Старинные танцы в фортепианной музыке.

Аллеманда. Неизвестно, когда именно появился танец, называемый «немецким» (от французского allemande). Он упоминается в пьесах Шекспира, о его исчезновении сожалеет Лопе де Вега. В Испании аллеманда известна ещё с 12 века. Возможно, это один из самых древних медленных танцев, бытовавших на территории Германии.В середине 16 века танец уже был распространён в Англии, Франции, Нидерландах, позже и в других европейских странах. Его описывали как величавый, несколько грузный танец-шествие: колонна из пар проходила дворцовый зал насквозь, в конце зала разворачивалась, не разъединяя рук, и медленно шествовала в обратном направлении. Аллеманда была исключительно городским танцем. Вероятно, её корни восходят к церемониальным шествиям при встрече высоких особ – властителей княжеств, графств и герцогств, «озвученных» приветственными сигналами труб. «Шаговость» аллеманды слышна в её умеренном темпе и чётном размере. Плавная закруглённая мелодика не отвлекала внимания от главного: наибольший интерес для музыкантов представляли изощрённые гармонические последовательности и их замысловатое развитие. Не случайно современники отмечали, что в аллеманде «много музыки, но мало танца», поскольку «разнообразие аккордов хотя и ласкает слух, но путает движение ног».Вероятно, именно по этой причине немецкая аллеманда довольно скоро утратила своё бытовое предназначение и превратилась в инструментальную пьесу, которая в 17 - первой половине 18 века открывала сольную и оркестровую сюиты. В инструментальной аллеманде подчёркивается спокойная текучесть движения в медленном темпе, «мягкая» мелодика без ритмических акцентов, торжественность тона, подобающая вступительно й пьесе. С конца 17 века входит в моду французская разновидность аллеманды, отличающаяся более живым темпом и более мягкими скользящими движениями. Особый интерес вызывала непривычная свобода рук; впервые они могли непринуждённо подниматься вверх. Существует версия, что спокойное грациозное движение пар в аллеманде, с плавными скользящими шагами и лёгким покачиванием корпуса, стало одним их прототипов пластики вальса.
Куранта. Куранту называли «танцем манеры» или «докторским танцем»: человек, постигший тайны её безупречной пластики, считался учёным. А ведь когда-то это был довольно простой энергичный парный танец с прыжками, в двухдольном размере с пунктирным ритмом, родившийся не то в Италии, не то во Франции. Но с 16 века, когда куранта появилась при европейских дворах, её «угловатость» была несколько сглажена: шаг стал скользящим, движения приобрели плавность и мягкость, а размер сменился на трёхдольный. Современники писали, что танцующие напоминали рыбу или пловца, плавно погружающихся в поток и появляющихся вновь на поверхности. Само название courante (то есть – текущий, текучий) говорило о течении воды. Около 1700 года куранту перестали танцевать на балах, и, как и другие танцы, она вошла в инструментальную сюиту французских клавесинистов, И. С. Баха. Г. Ф. Генделя и других мастеров барокко. В 18 веке различали две разновидности куранты: французскую и итальянскую. Французская напоминала горделивое шествие – умеренный темп, размер 3/2 или 6/4, торжественное плавное движение, разнообразие ритмических фигур. Итальянская же отличалась более быстрым темпом, размером 3/4 или 3/8 и моторным характером движения.Став одним из прототипов менуэта, после 18 века «текущая вперёд» куранта была забыта.

Бурре. Много столетий подряд, на протяжении всего Средневековья и отчасти Возрождения самым распространённым танцем на территории Франции был бранль. Танцующие в игровой форме повторяли движения простого люда, занятого трудом – прачек, булочниц, башмачников. В каждой провинции возникали свои разновидности бранля: в западном Провансе – паспье, в приальпийском Провансе – гавот, в центре Франции – менуэт. В провинции Овернь танцевали буре – незамысловатый весёлый хоровод, с неожиданными прыжками. Топали от души – в подражание грубоватым притоптываниям дровосеков, которые деревянными башмаками уминали непослушные связки хвороста (французское bourrer можно перевести и как «связка хвороста», и – «ударить», «толкнуть»). Аккомпанементом танцующим служили собственное пение, задорные выкрики, удары каблуков на последней, слабой доле такта и звуки волынки. Бурре танцевали не только в кругу, но и парами – мужчины и женщины выстраивались друг против друга и поочерёдно повторяли движения первой ведущей пары. В таком народном варианте буре и сейчас можно увидеть в некоторых районах Франции. В 17 веке, когда буре «добрался» до Парижа, началось его превращение в аристократический танец. Сохранился быстрый темп, чёткий энергичный ритм с затактовыми фразами. За придворным танцем закрепился чётный размер 4/4. Но естественная живость и задорная угловатость народной пляски были неуместны в церемонной дворцовой обстановке. Скованные пышными тяжёлыми одеяниями пары двигались более чопорно и торжественно. Невозможно было узнать в галантном придворном кавалере прежнего грубоватого деревенского увальня! В таком «облагороженном» виде буре завоёвывает не только бальную залу, но и балетную и оперную сцену, где его особенно любили использовать Ж.-Б. Люлли и Ж.-Б. Рамо. При Людовике 18 бурре выходит из моды – для нового «галантного» века он оказался простоватым и не достаточно изящным.
Дальнейшую жизнь буре обрёл в инструментальной сюите 16-начала 18 века. И. С. Бах, Г. Ф. Гендель и их современники создают буре уже не как музыку для танца, а как пьесу в танцевальном ритме, отличающуюся живостью, непосредственностью и здоровым юмором.

Сицилиана. Родина сицилианы – Сицилия, остров в Средиземном море. Его живописные леса из дуба и бука, цитрусовые и оливковые рощи, виноградники легко вызывают в душе образ Эдема – земного рая. Это место словно создано для идиллии, безоблачной мирной жизни пастушек и пастушков. Не потому ли облик народной песни-танца сродни нежной задумчивой пасторали? Зачарованный поэтический мир – это сицилиана.Плавное спокойное движение в умеренном темпе, лёгкое грациозное покачивание в размере 6/8 или 12/8, минорный лад, удивительная теплота и певучесть главного голоса или нескольких голосов, отсутствие staccato – все эти средства музыкального языка словно погружают в мир полного покоя и мягкого света. Света приглушённого, рассеянного. Лёгкая грусть и задумчивость окутывают сицилиану.Сицилиана часто вводится как центральная медленная часть в инструментальные сюиты, сонаты и концерты А. Корелли, В. Ф. Баха, Г. Ф. Генделя. В «простом» виде сицилиана напоминает сольную арию или песню с певучей узорчатой мелодией и скупым мерным аккордовым сопровождением. Более сложная форма сицилианы предполагает «переплетение» нескольких мелодических голосов, то есть полифонизированную фактуру.

Ригодон. На юго-востоке Франции в старину существовала своя разновидность бранля – ригодон. Ригодон, так же как и бурре, плясали и поныне пляшут на народных сельских праздниках. В Дофине, например, он украшает праздник урожая. У ригодона вообще много общего с бурре – он танцуется так же весело, живо и темпераментно под пение и отбивание такта деревянными башмаками. Но вместо волынки танцующим аккомпанирует скрипка. Парни часто кружатся под руку с девушками, а в движениях много поворотов и лёгких прыжков. При дворе ригодон появился чуть позже буре, в конце 17 века, обретя подобающую придворным вкусам размеренность и торжественность. В профессиональной музыке ригодон всегда имеет типичную форму – три-четыре повторяющихся раздела, неравных по количеству тактов, в размере 2/2 или 2/4. Ригодон любили вводить в оперы, балеты, дивертисменты и инструментальные танцевальные сюиты Ж.-Б. Люлли, Ж.-Ф. Рамо и другие авторы блестящего «века Людовиков». В 20 веке образ ригодона как старинного придворного танца вновь возникает в музыке М. Равеля и С. Прокофьева.

Павана. О происхождении названия этого танца нет единого мнения. Одни считают его искажённым вариантом названия итальянского города Падуя, другие указывают на латинский корень pavo, что означает «павлин». «Павлиньим танцем» павану называли не случайно. И в самом деле, танцевальное действо напоминает величавую красоту экзотической птицы. Пары выступают торжественно и горделиво – дамы в роскошных парадных платьях с длинными, тяжёлыми, волочащимися по полу подолами, напоминающими хвост павлина, кавалеры в пелеринах и при шпагах. Движения их медленны и величавы, глаза дам почти всегда опущены, в руках кавалеров зажжённые факелы или канделябры. Павана продолжила традицию танцев-шествий, которые украшали собой разнообразные церемонии – въезды властей в город, проводы знатной невесты в церковь и т. п. Часто павана становилась центром свадебной церемонии, ею открывали и завершали дворцовые торжества и балы. Танцуя павану, двор скорее демонстрировал себя – во всём блеске костюмов, изяществе и грации манер. Шествие выстраивалось в строго иерархическом порядке: колонну открывали король и королева, за ними шли наследный принц с самой знатной дамой, затем принцы крови и остальные титулованные особы в соответствии с их знатностью и родовитостью.Тяжёлая пышность нарядов и величественность движений танцующих отвечали музыкальным особенностям паваны – медленному размеренному течению её времени (на 4/4, реже на 2/4), плотному аккордовому изложению, чёткому, нередко квадратному строению. Танец сопровождался пением, игрой на тамбуринах, флейтах и других деревянных духовых инструментах. В 16 веке павана была едва ли не самым популярным придворным танцем. Потом почти на три столетия о ней забыли. Возрождение паваны произошло на рубеже 19-20 веков в творчестве К. Сен-Санса, Р. Штрауса, М. Равеля, А. Берга.

Сарабанда. История сарабанды поражает неожиданными поворотами. В 16 веке в Испании сарабанда танцевалась крестьянами на празднике урожая. Позже она стала сольным женским или парным танцем страстного «демонического» характера. Грациозные движения танцующих сопровождались темпераментным пением, звуками гитары и звонким щёлканьем кастаньет. Чувственный характер бешеной пляски стал предметом особой ненависти отцов церкви. В 1583 году сарабанда была запрещена, за её исполнение наказывали плетьми, а мужчин ссылали на галеры.Спустя некоторое время сарабанда появляется вновь, но уже как медленный торжественный танец-шествие для погребальных церемоний. В таком виде она допускалась даже в храм. Сама память о вольном духе зажигательной пляски была уничтожена. Тяжёлая поступь траурной процессии напоминала о бренности всего земного.В начале 18 века величественная сарабанда становится весьма популярным придворным танцем. На балу её танцуют парами, сдержанно и спокойно. В «галантную» эпоху Людовика 14 особая медлительность сарабанды как нельзя лучше подходила к плавным движениям танцующих, облачённых в длинные тяжёлые костюмы, а щёлканье кастаньет создавало по отношению к пластике дразнящий контраст.Дальнейшая судьба сарабанды повторяет путь других старинных танцев: от бытовой музыки к инструментальной пьесе. В сюите сарабанда располагалась перед стремительным финалом, выделяясь среди всех пьес особой замедленностью темпа, глубиной и значительностью образа, подчас трагического, богатством и пышностью гармонического языка, неспешным трёхдольным шагом (3/2 или 3/4) с тяжёлым акцентом на второй доле такта. Психологическая глубина сарабанды позволяет выделить её как лирико-философский центр сюиты – как, например, в циклах И. С. Баха и Г. Ф. Генделя. Жанр сарабанды угадывается и в отдельных номерах опер и балетов эпохи барокко. Интересно, что у А. Вивальди можно встретить и быструю, и медленную разновидности сарабанды. В 20 веке сарабанда возрождается в музыке К. Дебюсси, Р. Штрауса, И. Стравинского и их современников.

Чакона. Чакона прошла путь, отчасти схожий с сарабандой. После знаменитого путешествия Христофора Колумба, открывшего новые земли на американском континенте, из Нового Света был завезён дикий неистовый танец, основанный на мексиканских и индейских мелодиях. В конце 16 века в Испании его танцевали в очень живом темпе, трёхдольном размере, в сопровождении пения и кастаньет.Когда в 17 веке с чаконой познакомились в Европе, её характер неузнаваемо изменился: вольная пляска стала медленным плавным придворным танцем. Причины этого, скорее всего, кроются в запретах церкви и особых представлениях о красоте, распространённых в придворной среде, превыше всего ценившей «окультуренное» движение – округлое, мягкое, несуетливое. Величавая неторопливость, медленный темп, преобладающий минорный лад и глубокое акцентирование второй доли в трёхдольном размере делают чакону похожей на другие танцы-шествия – сарабанду и пассакалью.Жанр чаконы узнаётся во многих инструментальных пьесах 17 – второй половины 18 века. Грандиозные возвышенные образцы чаконы оставили величайшие мастера клавирной и органной музыки: Д. Фрескобальди, И. Пахельбель, Д. Букстехуде, И. С. Бах, Г. Ф. Гендель.

Жига. Некогда британцы очень любили стремительную зажигательную пляску «джиг». Её весёлый непринуждённый характер пришёлся по нраву английским морякам, которые были не прочь подурачиться на отдыхе. Они танцевали джиг в головокружительном вихревом темпе. В 17-18 веках танец – уже под названием жига – приобрёл популярность и в Европе. На балетной сцене его впервые показала знаменитая французская танцовщица Мария-Тереза де Сублиньи, которая привезла пикантную новинку из Англии. Она танцевала жигу на столе, в коротком матросском платье. Правда, в её исполнении движения свободного живого танца были подчинены правилам академической школы.Бальную жигу танцевали одна или две пары, причём партнёры не могли соединить руки, появилось больше па в воздухе, тогда как простонародная жига была тяжелее и больше «привязана» к земле.В 17 веке жига как самый оживлённый танец стала завершать инструментальную сюиту. От прежней народной пляски сохранился энергичный напористый характер, резкое акцентирование долей в быстром темпе, импровизационный склад.В разных национальных школах Европы сложились свои варианты жиги. Для французской жиги характерны самые разнообразные размеры – 6/8, 9/8, 12/8, 3/8, даже 4/8, острая пунктирная ритмика и многоголосная фактура. Итальянцы предпочитали ровный триольный ритм в быстром темпе на 6/8, 9/8, 12/8, обилие фигураций и выделение верхнего голоса как ведущего. Немецкая жига была самой сложной по строению, в разных размерах (двух-, трёх-, четырёхдольных), её основная тема разрабатывалась как в фуге.Быстрые жиги оказались наиболее распространёнными, их можно встретить не только в творчестве А. Корелли, А. Вивальди, но и у Ж.-Ф. Рамо, И. С. Баха.Интересно, что народный джиг сохранился со времён древних кельтов вплоть до наших дней. В Ирландии он стал чем-то вроде национального степа: танцор за четверть минуты должен виртуозно отбить не менее 75 ударов!

Менуэт – танец французского происхождения, популярный в Европе XVII-XVIII вв. (название происходит от французского menu – мелкий). Исполнялся мелкими шагами в умеренном темпе; размер ¾. В прошлом, народный хороводный танец французской провинции Пуарту, менуэт в условиях пышного придворного церемониала приобретает черты несколько чопорного и жеманного бального танца, с приседаниями, поклонами и реверансами. В начале XVIII века менуэт проникает и в Россию, где его называют «меноветом» или «менуветом» и танцуют на придворных ассамблеях, введенных Петром Первым.

Полонез – (по-французки polonaise – польский танец), носит характер торжественного блестящего шествия; размер 3/4. Танцующие движутся плавно, величаво, слегка приседая на 3-й четверти каждого такта. В старину полонезом сопровождались торжественные выходы или шествия знатных воинов, рыцарей с оружием в руках. Пьесы под названием «полонез» встречались в сюитах XVIII в., в частности во Французской сюите № 6 и в «Нотной тетради Анны Магдалены Бах» И. С. Баха. Они носят характер менуэта и не имеют ничего общего с полонезом в современном значении слова.

Мазурка -польский народный танец (название происходит от слова «мазуры» - так называют жителей Мазовии). Темп мазурки различный - от умеренного до очень быстрого; размер 3/4, ритм острый и четкий, характерные ритмические фигуры.В мазурке сочетаются легкое изящество, блестящая удаль, порой мечтательность. Характерны эффектные постукивания каблуками и шпорами в пунктирных ритмических фигурах. Как танец, мазурка стала любимой не только у себя на родине, но получила широкое распространение и за пределами Польши.Специфически польская основа мазурки настолько ярка, ритмически рельефна и своеобразна, что уже в начале прошлого века этот танец нередко использовался композиторами в качестве национальной характеристики. Непревзойденные по своему художественному совершенству образцы пьес в ритме мазурки созданы Ф. Шопеном. Мазурки Шопена поражают не только мелодическим и ритмическим богатством, но и жанровым разнообразием. Недаром Шопен называл свои мазурки «картинками» (obrazki).

Контрданс -английский народный танец (англ. - country dance - сельскийтанец), довольно подвижный, обычно двудольный, известный еще в XVII веке. В XVIII - начале XIX в. контрданс был распространен во многих странах Европы, как бальный танец (наряду со своими разновидностями - экоссезом и котильоном). Очень близка контрдансу и кадриль. По существу, это танцы-близнецы. Недаром с середины XIX века эти танцы сливаются, и названия кадриль, контрданс, экоссез по существу обозначает один и тот же танец.

Вальс – один из популярнейших бальных танцев XIX-XX вв. Название происходит предположительно от немецкого слова walzen - раскатывать. Вальс танцуют плавно кружащиеся пары: темп его бывает различным – от медленного до очень быстрого. Размер 3-дольный; в аккомпанементе характерен опорный акцент в басу на сильной доле и 2 аккорда на слабых долях.Одним из ближайших предшественников вальса является австрийский крестьянский танец лендлер, отличавшийся подвижной мелодикой с преобладанием мелких длительностей – четвертей и восьмых. Переход от лендлера к вальсу выразился в упрощении танцевальных движений, которые свелись к непрерывному кружению; при этом мелодика танца превратилась в более плавную кантилену. Постепенно вальс становиться легким, изящным, полетным танцем и к тому же весьма разнообразным по мелодике и своему эмоциональному содержанию. Появляются его разновидности: немецкий, французский и, наконец, венский вальс, достигший расцвета в творчестве Штраусов – отца и сына. Такие вальсы, как «Голубой Дунай», «Сказки венского леса», «Весенние голоса» И. Штрауса-сына явились подлинной вершиной в развитии бытового вальса.Вальс становиться для композиторов и излюбленной формой, способной воплотить разнообразные оттенки человеческих чувств: от нежного, немного грустного воспоминания – до возвышенной, страстной патетики. Благодаря этим чертам вальс получил широкое применение в музыкальной литературе. Крупнейшие композиторы создавали вальсы в виде самостоятельных пьес (Вебер, Шуберт, Шопен, Шуман, Лист, Брамс).

Тарантелла -итальянский народный танец (название происходит от города Таранто на юге Италии). Исполняется очень быстро, стремительно, в сопровождении гитары, тамбурина, кастаньет. Размер 6/8 или 3/8, с непрерывным, как бы «крутящимся» триольным движением. В Италии существует поверье, которое иначе объясняет происхождение названия тарантеллы: будто бы человек, укушенный ядовитым тарантулом, может излечиться, танцуя тарантеллу до полного изнеможения.

Полька – чешский народный танец. С середины XIX века распространился по всему мир как популярный бальный танец. Название происходит от чешского слова pulka – половина, что указывает на 2-дольный размер танца (2/4). Польку танцуют парами по кругу, весело, непринужденно, в довольно быстром темпе. Простота мелодики и формы, ритмическая четкость движений и жизнерадостность этого танца оказались особенно пригодными для оперетты, где полька заняла видное место, соперничая с галопом и вальсом.