М. Глинка – основоположник Русской музыки.

М.И. Глинку часто называют «Пушкиным русской музыки». Подобно тому, как Пушкин открыл своим творчеством классическую эпоху русской литературы. Глинка стал основоположником русской классической музыки. Он подытожил лучшие достижения своих предшественников и в то же время поднялся на новую, более высокую ступень. С этого времени русская музыка прочно заняла одно из ведущих мест в мировой музыкальной культуре.

Музыка Глинки пленяет необыкновенной красотой и поэтичностью, восхищает величием и ясностью выражения. Его музыка воспевает жизнь. На творчество Глинки повлияла эпоха Отечественной войны 1812г. и движения декабристов. Подъём патриотических чувств и национального сознания сыграл огромную роль в его формировании как гражданина и художника. Здесь – истоки патриотической героики «Ивана Сусанина» и «Руслана и Людмилы». Народ стал главным героем его творчества, а народная песня – основой его музыки. До Глинки в русской музыке, «народ» - крестьяне и горожане, почти никогда не представали героями важных исторических событий. Глинка же вывел на оперную сцену народ, как активное действующее лицо истории. Впервые он предстаёт символом всей нации, носителем её лучших духовных качеств. В соответствии с этим по-новому подходит композитор к русской народной песне.

Родоначальник русской музыкальной классики, Глинка определил новое понимание народности в музыке. Обобщил характерные черты русской народной музыки, он открыл в своих операх мир народной героики, былинного эпоса, народной сказки. Глинка уделял внимание не только фольклору (как его старшие современники А. А. Алябьев, А.Н.Верстовский, А. Л. Гурилев и др.), но и старинной крестьянской песне, использовав в сочинениях старинные лады, особенности голосоведения и ритма народной музыки. В то же время его творчество тесными узами связано с передовой западно-европейской музыкальной культурой. Глинка впитал традиции венской классической школы, особенно традиции В. А. Моцарта и Л. Бетховена, был в курсе достижений романтиков различных европейских школ.

В творчестве Глинки представлены почти все основные музыкальные жанры, и прежде всего опера. «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» открыли классический период в русской опере и положили начало её основным направлениям: народной музыкальной драме и опере-сказке, опере-былине. Новаторство Глинки проявилось и в области музыкальной драматургии: впервые в русской музыке он нашёл метод целостного симфонического развития оперной формы, полностью отказавшись от разговорного диалога. Общими для обеих опер являются их героико-патриотическая направленность, широкий эпический склад, монументальность хоровых сцен. Ведущая роль в драматургии «Жизнь за царя» принадлежит народу. В образе Сусанина Глинка воплотил лучшие качества русского характера, придал ему реалистичные жизненные черты. В вокальной партии Сусанина он создал новый тип русского ариозно-распевного речитатива, получившего впоследствии развитие в операх русских композиторов. В опере «Руслан и Людмила», переосмыслив содержание шутливой ироничной поэмы Пушкина, взятой в основу либретто, Глинка усилил эпические черты, выдвинул на первый план величавые образы легендарной Киевской Руси. Сценическое действие подчинено принципам былинных повествований.

Впервые у Глинки получил воплощение мир Востока (отсюда ведёт начало ориентализм в русской классической опере), показанный в тесной связи с русской, славянской тематикой.

Симфонические произведения Глинки определили дальнейшее развитие русской симфонической музыки. В «Камаринской» Глинка раскрыл специфические особенности национального музыкального мышления, синтезировал богатство народной музыки и высокого профессионального мастерства.

Продолжение у русских композиторов-классиков получили традиции «испанских увертюр» (от них — путь к жанровому симфонизму «кучкистов»), «Вальса-фантазии» (его лирические образы родственны балетной музыке и вальсам Чайковского).

Велик вклад Глинки в жанр романса. В вокальной лирике он впервые достиг уровня поэзии Пушкина, добился полной гармонии музыки и поэтического текста.

Он впервые возвысил народный напев до трагедии. И там самым он раскрыл в музыке своё понимание народного как самого высокого и прекрасного. Фольклорные «цитаты» (точно воспроизведённые подлинные народные мелодии) в музыке Глинки гораздо более редки, чем у большинства русских композиторов 18-нач.19вв. Но зато многие его собственные музыкальные темы нельзя отличить от народных. Интонационный склад и музыкальный язык народных песен стал для Глинки родным языком, которым он выражает самые разнообразные мысли и чувства.

Глинка первый из русских композиторов достиг высшего для его времени уровня профессионального мастерства в области формы, гармонии, полифонии, оркестровки. Он овладел самыми сложными, развитыми жанрами мирового музыкального искусства своей эпохи. Всё это помогло ему «возвысить» и как он сам говорил «разукрасить простую народную песню», ввести её в крупные музыкальные формы.

Опираясь в своём творчестве на коренные своеобразные черты русской народной песни, он соединил их со всем богатством выразительных средств и создал самобытный национальный музыкальный стиль, ставший основой всей русской музыки последующих эпох.

Реалистические устремления были свойственны русской музыке и до Глинки. Глинка же первым из русских композиторов поднялся до больших жизненных обобщений, до реалистического отражения действительности в целом. Его творчество открыло эпоху реализма в русской музыке.

МОЦАРТ, КАК СИМФОНИСТ

Симфонии Моцарта — важный этап в истории мирового симфонизма. Из 52 симфоний, написанных Моцартом, только 4 – окончательно зрелые, 2 переходные («Хафнеровская» и «Линцская»), а большинство – совсем ранние. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. «Хафнер» и «Линцская», полные блеска и глубины, осуществляют целый переворот в области симфонии и показывают метаморфозу стиля Моцарта. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симфонии D-dur, Es-dur, g-moll, C-dur). Целая бездна отделяет его ранние симфонии – и весь 18 век – от четырёх последних.

Абсолютно классические симфонии Моцарта отвечают всем эпитетам венского классицизма: гармоничность, стройность, соразмерность, безупречная логика и последовательность развития.

Моцартовская симфония полностью лишена даже намеков на дивертисментность, еще вполне свойственную Гайдну, не говоря уже о майнгеймцах. Абсолютная самобытность Моцарта заключается в бурлящей жизненности, эстетической полнокровности создаваемого художественного космоса, что не было присуще даже такому крупнейшему музыкальному драматургу, как Глюк.

Серьёзно повлияли на симфоническое творчество Моцарта, особенно раннее, Ян Стамиц и Христиан Каннабих.

При прочной и ясной австрийской основе, которая сама по себе многонациональна, Моцарт творчески использовал то, что он слышал, видел, наблюдал в других странах. Так, в музыке Моцарта (особенно в сфере мелодии) много итальянских влияний. Ощущаются в ней и тонкие связи с французской музыкой.

В оркестре Моцарта достигнута замечательная уравновешенность групп (четыре партии групп струнных инструментов с недифференцированной партией баса и в основном парный состав духовых инструментов с литаврами). Индивидуально использованы тембры духовых. Флейты часто представлены в оркестре не двумя, а одной партией (например – в трёх последних симфониях); в симфонии Es-dur нет гобоев, в Юпитере – кларнетов, а в лирической g-moll – нет труб и литавр. Кларнет – один из самых древних инструментов – почему-то очень долго проникал в симфонический оркестр. Впервые он был задействован в симфониях мангеймцев, затем его «переняли» Гайдн и Моцарт, но только в своих последних произведениях.

В симфоническом творчестве Моцарта заметно возрастает значение лирического начала, а в центре его художественного мира — человеческая личность (предвосхищение романтизма), которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.

Свою первую симфонию Моцарт сочинил в Лондоне, там же её и исполнили.В 1773 году была написана симфония g-moll. Не та, знаменитая, а небольшая, несложная симфония №25, рассчитанная на маленький оркестр (например, из духовых – только гобои и валторны). В 1778 году – после поездки в Мангейм – была написана Парижская симфония D-dur (К. 297). Симфонии D-dur (Haffner-Sinfonie, K. 375, 1782) и C-dur (К. 425, 1783), написанная для города Линца, были созданы во время «стилевого переворота» Моцарта и ознаменовали переход к новому. «Хафнер» (специально для зальцбургской семьи Хафнер) носит ещё черты дивертисментного стиля. Она возникла из многочастной серенады, откуда были изъяты вступительный марш и один из двух менуэтов. Пражская симфония D-dur (симфония без менуэта, К. 506, 1786) отмечена смелостью и новизной, и, бесспорно, принадлежит к лучшим вещам.

В течение лета 1788 года Моцарт написал три последние симфонии, величайшие его создания в области симфонической музыки, вершины его творчества: симфония Ми-бемоль мажор № 39, в которой на основе танцевальных жанров достигается большая драматическая экспрессия (преимущественно в первой части); симфония соль минор № 40 - наиболее лирическая среди этих трех симфоний; монументальная симфония До мажор № 41, получившая название "Юпитер". Иногда эти три симфонии составляют в цикл, или в триптих, трилогию, рассуждают о «высоком трёхчастном единстве», вплоть до абсурда: Es-dur – первая часть, g-moll – вторая, Юпитер – третья.

Каждая из этих симфоний представляет собой индивидуальный, целостный, законченный художественный организм, обладающий собственными, ему присущими чертами выразительности; а все три симфонии вместе взятые характеризуют богатство и многообразие идейно-эмоционального и образного мира композитора, а также дают яркую и полную картину идей и чувствований своей эпохи.

Симфония Es-dur обыкновенно так и называется – «романтическая симфония»; романтикам она была особенно дорога, они её называли «лебединой песней». Симфония соль минор – поэма скорби – приобрела большую популярность благодаря необычайно искренней музыке, понятной самому широкому кругу слушателей.

Наиболее крупная по масштабам симфония №41 (К. 551) называется «Юпитер» благодаря грандиозному финалу. (Юпитер в древнеримской мифологии – бог-громовержец, повелитель богов, людей и природы, властелин всего сущего.) Симфония состоит из 4 частей: Allegro vivace, Andante cantabile, менуэт Allegretto и финал Molto allegro, причём сонатная форма применена во всех частях, кроме третьей. Показательна эволюция менуэта – бытовой танец становится лирическим и мужественным одновременно. Форма финала являет собою верх конструктивного мастерства: соединение сонаты и фуги, наиболее продуманных и органичных форм, созданных европейской культурой.