В западноевропейской культуре

Конца XIX в.

 

Во второй половине XIX в. в Западной Европе культурным центром становится Франция, происходит утверждение буржуазной демократии, проявляются первые черты формирующегося массового сознания. Концентрация жителей в городах сопровождается динамизацией жизни, связанной с развитием промышленности, транспорта, средств связи, ускорением темпов общественной эволюции и научного прогресса.

Резко возрос поток информации, что вызывает попытки создания глобальной информационной системы. Еще не было ни радио, ни телевидения, но электротелеграф уже приблизил удаленные точки земного шара, а растущие тиражи газет способствовали более широкому распространению информации.

Социальные и гуманитарные науки вынуждены были учитывать фактор массовости. Распределение и потребление искусства с середины XIX в. отличается прежде всего резко нарастающей демократизацией. Ведущее место заняла литература, развивается издательское дело, появляется масса новых журналов с невиданными ранее тиражами.

Уже в предыдущую эпоху наметилось разграничение функций в творческой деятельности: помимо художников возник особый корпус посредников — издателей, торговцев художественными произведениями, антрепренеров и т. д. Главной пружиной распространения произведений искусства стал коммерческий интерес. Предприниматель старался угождать любым вкусам, поэтому поощрялось создание низкопробной и псевдохудожественной продукции. Именно в XIX в. начинается массовая культура со всеми ее противоречиями и пороками.

Отталкиваясь от реализма и романтизма, возникают новые художественно-эстетические теории, получившие большую или меньшую популярность. Преемником некоторых романтических традиций стало возникшее в Англии в 1842 г. «Братство прерафаэлитов» — общество поэтов и художников: поэт и живописец Д. П. Россети (1828—1882), поэтесса К. Россети (1830—1879), живописцы Дэс. Э. Миллес (1842—1896) и Э. Берн-Джонс (1821—1878), художник, дизайнер, писатель У. Моррис (1834—1896). Неприятие современной цивилизации сочеталось у прерафаэлитов с идеализацией Средневековья и Раннего Возрождения, требованиями эстетизации жизни. Они стремились к возрождению «наивной религиозности» в искусстве. Идеи прерафаэлитов в дальнейшем во многом повлияли на развитие символизма в английской литературе (О. Уайльд), стиля модерн в изобразительном и декоративном искусстве.

Символизм

Как новое направление в искусстве символизм сложился в Европе в конце XIX— начале XX вв. Наиболее крупными представителями французского символизма были поэты Поль Верлен (1844—1896), Стефан Малларме (1842—1898), Артюр Рембо (1854—1891) и др.

П. Верлен (сборники стихов «Галантные празднества», «Романсы без слов», «Мудрость») ввел в лирическую поэзию сложный мир чувств и переживаний, придал стиху тонкую музыкальность.

Для творчества О. Малларме характерен усложненный синтаксис, инверсии1, стремление к передаче «сверхчувственного». Это отчетливо прослеживается в драматических фрагментах «Иродиада» и сборнике «Стихотворения».

Одна из основных фигур французской поэзии — А. Рембо, автор книг стихов и прозы «Сквозь ад» и «Озарения», проникнутых алогичностью, «разорванностью» мыслей, антибуржуазностью и пророческим пафосом:

Поэт сам делает себя восприимчивым — путем длительного, изнуряющего и тщательно продуманного расстройства всех чувств.

Символизм получил распространение и в других странах: в Германии — в творчестве Стефана Георге (1868—1933), в Австрии — Гуго Гофмансталя (1874— 1923) и Райнера Марии Рильке (1875—1926), в Бельгии — Мориса Метерлинка (1862-1949), Жоржа Роденбаха (1855-1898).

С. Георге отстаивал культ «чистого искусства» и его мессианской роли в сборниках «Седьмое кольцо», «Звезда союза». Он испытал влияние Ф. Ницше (сборник «Новое царство»).

Символизмом проникнуты лирика и драматургия Г. Гофмансталя («Каждый человек»).

Ведущая тема творчества Рильке — стремление преодолеть одиночество через любовь к людям и слияние с природой. В его произведениях {«Книга образов», «Часослов») сочетаются философская символика, музыкальность и пластичность. Роман-дневник «Заметки Мальте Лауридса Бригге» предвосхищает экзистенциалистическую прозу.

Протест против приземленности натурализма выражал М. Метерлинк в своей символистической поэтике. Он автор пьес «Сестра Беатриса», «Монна Ванна», «Синяя птица». Метерлинк — лауреат Нобелевской премии 1911 г.

Творчество крупнейшего поэта-символиста Ж. Роденбаха, автора символистических романов «Мертвый Брюгге», «Звонарь», носит религиозно-мистический характер.

Символисты, сосредоточив свое внимание на художественном выражении посредством символов «вещей в себе» и идей, находящихся за пределами чувственного восприятия человека, стремились прорваться сквозь видимую реальность к «скрытым реальностям», сверхвременной идеальной сущности мира, его «нетленной» красоте. Здесь уже со всей определенностью проявились ведущие тенденции современного искусства — тоска по духовной свободе, трагическое предчувствие социальных катастроф, недоверие к вековым культурным и духовным ценностям, мистицизм.

Болезненный упадок цивилизации — очевидность, бесспорная для выдающегося французского поэта Шарля Бодлера (1821—1867). Он предвестник французского символизма. Его главная книга получила название, вызывающее, но точно соответствующее сгущенно-трагическому видению мира, — «Цветы зла». Это ненависть к буржуазному миру, анархическое бунтарство, тоска по гармонии. Поэт сочетает эти чувства с признанием непреодолимости зла:

Настоящие путники те, кто пускается в путь, оставляя прошлое.

Натурализм

Трансформация, специфическая для конца XIX в., происходит с реалистической традицией — перерождение реализма в натурализм.

Сторонники этого направления исходили из представления о полной предопределенности судьбы, воли, духовного мира человека социальной средой, бытом, наследственностью, физиологией. В 80-е годы XIX в. натурализм становится влиятельным направлением во французской литературе. Наиболее крупный представитель и теоретик этого течения — Эмиль Золя (1840—1902). В своем главном труде — двадцатитомной серии романов «Ругон-Маккары» Золя нарисовал широкую панораму Французского общества, охватив в ней жизнь всех слоев населения страны. В своих лучших романах «Чрево Парижа», «Западня», «Жерминаль», «Деньги», «Разгром» писатель с большой реалистической силой изобразил социальные противоречия. Однако представление о законах общества как биологических законах ограничивало его реализм.

Другими известными представителями натурализма в литературе были: французы братья Эдмонд (1822—1896) и Жюль (1830—1876) Гонкуры, немцы Арно Хольц (1863—1929), Герхарт Гауптман (1862—1946), бельгиец Камиль Лемонье (1844—1919).

В романах братьев Гонкур («Жермини Ласерте», «Рене Мопрен») жизнь разных слоев общества показана и реалистическими, и натуралистическими методами. В 1879 г. после смерти брата Эдмон Гонкур написал повесть «Братья Земгано». По завещанию Эдмона Гонкура основана Гонкуровская академия (1903), которая ежегодно присуждает премию за лучший роман года во Франции.

Арно Хольц — теоретик натурализма.Им изданы сборник стихов «Книга времени», а также совместно с И. Шлафом сборник новелл «Папа Гамлей» и драма «Семья Зелике».

Основоположник немецкого натурализма Г. Гауптман, автор драм «Перед восходом солнца», «Роза Бернд», «Перед заходом солнца», комедии «Бобровая шуба», в которых социальный критицизм соседствует с абсолютизацией биологических законов, символистикой (сказка-драма «Потонувший колокол»). Позже в его творчестве проявились мистические тенденции. Он автор драмы «Ткачи» о польском восстании силезских ткачей. Лауреат Нобелевской премии 1912 г.

Натуралистическое направление в искусстве было неоднородным. Наряду с реалистическими, демократическими чертами нередко доминировали тенденции декадентства, со свойственной ему безнадежностью, аморализмом, упадком духа.

Импрессионизм

Под влиянием представителей живописи критического реализма (Курбе, Домье) появилось новое направление в искусстве — импрессионизм (от франц. impression— впечатление). Эстетические установки этого направления характеризовало желание соединить познавательные задачи с поиском новых форм выражения неповторимого субъективного мира художника, передать свои мимолетные восприятия, запечатлеть реальный мир во всей его изменчивости и подвижности. Его история сравнительно кратковременна — всего 12 лет (от первой выставки картин 1874 г. до восьмой в 1886 г.).

Импрессионизм представлен в творчестве таких художников, как Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Камиль Писсаро и других, объединившихся для борьбы за обновление искусства против официального академизма в художественном творчестве. После проведения в 1886 г. восьмой выставки эти группы распались, исчерпав возможности развития в рамках единого направления в живописи.

Клод Моне (1840—1926) — ведущий представитель импрессионизма, автор тонких по колориту, напоенных светом и воздухом пейзажей. В серии полотен «Стога сена», «Руанский собор» он стремился запечатлеть мимолетные, мгновенные состояния световоздушной среды в разное время дня. От названия пейзажа Моне «Впечатление. Восходящее солнце» произошло и название направления — импрессионизм. В более поздний период в творчестве К. Моне появились черты декоративизма.

Камиль Писсарро (1830—1903) — представитель импрессионизма, автор светлых, чистых по цвету пейзажей {«Вспаханная земля»). Для его картин характерна мягкая сдержанная гамма. В поздний период творчества обратился к изображению города — Руана, Парижа («Бульвар Монмартр», «Оперный проезд в Париже»}. Во второй половине 80-х гг. испытал влияние неоимпрессионизма. Работал и как график.

Творческому почерку Эдгара Дега (1834—1917) свойственны безупречно точное наблюдение, строжайший рисунок, сверкающий, изысканно красивый колорит. Он прославился свободно асимметричной угловатой композицией, знанием мимики, поз и жестов людей разных профессий, точными психологическими характеристиками: «Голубые танцовщицы», «Звезда», «Туалет», «Гладильщицы», «Отдых танцовщиц». Дега — прекрасный мастер портрета. Под влиянием Э. Мане.перешел к бытовому жанру, изображая парижскую уличную толпу, рестораны, скачки, балетных танцовщиц, прачек, грубость самодовольных буржуа. Если произведения Мане светлы и

жизнерадостны, то у Дега они окрашены грустью и пессимизмом.

Пьер Огюст Ренуар (1841—1919) вместе с К. Моне и А. Сислеем создали ядро импрессионистского движения. В этот период Ренуар работает над развитием живого, красочного художественного стиля с «перистым мазком» (известным как радужный стиль Ренуара); создает множество чувственных ню {«Купальщицы»). В 80-е годы все более тяготеет к классической ясности образов в своем творчестве. Более всего Ренуар любил писать детские и юношеские образы и мирные сцены парижской жизни {«Зонтики», «Мулен де ла Галет», «Ж. Самари»). Для его творчества характерны светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, воспевающие чувственную красоту и радость бытия. Но Ренуару принадлежит следующая мысль'.

В течение сорока лет я шел к открытию того, что королевой всех цветов является черная краска.

Тесно связано с импрессионизмом и творчество Анри Тулуза-Лотрека (1864— 1901). Он работал в Париже, где рисовал танцовщиц и певиц из кабаре и проституток в своей особой манере, отличающейся яркими красками, смелостью композиции и блестящей техникой. Большим успехом пользовались его литографические плакаты.

Импрессионизм можно рассматривать и гораздо шире — как стиль, в котором отсутствует четко заданная форма, предмет запечатлен в отрывочных, мгновенно фиксирующих каждое мгновение штрихах, обнаруживающих, однако, скрытое единство и связь. В этом, более широком смысле, импрессионизм проявился не только в живописи, но и в других видах искусства в частности, в скульптуре.

Так, современником и соратником импрессионистов был великий французский скульптор Огюст Роден (1840-1917). Его драматическое, страстное, героически возвышенное искусство прославляет красоту и благородство человека, оно пронизано эмоциональным порывом (группа «Поцелуй», «Мыслитель» и др.) Для него свойственна смелость реалистических исканий, жизненность образов, энергическая живописная лепка. Скульптура имеет текучую форму, приобретает как бы незаконченный характер, что роднит его творчество с импрессионизмом и в то же время позволяет создать впечатление мучительного рождения форм из стихийной аморфной материи. Эти качества ваятель сочетал с драматизмом замысла, стремлением к философским размышлениям («Бронзовый век», «Граждане Кале»). Художник Клод Моне назвал его «великим из великих». Родену принадлежат слова:

Скульптура — это искусство углублений и выпуклостей.

В XIX в. творили такие известные скульпторы как Франсуа Рюд (1784—1855) — создатель барельефа «Марсельеза» на Триумфальной арке в Париже, изображающего фигуру Свободы, ведущую за собой революционеров; анималист Бари; мастер реалистического скульптурного портрета Долу.

Но только Роден внес новое в пластическое искусство лепки, расширил его диапазон и обогатил язык. Портретным бюстам Родена свойственны острота и цельность передачи характера изображаемого человека, его внутреннего мира («Ж. Долу», «А. Рошфор»). Творчество Родена было новаторским, плодотворным, оно дало импульс художественным исканиям многих мастеров европейской скульптуры XX в.

Влияние импрессионизма прослеживается в творчестве многих писателей, художников, композиторов, представляющих различные творческие методы, в частности, братьев Гонкур, К. Гамсуна, Р. М. Рильке, Э. Золя, Ги де Мопассана, М. Равеля, К. Дебюсси и др.

Клод Дебюсси (1862—1918) — основоположник музыкального импрессионизма. Он воплотил в музыке мимолетные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Современники считали своего рода манифестом музыкального импрессионизма прелюдию к «Послеполуденному отдыху фавна». Здесь проявилась зыбкость настроений, утонченность, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Одно из наиболее значительных произведений Дебюсси — опера «Пеллеас и Мелизанда» по драме М. Метерлинка. Композитор создает сущность неясного, символически-туманного поэтического текста. Самое крупное симфоническое произведение Дебюсси — три симфонических эскиза «Море». В последующие годы в сочинениях Дебюсси проявились черты неоклассицизма.

Продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической музыки французский композитор и пианист Морис Равель (1875—1937).

Его работам присущи чувственность, экзотическая гармоничность и великолепные оркестровые эффекты (балет «Дафнис и Хлоя», болеро для оркестра).

Постимпрессионизм

Основные черты импрессионизма получили свое развитие в постимпрессионизме. Яркими представителями этого направления были художники П. Сезанн, В. Ван Гог, П. Гоген. Они начали работать одновременно с импрессионистами и испытали в своем творчестве их влияние. Каждый из них, однако, представлял собой яркую индивидуальность и оставил глубокий след в искусстве.

Так, Поль Сезанн (1839—1906) в ранних работах обращался к приемам живописи старых мастеров («Оргия»), затем испытал воздействие Г. Курбе («Печка в мастерской»). С 70-х гг. складывается собственная живописная система Сезанна, достигшая зрелости к концу 80-х гг. Именно в это время Сезанн отходит от импрессионизма. Он тщательно занимался поиском не изменчивости цветов, а устойчивых структурных закономерностей, лишенных незначительного, гармонической уравновешенности природы, единства ее форм во всех жанрах (портрете, фигурной композиции, пейзаже, автопортрете, натюрморте). Он автор таких картин, как «Берега Марны», «Персики и груши», «Пьеро и Арлекин». Сезанн оперировал преимущественно градациями трех основных цветов — зеленого, голубого и желтого. У него смелый лаконичный рисунок.

Творчество Сезанна нашло много подражателей и последователей и оказало большое влияние на живопись XX в.

Поль Гоген (1848—1903) — один из выдающихся представителей постимпрессионизма, близкий к символизму и стилю модерн. Он использовал синтетические обобщения цвета и линий. Основная тема картин Гогена — быт и легенды народов Океании (Таити), поэтический мир гармонии человека и природы. Его картины, декоративные, полные символики, характеризуются насыщенным чистым цветом. Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришел к примитизации формы. У него предельно упрощенный рисунок, формы предметов нарочито плоскостны, краски чистые и яркие. Композиции носят орнаментальный характер. Гоген — автор таких картин, как «Брод», «А, ты ревнуешь?». На Таити он написал один из своих шедевров «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?»

Вершина постимпрессионизма — творчество Винсента Ван Гога (1853— 1890). В его творчестве два периода: первая половина 80-х гг. и последние три года жизни, когда он был тяжело болен. Несмотря на непродолжительный период творческой жизни, художник создал произведения, оставившие неизгладимый след в мировой культуре. Творчество Ван Гога имеет пессимистический, тревожный, болезненный, экспрессивный характер. В его произведениях то восторг перед жизнью, миром, то чувство одиночества и щемящая тоска. Его картины «Хижины», «Спальня», изображающие простые дома или комнаты, полны драматизма. Впечатление напряженности усиливается особым приемом наложения краски резкими, иногда зигзагообразными или параллельными мазками, ведущими при изображении, например, земли или хижины в одном направлении, а неба — в другом, противоположном. С необычайной обостренностью восприятия он пишет природу (цветы, деревья, траву), архитектуру, людей («Овер после дождя», «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гаше»). Его пейзажи, написанные в Арле, пронизаны страстным жизнелюбием. В них — сочетание ярких цветов, выразительный ритм рисунков и смелые свободные композиционные решения («Ночное кафе», «Красные виноградники в Арле»).

При жизни Ван Гог не пользовался никакой известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее.

И в целом творчество постимпрессионистов выразило доминирующие мотивы и настроения своете времени, оказало большое влияние на развитие художественной культуры рубежа XIX—XX вв.

Театр

Влияние символизма и декадентства испытал и западноевропейский театр. Деятели этого направления призывали к созданию синтетического театpa, в котором представления сочетали бы слово, цвет, музыку. Его назначение символисты видели в воздействии на зрителя образами, не поддающимися конкретной смысловой расшифровке. В то же время они отстаивали принцип автономности творчества режиссера и художника по отношению к драматургии, являющейся идейной основой спектакля. Если актеры реалистического театра создавали многогранные образы, жизненно достоверные, то символисты стремились противопоставить этому односторонне заостренный, поэтически преобразованный образ-символ.

Такие деятели символизма, как С.Малларме, М. Метерлинк, Г. Крэг (1872 — 1966), отдавали предпочтение театру марионеток, хотели героев спектакля заменить «маской», «сверхмарионеткой».

Изобразительные средства (живописность мизансцен, скульптурность поз, музыка, цвет) должны были подчиняться созданию мистической атмосферы, чтобы внушить зрителю чувство иллюзорности окружающей действительности.

Символисты пытались реставрировать различные виды средневековых представлений (мистерии, миракли1 и др.), использовать технику и сценические стили различных эпох.

В этот период возникло много студийных театров (особенно в Париже), в репертуаре которых были мистико-поэтические пьесы-легенды П. Кийара, К. Мендеса, пьесы Метерлинка; читались произведения Ш. Бодлера, А. Рембо, П. Верлена, С. Малларме.

Наряду с декадентскими пьесами шли драмы Ибсена, Б. Бьернсона, ранние пьесы А. Стриндберга (1849— 1912), а также Р. Ролаана (1866—1944) и М. Горького.

 

 

Художественная культура XIX в. развивалась под воздействием разнообразных политических, экономических, социальных, религиозных, национальных факторов. Особенное значение для ее развития имела Великая французская революция, провозгласившая идеи свободы, равенства, братства. Революция поставила задачу подготовки общества принять великую идею единой человеческой семьи. В истории человечества это была новая идея, новый идеал.

Поскольку практика значительно расходилась с провозглашенными революцией идеалами, искусство, развивающееся в этот период, критически осмысливало действительность, поэтому для художественной культуры XIX столетия характерен критицизм.

Ведущее положение из всех видов художественного творчества заняла литература, которая определяла художественную жизнь этого столетия.

Помимо искусства слова, XIX в. создал великолепные образцы музыкальных и сценических творений. В музыке достигли высот оперное и балетное искусства, а также симфонические произведения.

В области пластических искусств наивысшие достижения принадлежат живописи. Искусствовед Лионелло Вентури отмечал: «... по своему числу и мастерству гениальные живописцы XIX века могут выдержать сравнение с живописцами любого из предшествовавших веков1.»

В XIX в. окончательно выделилась в самостоятельный вид изобразительного искусства графика, чему способствовало изобретение литографии — гравюры на камне.

Особенностью развития культуры и искусства XIX в. является разнообразие художественных направлений и стилей, методов и форм, которые менялись буквально каждое десятилетие.

Развитие отдельных видов искусства осуществлялось неравномерно по странам. Если по масштабу и уровню развития музыкального искусства первенствовали Италия, Германия и Франция, то по литературному творчеству — Франция, Англия. Наивысшие достижения в живописи дали Франция и Испания.

Нес в себе XIX в. и потери как в определенных направлениях искусства, так и в достижениях отдельных стран.

Преобладание критического миросозерцания предопределило невозможность создания большого архитектурного стиля. Искусствоведы считают последними достижениями выдающиеся архитектурные ансамбли неоклассического стиля, созданные на рубеже XVIII—XIX веков. В XIX в. успехи утилитарного градостроительства не содержали в себе прогресса художественного зодчества — царили эклектика и заимствование прежних архитектурных стилей.

То же произошло с монументальной скульптурой. Лучшее из созданного ваятелями XIX в. относится к жанру станковой скульптуры.

Из того немногого, что явила архитектура, лучшее достигнуто в Англии, в искусстве скульптуры — во Франции.

Несмотря на многообразие стилей, сложившихся в XIX в., первенствующим считается реалистическое художественное направление, давшее блестящие результаты во всех видах искусства и литературы.

 

 

 

 

Евразийская цивилизация

 

Русская культура

XVII-XVIII веков

 

В XVII в. в истории России завершается период Средневековья. Передовые страны Европы вступили уже на путь буржуазного развития, а Россия продолжала оставаться феодальной страной, хотя уже появились зачатки промышленности — первые мануфактуры. Утвердилась новая царствующая династия Романовых. В России сложилась сословно-представительная монархия.

Начало нового периода в русской истории было и новым этапом в истории русской культуры. В XVII в. русская культура сохранила все характерные черты феодальной культуры Средневековья, но намечаются и новые элементы. Это была культура переходного времени, новые тенденции четко обозначились лишь к концу века.

Начинается формирование русской нации. Обобщаются народные традиции, усиливается взаимосвязь местных обычаев. Постепенно происходит взаимопроникновение различных диалектов, складывается единый русский язык.

XVIII в. характеризуется на Руси поздним феодализмом. Делаются попытки преодолеть отставание России от стран Западной Европы, происходят существенные перемены во всех областях жизни. Их начало связано c^peфopмами Петра /(1672—1725). В России утверждается самодержавная власть — абсолютная монархия.

В XVIII в. развиваются внешние экономические и культурные связи России с западными странами, способствующие вхождению ее в мировой историко-культурный процесс. Во второй половине XVIII в. в недрах феодальной экономики формируется капиталистический уклад.

К концу XVIII в. завершается процесс складывания русской нации набазеуже сложившейся русской народности с высоким уровнем культуры и чувством национального единства.

Основным содержанием историко-купьтурного процесса в этот-период были формирование и развитие национальной русской культуры. Появляются новые сферы культуры — наука, художественная литература, светская живопись, общедоступный театр и др.

 

Культура России

На пороге Нового времени

 

Культурно-исторический процесс этого периода характеризуется начавшимся разрушением средневекового религиозного мировоззрения. Падает духовный авторитет церкви, что приводит к росту демократических традиций. Происходит так называемое обмирщение культуры, т. е. ее отход от церковных традиций и придание ей светского, гражданского характера (секуляризация1).

Образование и книгопечатание

Этот процесс сказался на развитии образования и книгопечатания. Росту грамотности способствовало появление учебных пособий — рукописных и печатных. В 1634 г. был издан первый «Букварь» Василия Бурцева, в 1648 г. вышла «Грамматика» М. Смотрицкого, а в 1687 г. — «Считание удобное» — таблица умножения. Широкое распространение получили и рукописные азбуковники2, прописи и пособия по арифметике.

Распространение грамотности способствовало росту спроса на книги. В XVII в. Печатный двор в Москве издал 483 книги, в основном религиозного характера.

Продолжали выходить и рукописные книги. Издавались и переводные книги, которые с 70-х гг. XVII в. переводились в Посольском приказе. Это были произведения как на религиозные, так и на светские темы.

Обучение грамоте велось «мастерами из лиц духовного звания», обучали детей начиная с шести лет. После усвоения букваря переходили к заучиванию церковных книг — часослова и псалтыри. Дети знати учились в семьях, учителями зачастую были иностранцы. Многие обучали своих детей иностранным языкам, латыни.

Стали устраиваться школы, в основном при монастырях. В 1680 г. в Москве при Печатном дворе на Никольской улице было открыто училище с двумя классами: в одном изучали славянские языки, в другом — греческий. Сначала в училище преподавали 30 учителей, а через пять лет — уже более 200. В 1687 г. в Москве была открыта первая высшая школа — Славяно-греко-латинская Академия, где наряду с греческим и латинским языками преподавали ряд богословских и светских дисциплин. В Академию перевели старших учеников из училища при Печатном дворе, которое стало подготовительным отделением Академии. Окончившие Академию получали служебные чины.

Литература

В литературе XVII в. также происходило обмирщение, появляется реалистическая бытовая и историческая повесть, где постепенно утрачиваются церковные элементы. Героями становятся не святые, а обычные люди, описываются реальные события, например, исторические повести о завоевании Сибири Ермаком, об Азовском осадном сидении казаков и др.

Многие произведения повествовали о «смутном времени»: «Сказание» Авраама Палицина, «Новая повесть о преславном Российском государстве» и др. В них рассуждалось о причинах «великой разрухи» и в то же время показывались величие русского народа, его патриотизм.

В произведениях литературы второй половины XVII в. проявляется новое отношение к человеческой личности — интерес к внутреннему миру человека, признание его ценности независимо от положения в обществе.

К XVII в. относятся первые записи фольклора, произведений устного народного творчества, что оказало влияние на письменную литературу: начинается взаимное сближение литературного и народного языка.

Жанр жития приобретает характер автобиографии. Наиболее талантливое из них — «Житие протопопа Аввакума, им самим написанное», которое можно назвать первым в русской литературе мемуарным произведением. Протопоп Аввакум (1620—1682), один из крупнейших деятелей раскола русской церкви1, был и выдающимся писателем — написал более 80 произведений. Язык его сочинений — сочетание церковнославянского и живого разговорного языка. Большинство произведений написано им в последние 15 лет жизни, когда он сидел в остроге в ожидании смерти (сожжен в 1682 г.).

Появляются и новые литературные жанры, особенно во второй половине XVII в.: сатирические произведения, стихотворный и драматический жанры. Принципиально новой по языку, сюжету и герою стала бытовая стихотворная Повесть о Горе-Злосчастии, которая отражает взаимоотношения отцов и детей. Сюжет повести — трагическая судьба молодого человека (безымянного героя), купеческого сына. Он захотел порвать со старыми домостроевскими порядками и жить по своей воле, но это ему не удалось: Горе едва не довело его до погибели. В результате своих злоключений герой уходит в монастырь, спасаясь от Горя. Сюжет этой повести переплетается с библейским сюжетом о блудном сыне.

Той же теме посвящена стихотворная комедия «Притча о блудном сыне» Симеона Полоцкого (1629—1680). Он был автором и другой стихотворной пьесы «О Навуходоносоре царе......» и огромного количества стихов, посвященных пропаганде знаний. Он ввел в русскую поэзию новые жанры, был одним из зачинателей русского силлабического стихосложения.

Новым в русской литературе стал жанр демократической сатиры. В сатирических произведениях обличаются порядки феодального суда с его крючкотворством, волокитой, продажностью судей. Этой теме посвящены сатирические повести «О Шемякином суде» и «О Ерше Ершовиче — сыне Щетинникове», написанные простым народным языком. Последняя из них была широко распространена и переходила из столетия в столетие или в прозаической, или в стихотворной форме.

Получила распространение и переводная литература, которая проникала в Россию в основном через Польшу, а также Чехию. Переводные произведения издавались в сборниках «Великое зерцало» и «Римские деяния», куда входили поучительные повести, рассказы. Попадали в Россию и рыцарские романы, героями которых были короли, графы. Переводилась также бытовая и плутовская новелла, авантюрно-приключенческая повесть, юмористические рассказы и анекдоты. Зачастую под влиянием русского фольклора они претерпевали изменения, и сами становились достоянием устного народного творчества. Примером может служить «Повесть о Бове королевиче», в основе которой лежал французский рыцарский роман.

Архитектура

В зодчестве XVII в., особенно во второй половине века, отражается также переходный характер эпохи. Происходит обмирщение зодчества — отказ от строгих церковных канонов, переход от строгости и простоты к внешней нарядности, декоративности. Сущность новых исканий — «дивное узорочье», как определили этот стиль сами современники. Этот термин отражает пристрастие к обилию декоративных мотивов, вплоть до заимствования восточных, а позднее — и западных форм.

Русские храмы XVII в. отличаются богатым внешним видом и внутренним убранством. Постепенно усиливаются светские мотивы, снижаются различия между храмовым и гражданским строительством. Церкви становятся похожими на светские хоромы: к основному зданию пристраивались приделы, пристройки, галереи, все это соединялось переходами, составляя единый ансамбль.

Выдающийся памятник зодчества этого времени — московская церковь Рождества в Лутинках (окончание строительства в 1652 г.). Сооружение церкви обошлось в 500 руб., по тем временам — огромная сумма. Сначала деньги дали прихожане, но не рассчитали своих возможностей, и им дважды пришлось обращаться за помощью к царю. В композиции церкви сказалось то новое, что вошло в это время в каменную архитектуру Руси. Пять разновысоких шатров, придел и крыльцо объединены шатром встроенной колокольни — самой высокой части среди отдельных построек, составляющих храм. Храм украшен декоративными деталями, выделяется остротой силуэтов.

Церковь в Путинках была последним из шатровых храмов в Москве. В 1652 г. на патриарший престол вступил Никон, который запретил строительство шатровых храмов, поставив за образец традиционное пятиглавые. Отныне в патриарших грамотах на постройку церкви писалось: «А чтобы верх на той церкви был не шатровый». Однако шатровые храмы продолжали строиться вдали от столицы — Ярославле, Костроме и других городах. В Москве же зодчие использовали этот стиль при строительстве колоколен, которые пришли на смену звонницам. В традиционном стиле пятиглавия построены Патриаршие

палаты в Кремле, Воскресенский, Иверско-Валдайский монастыри. Комплекс зданий Ново-Иерусалимского монастыря — загородной резиденции патриарха Никона — строился около 40 лет (1656—1694) под руководством зодчего Аверкия Мокеева, а затем Якова Бухвостова (конец XVII в.) в Истре под Москвой. В Воскресенском соборе Ново-Иерусалимского монастыря патриарха, который повторяет храм в Иерусалиме, западный объем здания (ротонда) завершается шатром — патриарх мог себе позволить нарушить собственный запрет.

Московское (нарышкинское) барокко. Церковь Троицы в Троице-Лыкове

Наряду со старыми, традиционными формами в русском зодчестве появляются и новые. Архитектура второй половины XVII в. отличается большей декоративностью, используются различные украшения, яркая раскраска, фигурный кирпич, цветные изразцы как снаружи, так и внутри зданий. Эта пышная архитектура получила название московского барокко1. Характерные черты этого стиля — четкость и симметричность композиции, многоярусность постройки, тщательная проработка деталей, декоративная резьба по белому камню, раскраска фасадов и подчеркнутая устремленность здания вверх. Конструктивная основа — восьмерик на четверике с ярусом звонниц. Образцом стиля московского барокко стала церковь Покрова в Филях (1690—1693), которую построил в своей усадьбе брат царицы — Л. К. Нарышкин. Другие примеры — трапезная Троице-Сергиевого монастыря, многоярусная колокольня Новодевичьего монастыря, храм Спаса в подмосковном селе Уборы (1694—1697), храм Троицы в подмосковном Троице-Лыкове (1698—1703). Автор двух последних Яков Бухвостов, один из наиболее одаренных русских мастеров конца XVII в., крепостной графа П. И. Шереметева. Черты этого стиля проявились в здании Печатного двора (16