нижний ряд. Зрители попроще входили в амфитеатр из-под арок нижнего этажа, помеченных цифрами от I до LXXVI, и поднимались к своим местам по лестницам, которых было также 76. Эти места были расположены вокруг всей арены в виде рядов каменных скамей, поднимающихся одна над другой (лат. gradus). Нижний ряд, или подий (лат. podium), был назначен исключительно для императора, его семейства, сенаторов и весталок, причём император имел особое, возвышенное седалище (лат. pulvinar). Подий отделялся от арены парапетом, достаточно высоким для того, чтобы обезопасить зрителей от нападения выпущенных на неё животных. Далее следовали места вообще для публики, образующие три яруса (лат. maeniana), соответственно ярусам фасада здания. В первом ярусе, заключавшем в себе 20 рядов скамей (теперь совершенно разрушенных), сидели городские власти и лица, принадлежащие к сословию всадников; второй ярус, состоявший из 16 рядов скамей, предназначался для людей, имеющих права римского гражданства. Стена, отделявшая второй ярус от третьего, была довольно высокой, скамьи же третьего яруса были расположены на более крутой наклонной поверхности; это устройство имело целью дать посетителям третьего яруса возможность лучше видеть арену и все, что происходит на ней. Зрители третьего яруса принадлежали к низшим сословиям. Над этим ярусом находился портик, опоясывавший всю окружность здания и примыкавший одной своей стороной к его внешней стене.