Метафизическая живопись Джорджо де Кирико и его школы

Именно в это время (между двумя войнами) Европа возвращается к старым реалистическим традициям. Время между первой и второй мировой войной, оно было насыщенном в худ.плане, но все равно.

Джорджо де Кирико. 1888-1978

У де Кирико есть момент, когда можно его сравнить с сюрреалистами и он дружил с ними, но, на самом деле, он не вписывается ни в какую большую школу. Родился в Греции. Познакомился с Аполлинером, приклеилось название "метафизические", хотя он не всю жизнь это разделял. Был и период футуризма. Вокзалы, жд дороги, движение и проч, но он все равно не зависит от стиля. Из футуристов дружил с Карлом Карра, он под его влиянием открыл школу в Ферарре (Карра лечился там после войны), метафизической жив-си, но Карра уехал через полгода в Милан, из госпиталя. Но тем не менее.

Метафизическая живопись, что это? Это не связь с философией. Это нечто, что за пределами физического облика вещей. Невидно вооруженным глазом, но можно понять интеллектуальным усилием. Лишь намек на присутствие человека, фигуры сами по себе, ощущение тревоги.

Скульптура Ариадны - частый мотив в ранних работах. Радости и загадки странного часа. Никогда нет явного действия. Жанр - пустой городской вид с классической архитектурой, которая сочетает разное время. Резкие светотеневые контрасты, черные тени, графичные.

Свой репертуар мотивов у него есть. Красная башня, конная статуя, уходящие вглубь аркады. Эффект присутствия и отсутствия. Ощущение тревожности, угрозы - то, что роднит с сюрреалистами. Статика и покой, нет явной драмы. Загадка и меланхолия улицы, вокзал Монпарнас меланхолия расставания.
Фрукты и бананы –Неуверенность поэта - - символ самоудовлетворения, излишка. Поезд, артишоки и проч.
Предостерегающий портрет Гийома Аполлинера и Песня любви (1914)Перчатка для операций старинная с классической головой.
Двойная мечта о весне. Содержание маленькой картины не связано с большой, но часто повторяется.
Провидец - напоминает Рафаэля, с ротондой. Интерьер и пейзаж, портрет, и натюрморт, все смешано.
Манекены в самых разных ситуациях.
Автопортреты. Имитация Тициана, у него хорошо получается подражать, не отказываясь даже от метафизики в 20г, но в 25г - полная классика.

25г - интерес конкретно к итальянскому Ренессансу, Карраччи и Бернини уже кажутся ему декадентскими.

Археологи.
Семья художника. 26г. Есть и мотивы манекенов, есть классическая иконография (св семейство), но внутрь фигур вторгается архитектура фантазийная, меняется и сама живопись - мелкие дробные мазки, легкая текстура, графичность.

В поздние годы - 73г - странная группа работ с необычными интерьерами, кое-где гора, где-то озеро посреди комнаты, и ощущение полного бардака, фрагменты колонн и статуй посреди комнаты. Мебель и скалы в комнате.

Карло Карра (1881 – 1966). См. Презентацию «Футуризм в Италии»
Карло Карра (Carra) 1881, Кварньенто (Пьемонт) — 1966, Милан — итальянский живописец, декоратор, график, один из лидеров футуризма. Он получил художественное образование в Милане.

Вместе с Джорджо Де Кирико Карло Карра составил ядро группы художников метафизической школы. Как пишет Михаил Юрьевич Герман в своей книге “Парижская школа” Джорджо де Кирико ввел термин “метафизическая живопись”, наряду с Карлло Карра и Джорджо Моранди лишь в 1917 году, но суть этого направления видна в довоенных работах Кирико, да и эпитет “метафизическое” он стал использовать в ту же пору.
Карло Карра родился на севере Италии, в небольшом городке Кварньенто, под Миланом. В молодые годы декорировал различные интерьеры. В 1900 году украсил своими декорациями итальянский павильон на Всемирной выставке в Париже. Непродолжительное время жил в Англии (1900-1901). Ему были не чужды идеи Карла Маркса. Затем вернулся на родину, где начал обучение в Школе прикладного искусства в Милане, а позднее, в 1906 — 1910- годах Карло Карра продолжил художественное обучение в Академии Брера, где его учителем был Ч. Таллоне.

Карло Карра, наряду с Умберто Боччони, Джакомо Балла, Луиджи Руссоло и Джино Северини подписал первый футуристический “Манифест(1910). В это время Карло Карра создал наиболее характерное произведение “Похороны анархиста Галли” (1910 — 1911, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Полотно пронизано динамичной ритмикой мелькающих форм. Футуристические идеи недолго вдохновляли художника и уже в 1915 году он отказался от них и прибегнул к другим способам формотворчества — к геометрически правильным конструктивным формам. Какое-то время Карло Карра занимали кубистические поиски и метафизическая живопись. Последняя основана на создании неких упрощенных полновесных форм, изображении фигур, лишенных индивидуальности.

Наиболее известные полотна Карло Карра относятся к 1917 году. Это прежде всего его “Зачарованная комната. Метафизическая муза” (1917 год, собрание Эмилио Йези, Милан) и “Идол-гермафродит” (1917 год, собрание Джанни Маттиоли, Милан). В последующие годы Карра начал писать в более реалистичной манере. Таково, например, его “Утро на берегу моря” (собрание Эмилио Йези, Милан).

Карло Карра присоединился во второй половине 1920-х годов к движению новеченто. В русле этого течения созданы следующие произведения Карло Карра: “Маяк” (1928, Национальная галерея, Прага), “Сельский уголок” (1927, Частное собрание), “Заброшенный дом” (1930, Галерея Аннунчиата, Милан), “Рыбаки” (1935, Галерея современного искусства, Милан).

Карло Карра в поздний период своего творчества выступил в качестве художественного критика. Он начал писать критические статьи в газете “Амброзиано”. Его критика пользовалась необычайным успехом у читателей.

Карра проиллюстрировал в 1940-е годы несколько литературных произведений. Например, “Дон Кихота” и “Одиссею”. Однако его графические работы не отличались большой выразительностью.

 

Джорджо Моранди (1890 – 1964). Тоже представитель метафизической школы, там было много худ-ков, но стоит упоминать только этих трех. Моранди сформировал особый свой натюрморт. Начал он с Метафизических натюрмортов в 18г, манекены, выпиленные деревяшки, но потом от символизма ушел, пришел к простым, бытовым предметам, минималистично и монументально изображает. 19 г. Натюрморт. Кое-где проявляется сюрреализм, фрагмент белой ткани воспринимается как мрамор, например. Моранди начал работать с натюрмортами, еще немножко пейзажей. Н - т с синей вазой, 20 г.

№20. «Новая вещественность» в Германии

ПАМЯТНИКИ:

 

• Название периода – Новая вещественность. По названию выставки. Характерен вновь проснувшийся интерес к фигуративности и вещественности.

• Немецкое искусство всегда более политически заостренное. Больше связь с модернистскими тенденциями своего времени.

• Более яркие проявления кубизма, экспр, дадаизма – но при этом более пристальный интерес к реальной действительности.

ГЕОРГ ГРОСС

• Получил классическое образование. Побывал в париже. Там познакомился с кубизмом и футуризмом. После пмв еще и сблизился с дадаистами. Прошел через все современный течения.

• Один из важных для него жанров – очень острая социально-политическая карикатура. Тема падения нравов занимала важное место. Всякие публичные дома в изобилии. Во фр девушках легкого поведения все-таки есть изящество – немецкие девушки конкретно развратные.

• Помимо падения нравов, вторая карикатурная тема – война. Жанр на грани карикатуры и сюжетной картины.

• Сильное влияние кубизма и футуризма. Типично немецкий взгляд на персонажей. Показаны нам уродливыми, малосимпатичными и тд. Пороки немецкого общества они присутствуют

*Большой город

Влияние не столько кубизма – столько футуризма. Странные сияющие фрагменты – пронизывают ткань города. Но тут очень много деталей. Много острохарактерных персонажей.

Влияние не только дадаистов но и де киркио в какой-то момент – безликие персонажи. Успокоенная манера. Автоматы с шестеренками. Сочетание изображение и текста. Явно имеет политический подтекст. Люди, которые голосуют за существующий строй не самостоятельны – а могут голосовать за все что угодно.

*Дама выходит замуж за своего педантичного автомата Георга, а кто-то этому очень рад

Сочетание несочетаемого. Абсурдная картинка

Есть еще и гипертрофированно натуралистичные портреты. Новая вещественность это и есть. Пристальный интерес к предмету и к деталям. Тема войны и разрушения не отпускает немецких художников.

ОТТО ДИКС

• Участвовал в пмв. Учился в Дрездене и там же открыл мастерскую. Его война очень сильно затронула. Ужасы войны – главная тема.

• Но при этом очень интересуется творчеством старых мастеров. Кранах. И даже стремится им подражать. Есть еще и черный юмор дадаизма – инвалиды-картежники. Но здесь иной оттенок чем у футристов – нет восхищения машинной эстетикой.

• Портреты тоже пишет. Предельно натуралистичные. Такая странная степень – чувство реальность утрачивается. Все схвачено до последней детали – но это настолько ошеломляюще натуралистично – что общее впечатление сюрр. Это вообще характерно для немцев. Каждая отдельна ядеталь предельно реалистична – но сочетаются таким образом – что все вместе какое-то сюрр.

• Знаменит еще своей графикой на тему войны. Сочетает разные техники. Все получаются очень разные по стилистике.

МАКС БЕГМАН

• Тоже имел классическое образование и пристально изучал старых мастеров. Но в то же время исыптал гораздо более сильное влияние модерна, югенштиля, символизма.

*Титаник

Неуловимо напоминает плод медузы Жерико. И сама манера такая академическая. Но конечно с налетом символизма. Все очень внимательно передает.

У него очень много автопортретов. Более 90 штук. Очень разные по настроению. Предстает перед нами в разном облике. В какой-то момент обращается и к религиозным сюжетам. Синтез самых разных элементов. После окончания войны вообще случился нервный срыв – долго восстанавливался. После этой истории гораздо меньше стал интересоваться сюжетами из современной жизни.

*Отплытие триптих

Самое известное. Свобода очень важна – это отплытие и новое начало. Сложная комплексная символика на сочетании старого и нового

КАРЛ КОФФЕР

• Более итальянизированный. Синтез немецкого натурализма и эксперссионизма. Ещё налёт итал классики. И большое влияние сезанна здесь присутствует. Налет символизма

КРИСТИАН ШАД

• Немец по происхождению. Некоторое время жил в Цюрихе. Под влиянием дадаистов увлекся фотографией без использования камеры.

• После войны довольно быстро отошел от авангарда – принял участие в выставке новой вещественности.

• Явное влияние классических образцов раннего возрождения в портрете.

В 1933 году когда нацисты пришли к власти – они начали кампанию по очищению культуры от дегенеративных явлений. Под это попало почти все о чем говорим с начала семестра.

№21. Основные тенденции в изобразительном искусстве США 1920х-1930х

 

ПАМЯТНИКИ:

 

АМЕРИКА: МЕЖДУ ТРАДИЦИЕЙ И МОДЕРНИЗМОМ

Американское искусство довольно долго находилось в русле традиционалистского развития. Американский вариант импрессионизма.

• С 1906 начинает работать в Нью-Йорке галерея 0291. Владелец – Альфред штиглиц. Фотограф и предприниматель. Объявил что галерея будет принимать любое искусство, где есть честная цель, честное самовыражение. Именно там были показаны работы многих фр модернистов. Галерея закрылась в 1917. Но продолжал поддерживать современным искусством и поддерживать художников. Его жена – тоже художница. Ее ранние работы балансируют на грани предметности и абстракции. И часто определить содержание работы нам помогает лишь ее название. Есть вещи с довольно абстрактными названиями. С самого начала эти работы воспринимались как нечто двусмысленное. Цветы будет писать всю жизнь. В 1920е годы еще и виды небоскребов. Ночные особенно интересно. Тоже немного символистские. Ощущение свечения отдельных элементов общей темноте. Помимо этого у них есть ранчо в штате нью-мексико. Одновременно появляются и странные мотивы с черепами животных – но это реальность жизни.

• В 1913 происходит событие которое полностью поменяет ход американского искусства. Это выставка – армори шоу. Проводилась в здании где была штаб-квартира одного из подразделений. Выставка современного искусства армори шоу проводится до сих пор. В 1913 это событие организовала группа американских художников. На ней было более 2000 экспонатов. Например, работы Энгра, мане, барбезонцев, Ван Гона, Сезанна, фавистов, кубисты, Кандинский, Кирхер, Роден, Майоль, Бранкузи и многих других. Все лучшее что существовало во фр искусстве – все было собрано на этой выставке. Была показана в НЙ – а потом переехала в Чикаго.

СИНХРОМИЗМ
Близко европейскому модернизму. Близко французским художникам вышедшим из кубизма. Те которые пытались найти в самом цвете особую выразительность. Единственное направление которое было теоретически осмысленно.

ПРЕССИЖАНИЗМ

Тоже смотрели в сторону кубизма. Но не так сильно увлекались искажениями формы. Волновали пространственные построения. Пейзажи Америки выписанные с большой точностью и внимание к деталям.

В 1930е годы наступает натуралистическая реакция. Возникает целый ряд направлений которые акцентируют внимание на сегодняшней американской жизни. Был даже федеральный проект.

В рамках федеральное программы – риджионализм

Сюжеты из жизни американского среднего запада. Очень важная тема – развитие американской индустрии.

ТОМАС ХАРТ

Написал большой цикл фресок – америка сегодня. Такой большой зал где по стенам расположены фрески. Делает для фресок раму. Фрагументы этой рамы создают криволинейные изгибы на поверхности фрески. Некое пространственное движение внутри картины. Тем самым пытается намекнуть на классические источники.

ГРАНТ ВУД

*Американская готика

ЭДВАРД ХОППЕР

Сложные отношения с риджионализмом. Недолюбливал риджионалистов. Бывал во фр в начале 20 века. Зато именно из фр пришла любимая тема кафе и городских жителей. У него все безжизненно – пустота и одиночество.

Обращается к темам из современной американской жизни. Сам противоречиво относился к американской жизни и эстетики. Всегда очень элегантен, лаконичные композиции.

В это же время в 1920е в америке просыпается интерес к абстрактному искусству. Развивается супер темпами. Какая-то кэтрин организовала анонимное общество.

АЛЕКСАНДЕР ХОЛДЕР

Тема цирка. Тема уличных артистов и акрабатов.

Около 1931 начинает создавать первые мобили. А потом уцепится за слово стабили. Сначала пытался использовать электрические моторы – а потом ему показалось, что это чересчур прямолинйено. И захотелось больше случайности

22. Монументальное искусство Мексики 1920 х-1930 х.

В этот период мексиканские искусство заставляет говорить о себе. Там революция (1910е) + новый художественный язык. Революция, социальные настроения - первоочередной заказ на монументальное искусство (создаются общественные здания). Искусство носит выраженный пропагандистский характер.

Диего Ривера, 1886-1957. Долго жил в Париже, потом в Италии, в его фресках работа с пространством по мотивам Возрождения, это сочетается с родными мексикансканскими темами и соц программой. Очень монументальные формы, четкая заливка цветом (Праздник цветов, станковая вещь, но кажется монументальной). Аллегория сил природы и человека. Это пример ранних фресок, они символические. Потом уходит в более современные темы.

Промышленность Детройта. 2 большие композиции. Архитектура подорожает Ренессанса, есть игра с пространственными планами, большой масштаб.

Человек - повелитель Вселенной. Сделал по заказу Рокфеллера для Рокфеллер-центра. Изначальная тем - это человек на распутье, но он представил все в ключе пороков современного общества. Есть различные вожди соц лагеря (Ленин, Троцкий). Рокфеллер приказал уничтожить, но Ривера потом повторил работу для Мексики.

История Мексики. Нет свободного пространства, и американские индейцы, и современные персонажи.

Великий город Теночтитлан. Использовал приемы фресковой ренессансной живописи, разбелено. Появляется задний план - как у ранних голландцев, вселенные дали. Показывает коренных индейцев.

Итог: вещи очень монументальные, характерны грубые формы, плоскостная трактовка, заливка цветом. Близки нашим монументалнистам. В большинстве лиц этнические мексиканские черты, почти все у него со смуглой кожей. В поздних работах толпы.

Хосе Ороско. Был под впечатлением немецкого экспрессионизма, больше экспрессии, чем классики (как у Ривера). Тоже работал в штатах.

Прометей. Самая известная работа. Формы напоминают МОСТ, он не помещается в люнет. Есть угловатости, активный красный (и его сочетания) + немного синего.

Эпос американской цивилизации (цикл). Боги современного мира. Символические сцены, профессора и доктора, но в контексте моменто мори или есть сцены из национальной культуры майя (Отправление Кетцалькоатля), и то, что похоже на немецкий экспрессионизм группы мост (Современное переселение душ). Очень активный цвет и угловатость.

Давид Сикейрос. Прославился больше как идеолог, пламенный социалист, в живописи экспериментировал в технике фрески и использовал синтетические материалы, не совсем характерные для фрески приемы (нанесенные аэрографом краски и цветовая гамма жженная, тк технология не отработана). Портрет буржуази и - образы из народной мексиканской культуры, пороки общества. Новая демократия. Почти монохромно, порыв и прорыв, сильно эмоционально, но скорее трагично.

Руфино Тамайо. Ближе к традициям французского модернизма, символизма. У него цикл животные - тема войны, на грани европейского модернизма и народного мексиканского искусства + влияние кубизма, сюрреализма. Лев и лошадь.

Фрида Кало. Замужем за Риверой. В её живописи много мотивов физического страдания, она не монументалист. Главный жанр - автопортет, через себя все пропускает и свои болезни, и любовь к Ривере, и мексиканскую традицию. В её живописи синтез наивного народного искусства и примитивизма, искусство на грани европейской и мексиканской традиции. 

Автопортрет на границе Мексики и США. Мексика - цветущая земля с древней традицией, а Америка это индустрия, заводы, трубы и тд.

Много работ, где она в больнице Госпиталь имени Генри Форда (был выкидыш, изобразила его). Автопортрет две Фриды,слева с окровавленным сердцем, ее Ривера бросил, а справа с целым сердцем, к которой Диего вернется. 

Автопортет с терновым ожерелье. Портрет с Диего на лбу, на шее удавка, как будто из волос. Разрушенная колонна, после перелома позвоночника. Мексиканские художники отдельное явление в истории американского искусства, оригинальный синтез между модернизмом, классицизмом и местной традицией. 

23. Новый язык скульптуры 1 п 20 в от Константина Бранкузи до Альберто Джакометти.

Живопись - это более спонтанное искусство, здесь легко выразить экспрессию, а вот со скульптурой все сложнее. Сам материал оказывает сопротивление, нужно все лучше обдумывать. Скульптура всегда больше связана с классикой, с человеческим телом.

Вильгельм Лембрук, 1881-1919г. С одной стороны ориентировался на классику, с другой - на высокую готику.

Упавший. Это упражнение на тему как составить человека из простых, трубкообразных форм. Женщина на коленях. Стоящие, Сидящие. Но все одинаково.

Эрнст Барах, 1870-1938г. Смотрел на деревянную скульптуру. У прошлого вещи легкие, а у этого монументальные. В 1906г был в России, его поразила деревянная скульптура и иконы.

Мститель, 1914 г. Это символический сюжет, хотя в основном у него все просто. Форма простая, широкие плоскости, но эмоция есть + активное движение. Буквально летит с мечом на перевес, очень архитектурные складки, почти каннелюры.

Смеющаяся старуха, 1937. Очень милая. Его очень любили в СССР.

Парящий, 1927. Совершенно современная работа, подвешена на металлических цепях в соборе (так и планировалось). В основном, все его работы связаны с куском материала, поэтому они как то подобраны (либо наклонены вперед, либо отклонены назад, сидят).

Слушающие, 1930-1935 г. Это то, что он вынес из деревянной скульптуры, формы уже отличаются от характерных ля него. Форма ограничена - вписывается в дерева. Все слушают, но каждый слышит что то свое, более спокойное, более эмоциональное.

В скульптуре как и в живописи 2 направления - абстракция и органика.

Константин Бранкузи, 1876-1957. Француз румынского происхождения, один из главных представителей абстракции в скульптуре, но абстрактным до конца никогда не будет (либо в названиях, либо в деталях призывал к реальности). Яркий представитель парижской школы. К сюжетам всегда относился с юмором. Начинал у Родена, Сон (из массы материала проглядывает человеческая голова), Спящая муза - еще большее редуцирование формы, уже просто яйцо (есть и что то восточное). Но даже в простейших вещах улавливает суть предмета. Для Бранкузи натурализм это внутренние процессы, а не то, что нужно копировать внешне. Чувство материала важнее умения работать с ним и вытаскивать свойства.

Мадемуазель Погани. В разных материалах (это часто) - разное понимание формы, интересуется примитивной пластикой, форма сведена к минимуму, ничего не осталось от изобразительности, но форму считываем мгновенно (она как большая красивая стрекоза, которую что то обнимает).

Новорожденный. В основе то же яйцо, уже почти цельное, но ясно прочитывается крик, нет подробностей, только главное. Скульптура для слепых или Начало мира. Подразумевается, что ты должен тактильно соприкоснуться с вещью. 4х гранный постамент, центре еще поднимается, там блюдо, на нем яйцо-галька (форма яйца сплющивается).

Принцесса Х. Разные материалы, будто согнутый палец. Негритянка- блондинка. Рыбьи губы, шишечка на голове, выразительные и трогательные вещи.

Поцелуй. Обращается к примитивным культурам в разных версиях где то более проработано, где-то менее. Кариатида. Деревянная, пилястру изгибает наподобие кариатиды. Блудный сын. Тоже дерево, совсем абстрактно, но угадывается, что одна фигура на коленях перед другой. Адам и Ева. Сочетание разных материалов и подходов. Органика - женское, геометрика - мужское.

Мэйасера. Популярна тема птиц. Все тоже очень редуцированно, но птица считывается, она волшебная. Иногда стоит на каменных фигурках типа Поцелуя. Птица в пространстве. Здесь уже крайняя редукция, очень вытянуто, будто перо (тоже позолочена). Рыба. Форма редуцирована до блока, это просто овал, важно, что на подносе - то есть две отражающие поверхности. Морской котик. опять же редукция, но хорошо считывается.

В Тыргу Жиу создал ансамбль, все в каком то доисторическом духе. Это монумент по жертвам 1й мировой. Бесконечная колонна, Ворота поцелует, Стол молчания.

Ханс Арп. Его связывают с дадаизмом и сюрреализмом, есть юмористические моменты, любил технику коллажа и экспериментировал. Много органики и юмора. Манишка и вилка – дадаиский, абсурдиский сюжет, манишка как зуб, все немного сведено к формам детской раскраски (+еще в цвете).

Есть и абстрактные вещи в поздним творчестве. Это скульптуры, круглые, не раскрашенные. Убирает все лишнее. Пиренейский торс, Человеческие срастания. Уже буквально перетекающие капли. 

Наум Габо. Принадлежит второй ветви абстракции в скульптуре. Она конструктивистская, геометрическая. Жил в Берлине и Лондоне. Русское происхождение, уехал в 1922, но эстетику конструктивизма развез по всему миру (как и Антуан Певзнер). Были организаторами 1-го смотра конструктивизма в Берлине, написали «Реалистический манифест» (Еще в России). Реализм там, где создается предмет искусства из современных материалов в современных формах, что отвечает современному миру. Еще важная концепция - искусство это отдельная реальность (конструктивные Головы, видим то, что у них внутри).

Кинетическая конструкция: Вертикальная волна. Первые эксперименты с кинетической скульптурой, механический штырь, который под воздействием электричества вращается, не чужд супрематизму.

Модель колонны. Один из 1х применяет в искусстве современный материал (оргстекло). Оргстекло желтеет, сереет и первоначальный эффект утрачивается. С оргстеклом экспериментировал и в плане фактуры - тончайшие линии (Линейная конструкция), интересовался, как можно с помощью прозрачного материала впустить пространство в скульптуры. В основе у него математические принципы. Делал и большие, просто огромные уличные скульптуры (тоже линейные).

Антуан Певзнер. Тоже из русских, тоже конструктивная линия, тоже работал с оргстеклом. В раннем творчестве много Голов. Из-за стекла они еще дополнительно просвечивают, есть и Портрет Марселя Дюшана, все то же, но есть такая попытка применить эстетику кубизма.

Мир. Колонна. Затем переходит на металл, использует чеканку. Эти вещи совершенно абстрактные, они развиваются в пространстве. Сначала поверхность будто в тонкую гофрировку, иногда очерчиваемая контуром, но потом это просто гладкие поверхности (Бронзовая сферическая тема). Любит круглящиеся мотивы.

Альберто Джокометти, 1901-1966. Это уже следующее поколение, его причисляют к сюрреалистам, швейцарец, долго был в Италии. Учился в Париже у Бурделя. Как и все художники интересовался примитивными культурами, отсюда тема ложек (Женщина- ложка, Ложка и Пестик из Кот Д Ивуара).

Подвешенный шар. Интересна проблема пространства, много пространственных скульптур. Есть композиционный центр, пространство вокруг и органические рамой.

Игра окончена. Тема шахмат, мраморная доска, полусферический углубления. В центре некие «гробницы», туда все убирается - намек на смерть и на игру. Доска - постамент, но сама становится содержанием.

Женщина с перерезанным горлом. Человек подобен насекомому, которое к тому же распадается на части (можно сравнить с Сидящей купальщицей Пикассо).

Дворец в 4 утра. Очень известна. Из бамбуковых палочек, тонко + стекло. Связана с ушедшей любовью (строили карточный домик).

Невидимый предмет (Руки, держащие пустоту). Подставка как клетка, нижняя часть фиксирует ноги фигурки, она никуда не может деться, руки держат пустоту, примитивное лицо, выражение испуга.

Голова мужчины на стержне. Импрессионистические формы напоминают окаменелости, тактильная поверхность, крик. Указывающий. Максимально вытянут, фигура почти растворена в воздухе, есть и группы (Городская площадь, Лес). Это уже отход от сюрреализма. В этих же вещах экспериментирует с цветной патиной на бронзе - оттенки. Колесница. Доведена до абсурда, огромные колеса и фигура-тросточка. Идущий - парафраз Родена, и другие. Это импрессионистические спички. Сартр по Джакометти: «пустота просачивается всюду, каждое существо таит собственную пустоту».