Художественная культура второй половины XVIII века.

Это время – одна из самых существенных вех в истории русского искусства,  которую характеризует быстрый прогресс в области художественного творчества. Именно тогда в русском искусстве получают воплощение и развитие практически все виды и жанры, а сам процесс творчества протекает в формах, характерных для нового времени. Когда говорят о значительности русского искусства XVIII столетия, его выдающихся достижениях, деятелях искусства и литературы, подразумевают, обычно, прежде всего, вторую половину века «осьмнадцатого». В этот период появляются произведения, не уступающие шедеврам зарубежных мастеров. Русских зодчих, скульпторов и живописцев венчают лаврами прославленные академии Европы. В. И. Баженова избирают профессором Римской, членом Флорентийской и Болонской академий; Ф. И. Шубина – членом Болонской академии,  Парижская академия удостаивает А. П. Лосенко трех своих медалей. Композитор Е. И. Фомин был избран членом Болонской Филармонической академии, а Д. С. Бортнянский написал три оперы, которые с успехом шли в театрах Венеции и Модены.

 В России, у этих художников возникают, не встречавшиеся раньше отношения с обществом. Мастера стремятся публично продекларировать свои идеи и задачи. Баженов в  выступлении, посвященном закладке большого Кремлевского дворца излагает свои мысли об архитектуре и роли зодчего в обществе. Лосенко пишет «Изъяснение» к своей картине «Владимир и Рогнеда», рассказывая об особенностях творческого метода.

Появляются первые публичные выставки произведений русских художников. В 1769 г. в Петербурге проходит выставка работ Лосенко, написанных заграницей, а в 1770 г. выставка, организованная Академией художеств. В Москве, в специально построенном здании, демонстрируется модель большого Кремлевского дворца. Работы хотят показать возможно большему числу людей, воспроизводя их при помощи гравюр; известны гравюры, изображающие скульптуры М. И. Козловского и И. П. Мартоса, постройки В. И. Баженова, М. Ф. Казакова, Н. А. Львова.

Новое поколение художников не может обойтись без теоретического осмысления художественной деятельности. В их сочинениях складывается и развивается теория искусства и архитектуры.

Конфликт художника и государства неизбежен, но начинается он не сразу. Сначала может возникнуть призрачный союз культуры и государства. Такой союз возник во времена Екатерины Великой. Мы уже упоминали, что Екатерина искренне стремилась примирить Просвещение и крепостническое государство, поэтому первоначально она весьма лояльно относилась к творчеству русских мастеров культуры. Союз культуры с государством – это та почва, на которой сложилась русская художественная культура конца XVIII века. Многое для этого сделала императрица. Прежде всего, ее страсть к собирательству и коллекционированию. Екатерина коллекционировала картины, статуи, рисунки, гравюры, резные и драгоценные камни, фарфор, книги, монеты, медали. Именно эти коллекции легли в основу эрмитажных собраний.

Начало коллекции живописи было положено еще в 1763 г., когда у прусского негоцианта Гуковкого были куплены три картины Рембрандта. В царствование Екатерины были куплены 1383 картины. Уже тогда, это была одна из самых больших коллекций живописи в Европе. Сама императрица активно участвовали в подборе коллекции западноевропейского искусства. Ей присылались каталоги со всех известных европейских аукционов. К 1797 г. в коллекции Екатерины были 80 тысяч гравюр, 7 тысяч рисунков, включая работы Дюрера, Гольбейна, Пуссена. Эрмитажные коллекции формировали эстетические вкусы и являлись средством познания западноевропейского искусства творческих личностей того времени. Кроме того, в подражание Екатерине многие из русских аристократов начали собирать свои коллекции. Отличались своей полнотой, богатством и разнообразием художественные коллекции Шереметевых, Строгановых, Воронцовых, Голициных. С конца 60-х годов начинают в России проводится художественные аукционы, открываются выставки, издаются труды по изобразительному искусству. Все это стимулировало русскую художественную культуру.

В эти десятилетия в России большой подъем переживает художественная литература, представленная такими именами, как: Сумароков, Херасков, Фонвизин, Княжнин, Капнист, Державин, Радищев, Карамзин. На сцене русского театра играют замечательные актеры: Волков, Дмитриевский. Достаточно назвать Фомина и Бортнянского, чтобы стало ясно, какие выдающиеся композиторы создавали русскую музыку в конце столетия.

В архитектуре – творили Жан-Батист Валлен-Деламот, Чарльз Камерон, Джакомо Кваренги, Антонио Ринальди; создавали свои  величественные сооружения русские зодчие - Александр Кокоринов, Юрий Фельтен, Василий Баженов, Матвей Казаков, Иван Старов, и многие другие.

В живописи работали гениальные портретисты: Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий, в историческом жанре творил Антон Лосенко, блестяще работали мастера русского пейзажа: Семен Щедрин, Михаил Иванов, Федор Алексеев.

В это время появляется целая плеяда замечательных скульпторов: Федот Шубин, Федор Гордеев, Феодосий Щедрин, Михаил Козловский, Иван Мартос.

Нужно отметить, что изобразительное искусство,  литература, драматическое искусство, музыка в этот период рассматривали близкие проблемы. В произведениях второй половины века ясно проявляется тесная связь литературы и искусства с русским Просвещением, просветительские идеи находят свое воплощение в ярких художественных образах. Даже в творчестве тех, кто стоял на позициях, далеких от Просвещения, сильно сказывалось влияние этих идей, того подъема русской общественной мысли, который наблюдается с 70-х годов столетия. Соответственно, в русском искусстве возникает новая, но самая насущная тема – крестьянская. Все большую роль начинает играть театр. Он становится насущной потребностью русского человека того времени. Круг театральных зрителей становится все шире и демократичнее.

 Музыкальная жизнь Петербурга и Москвы насыщена концертами,  на афишах того времени мы можем увидеть имена Гайдна и Моцарта, кстати, Моцарт должен был приехать в Петербург, но не смог. Все чаще проводятся концерты русских песен, русской музыки.

 Даже беглый обзор культурной жизни двух столиц подтверждает, что литература и искусство прочно входят в жизнь довольно широких слоев русского общества, став для многих насущной потребностью.

 Однако процесс ускоренного культурного роста начинается с пластических искусств, литература, театр и музыка развивались вслед за ними. В то время как  Лосенко, Левицкий, Рокотов, Шубин не уступали ни в чем в мастерстве своим иностранным коллегам, а создания русских зодчих-классицистов до сих пор не теряют своего эстетического значения, литературу, при всем уважении к ней, нужно было воспринимать со «скидкой» на ее историческую молодость. Не даром В. Г. Белинский называет этот период русской литературы «младенчествующим». Русский литературный язык еще только формируется, из-за этого он кажется теперь таким неуклюжим и смешным, а язык изобразительного искусства уже достигает  той степени зрелости, когда художник смело выражает то, что хочет и может выразить.

 При всем при этом русские литераторы в своем большинстве были независимыми образованными деятелями, участь же русских художников, архитекторов, актеров, музыкантов в большей части была весьма печальной. Многие из них оставались крепостными, даже перегнав иностранных учителей и получив признание за границей, для помещика они оставались по-прежнему «быдлом». Взгляд на создателя художественного произведения как на слугу или шута оставался в силе, он уже не распространялся на приезжих иностранных  «маэстро», но русские деятели искусства испытывали его в полной мере.

Русский классицизм.

Это период развития в русском искусстве стиля, уже получившего свое воплощение в литературе и теперь развивающегося в пластических искусствах, театре и музыке. Этот стиль, получил название «русский классицизм». В его основу легли просветительские идеи – течения, возникшего во Франции и быстро ставшего общеевропейским. Главное в нем – протест против деспотического произвола и утверждение ценности человеческого разума, познающего и переустраивающего мир. Русский классицизм  развивался вместе с нарастающим со второй половины века культом   гражданственности. Именно поэтому идея гражданственности получила яркое воплощение, практически во всех видах и жанрах русского искусства.   

Русский классицизм – явление замечательное, с точки зрения Н. Дмитриевой, «еще более замечательное, чем русское барокко и не менее самобытное» / 18 /. Главной в искусстве классицизма была мысль о подражании мастерам Античности. Истинной сферой искусства считалась лишь сфера отвлеченных понятий. Для их выражения в искусстве сложилась целая система аллегорий. Таким образом, искусство превращалось в иносказание, художественное творчество становилось мышлением в аллегориях, заимствованных преимущественно из мира образов античной мифологии.

Под воздействием Просвещения классицизм в России и на Западе становится более радикальным, благодаря чему складывается новое направление в искусстве - сентиментализм / 19 /– художественное течение второй половины XVIII в., специфической чертой которого является пристальное внимание к человеческой личности. Сентиментализм пытается утверждать личность как самостоятельную ценность, интересы личности противопоставляются общественным и государственным. Идеалом сентиментализма является уединение, погружение в свой внутренний мир. Классицизм же конца века, признавая значение личности, все же подчиняет ее государству, тем не менее, сохраняя за своим героем право на «чувствительность», он заставляет его подчинять эту «чувствительность» гражданскому долгу, служению отечеству.

Очень интересно наблюдать за формированием стиля классицизма, в  изобразительном искусстве. Наиболее ярко этот стиль проявился в историческом жанре. В лучших из произведений данного жанра нашли выражение гуманность и гражданственность, которые лежали в основе многих явлений интеллектуальной и художественной действительности России концаXVIII столетия.

Подлинная человечность, присущая лучшим произведениям русского искусства, раскрылась с наибольшей силой в портрете, и живописном, и скульптурном. Речь здесь идет уже не о человеке вообще, а об определенном конкретном человеке. Мастер портрета, виртуозно и артистично исполнив свое произведение,  ставит вопрос о значимости, ценности человеческой личности. Именно это приводит к тому, что русское изобразительное искусство данного периода воспринимается как торжество портрета.

Классицизм проявил себя и в архитектуре. Этот период – период творчества  блестящих зодчих, которые создают вдохновеннейшие архитектурные произведения,  ансамбли, по своим масштабам, творческому размаху, художественной цельности не знающие равных в европейской архитектуре того времени.

Как и в предшествующие времена, основным центром культурной жизни продолжает оставаться Петербург. Именно по петербургским архитектурным памятникам, легче всего проследить развитие стиля, смену художественных вкусов. Но в эти же годы усиливается художественная роль Москвы. В 70-90 гг. можно смело говорить о двух параллельно развивающихся ветвях архитектуры русского классицизма – петербургской и московской. Причем своеобразие московской школы наблюдалось не только в архитектуре, но и в живописи, которая отличается от петербургской и сближается с московским зодчеством данной поры.

Особого расцвета в период царствования Екатерины достигает культура дворянских усадеб, где архитектура, живопись, скульптура, прикладные искусства образуют великолепные художественные комплексы, проникнутые внутренним единством.

 

Академия художеств. Основное внимание  ценителей искусства того времени приковывает деятельность Петербургской Академии художеств. Организация Академии, широкий размах ее работы обеспечил немалый успех и развитие русского искусства.

Академия художеств  была основана еще в 1757 г. Президентом Академии был назначен И. И. Шувалов, директором – архитектор А. Ф. Кокоринов. Академия была предназначена для воспитания своих, отечественных мастеров «трех знатнейших искусств» - живописи, скульптуры и архитектуры. Кроме того, академия давала своим выпускникам музыкальное образование, организовав музыкальные классы.

Первый выпуск, состоявшийся в 1762 году, был подготовлен в основном иностранными педагогами. Преподавали: Ж-Б. Валлен-Деламот (архитектор), Н.-Ф. Жиле (скульптор) и другие. Со временем среди преподавателей начали появляться русские имена. Первыми учениками Академии стали Антон Лосенко, Федот Шубин, Федор Рокотов, Василий Баженов, Иван Старов - те, чьи имена затем прочно вошли в историю русского искусства. В 1760 г. Академия послала своих лучших учеников – А. П. Лосенко и В. И. Баженова совершенствоваться за границу.

После воцарения Екатерины Великой Академия художеств была передана в управление И. И. Бецкому. Сама Екатерина захотела стяжать лавры основательницы Академии и, воспользовавшись тем, что это учреждение до сих пор не имело Устава, распорядилась срочно его изготовить. 4 ноября 1764 г. Устав был «высочайше утвержден», и этот день решили считать датой основания Академии.

По разработанному Бецким регламенту при Академии было устроено Воспитательное училище, куда принимали только пяти-шестилетних детей, отрывая их от привычной среды и не разрешая, видится с родителями; в течение 15 лет их учили наукам и искусствам. Академия превратилась в закрытое учреждение.

Разумеется, при такой системе набора воспитанников никто не мог знать, что из них получится в дальнейшем, какие в них проснутся склонности и дарования. Поступившие дети часто оказывались вовсе не способными к изобразительным искусствам, тогда их учили какому-либо ремеслу и пристраивали в разные мастерские.

Общий срок обучения разделялся на пять «возрастов», по три года каждый. В первые три «возраста» основное внимание уделялось общеобразовательным предметам и рисованию  с «оригиналов» и «гипсов». Лишь на четвертом «возрасте» подростков переводили из Воспитательного училища в Академию, где они выбирали себе специальность по склонностям и способностям. Тут  будущие художники получали руководителя и работали, имея перед собой определенную цель. Занятия проводились в четырех классах: архитектурном, живописном, скульптурном и гравировальном. Деление Академии на классы соответствовало видам преподававшихся «художеств». Классы живописи и скульптуры, в свою очередь, подразделялись на подклассы, соответственно жанрам или разновидностям технологий.

Академия художеств была тесно связана со становлением и развитием русского классицизма. Соответственно обучение было ориентировано на познание и творческое осмысление античных эстетических норм, античных представлений о прекрасном.

Один из первых воспитанников Академии Иван Урванов обстоятельно описал процесс обучения в академических классах. Прежде всего, воспитанники Академии должны были в совершенстве овладеть искусством рисунка. Младшие ученики начинали с «приучивания руки к свободному (без линейки) черчению карандашом» до тех пор пока линии не получались прямыми и параллельными. Как только ученик мало-мальски научался обращаться с карандашом (сначала обязательно красным, мягким, который почти невозможно было стереть), его усаживали за копирование так называемых «оригиналов» - рисунков и гравюр, созданных мастерами прошлого. Первоначально, это были изображения частей человеческого лица - глаз, ушей, губ; затем – голов, рук, ног в различных положениях; наконец - целых человеческих фигур.

После такой подготовки ученики приступали к рисованию с гипсовых слепков античных статуй (антиков), которые точно воспроизводили знаменитые античные скульптуры.

Рисование с гипсов было очень важно не только потому, что давало хорошую профессиональную школу, но еще и потому, что как нельзя лучше воспитывало вкус, приучало к непосредственному общению с классическими образцами скульптуры Древней Греции и Древнего Рима. Знакомясь с произведениями древних скульпторов, воспитанники   постигали законы античной красоты и гармонии, изучали пропорции совершенного человеческого тела. А летом ученики ходили в Летний сад «для рисования и лепки с мраморных фигур».

Высшей стадией обучения была работа в натурном классе, где рисовали с обнаженных натурщиков. За лучшие рисунки ученики здесь награждались второй, а затем и первой серебряными медалями. Кроме того, в натурном классе будущие живописцы писали этюды маслом, а будущие скульпторы лепили. Рисунку же обучали всех одинаково: и живописцев, и скульпторов, и архитекторов, и граверов.

«Делание с натуры есть самое важнейшее в художестве учение, и ничто столько не ведет к истинному познанию» - так выразил Урванов краеугольное положение педагогической системы Академии в XVIII веке.

В натурном классе, как и в гипсовом, рисовали в вечерние часы, чтобы проводить работу при искусственном освещении. Урванов объяснял это так: «Рисуют же с гипсов, равно как и с натуры, по большей части при огне, дабы яснее видимы были на них тени и свет, которые при огне бывают сильнее, и началы мускул, и окончания их видятся явственнее, а в день не столько они бывают ощутительны и вразумительны, и больше тогда находится оных». Рисунок нужно было окончить в течение недели, так как на следующую неделю натурщиков ставили уже иначе / 20 /. Эта система обучения, практически в принципе не меняясь, просуществовала в Академии около ста лет и дала в свое время прекрасные результаты.

В Академии художеств существовала особая система поощрений. Произведения, признанные Советом Академии лучшими, отмечались наградами. Ученик мог быть награжден 4 медалями: двумя серебряными (малой и большой) и двумя золотыми. Награждение большой золотой медалью давало возможность воспитаннику, кроме получения звания художника (живописи, скульптуры, архитектуры, гравюры), право на поездку за границу «для усовершенствования в искусствах» на содержании Академии.

 В течение долгого времени Академия с успехом исполняла роль главного в стране центра подготовки отечественных художников. Многие годы она была школой великих мастеров русского искусства. В XVIII столетии из ее стен вышли великолепные  живописцы, скульпторы, архитекторы, граверы, такие как: Василий Баженов, Иван Старов, Федот Шубин, Михаил Козловский, Иван Мартос, Федор Рокотов, Антон Лосенко, Дмитрий Левицкий, Семен Щедрин, Федор Гордеев и другие выдающиеся деятели XVIII века.

 

                       Архитектура.

Архитектураэтого времени проходит в своем развитии два этапа. Первый этап носит название ранний классицизм, с середины 60-х до начала 80-х годов. Второй этап – строгий классицизм, середина 80-х – 90-е годы. В этот период в архитектуре происходит значительный перелом, в  большей степени связанный с теми политическими изменениями, которые произошли за это время в России.

Со вступлением на престол Екатерины II изменились художественные вкусы, на смену откровенной пышности и великолепию пришли величавая сдержанность и видимая простота. В архитектуре началось время русского классицизма. Переход к новым формам происходил в русском зодчестве постепенно и продолжался почти до конца столетия. Новый стиль проявился в работах А. Ринальди, Ю. Фельтена, получил развитие в творчестве Ж.-Б. Валлена- Деламота и А. Кокоринова, В. Баженова, И. Старова, М. Казакова, а завершен творениями Ч. Камерона и Дж. Кваренги.

Петр I не случайно самолично чертил план Петербурга. Город, построенный по европейскому образцу, менял уклад жизни, а, следовательно, мышление его обитателей. Основной принцип, провозглашенный Петром, и государства, и застройки Петербурга – это принцип регулярности: вычерченные и построенные по ранжиру дома, прямые улицы – как солдаты на плацу. Петербург становится символом новой России, ее мощи. У Петра I времени хватило только на Петербург, а Екатерина II решила привнести принцип регулярности на строительство по всей стране.

В 1762 г. организуется Комиссия о каменном строении Санкт- Петербурга и Москвы. Задача Комиссии – выработать общие принципы застройки городов  и составить генеральные планы их застройки. В этот период на карте Российской Империи появляются новые города: Мариуполь, Екатеринослав, Херсон, Севастополь, Одесса, Николаев.  Новые города уже застраиваются по новым правилам - регулярность застройки, плюс учет ландшафта и географических особенностей месторасположения города. Так, в Одессе все фасады повернуты к морю, что сделало этот город истиной «жемчужиной у моря». При перестройке старых и строительстве новых городов обязательно учитывалось расположение архитектурных памятников. Например, новый проект застройки почти полностью погибшего при пожаре города Твери, включал не только ленточную фасадную застройку, но и бережное отношение к сохранившимся архитектурным памятникам, в результате чего, Тверь становится эталоном для застройки других провинциальных городов.

Грандиозность строительства основывалась на, уже упомянутом нами, архитектурном стиле – классицизме.  Попробуем разобраться, почему в России этого времени классицизм становится главенствующим стилем архитектуры. Принципы этого стиля близки принципам  классицизма в литературе и изобразительном искусстве.  Рационалистичность, четкость и строгость построения художественного произведения, ясность мысли. А так же гражданственность, культ государства, патриотизм, вот что отличает этот стиль. Плюс к этому, глубокое изучение и использование образцов античного искусства. Недаром, основная заповедь классицизма – «Благородная простота и спокойное величие!» -  ее провозгласил знаменитый историк античного искусства И. Винкельман. Русский поэт А. П. Сумароков выразился гораздо непосредственнее: «Пропади такое величие, в котором нет ясности». Архитектуре классицизма свойственна симметрия, строгая гармония пропорций, широкое использование ордера / 21 /. Лучшие создания архитекторов-классицистов отличает соотнесенность и соразмерность человеку. Они не подавляют своим великолепием и размахом. Членения этих зданий, их ордер соотнесены с масштабом человеческой фигуры. Их архитектурный замысел прост и ясен, все формы успокоены.

 В построенном по классицистическим принципам городе должна быть реализована идея человека-гражданина и его служения обществу. Соответственно, наибольшее значение приобретает строительство общественных зданий. К тому же классицисты считали, что важнейшим в архитектуре является строительство именно подобных сооружений.

    Кроме того, Екатерина Великая была увлечена античным зодчеством, мечтая построить античный дом, такой же, как в древности, она замыслила грандиозное строительство, при чем не только в Петербурге, а по всей стране. Пышный и торжественный стиль барокко этому замыслу не соответствовал. Во-первых, потому что вышел из моды, перестал отвечать эстетическим воззрениям нового времени, во-вторых, дорого - он перестал соответствовать экономическим возможностям заказчиков (в основном ими были мелкопоместные дворяне и купцы), ну а в-третьих, этот стиль был любим Елизаветой Петровной, а значит, его ненавидела Екатерина.

Появление архитектуры классицизма в России способствовало отставке в 1764 г. Растрелли. Гостиный двор на Невском проспекте, который должен был возведен по его проекту,  построили по проекту Ж.- Б. Валлен-Деламота, поскольку задумка Растрелли показалось  застройщику слишком пышной и дорогой.  

На  развитие классицизма в русской архитектуре воздействовали и внешние обстоятельства. Античная культура стала известна в России с начала века и получала свое воплощение в застройках Д. Фонтана, Н. Микетти, М. Еропкина. В 1748 г. в Италии начались раскопки на месте, где от извержения Везувия погиб античный город Помпеи. Русские активно интересовались ходом раскопок, что способствовало углубленному интересу к античной архитектуре. Кроме того, в 1764 г. на русский язык был переведен трактат уже упоминавшегося нами исследователя античной культуры Винкельмана «История искусства древности», подогревший  еще больший интерес к  новому стилю.

    Появление классицизма в русской архитектуре имело и социально-экономические предпосылки. Важным обстоятельством явился возросший государственный престиж, требовавший возведения монументальных сооружений. Для развития науки и образования необходимо строительство новых школ, институтов, библиотек, театров и т. п. Например, в Петербурге за это время были возведены: здание Академии художеств (арх. А. Кокоринов и Ж.-Б. Валлен-Деламот), Смольный институт (арх. Дж. Кваренги), Публичная библиотека (арх. Е. Соколов), здание Академии наук (арх. Дж. Кваренги), и еще множество других общественных зданий.  

В 1785 г. многим городам были даны, так называемые, Жалованные грамоты, в которых подтверждались привилегии купцам и промышленникам, если они начнут на свои средства возводить здания государственного значения (лавки, Гостиные дворы, рынки, склады, биржи, банки).  Кроме того, в каждом городе за счет казны строились административные здания (губернаторские дома, больницы, тюрьмы, казармы).

      Середина века - время становления русского помещичьего быта. Появляется большое количество помещичьих хозяйств, возникают дворянские усадьбы, где главенствовали идеи Просвещения. Дом и парк должны были восприниматься как единое целое, в котором воплощалась простота и строгость, чему соответствовал новый стиль.

    Русский классицизм в архитектуре просуществовал с 1760-х до 1840-х гг. Так же как и у русского барокко, у русского классицизма есть свои отличительные особенности. Это стиль, именно, русский.  Прежде всего, это связано с творческим характером русских архитекторов, которые часто строили барские усадьбы. Обширное строительство усадеб приводило к тому, что  авторитет архитектора  становился очень большим,  зодчий не зависел в творческом плане от заказчика, а значит, был свободен в проявлении творческой индивидуальности.

Кроме того, как и в барокко, отличительной чертой русского классицизма становится цвет. Стены здания окрашивали стойкими красителями, замешанными на известковом молоке, это были серые, желтые, оранжевые, красные, синие цвета. Декор же здания был белым или тонированным.  Такое использование цвета соответствовало русской национальной традиции. Это наиболее ярко выражалось в архитектуре Москвы и в застройках провинциальных городов, поскольку там не было строго надзора за соблюдением стиля.

Не менее важным было еще одно обстоятельство: сила русского классицизма в ансамбле, в художественной организации пространства. Вне гармонирующего окружения, вне союза со скульптурой классицистическое здание редко может произвести сильное эстетическое впечатление. Чаще всего оно кажется холодным: строгая симметрия, прямые линии, прямые ряды колонн, геометрически правильные фронтоны… Как правило, само по себе такое здание ничего, кроме скуки вызвать не может.

Наиболее выразительно, последовательно и строго классицизм проявился в Петербурге. Это связано, во-первых, с представительской функцией петербургских зданий, во-вторых, на строгость соблюдения стиля оказывала влияние деятельность Академии художеств и надзор государственных учреждений, в-третьих, Петербург в основном строили иностранные архитекторы, все это привело к тому, что «русскость» в петербургском классицизме отражена довольно слабо.

 Во многом именно поэтому Петербург постепенно приобретал облик города-музея, где наиболее отчетливо воплотился стиль классицизма «в чистом виде».

Антонио Ринальди.  Одним из наиболее видных архитекторов раннего классицизма был Антонио Ринальди  (около 1709-1794). Его творчество происходит на стыке двух стилей, он еще не может отказаться от барокко, но уже очень близок к классицизму. Уроженец Италии, Ринальди приезжает в Россию в 1752 г. по приглашению графа Кирилла Разумовского, знакомится с будущей императрицей Екатериной и в 1756 г. назначается архитектором при дворе великого князя Петра Федоровича (будущего Петра III) и его супруги. С этих пор начинается непрерывная деятельность этого замечательного зодчего, давшего России целый ряд шедевров архитектуры. Ринальди отличился уже своей первой работой в окрестностях Петербурга - в Ораниенбауме. Однако его ранние постройки не сохранились. До нас дошли более поздние произведения – Китайский дворец и Катальная горка. Китайский дворец, построенный Ринальди в 1762-1768 годах, отличается легкостью, изяществом архитектуры, гармонично вписан в пространство парка. Китайским он назван потому, что в нем есть фантастично декорированный, как тогда казалось, «в чисто китайском вкусе», большой зал, получивший название Китайского. Окруженный регулярным парком дворец, с подчеркнутой изысканностью, отделан в стиле рококо. В отделке этого здания сказалась главная особенность Ринальди – увлечение своеобразными приемами декоративного убранства: наборными паркетами, тонкого рисунка дверями, изящной лепкой и декоративными вставками. Кроме Китайского дворца Ринальди соорудил в Ораниенбауме множество всяких увеселительных домиков, беседок, колоннад, которые были тогда в моде. Из всех парковых затей сохранился только павильон Катальной горки (1762-1774). Эта единственно уцелевшая часть когда-то сложного и хитрого сооружения, славившегося по всей Европе, представляет собой изящную и легкую декоративную игрушку. В павильоне Катальной горки, построенном в стиле рококо, этажи вырастают один над другим и завершаются колоколообразным куполом.

После окончания ораниенбаумских построек, в 1768 г. императрица поручает Ринальди сооружение на набережной Невы Мраморного дворца, получившего такое название из-за его облицовки. В этом серьезном, строгом и даже суровом здании трудно узнать руку создателя парковых затей. Здесь все взвешено, обдумана каждая мелочь, и снаружи практически не ощущается влияние барокко. В архитектуре этого здания воплотилось новое стилевое направление с его простыми и строгими формами. Зато дух барокко царит внутри и на великолепной лестнице, и в убранстве покоев. Ни у кого из архитекторов данного времени, работавших в России, не был столь велик контраст между наружной и внутренней архитектурой, как у Ринальди. Главным фасадом / 22 /  дворец был обращен на парадный двор, расположенный на берегу канала, остальными тремя фасадами он выходил на Дворцовую набережную, Мраморный переулок и Миллионную улицу. Это был дворец городского типа, несколько замкнутый и строгий. Его фасады плоски, ритм окон однообразен, нижний этаж гладок и прост, горизонтали корпусов подчеркивают ощущение четкости и ясности форм. Первый этаж облицован гранитом, а два верхних, объединенных коринфскими пилястрами и полуколоннами, - цветными олонецкими мраморами от нежнорозового до серого.

Мраморам были отделаны и интерьеры, из которых сохранилось только два. Тонко подобранный камень различных оттенков сочетался с выполненными из ценных пород дерева паркетами и дверями. Все это дополнялось барельефами и статуями работы Шубина и Козловского.

В 1766 г. граф Орлов поручил Ринальди постройку дворца на подаренной ему императрицей мызе Гатчина. Однако после смерти Григория Орлова Екатерина купила у его наследников вместе с Мраморным дворцом и Гатчинский, и отдала его великому князю Павлу Петровичу. По приказу Павла дворец был перестроен архитектором Бренна, поэтому в Гатчинском дворце (1766-1781) к творчеству Ринальди относится лишь центральный корпус, где присутствует строгий поэтажный ритм ордеров – дорического, ионического коринфского, Дворец тоже облицован натуральным камнем – пудожским известняком, меняющим цвет от светло-серого до розового в зависимости от освещения.

Прекрасной работой Ринальди является здание Князь-Владимирского собора с полуярусным расположением ордеров.

Самым первым зданием, построенным в Петербурге в новом стиле, было здание Академии художеств, возведенное двумя прекрасными архитекторами – А. Ф. Кокориновым и Ж.-Б. Валлен-Деламотом.

  Александр Филиппович Кокоринов (1726 -1772).

Сын архитектора, он учился в Тобольске, а затем в Москве у великого Ухтомского. В 1754 г. переезжает в Петербург.  Основной деятельностью Кокоринова  становится заведование Академией художеств, он является ее директором, ведущим педагогом и руководителем строительных работ. Однако, не смотря на напряженную работу в Академии, Кокоринов не оставляет занятия архитектурой.

Его главное архитектурное творение - здание Академии художеств, построенное в соавторства с Ж.-Б. Мишелем Валленом-Деламотом.

В 1764 году Кокоринов и Валлен-Деламот составили проект нового, грандиозного по тем временам здания, в котором четко продуманное расположение помещений сочеталось с великолепными пропорциями всего сооружения и выразительными фасадами, выдержанными в стиле классицизма. Авторы стремились избегать обилия декора, которое так свойственно стилю барокко.  Вместо перегрузки украшениями ясная логика форм, четкие членения.  Массивный нижний цокольный этаж отчетливо выделен рустом. Его окна в глубоких нишах с полукруглыми завершениями составляют своего рода аркаду, на которой покоятся два верхних этажа. Главный, смотрящий на Неву фасад, оформлен достаточно просто – гладкими пилястрами. Лишь центральный и боковые выступы имеют колонные портики.  Центральный выступ главного фасада подчеркнут четырехколонным портиком / 23/, увенчанным фронтоном / 24 /. В центральный портик прекрасно вписаны скульптуры Геркулеса и Флоры. До пожара купол украшала фигура Минервы. Подобный декор свидетельствует о начале нового понимания синтеза скульптуры и архитектуры, когда скульптура, сохраняя свое самостоятельное значение, занимает в архитектурной композиции важное, хотя и подчиненное общей идее, место.

Архитектурный ордер становится основой расположения частей здания. Классицизм вступает в свои права. Только средний объем здания не укладывается в рамки нового стиля – купол сложной барочной формы. А центральный выступ не прямоугольный, а изогнутый – его стены в нижнем этаже образуют выпуклую кривую, а в двух верхних – вогнутую. Этим криволинейным барочным формам соответствует нижний круглый вестибюль, расположенный в среднем выступе. Только эти небольшие вольности – наследство барокко. Общее направление, которому следовали Кокоринов и Ж.-Б. Валлен-Деламот соответствовало новым идеалам. Простота, ясность и четкость всей композиции, строгость линий, лаконичность декора говорят о новом стилевом направлении – классицизме. Здание «Академии трех знатнейших художеств» - первое в Петербурге, построенное с учетом новых вкусов. Над входом в Академию красовались слова: «Свободным художествам».

Жан-Батист Мишель Валлен-Деламот.  Соавтор Кокоринова французский архитектор Жан-Батист Вален-Деламот (1729-1800) был приглашен И. И. Шуваловым для преподавания архитектуры в только что основанной Академии художеств. Помимо того, что Деламот преподавал в Академии, он много строил в Петербурге.

Всего через два года после окончания строительства Зимнего дворца рядом с ним по проекту Валлен-Деламота начали возводить здание Малого  Эрмитажа (1764-1767). Простые люди называли его по имени автора «Ламотов павильон».

В этом относительно небольшом сооружении проявились характерные черты классицизма. Деламот сохранил общую высоту, равную Зимнему дворцу, и высоту поэтажных членений. Однако он придал им совершенно иной характер. Нижний этаж имеет крупную рустовку и о