Прелюдия и фуга до–минор из первого тома «хорошо темперированного клавира».

Среди клавирных произведений Баха огромную художественную ценность представляют 48 прелюдий и фуг, составляющие два тома (по 24 прелюдии и фуги в каждом). Произведение это получило название «Хорошо темперированный клавир».

Прелюдия и фуга вместе составляют двухчастный полифонический цикл.

Таковы, например, прелюдия и фуга до–минор из первого тома «ХТК». Прелюдию отличает четкий энергичный ритм.

Энергичная и оживленная фуга имеет заметное сходство с прелюдией. Слово «фуга» на латинском языке означает «бег». В музыке фуга — это сложное полифоническое произведение, где один голос как бы догоняет другой или отвечает другому.

В основе большинства фуг лежит одна тема. Фугу всегда начинает один голос, который излагает тему. В зависимости от числа голосов фуга может быть двухголосной, трехголосной, четырех или пятиголосной.

Фуга до–минор трехголосна. Названия голосов фуги те же, что и названия голосов в хоре: сопрано, альт, бас. Фуга начинается с одноголосного изложения темы средним (альтовым) голосом в основной тональности.

Второе проведение поручено верхнему (сопрановому) голосу в до–минантовой тональности соль–минор. Здесь тема получает название «ответа» или «спутника».

Затем тема звучит в третий раз – в басу. Поочередное изложение темы в каждом из голосов составляет первый раздел фуги — ее экспозицию.

Разработка начинается в ми бемоль–мажоре — тональности, параллельной до–минору. Мажор окрашивает музыку в светлые тона. В разработке тема проходит в различных тональностях.

С возвращением основной тональности наступает третий раздел фуги — реприза. Тема звучит здесь только в основной тональности. Завершает фугу мажорный аккорд, который после драматической кульминации звучит особенно просветленно.

 

1.2. В. Косенко. Обзор творчества. Произведения для фортепиано.

Виктор Степанович Косенко – советский композитор, пианист, педагог. Его произведения давно вошли в нашу жизнь и стали неотъемлемой частью концертного и учебного репертуара. Большую популярность приобрели его романсы, «Героическая увертюра», «Концерт для фортепиано с оркестром», «Классическое трио», «Поэмы-легенды», «Этюды» для фортепиано. А среди юных пианистов самым популярным является цикл «24 детские пьесы».

Большой интерес представляют его фортепианные сочинения. Надо обратить внимание, что Косенко сам был концертирующим пианистом. Перед собой композитор ставил цель пропаганды классического искусства и создания общедоступной, несложной музыки.

Фортепианная музыка Виктора Косенко включает три сонаты, семь поэм, два цикла этюдов, вальсы, прелюдии, мазурки и ряд детских пьес.

Цикл «Одиннадцать этюдов в форме старинных танцев» написаны на протяжении 1928–1930 годов. Это концертные этюды, в которых техническая сторона подчиняется художественной.

Каждый этюд построен на усвоении определенного исполнительского приема. Порядок появления танцев основан на принципе контраста.

«Менуэт» №3 – танцевальная пьеса, «Сарабанда» №5 – сосредоченно–экспрессивная пьеса, «Гавот» №7 – это лирическая, подчеркнуто грациозная пьеса.

 

2.1. Й. Гайдн. Характеристика творчества. Симфония «С тремоло литавр».

Йозеф Гайдн — великий австрийский композитор. Гайдн прожил долгую жизнь, он был современником Моцарта, Бетховена, юного Шуберта.

Гайдна называют «отцом» симфонии и квартета. До Гайдна немало было написано и сонат, и симфоний, и квартетов. Но только в творчестве Гайдна эти жанры становятся классическими. В своей музыке Гайдн широко использовал народные мелодии. Его произведениям присущи стройность и уравновешенность формы, светлый, жизнеутверждающий характер. Это и дало право называть музыку Гайдна классической. А поскольку жизнь Гайдна прошла близ Вены и в Вене, Гайдна называют венским классиком, как и младших современников – Моцарта и Бетховена.

Симфонии Гайдна четырехчастны, с определенной последовательностью частей.

Первая часть симфонии идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть — медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека, то светлое и умиротворенное, то печальное или сосредоточенное. Третья часть – менуэт. Уже самое название говорит о ее танцевальном, оживленном характере. Четвертая часть, или финал, — последняя, заключительная часть произведения. Здесь вновь возвращается быстрый темп.

Состав оркестра также установился в творчестве Гайдна. Его основу составляют четыре группы инструментов: струнно–смычковая, деревянная духовая, медная духовая, ударная.

Симфония Гайдна ми–бемоль мажор — одна из двенадцати «Лондонских симфоний». Она начинается с тремоло литавр, поэтому и вся симфония получила название симфонии «С тремоло литавр»

Симфония имеет светлый, жизнерадостный характер. В ней четыре части.

У Гайдна установилась не только последовательность частей симфонии. Определились также характер и строение (или форма) каждой части.

Первая часть – сонатное allegro (поскольку она обычно пишется в темпе allegro) или сонатной формы. Первая часть симфонии ми–бемоль мажор начинается с медленного вступления.

Первая тема, или тема главной партии, сразу же вводит нас в атмосферу праздника. Она имеет танцевальный характер и изложена в основной тональности:

Вторая тема, или тема побочной партии, тоже танцевальна, изящна, легкая.

Изложение двух различных по характеру тем составляет первый раздел сонатного allegro, его экспозицию.

Второй раздел сонатного allegro называется разработкой. Здесь развиваются обе темы экспозиции и тема вступления.

Третий раздел сонатного allegro — реприза. В том же порядке, как и в экспозиции, следуют главная и побочная партии. Есть новый момент: все темы в репризе звучат в основной тональности — ми–бемоль мажоре, что сглаживает их различие.

Перед заключением появляется тема вступления в своем первоначальном виде. Такое обрамление придает произведению законченность.

Таким образом, сонатное allegro — это форма произведения, основу которой составляют две различные (или контрастные) по характеру темы. Вначале (в экспозиции), подчеркивая свое различие, они идут в разных тональностях. Затем (в разработке) подвергаются развитию, видоизменяются. В репризе обетемы повторяются в основной тональности, что в некоторой степени сглаживает их контраст.

После быстрой и веселой, полной контрастов первой части, вторая часть, Andante, вносит успокоение. Это вариации на две темы. Вариациями называется такая форма произведения, где вначале звучит тема, а затем она повторяется несколько раз в измененном (варьированном) виде. Вариации на две темы называются двойными вариациями. Первая тема повествовательного характера, вторая тема – маршеобразная, бодрая, волевая.

В третьей части — менуэте — Гайдн сочетает изящество и гибкость, свойственные этому танцу, с подчеркнутым, чеканным ритмом — чертами, присущими его исполнению в народе.

Финал возвращает нас к празднично–танцевальному настроению первой части. Но здесь уже нет тех контрастов, которые вызывали напряженность музыкального развития.

Такова симфония Гайдна «С тремоло литавр». Все четыре части симфонии тесно скреплены между собою единым праздничным настроением музыки, основу которой составляют танцевальные мелодии народного склада.

 

2.2. С. Гулак–Артемовский. Характеристика творчества. Опера «Запорожец за Дунаем».

Семен Степанович Гулак–Артемовский (1813 – 1873) – талантливый певец, композитор.

Славу композитору принесла опера «Запорожец за Дунаем», премьера которой состоялась в 1862 году на сцене Мариинского театра.

Опера лирико–комическая. В ней переплетаются две сюжетные линии: лирическая (Оксана и Андрей) и комическая (Одарка и Карась).

Характерные черты комической оперы: 1) разговорные диалоги, т. е. образы в опере раскрываются благодаря музыке и слову, 2) счастливый конец.

Произведение начинается небольшим оркестровым вступлением (интродукцией), которое рисует картину летней природы.

Первое действие. Романс Оксаны «Місяцю ясний» – девушка рассказывает о своих чувствах. Обращается к месяцу и звездам с просьбой принести весточку от возлюбленного. Мелодия романса нежная.

Песня Ивана Карася «Ой щось дуже загулявся» – юмористического характера, его образ двояк: с одной стороны он беззаботный гуляка, а с другой – мужественный казак, рассудительный человек, любящий отец.

Комический дуэт Одарки и Карася «Відкіля це ти узявся, де ти досі пропадав?». В первой части Одарка пытается узнать, где ее муж пропадал. Ее музыкальные фразы активные, решительные, а Иван теряется и быстро придумывает причину своего отсутствия. Вторая часть контрастна к первой, Одарка жалуется на свою судьбу («Ти гуляєш дні і ночі, я ж, сердешна, все одна»). Третья – наполнена юмором, звучит быстро, напористо, как и первая, это реприза дуэта.

Второе действие. Ариозо Оксаны «Ангел ночі» – чарующий, завораживающий.

Дуэт Оксаны и Андрея – самый лирический номер оперы, в нем композитор передал нежные чувства между молодыми людьми. Форма дуэта трехчастна: А–В–А. Средняя часть речитативного склада контрастирует крайним.

Третье действие. Начинается песней Одарки «Ой казала мені мати» – воспоминание о молодости.

Квинтет «Нещасливі наші долі» исполняют Одарка, Оксана, Андрей, Карась, Имама, в котором каждый встревожен своим горем. Музыкальная ткань делится на несколько шаров: партии Оксаны и Андрея близки по мелодической линии, т. к. в них передано одно настроение; остальные три партии объединены вместе в трехголосие.

Ария Андрея «Блажений день, блаженний час». В ней изображена любовь юноши к родной земле.

Завершает оперу жизнерадостный финал. Состоит из двух тем: первая – ее исполняет Оксана, изображает радость счастливой развязки, которая наступила так неожиданно; вторая – лирическая, передает чувства любви к своей земле.

 

3.1. В. А. Моцарт. Характеристика творчества.

Опера «Свадьба Фигаро».

Моцарт жил во второй половине XVIII века. Он принадлежит к венской классической школе, которая в его лице нашла свое высшее выражение.

Пребывание Моцарта в Италии, Франции, Германии сказалась на его творчестве. При прочной и ясной австрийской музыкальной основе, которая сама по себе является многонациональной, Моцарт воспринял то, что слышал, видел, наблюдал в других странах.

Композитор работал в различных жанрах опера; духовная музыка; инструментальная музыка (сонаты, симфонии, дивертисменты, инструментальные концерты).

В области инструментальной музыки продолжает традицию Гайдна, т. е. использует сонатно–симфонический цикл. Им было написано около 50 симфоний, сонаты, квартеты, квинтеты.

Также велико достижение композитора в области оперной музыки. Им было написано 19 опер, самыми известными являются: «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро» и «Волшебная флейта».

Моцарт создает яркие, жизнелюбивые, жизнерадостные образы, т. е. такие, каким он сам был.

Опера «Свадьба Фигаро» была написана в 1786 году по комедии Бомарше. Либретто аббата Лоренцо да Понте. Опера комическая. Четыре действия.

Начинается с увертюры (от французского – «открывать») – сонатная форма без разработки. Г. п. – веселая, энергичная, связанная с образом Фигаро. П. п. – подвижная, нежная, грациозная. Это Сюзанна.

Первое действие. Каватина Фигаро «Если захочет барин попрыгать». Фигаро мысленно обращается к барину. Вежливо, но насмешливо он предлагает барину отказаться от Сюзанны. 3 раздела: 1и 3 разделы изображают важного и смешного барина. 2 раздел – смелый, напористый, энергичный Фигаро.

Керубино – юный слуга. Его граф решил отправить в армию. Ария Фигаро «Мальчик резвый» – это марш. Остроумно, с добродушной усмешкой Фигаро рисует Керубино его будущее (армию).

Ария Керубино «Рассказать, обьяснить…» – взволнованная, страстная. Керубино рассказывает Сюзанне о своих чувствах и стремлениях.

Второе действие. Ария Керубино «Сердце волнует» – нежная, теплая, робкая, застенчивая. Керубино выражает любовь к Графине, но побаивается ее.

Дочка садовника Барбарина ищет булавку, которой было приколото письмо, написанное Графу Сюзанной и Графиней. Ария «Уронила! Потеряла…» это наивный облик девочки. Она испуганна.

Четвертое действие. В арии «Приди мой милый друг» Сюзанна изображена нежной и обаятельной девушкой. Светлые чувства сливаются с красотой теплого южного вечера.

 

 

3.2. Развитие украинской культуры XVII–XVIII вв.

Большую роль в культурной жизни украинского народа сыграли братства, которые возникли в конце XVI века. В них участвовали образованные люди, которые боролись за развитие украинского языка, письменность, науку, культуру и православие. Благодаря их деятельности стали возникать средние и высшие учебные заведения – коллегиумы. В которых пение было неотъемлемой частью воспитания детей.

В XVII веке в Киеве, Львове и других городах интенсивно развивается хоровое искусство. Среди музыкальных жанров основное место занимает партесный концерт (многоголосное произведение, 8-12 голосов; партии делятся на 4 группы; участвовали мужские и детские голоса). Наряду с партесным концертом развиваются канты и псалмы. Это трехголосные произведения, небольшие за размером, при этом псалмы светские, а канты – духовные.

Новый этап развития музыкального творчества начинается с XVIII века. С первой половины до нас дошли партесные концерты на светскую тематику. Во второй половине XVIII века появляется 4–х голосный концерт, одноголосная песня с аккомпанементом, среди других жанров: сонаты для фортепиано, скрипки; оперы; симфонии.

 

 

4.1. Л. Бетховен. Характеристика творчества. Симфония №5, с–moll.

Людвиг ван Бетховен (1770 – 1827) – немецкий композитор.

В творчестве Бетховена классическая музыка достигла своей вершины. И не только потому, что Бетховен сумел воспринять все лучшее из того, что уже было достигнуто. Современник событий французской революции конца XVIII века, провозгласившей свободу, равенство и братство людей, Бетховен сумел показать в своей музыке, что творцом этих преобразований является народ. Впервые в музыке с такой силой были выражены героические устремления народа.

Композитором написано 9 симфоний.

Симфония №5, до–минор была закончена в 1808 году. В ней 4 части. Все части объединены одной грозной и повелительной темой «судьбы».

1 часть – сонатное allegro. Г. п. – развитие начального мотива темы «судьбы». Музыка ритмически четкая, решительная, устремленная вперед, тревожная.

Св. п. – на теме Г. п.

П. п. – начинается властным призывом валторн на теме «судьбы». Новая мелодия напевная, нежная, светлая в параллельном Ми бемоль–мажоре.

З. п. – построена на том же грозном мотиве.

Разработка построена в основном на развитии основного мотива симфонии: звучат мотивы из Г. п.

В репризе Г. п. прерывается скорбной медленной фразой гобоя.

П. п. звучит в одноименном До–мажоре.

2 часть – медленные философские раздумья, двойные вариации: обе темы приподнято–героического характера.

3 часть – скерцо, в котором одна из тем строится на теме «судьбы».

4 часть – финал танцевального характера в До–мажоре, сонатное allegro, перед репризой в последний раз появляется тема «судьбы».

3 и 4 части звучат без перерыва.

 

4.2. П.Нищинский. Творческий портрет. «Вечорниці» –музыкальная картина к пьесе Т.Шевченко «Назар Стодоля».

Петро Iванович Нiщинський народився 9 вересня 1832 року в селi Наменка, Київської губернії. Батько був дячком у місцевій церкві, мати – проста селянка. Після смерті батька, мати з двома синами їде до Києва.

У 1842 році Нищінського прийнято до Києво-Софіїського духовного училища, на «кураторське утримання», згодом переведено до Києво-Подільського духовного училища, де влаштували у бурсу. Він добре займався, співав у різних хорах.

Після закінчення духовного училища у 1849 році Нищінського прийнято до Київської духовної семінарії.

За чудовий голос і музичні здібності у 1859 році їде до Греції, де співає у церкві, вивчає культуру і мистецтво, а також удосконалює грецьку мову. У Афінах отримує вищу освіту і ступінь магістра наук. Викладає грецьку мову в місцевій гімназії.

У 1857 році отримує відставку і разом з дружиною їде до Петербурга, згодом до Одеси. Тяжке матеріальне становище змушує композитора викладати російську, грецьку мови, витупати у пресі як літератор, критик, перекладати, писати вірші і пісні.

Знайомиться з українським драматургом,одним з основоположників українського професійного театру – Кропивницьким. До п’єси «Невольник» Кропивницького на сюжет поеми Шевченка «Сліпий» Нищінський написав твір «Закувала та сивая зозуля» для чоловічого хору.

Переводиться з Одеси до Ананьєва, де викладає грецьку мову і співи в чоловічій гімназії і російську у жіночій прогімназії. Пише «Вечорниці», музику з текстом до п’єси Шевченка «Назар Стодоля», яка виконувалась артистичним гуртком у який входила сім’я Тобілевичей і дочки Нищінського.

Після цієї прем’єри настали тяжкі часи, виданий у 1876 році указ царського уряду забороняв друкувати літературні твори українською мовою, ставити п’єси. В цей час Нищінський повністю віддається роботі над героїчним епосом (в музиці це «Байда»,а у художній літературі – переклад з грецької на українську мову «Антігони» Софокла).

У 80-ті роки театральне життя на Україні оновилось. Успішно виступають театральні трупи Кропивницького, Садовського, Саксаганського. Нищінський повертається до Одеси, бере участь у складанні російсько-українського словника, перекладає «Одісею», «Ілліаду» Гомера, «Слово о полку Ігореве». Організує хоровий гурток. Створює пісні-романси «Дівчинько-голубонько», «У діброві чорна галка». Останній твір «Ой, гук. мати, гук» для багатоголосного хору.

Помер 4 березня 1896 року.

Клавір музичної картини «Вечорниці» написаний у 1875 році як вставний розділ до другої дії п’єси Т.Шевченка «Назар Стодоля». У подальшому твір отримав статус самостійного, незалежного від постановок шевченківської драми. Вважається «генеральною репетицією» формування українського театру корифеїв. Текст українською мовою власне самого П. Ніщинського.

5.1. План ответа на тему: «Ф. Шуберт. Характеристика творчества. Вокальные циклы»

1. Франц Шуберт – австрийский композитор, современник Бетховена. Шуберт писал музыку очень простую, светлую, искреннюю, такую, каким он сам был. В его последних произведениях все чаще появляются грусть, страдание. Причины крылись не только в неудачах его личной жизни, но и в окружающей обстановке. Расцвет творчества Шуберта падает на 20–е годы XIX века, когда все революционное, передовое подвергалось гонениям. Поэтому сумрачное настроение его последних произведений можно рассматривать и как отражение жизни австрийского общества того времени. В своей неудовлетворенности окружающей жизнью Шуберт был не одинок. Эти неудовлетворенность и протест лучших людей общества нашли отражение в искусстве, где в те годы возникает целое направление – романтизм. Шуберт был одним из первых композиторов романтиков. Романтизм – направление в искусстве конца XVIII – I половины XIX века. Для эпохи характерно: внимание к внутреннему миру человека; сюжеты находили в древних преданиях, легендах, почерпнутых в искусстве средних веков; любимое время ночь.

2. Песни занимают в творчестве Шуберта главное место. Именно песни наиболее ярко отразили все то новое, что внес композитор в музыку. На смену герою произведений Бетховена — борцу за справедливость и независимость народов — приходит скромный и незаметный герой Шуберта. Он вынужден ограничиться интересами лишь своей личной жизни, в которой стремится найти и счастье и радость. Герой Шуберта — простой человек. Он глубоко несчастен. Все его мечты и надежды неосуществимы. Единственным, верным и неизменным его другом, которому он поверяет все свои мысли, является природа.

3. «Лесной царь» — это не песня, а скорее драматическая сцена, где перед нами выступают три действующих лица: отец, скачущий на коне через лес, больной ребенок, которого он везет с собой, и грозный лесной царь, являющийся мальчику в лихорадочном бреду. Каждый из них наделен своим мелодическим языком.

«Форель» – весело резвится серебристая рыбка в прозрачной воде горного ручья. Она хорошо видит грозящую ей опасность. Чтобы ее поймать, рыбак мутит воду, и вот рыбка поймана. Подвижная, грациозная мелодия песни имеет танцевальный оттенок. Она звучит на фоне коротких, быстро скользящих вверх арпеджированных пассажей, напоминающих легкие всплески волн.

«Серенада» — полна светлых, мечтательных настроений. Плавно и неторопливо льется мелодия, ей вторит фортепиано. Мягкий, вальсовый ритм песни сочетается с характерным рисунком сопровождения, напоминающим звучание гитары.

Шубертом написаны также два цикла песен — «Прекрасная мельничиха «Зимний путь» — на слова немецкого поэта Вильгельма Мюллера. В каждом из них песни объединены одним сюжетом.

В песнях цикла «Прекрасная мельничиха» рассказывается о юном мельнике. Следуя течению ручья, он отправляется в путь искать свое счастье. Большая часть песен этого цикла имеет светлый характер. Широко известна первая песня «В путь». Весело журчит вода, вращая жернова мельницы. Юноше кажется, что это ручей зовет его в путь за собою.

Герой Шуберта переживает любовь и разочарование, надежды на счастье и крушение этих надежд. Единственный друг мельника — ручеек.

Настроение цикла «Зимний путь» совсем иное. Бедный юноша отвергнут богатой невестой. В отчаянии он оставляет родной город и уходит бродить по свету. Он одинок. Его спутниками становятся ветер, метель, зловеще каркающий ворон.

Цикл начинается песней «Спокойно спи». Скорбная нисходящая мелодия сразу создает настроение тоски и глубокой печали.

Песня «Весенний сон» строится на чередовании двух резко контрастных образов: прекрасного сна несчастного странника и мрачной действительности, которую он видит, просыпаясь.

«Зимний путь» заканчивается песней «Шарманщик». Основное ее настроение — безнадежность, одиночество. Нищий старик еще по привычке крутит ручку шарманки. Он одинок, голоден, его чашка для подаяния пуста. Надеяться больше не на что.

Особенности песенного творчества Шуберта: мелодия тесно связана с текстом, фортепианная партия не менее важна, чем вокальная мелодия, куплетная форма, характерным приемом в изменении окраски звучания является чередование мажора и минора Такое изменение лада, игра света и тени имеют у Шуберта глубокий смысл, выражая смену настроений героя песни.

 

5.2. Л. Ревуцкий. Характеристика творчества. Симфония №2.

Лев Николаевич Ревуцкий – советский композитор, педагог, ученый и общественный деятель. Талант композитора раскрылся в Симфонии №2, Концерте для фортепиано с оркестром, кантате-поэме «Хустина», фортепианных произведениях, обработках народных песен.

Симфония №2 была написана на конкурс, посвященный 10-ти летию Октябрьской Революции, где и получила первое место. В ней использованы народные темы (условие конкурса), семь песен: две в первой «Ой весна, весниця», «Ой не жаль мені», три во второй – «Ой Микито, Микито», «Ой там в полі весна», «У Києві на ринку», две в третьей – «А ми просо сіяли», «при долині мак».

Состоит из трех частей, по характеру лирико-эпическая.

1 часть самая драматическая, в ней утверждается приход весны. Форма сонатного аллегро, главная и побочная партия – веснянки.

2 часть – композитор рисует весеннюю ночную природу, период цветения.

3 часть – финал, картина веселого народного гуляния. Утверждает идею служения народу, обществу.

 

 

6.1. Ф. Шопен. Характеристика творчества. Прелюдии и мазурки.

1. Фридерик Шопен — польский композитор, пианист XIX века. Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано. Он не написал ни одной оперы, ни одной симфонии или увертюры. Исключение составляют несколько камерных сочинений.

Необычно сложилась и жизнь Шопена. Поляк по происхождению, горячо любивший родину и преданный ей, он все свои зрелые годы вплоть до смерти провел на чужбине.

2. Шопен – основоположник польской классической музыки, создал на основе народных песен и танцев художественные, неповторимо своеобразные произведения.

3. Мазурка – польский народный танец в трехдольном размере, живой, чаще акцент падает на третью, последнюю долю такта. Мазурки Шопена – пьесы танцевального характера, рассчитаны на концертное исполнение, разнообразны по характеру, например: мазурка До-мажор воссоздаст картину деревенского праздника, лирическая мазурка ля-минор связанная с образами родины, мазурка Си-бемоль мажор относится к группе бальных, блестящих танцев.

Полонез – праздничное церемониальное шествие, в XIX веке бал открывался полонезом в первой паре шел хозяин с самой уважаемой гостьей. Полонезы Шопена, как и его мазурки, предназначены для концертного исполнения, разнообразны по характеру. Наиболее известный полонез Шопена Ля-мажор – это торжественное произведение, аккордовая фактура, использование почти всего диапазона фортепианной клавиатуры придают звучанию большую насыщенность и плотность.

Среди семнадцати вальсов Шопена большой популярностью пользуется вальс до-диез минор. Все три темы вальса очень выразительны: первая – мягкая грациозная тема, передает начальную фигуру танца, плавную и легкую. Небольшое ускорение темпа сопровождает вторую тему, создает впечатление кружащегося движения, легкости, полетности, третья тема вальса — медленная, певучая. Это скорее размышление, воспоминание о вальсе.

Слово «прелюдия» в переводе с латинского означает «вступление». Во времена Баха прелюдия могла предшествовать сюите, фуге. Шопену принадлежит первенство в создании цикла из 24 прелюдий. Прелюдии Шопена написаны во всех мажорных и минорных тональностях.

Прелюдия ми-минор — лирическая, скорбно-задумчивая. Возможно, это воспоминание о чем-то прекрасном, но безвозвратно ушедшем. Совсем по-иному звучит прелюдия Ля-мажор – миниатюрна (16 тактов). Это изящная, грациозная пьеса, своим танцевальным ритмом она напоминает мазурку. Прелюдия до-минор — она еще более миниатюрна (13 тактов). Равномерное движение полнозвучных аккордов в низком регистре напоминает поступь шествия. Медленный темп, минорный лад придают музыке траурный характер:

Этюдом называется пьеса, предназначенная для развития технических навыков игры на том или ином инструменте. Этюды Шопена также ставят перед собой определенные задачи в развитии пианистической техники. В творчестве Шопена этюды превратились в глубокие по мысли концертные пьесы.

Этюд до-минор — «Революционный». На фоне бурных, стремительных пассажей звучит призывная, волевая мелодия, чувства наполняют музыку. Одновременно слышится и призыв к борьбе, выражение мужества и решимости борцов за свободу и независимость отчизны.

Этюд ми-мажор — мелодия отличается глубиной, мягкой и задушевной напевностью.

Ноктюрн (от фр. – «ночная песнь» — распространившееся с начала XIX века название пьес лирического, мечтательного характера и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе). Шопен и здесь сказал новое слово, значительно расширив содержание ноктюрна. Одни из его ноктюрнов отличаются вдохновенной лирикой, другие — глубиной и серьезностью мысли.

Ноктюрн фа-минор можно отнести к группе лирических произведений, тонких и поэтичных. Тихо и спокойно льется повествование — задумчивое, печальное, как исповедь человеческой души.

 

6.2. Развитие украинской музыки эпохи классицизма (М. Березовский, Д. Бортнянский, А. Ведель).

В эпоху барокко, на смену одноголосному знаменному пению пришло многоголосное партесное пение, которое поспособствовало развитию мажоро-минорной системы и на основе которого развился стиль духовного концерта. Среди выдающихся музыкальных деятелей того времени — Николай Дилецкий, автор «Мусикийской грамматики» (1675) — первого труда по музыковедению, который объяснил суть линейной, нотной системы, партесного пения и партесной композиции.

Важным событием того времени стало открытие в 1632 году Киево-Могилянской академии, где, среди других, преподавались и музыкальные предметы. Воспитанники академии популяризовали вертеп, а позже — канты. Среди выпускников Академии были многие деятели искусства, в том числе композиторы Григорий Сковорода, Артемий Ведель.

Светская профессиональная вокальная и инструментальная музыка, которая существовала в помещичьих усадьбах и военных частях, с XVII века начала развиваться и в городах. Появились цехи музыкантов, а при магистратах создавались оркестры и капеллы. На основе народно-песенных и кантовых традиций в XVIII — начале XIX веков получила распространение песня-романс на стихи разных поэтов. Одним из первых ввёл, в этом жанре начал творить Григорий Сковорода, который ввёл в песенный жанр гражданскую, философскую и лирическую тематику.

Особо важное значение в украинской музыкальной культуре XVIII века имела созданная по инициативе Даниила Апостола в 1730 года Глуховская песенная школа, воспитанниками которой стали Дмитрий Бортнянский, Максим Березовский и Артемий Ведель. По окончании глуховской школы Бортнянский и Березовский продолжили своё обучение в итальянских музыкальных школах, которые были центрами европейской музыки того времени.

Объединение традиций партесного пения и современных техник европейского письма обусловили уникальность творчества этих композиторов. Став придворным капельмейстером в Петербурге, а с 1796 года — руководителем придворной капеллы, сформированной почти исключительно из воспитанников Глуховской школы, Бортнянский очень повлиял и на развитие российской музыкальной культуры. Он же стал первым композитором Российской империи, музыкальные произведения которого начали выходить в печати.

Максим Созонтович Березовский – композитор XVIII века. Родился в Глухове. Высшее образование получил в Киевской Духовной Академии, где начал писать собственные произведения. В 1758 году, за исключительные вокальные данные послан в Петербург, солистом Придворной певческой капеллы. В 1765-1774 жил в Италии, куда был направлен для совершенствования. В Италии, в Болонье, Березовский занимался под руководством знаменитого тогда теоретика, падре Мартини, выдержал экзамен Болонской филармонической академии на звание академика-композитора. По возвращении в Россию в 1771 году Максим Березовский был зачислен на скромную должность.

Постоянная нужда, невозможность найти применение своим творческим силам привели Березовского к душевному кризису. Оскорбленный, униженный, терпя бедность, нужду и всяческие неудачи, Березовский покончил жизнь самоубийством, по другим данным – заболел горячкой и умер.

Драматична судьба творческого наследия композитора: большинство произведений оставались в рукописях долгое время и хранились в Придворной капелле. В начале нашего столетия они были безвозвратно утрачены. Известна соната для скрипки и чембало До-мажор, опера «Демофонт», около 17 духовных концертов из которых большой популярностью пользуется «Не отвержи мене во время старости». В концерте 4 части с контрастным сопоставлением темпов, динамики, тембров, способов изложения. Концерт в ре-миноре.

Дмитрий Степанович Бортнянский – украинский композитор середины XVIII – начала XIX столетия. Автор шести опер, симфонии, нескольких фортепианных сонат, камерно-инструментальных ансамблей, хоровых концертов.

Дмитрий Бортнянский, как и его старший коллега Максим Березовский, ребенком учился в знаменитой глуховской школе и уже в семилетнем возрасте благодаря своему чудесному голосу был принят в Придворную певческую капеллу в Петербурге. Как и большинство хористов Придворной певческой капеллы, наряду с церковным пением, он исполнял также и сольные партии

Благодаря рекомендации Галуппи семнадцатилетнему Бортнянскому, как особо одаренному музыканту, назначают художественную стипендию – «пансион» для учебы в Италии. Едет в Венецию, которая еще с XVII столетия славилась своим оперным театром. Для углубления своих знаний, Бортнянский выезжает на учебу и в другие большие культурные центры – в Болонью, в Рим и Неаполь.

Итальянский период был длительным (порядка десяти лет) и на удивление плодотворным в творчестве Бортнянского. Он написал здесь три оперы на мифологические сюжеты, а также сонаты, кантаты, церковные произведения.

После возвращения в Россию Бортнянский был назначен учителем и директором Придворной певческой капеллы в Петербур