Деятельность Томаса Мальдонадо.

Томас Мальдонадо - итальянский дизайнер, живописец, педагог, автор статей и книг по вопросам теории культуры и дизайна. С 1954 года работает в Европе. А с 1957 года возглавляет Ульмскую школу (Германия), основанную в 1951 году Максом Биллом. Школа была открыта специально для подготовки дизайнеров.

Мальдонадо ввел и развил принцип системного подхода в дизайне, исследовав связь дизайна и науки. Он разработал теорию уровней сложности проектируемых изделий - от чашки до вертолетов и ЭВМ. В практической работе дизайнера Мальдонадо считал необходимым широко использовать различные математические дисциплины.

По мнению Мальдонадо проектирование должно быть связано с вопросами управления и прогнозирования культуры. Дизайнеры обязаны обратиться к решению культурных, социальных и политических проблем. Это значит что дизайнер должен с научной точки зрения подходить к решению проблемм, а не просто бездумно множить предметы. Однако со временем Мальдонадо приходит к выводу о несовместимости научного обоснования дизайна и реальности. В результате 1967 году он покидает Ульмскую школу, а через год эта школа закрывается.

С 1976 по 1980 год Мальдонадо был главным редактором крупнейшего итальянского журнала по проблемам архитектуры и дизайна "Casabella".

В 80-х - начале 90-х годов Мальдонадо обращается к философско-культурологическим проблемам современности и европейской истории.

Мальдонадо известен проектами в области дизайн-графики, и особенно разработки визуальных символов для электроники. он принимал участие в проектировании тракторов малой мощности, приборов, электронного оборудования. Его стиль отличается жестко-геометрическими формами, четкой проработкой графических деталей и изысканной суховатостью.

42. Финский дизайн 1970-х годов (Т. Сарпанева, И. Тапиоваара, Т. Виркала)

В 1970-е годы лидирующие положения в сфере дизайна кроме Италии начинает занимать и Финляндия. В это время во всём мире стали звестны такие имена как Тимо Сарпанева, Иммари Тапиоваара, Тапио Вирккала.

Характерной особенностью финского дизайна было использование национальных народных радиций формообразования. Для изделий финского народного искусства характерно доминирование простых, функциональных форм, практичность и долговечность предметов, связь форм с формами природы, минимум декора и цвета. Все эти черты перешли и в финский дизайн 70-х годов.

Одно из наиболее громких имён в финском дизайне 70-х годов – Тимо Сарпанева. Он первым из дизайнеров в 1967 году получил в Лондоне почётную степень Королевского колледжа искусств. Его персональные выставки с успехом прошли в Стокгольме, Копенгагене, Нью-Йорке и Лондоне, Париже и Токио. В 1974 году его выставка прошла в Москве и Минске. Область его деятельности – дизайн предметов быта. Сарпанева в первую очередь отталкивается от материала.

Сарпанева много времени проводил на производстве в цехах, где изготавливались предметы быта по его проектам. Иногда он сам предлагал революционные изменения в технологии, чтобы достичь максимального результата. Сарпанева получил достаточно много патентов за свои изобретения. Больше всего дизайнер любил проектировать посуду.

Другой видный финский дизайнер - Иммари Тапиоваара. В 1970-е года он приобрёл известность в первую очередь как дизайнер мебели и интерьеров. Однако этим он не ограничивался, создавая светильники, посуду, столовые приборы и другое.

Тапиоваара долгое время работал художественным руководителем на заводах известной финской мебельной фабрики «Asko». В 1972 году он с женой открыл собственную студию по разработке интерьеров. В своём творчестве опирался на народную традицию формообразования предметного мира. Основная его концепция – от формы изделий к форме пространства.

Тапио Виркаала – ещё один известный финский дизайнер. Как отмечали критики – лучшее определение для дизайна Виркаалы – надёжность. Его творчество выделяется спокойствием, уверенностью, осутствием боязни показаться несовременным. Харрактерной особенностью творчества Вркалы являлось то, что он всё старался сделать своими руками. В его творчестве так же прослеживается связь с народными финскими традициями. Большое значение он придавал материалу, который он считал лучшим средством художественной выразительности.

Конгресс ИКСИД 1975 года в Москве и практический семинар «Интердизайн-71» в Минске.

Предстояло подготовить не государственное мероприятие, а достойный форум, соответствующий ожиданиям специалистов разных стран. Необходимо было отобрать лучшие в Советском Союзе дизайнерские разработки, отвечающие девизу конгресса «Дизайн для человека и общества», придумать способы показа, на равных участвовать в обсуждении насущных творческих вопросов мирового дизайна.

Темы рассмотренные на конгрессе:

1. «Дизайн и государственная политика»

2. «Дизайн и наука»

3. «Дизайн и труд».

4. «Дизайн и отдых»

5. «Дизайн для детей».

Среди участников были не только отечественные представители, но и такие известные дизайнеры того времени как Т.Мальдонадо, Ю. Саловаара, М. Блэк, Ф. Баррэ и др.

В 70-е года продолжает развиваться дизайн и в Беларуси. В 1971 году происходит событие, значение которого вышло за рамки белорусской ССР. В Минске был проведён первый международный практический семинар «Интердизайн -71». В белорусской столице собрались дизайнеры разных стран чтобы обсудить профессиональные проблемы и объединить усилия для их решения. Реальным результатом практической работы семинара была разработка системы визуальных коммуникаций для города Минска и предложения по совершенствованию одной из отраслей пищевой промышленности.

 

Деятельность Сенежской студии дизайна.

Сенежская студия (Центральная учебно-экспериментальная студия Союза художников, руководитель Розенблюм) выдвигала отличную от официального ортодоксального функционализма концепцию: они подчеркивали связь "художественного проектирования" с общей культурой. Задачей проектной деятельности они видели вовлечение технического предмета в обычную культуру, придание ей самостоятельной культурной ценности.

4 принципа художественного проектирования:

- основа творческой деятельности - изобразительное искусство

- проектирование родственно театральному творчеству (театр общения между преподавателем и учеником, театр рождения новой формы)

- результат работы, макет - художественное произведение

- место приложения - бесхозная земля между архитектурой и традиционным дизайном.

Предлагалось проектировать пару "человек-вещь", где взаимодействие человека с вещью носит не только утилитарный, но и социо-культурный характер.

Для проектирования таких вещей в Сенеже предлагали метод "открытой формы" - формы, позволяющей наращивать или сокращать материальную систему, свободно менять структуру ее элементов. Открытая форма обладает избыточностью, допуская возможность человека "допроектировать" ее, творчески переделать под себя. Она трансформируема и изменчива, но в каждом положении она должна быть красива (обладать эстетической ценностью).

Открытая форма динамична, она развивается во времени, взаимодействуя с человеком.

В конце концов создатели сенежской студии признали, что в реальности из художественного проектирования изделий для промышленности ничего не получилось, не хватило технической базы. Наиболее сильно их влияние оказалось на городскую среду, а также на музеи.

 

Проекты:

- благоустройство городской среды: площадь Маяковского - организация среды для общения; - проект оформления района Зарядье в Москве к Олимпиаде-80

- промышленные изделия: видеотелефон для родильного дома

- экспозиции музеев: музей оружия в Коломне (музей-клуб, музей, включающий прошлое в жизнь современного человека, живые, динамичные экспозиции)