Балетмейстер и сфера его творческой деятельности

Хореограф – кто он?

Главное свойство будущего хореографа – понимание тела, интерес к нему и его возможностям, и не только своего собственного, но и других самых разных тел. Если ты решил стать хореографом, задайся вопросом: «Во что я верю? Что я хочу сказать?» С одной стороны он должен обладать высоким сопротивлением новизне ради новизны и мужеством при необходимости отойти от господствующих тенденций. Главное уметь прислушиваться к своему сердцу, внутренним голосам, которые помогают обрести самобытность. Если ставишь для других танцовщиков, нужно уважать их индивидуальность, помнить – они – не ты, понять их физически, эмоционально, психологически. Групповой танец требует тщательной проработке материала и выстроенной коммуникации между исполнителями, необходимо создавать некую единую форму

Очень важное качество балетмейстера – наблюдательность его не просто интересуют, а приводят в восторг любые формы и очертания. Он замечает художественные детали в повседневной жизни города: архитектура, контуры зданий и небо, замысловатые очертания машин, сплетения проводов, получая знания о форме. Ему знакомо чувство городской тесноты, заметит преобладание прямых линий и углов в пространстве. Природа бесконечно богата панорамами неба, линиями разнообразием форм животной и растительной жизни. Из всего черпаются знания о формах и пропорциях. Но больше всего интересуют люди, находящиеся в постоянном движении толпа или отдельный человек: старые, молодые, зрелые, они встречаются, разговаривают, любят, ссорятся, расстаются, ходят, работают. Постановщик наблюдает как они двигаются, когда злятся или влюблены, полны энтузиазма или тоскуют?

Очень важное качество балетмейстера – чувство драматургии, способность создавать и удерживать целостность формы. Он должен быть человеком эмоциональным, чутким к драматическим моментам и их развитию, объективным в мышлении. А ещё чувство уместности, оно препятствует проникновению пошлости, помогает избежать стилевой эклектики (сложная утонченная поддержка в примитивном слабом танце),бессмысленных шаблонов, дешевых эффектов

Очень важное качество балетмейстера – верный глаз – выбрать правильный сюжет, подходящие декорации, подсмотренные в жизни образы – тонкий слух – чувствителен к музыке, позволяет улавливать ритм, фразу, гармонию, динамику, мелодию, даёт общее понимание того, что хотел сказать композитор.

Очень важный навык – поставленная речь. Точная, яркая, поэтичная речь хореографа позволяет выстроить правильную коммуникацию с исполнителями и воодушевит их особенно в танцах со значением

Темы нужно выбирать простые и очень понятные хореографу, лично пережитые. Отношение хореографа к теме созвучно истории любви. Он поглощен ею, не может больше ни о чем думать, грезит богатейшими украшениями, которые есть в его распоряжении. Будут белые и черные полосы, нужно всё пережить. Хороший хореограф – пылкий любовник, увлеченный своей новой пассией – новым танцем

О чём танцевать?

Смысловое наполнение важно в первую очередь для самого хореографа. Это его источник, его мечта, его любовь. Знаменитейшие и успешные постановки были посвящены тривиальным и малозначительным темам, но восхищают до сих пор! «Умирающий лебедь» в постановке Михаила Фокина исполненный Анной Павловой и сейчас эталон романтической трагедии в танце. Во - - лебедь скользит по воде - первых символическое значение, во - вторых – движение – лебедь скользит по воде – грация, красота, эстетический идеал того времени 19 начало 20 века.

Незначительная тема необязательно должна быть ориентированная на социальные темы общества. «Шахерезада» и сейчас собирает полные залы.

Если предложить оригинальную и свежую трактовку, даже самый незначительный и далёкий по времени сюжет может превратиться в хороший танцевальный спектакль, тема – лишь точка отсчета для постановщика. Конечно возможны и серьёзные темы, главное - Это его источник, его мечта, его любовь.

Балетмейстер –

- сочинитель, воспитатель, обладающий даром, подкреплённым знаниями в области литературы, музыки, живописи, скульптуры, истории.

ü - фантазёр – автор темы и идеи, создаёт собственный стиль выбирая эпоху

ü - импровизатор – одна из основ народной пляски, где каждый сам себе балетмейстер

ü - владеет основами режиссуры, актёрского мастерства

ü - обладает хорошей зрительной памятью, музыкальностью, чувством ритма, образным и ассоциативным мышлением

«Только ассоциативно мыслящий человек может быть художником» - писал Касьян Голейзовский. 

«Балетмейстер – поэт танца, мыслящий действие, события, героев, их отношения, чувства и поступки танцевальными образами» (Фёдор Лопухов)

Балетмейстер всегда в поиске, экспериментируя в своих замыслах. Ему необходима хорошая физическая подготовка, профессиональное исполнительское мастерство. Танцевальная практика даст не формальное, а истинное значение языку танца. Такой практикой может быть ансамбль танца, участие в концертах. Под руководством педагогов проверяются силы, приобретается первый опыт практической работы.

Участие балетмейстера в своих постановках не желательно, т.к. он должен видеть танец со стороны, из зрительного зала. Необходима возможность оценить его, что-то добавить или убрать, изменить рисунок или движение.

До начала постановочной работы балетмейстер сам протанцовывает все сочинённые им партии и сольные и массовые, что бы убедиться в правильности своего решения для реализации своего замысла (образ, движения, рисунок). Он неоднократно показывает сочиненные им комбинации.

Творческие пути балетмейстера могут быть различными:

· - копирует шедевры великих мастеров, изучая их творчество, овладевает приёмами постановочной работы. Этот путь помогает обрести себя, найти свою творческую манеру

· - методом проб и ошибок, изучая опыт прошлого, стремиться в будущее, что бы обрести своё творческое лицо

И то, и другое правильно, ибо все люди разные и в жизни и в творчестве. Даже при копировании постановщик вносит что-то своё, предлагая свои варианты.

Студент должен совершенствоваться и развивать свои навыки, уметь бережно хранить и развивать лучшие традиции русского и мирового хореографического искусства, которые слагались веками и являются гордостью мировой и отечественной культуры. Сохранять чистоту народного танца. Необходимо глубоко изучать жизнь и отражать её в искусстве.

Балетмейстер – сочинитель, постановщик и репетитор, добивающийся высокого качества исполнения, учитывая психологию, и физические актёрские данные исполнителя.

В любительском коллективе все эти должности в одном лице.

Сферы деятельности балетмейстера:

- сочинитель

- постановщик

- репетитор

- реставратор

Балетмейстер – сочинитель, постановщик:

- балет

- танец в опере

- танец в музыкальной комедии

- танец в драматическом театре

- танец в народном хоре

- танец в ансамбле песни и пляски

- ансамбль танца

Все виды работы требуют индивидуальных качеств и способностей. Есть балетмейстеры больших и малых форм. Одни талантливо ставят миниатюры, другие работают на площадях и стадионах.

Балетмейстер – сочинитель

Мастер, создающий новое хореографическое произведение с оригинальной лексикой и рисунком пользующийся языком пластики

Чаще всего балетмейстеры пользуются условной формулой: А, Б, В.

А – мастер предлагает, исполнитель выполняет

Б - мастер предлагает, исполнитель предлагает встречное решение, балетмейстер согласен

В - мастер предлагает, исполнитель предлагает встречное решение, балетмейстер не согласен, исполнитель выполняет первоначальное задание.

Только форма А – лишает исполнителей инициативы, хореография теряет ценность, которую может принести коллективное творчество.

Только форма Б – балетмейстер растворяется в творчестве исполнителя, на репетиции – хаос.

Разумнее всего грамотно объединять все три формы.

Мастер, создающий новое хореографическое произведение, проходит определённый путь:

 Первый этап

Ø - определение темы, идеи через разработку своей концепции, программы будущего произведения

Ø - разработка сценария

Ø - работа с композитором, использование фонограмм с готовым музыкальным произведением (музыка – душа танца)

Ø - музыка есть, сочиняется, создаётся хореографическое произведение

Второй этап

Ø - изучение всех необходимых материалов для своего замысла

Ø - подбор исполнителей

Третий этап

Ø - сочинение отдельных движений, комбинаций и работа с исполнителями

Ø - танцы солистов

Ø - массовые танцы

Приступая к работе с исполнителями, мастер рассказывает о теме, идее будущего произведения, давая характеристику действующих лиц, прослушивают музыку

ü - разучивание движений, комбинаций

ü Солисты определяются после разучивания движений или отдельных комбинаций.

ü Показ должен быть точным, эмоциональным, выразительным. Замечания – четкие и конкретные.

ü Начинать разучивание лучше с изучения наиболее сложных движений и рисунков.

ü Движения вначале разучиваются одновременно всеми исполнителями стоя лицом к зеркалу, вырабатывается ансамблевое исполнение следя за работой друг друга.

ü Разучивание идёт в медленном темпе, а порой и под счет. Когда движения выучены и доведены до нужного темпа, характера и манеры исполнения, их можно исполнять в паре, а затем и в комбинации

ü Движения изучены, определены солисты и другие исполнители, начинается работа над постановкой хореографического произведения от начала до конца. Для экономии времени с солистами и с массовкой лучше работать отдельно, репетиция будет более полноценна.

ü Каждая последующая репетиция должна начинаться с повторения и закрепления материала выученного на предыдущей репетиции. В процессе работы над танцем могут возникать изменения того, что уже было сделано

ü После окончания постановочной работы хореограф должен убедиться, что замысел передан, тема раскрыта, идея звучит, выразительные средства и интересные решения подачи материала найдены.

Четвёртый этап

- репетиционный

Репетиция в переводе с французского  на русский – многократное повторение. Репетиторство – высокая форма педагогики. Он делает ту же работу с исполнителем, что дирижер с оркестром. Репетитор разучивает произведение, отрабатывает отдельные фрагменты и всё произведение в целом. Это педагог с большой сценической практикой. От него зависит успех постановки.

Балетмейстер – репетитор обязан:

- обладать отличной зрительной памятью, уметь видеть весь танец в целом. Замечать ошибки отдельных исполнителей и исполнителей во всех линиях

- быть человеком эмоциональным, умеющим «зажечь» исполнителя идеей номера

- присутствовать на постановочных репетициях, реализовывать все замечания и требования сочинителя, знать досконально хореографический текст

- заниматься «шлифовкой» исполнительского мастерства, находя новые выразительные штрихи, если исполнитель по каким-либо причинам не может выполнить движение, его может  заменить репетитор,  не нарушая стиль автора

- перед концертом прогонять наиболее сложные фрагменты, вводить новых исполнителей. Не допускать неточности и вольности в исполнении движений.

- присутствовать на каждом концерте, наблюдать за исполнением, а потом указать на ошибки допущенные исполнителями, которые предстоит исправить на следующей репетиции.

Передаётся традиция и опыт из рук в руки, из поколения в поколение.

Репетиция начинается с составления плана, где отражается начало и окончание репетиционного процесса. Закладывается: работа с массой, солистами, репетиции в костюмах, на сцене со светом, гримом, декорациями, генеральные репетиции.

 

Балетмейстер – репетитор обязан быть готов к каждой репетиции. Он должен знать над чем он будет работать сначала и что отложит на потом;

 

Каждая предыдущая репетиция должна вестись, как говорил Вахтангов, ради завтрашней

 

Репетиции должны вестись по расписанию, учитывая занятость исполнителей

 

Стабильность репетиционного процесса –залог плодотворной работы коллектива

 

Нельзя репетировать весь танец от начала до конца, прежде всего самые интересные и зажигательные комбинации, чтобы легче наладить контакт между исполнителями Затем переходить к более сложным движениям и композиционным рисункам

 

Не стоит давать актёрский показ, исполнитель должен сам проявить свою инициативу

 

Непременное условие – дисциплина

 

Время от времени репетитор должен приглашать на репетиция автора, чтобы не исказился замысел

 

Виды репетиций:

С солистами

С массой

Сводные

Проводятся в зале затем на заключительном этапе - на сцене. Все необходимые аксессуары и реквизит должны быть у исполнителей уже на первой репетиции. Необходимо учитывать особенности костюма и декорации.

Первые репетиции на сцене не могут быть прогонными. Они ведутся по частям, фрагментам, отдельным движениям и являются ознакомительными.

На них участники знакомятся с пространством сцены, выставляются «выгородки» будущих декораций. Вырабатывается пространственное чутьё у руководителя – ощущение пространства сцены.

Балетмейстер просматривает номер на уровне 10 ряда., Потом идёт репетиция в костюмах, их должно быть несколько, чтобы исполнители привыкли к костюму, свету, декорациям.

Заключительный этап – генеральная репетиция, на которой могут присутствовать зрители, а затем – обсуждение программы

Иногда балетмейстеру приходится осуществлять постановку другого автора или перенести танец, поставленный в одном коллективе в другой. Этим занимается балетмейстер – постановщик.

  Балетмейстер – постановщик должен досконально знать лексику, рисунок, характер, манеру, замысел сочинителя. Изменения оригинала как в тексте так и в композиции не допустимо. Если исполнители не справляются с работой, от неё лучше отказаться.

При переносе номера в программу другого коллектива необходимо указывать автора и балетмейстера – постановщика

Когда хореографическое произведение давно ушло со сцены и осталось в воспоминаниях исполнителей и очевидцев, номер восстанавливает балетмейстер – реставратор. Он использует различные источники. В которых есть описание, фото, критические статьи, воспоминания, видеоматериалы и т.д.

Балетмейстер – реставратор должен хорошо изучить творчество выбранного автора, его индивидуальный стиль, манеру, чтобы отличить подлинное от чужеродного, вымысел от истины. Нужна профессиональная культура для того чтобы ощутить душу автора, передать содержание и неповторимую атмосферу (Мира Кольцова реставрирует программу Надежды Надеждиной – Акад.анс. «Берёзка»)

Главная обязанность – бережно сохранять шедевры русской хореографии, как образцы балетмейстерского мастерства. К реставрации нужно подходить с любовью и творчески, чтобы оно звучало современно.

Деятельность балетмейстера многогранна. Каждый может найти своё отражение в работе, раскрыть свои творческие способности. Учиться этому нужно всю творческую жизнь.

Творческие задания студентам

Посмотрев творческие работы Засл. деятеля искусств СССР нарисовать эскизы костюмов, рисунок танца, выучить пролог танца

О чем танцевать?

Здесь следует подчеркнуть, что в первую очередь важно смысловое наполнение для хореографа. Это его мечта, его любовь, его источник. Нужно обратить внимание на символику, и на движение. «Умирающий лебедь» в постановке Фокина – лебедь – символ красоты, он «скользит по воде». Поэты в то время воспевали тоску по уходящей молодости и грации; это было трагично и проникновенно. Придумали лебединую песню и образ умирающего лебедя. Это угасание с изысканным пафосом и зяществом в романтической полутьме. «Шахерезада» наделала много шума с яркими костюмами, высокой чувственностью и потрясающей хореографией.

Если зрителю предложить оригинальную и свежую трактовку, то самый незначительный сюжет может превратиться в хороший танцевальный спектакль! Тема – точка отсчета для постановщика. Тема и способы её воплощения должны соответствовать творческим и жизненным ценностям. Нельзя в угоду успеху и благосостоянию отказываться от своих принципов, от убеждений, от полёта воображения

Тема

Первое о чём нужно задуматься – это действие, средство выражения танца. Танец способен вызывать эмоции через язык танца, развивать восприимчивость к движению, говорить о ньюансах, касающихся тела и души. Нужно обращать внимание на тот опыт, который можно выразить движением: Этикет Угрызения совести. Разговор с самим собой. Дорога в ад. Одинокие Руины и ведения. Давай построим город. Вспышки. Вежливость. Страх. Шейкеры. Большой город.

В каждой теме изначально заложена динамика, движения истекают из человеческого поведения. Танец должен предлагать новый взгляд, комментировать, приносить дополнительный смысл Танец может вести на ряду с основной сюжетной линией, ещё и второстепенные, а может просто передавать настроение. Он может иметь национальную окраску, либо раскрывает тонкости и разнообразие в характере человека (бахвал, страх)

Название должно без программки донести до публики всё богатство смысла постановки. Не справедливо предлагать зрителю нечто под названием «Зерно незримого» за ним следует «Ветер неизведанного». Такие ошибки совершаются из боязни показаться тривиальным, любви к импрессионистской литературе, а порой и по причине безразличия к точности.

Все трагические сюжеты необычайно хороши, но при одном условии: нашу антипатию к грустным историям превратить в сочувствие. Для этого необходимо показать зрителю причины и мотивации, причём не в програмке, а прямо на сцене, с помощью движения. Подробная проработка характера персонажа и причин его поступков – залог хорошей постановки.

Ремесло

Компоненты и инструменты

Необходимо понимать смысл движения, которые строятся по определённому принципу. Хореография – организация движений во всех направлениях. Все человеческие движения имеют свои композиционные характеристики: отношение с другими объектами в пространстве и времени, поток энергии, т.е. – динамика, ритм. Движение осуществляется по целому ряду причин – осознанных и неосознанных,, физических, психологических, эмоциональных и инстинктивных, - т.е.мотивация. Движение состоит из четырёх компонентов – композиция, динамика, ритм и мотиваци я. Начинаем мыслить элементами «хореография на один укус» - на один такт 4/4 показать через работу, как минимум, мотивацию к движению с двумя контрастами в композиции, динамике и ритме. Эти короткие однотактные фразы слова, из которых потом сложатся фразы. Слишком ровный ритм кажется монотонным, нужны сбивки, чтобы заинтересовать зрителя. Композиция без контрастов – утомляет

Творческие задания студентам

1. Придумать 9 однотактовых фраз, которые делятся на три части: первая – ходьба, вторая – бег и прыжки, третья – подскоки в комбинации с другими элементами. Используются три направления: по диагонали вперёд, из верхней (.) в левую нижнюю. Из стороны в сторону слева направо. По кругу против часовой стрелки. Для показов придумать коду. В каждом такте нужна мотивация, контраст в динамике, ритме, в композиции, используя всё пространство

Композиция

Композиция имеет два измерения – пространство и время, её можно понимать как линейная последовательность. Иногда движение в танце останавливается, порой меняет темп, т.е. танец имеет временные характеристики, фразы-формы могут быть короткие, могут быть длинные фразы или масштабные структуры

Можно выделить два типа композиции – симметрия и асимметрия., каждая из которых в свою очередь бывает построена по принципу противопоставления или последовательности.

Значение симметрии: она ассоциируется с ощущением стабильности (в зависимости от постановщика), безопасностью, равновесием.

Искусство движения должно включать мгновения отдыха и спокойствия – композиция симметричная, когда нужно создать абсолютное равновесие в начале произведения, когда безмятежный дух еще не потревожен страстью или в конце – в момент мирной либо трагической развязки

Переходим из мира практики к миру эстетики. Искусство увлекает, волнует, обещает приключений, используя волнующую асимметрию, внимательно изучая активно вводить в танец. У большинства людей развит соревновательный дух в спорте, политике, войне, бизнесе – асимметричных по своей сути(непредсказуемость результата, эмоциональная вовлеченность. Танец всегда должен волновать.

Танцу подвластен полёт символизма, где стилизованные движения, никак не соотносящиеся с реализмом могут убедительно передавать эмоциональное состояние. Человек может считывать движение, благодаря знанию основных значений композиционных форм. Представим актёр играет сцену, где он мучим противоречивыми желаниями. Он ходи туда-сюда, жестикулирует. Танцовщик тоже может передать эти движения, делая пантомимные движения танцевальными. Плюс в его распоряжении целый словарь готовых композиционных контрастов, которые задействуют все части тела в сотнях комбинаций в любом ракурсе, динамике, ритме. Для выражения конфликта движения должны быть асимметричными, симметрия – если необходим отдых.

У асимметрии и симметрии есть два подтипа. Каждый из них может быть построен по принципу противопоставления и следования: линии движения либо пересекаются под прямым углом, либо волнообразно перетекают одна в другую. Эти два принципа оказывающие противоположное воздействие на зрителя, очень важны для понимания хореографа. Пересекающиеся линии – это всегда напряжение. Чем ближе угол к 90*, тем больше силы, чем меньше угол – меньше силы. Если бы идеалом танца была сила, то следовало все движения делать асимметричными и прямоугольными, вся сила в прямом угле, а волнение в асимметрии. Принцип контраста в композиции поддерживает и укрепляет настроение или смысл, требующий агрессивной энергии и витальной силы. Этот принцип незаменим для любого конфликта - эмоционального и субъективного, конфликта с другим человеком или внешней силы. А так же в весёлых постановках – бурная радость, восторженные надежды.

Композиция, выстроенная по принципу следования, напротив всегда будет мягче и спокойнее. Изогнутая или прямая чистая линейная форма не сопротивляется движению взгляда. Таким образом самая гармоничная композиция симметричная и последовательная. Но куда больше волнует чувства асимметричное следование: здесь царят грация и красота. Легкая асимметрия привлекает внимание, разрушая убийственную симметрию и в тоже время не слишком шокируя зрителя. Эти два типа постановки тела несут дополнительный смысл. Композиция сформированная равнонаправленными силами, всегда, частично или целиком, будто бы сдерживает всю внутреннюю мощь, даже если линии расходятся от тела. Пересечение силовых линий словно удерживает часть энергии внутри, не давая ей распространятся в пространстве. Мы видим заряженное энергией тело. Хореограф должен уметь использовать этот потенциал, чтобы усилить то к чему призывает его идея.

 

Упражнение

Сочинить композицию на одного исполнителя – придумать несколько симметричных и асимметричных движений (с использованием следования и противопоставления) без продвижения в пространстве и времени(возможны лишь простейшие переходы от одного к другому) и мотивации. Это лишь упражнения на овладение линией, приобщаясь к идеям организации линий в танце

 Композиция            динамика        жест      мотивация

Ритм

Осознанное

Неосознанное

Физическое

Психологическое

Эмоциональное

Инстинктивное

Тема – должно быть действие - Танец – это движение - Причина движения – мотивация – сочувствие, смысл – ракурс, поза, мизансцена

Думай утром

Действуй в полдень

Ешь вечером

Спи ночью

Или

Ожидание

Реализация

Развязка

Или

Прибытие

Встреча

Разлука

Показать

1. Естественные позы

2. Настроение (что они чувствуют) - душевное смятение нужно визуализировать, используя контрастную композицию. Материалы приобретать в наблюдении окружающего мира. Наблюдать за собственной реакцией, изучение реакций человека

3. Язык жестов – где-то используя принцип следования и асимметрию, отказавшись от контрастов (тема – расставание -подавленность, гордость соблюдение приличий )

Ошибки дуэте

Часть 3 – фраза

Когда одна пространственная композиция переходит в другую, их последовательность во времени образует определённую форму

Сама форма фразы возникла ещё в далекой древности, когда звуком в определённом ритме выражали радость, злость, страх, удовлетворение, сексуальное желание, боль, постепенно превращаясь в более осознанную форму коммуникаций, в результате появился язык, литература, музыка. Звук всегда был организован во времени, имеющая две характеристики: длительность звука ограничивалась дыханием, при этом он имел восходящую и нисходящую громкость и скорость в зависимости от эмоциональной окраски. Фраза равна длительности выдоха и зависит от эмоционального подъёма и спада.

Движение подчиняется ритму и настроению музыки. Длинные танцевальные отрывки не разбитые на фразы особенно утомительны из-за кинестетической ассоциации, возникающей в теле зрителя при виде движений танцовщика. Но слишком короткие фразы оставляют неудовлетворенность, остановок много, это начинает раздражать

Мы будем счастливее в танце, если приведем в определённый порядок изменения эмоционального состояния героя, т.е. его чувства

Хорошая танцевальная постановка должна состоять из фраз разной длины, а сами фразы должны иметь понятную форму – с началом, концом, взлётами и падениями ритма.

Танец существует в пространстве чувств, а они никогда не выстраиваются по прямой горизонтальной линии. Их можно разделить на три:

1. Кульминация в начале

2. Кульминация в середине

3. Кульминация в конце

Кульминация – усиленная динамика действия, ускорение ритма, или другая форма, связанная с движением

Хореограф – кто он?

Главное свойство будущего хореографа – понимание тела, интерес к нему и его возможностям, и не только своего собственного, но и других самых разных тел. Если ты решил стать хореографом, задайся вопросом: «Во что я верю? Что я хочу сказать?» С одной стороны он должен обладать высоким сопротивлением новизне ради новизны и мужеством при необходимости отойти от господствующих тенденций. Главное уметь прислушиваться к своему сердцу, внутренним голосам, которые помогают обрести самобытность. Если ставишь для других танцовщиков, нужно уважать их индивидуальность, помнить – они – не ты, понять их физически, эмоционально, психологически. Групповой танец требует тщательной проработке материала и выстроенной коммуникации между исполнителями, необходимо создавать некую единую форму

Очень важное качество балетмейстера – наблюдательность его не просто интересуют, а приводят в восторг любые формы и очертания. Он замечает художественные детали в повседневной жизни города: архитектура, контуры зданий и небо, замысловатые очертания машин, сплетения проводов, получая знания о форме. Ему знакомо чувство городской тесноты, заметит преобладание прямых линий и углов в пространстве. Природа бесконечно богата панорамами неба, линиями разнообразием форм животной и растительной жизни. Из всего черпаются знания о формах и пропорциях. Но больше всего интересуют люди, находящиеся в постоянном движении толпа или отдельный человек: старые, молодые, зрелые, они встречаются, разговаривают, любят, ссорятся, расстаются, ходят, работают. Постановщик наблюдает как они двигаются, когда злятся или влюблены, полны энтузиазма или тоскуют?

Очень важное качество балетмейстера – чувство драматургии, способность создавать и удерживать целостность формы. Он должен быть человеком эмоциональным, чутким к драматическим моментам и их развитию, объективным в мышлении. А ещё чувство уместности, оно препятствует проникновению пошлости, помогает избежать стилевой эклектики (сложная утонченная поддержка в примитивном слабом танце),бессмысленных шаблонов, дешевых эффектов

Очень важное качество балетмейстера – верный глаз – выбрать правильный сюжет, подходящие декорации, подсмотренные в жизни образы – тонкий слух – чувствителен к музыке, позволяет улавливать ритм, фразу, гармонию, динамику, мелодию, даёт общее понимание того, что хотел сказать композитор.

Очень важный навык – поставленная речь. Точная, яркая, поэтичная речь хореографа позволяет выстроить правильную коммуникацию с исполнителями и воодушевит их особенно в танцах со значением

Темы нужно выбирать простые и очень понятные хореографу, лично пережитые. Отношение хореографа к теме созвучно истории любви. Он поглощен ею, не может больше ни о чем думать, грезит богатейшими украшениями, которые есть в его распоряжении. Будут белые и черные полосы, нужно всё пережить. Хороший хореограф – пылкий любовник, увлеченный своей новой пассией – новым танцем

О чём танцевать?

Смысловое наполнение важно в первую очередь для самого хореографа. Это его источник, его мечта, его любовь. Знаменитейшие и успешные постановки были посвящены тривиальным и малозначительным темам, но восхищают до сих пор! «Умирающий лебедь» в постановке Михаила Фокина исполненный Анной Павловой и сейчас эталон романтической трагедии в танце. Во - - лебедь скользит по воде - первых символическое значение, во - вторых – движение – лебедь скользит по воде – грация, красота, эстетический идеал того времени 19 начало 20 века.

Незначительная тема необязательно должна быть ориентированная на социальные темы общества. «Шахерезада» и сейчас собирает полные залы.

Если предложить оригинальную и свежую трактовку, даже самый незначительный и далёкий по времени сюжет может превратиться в хороший танцевальный спектакль, тема – лишь точка отсчета для постановщика. Конечно возможны и серьёзные темы, главное - Это его источник, его мечта, его любовь.

Балетмейстер и сфера его творческой деятельности

Балетмейстер - идейно-творческий руководитель коллектива. Успех в профессии зависит от образования, уровня культуры, таланта, который шлифуется всю жизнь. Далеко не всегда талантливые исполнители бывают хорошими балетмейстерами.

Балетмейстер –

- сочинитель, воспитатель, обладающий даром, подкреплённым знаниями в области литературы, музыки, живописи, скульптуры, истории.

ü - фантазёр – автор темы и идеи, создаёт собственный стиль выбирая эпоху

ü - импровизатор – одна из основ народной пляски, где каждый сам себе балетмейстер

ü - владеет основами режиссуры, актёрского мастерства

ü - обладает хорошей зрительной памятью, музыкальностью, чувством ритма, образным и ассоциативным мышлением

«Только ассоциативно мыслящий человек может быть художником» - писал Касьян Голейзовский. 

«Балетмейстер – поэт танца, мыслящий действие, события, героев, их отношения, чувства и поступки танцевальными образами» (Фёдор Лопухов)

Балетмейстер всегда в поиске, экспериментируя в своих замыслах. Ему необходима хорошая физическая подготовка, профессиональное исполнительское мастерство. Танцевальная практика даст не формальное, а истинное значение языку танца. Такой практикой может быть ансамбль танца, участие в концертах. Под руководством педагогов проверяются силы, приобретается первый опыт практической работы.

Участие балетмейстера в своих постановках не желательно, т.к. он должен видеть танец со стороны, из зрительного зала. Необходима возможность оценить его, что-то добавить или убрать, изменить рисунок или движение.

До начала постановочной работы балетмейстер сам протанцовывает все сочинённые им партии и сольные и массовые, что бы убедиться в правильности своего решения для реализации своего замысла (образ, движения, рисунок). Он неоднократно показывает сочиненные им комбинации.

Творческие пути балетмейстера могут быть различными:

· - копирует шедевры великих мастеров, изучая их творчество, овладевает приёмами постановочной работы. Этот путь помогает обрести себя, найти свою творческую манеру

· - методом проб и ошибок, изучая опыт прошлого, стремиться в будущее, что бы обрести своё творческое лицо

И то, и другое правильно, ибо все люди разные и в жизни и в творчестве. Даже при копировании постановщик вносит что-то своё, предлагая свои варианты.

Студент должен совершенствоваться и развивать свои навыки, уметь бережно хранить и развивать лучшие традиции русского и мирового хореографического искусства, которые слагались веками и являются гордостью мировой и отечественной культуры. Сохранять чистоту народного танца. Необходимо глубоко изучать жизнь и отражать её в искусстве.

Балетмейстер – сочинитель, постановщик и репетитор, добивающийся высокого качества исполнения, учитывая психологию, и физические актёрские данные исполнителя.

В любительском коллективе все эти должности в одном лице.

Сферы деятельности балетмейстера:

- сочинитель

- постановщик

- репетитор

- реставратор

Балетмейстер – сочинитель, постановщик:

- балет

- танец в опере

- танец в музыкальной коме