С пророчеств иль с забытых буден,

Любытинский народный театр

МУК «МЦБС Любытинского муниципального района»

Центральная районная библиотека

Отдел информационной и справочно-библиографической работы

 

«Костюмы, музыка, игра –

и с ними светлый мир

добра…»

 

 

Любытинский народный театр

 

 

 

Любытино

 

ББК 85.334.3 (2Р-4Но)

К 72

 

 

Составитель: С.В. Катышева

 

 

К 72

«Костюмы, музыка, игра – и с ними светлый мир добра…» Любытинский народный театр: памятка читателю / сост. С.В. Катышева; МУК «МЦБС Любытинского муниципального района»; Центральная районная библиотека. – Любытино, 2010. – 37 с.: ил.

 

 

МУК МЦБС, 2010

С.В. Катышева, составление, 2010

«Сила театра в том,

что он коллективный художник»

К.С. Станиславский

 

 

«Мы идем в театр…»

Стоит произнести эти слова, как нас охватывает чувство радостной взволнованности. Ведь предстоит долгожданная встреча со старым и умным другом, и разговор будет интересным и увлекательным.

Что нас влечет в театр?

Причины разные, ибо различны сами люди: их характеры, вкусы, желания. Одни хотят развлечений и отдыха, другие – увидеть яркие образы, понять природу человеческих отношений, разобраться в том, что в жизни проходит иногда незамеченным.

Часто говорят: «Театр – это школа жизни». Действительно, театр учит нас разбираться в сложных жизненных вопросах и ситуациях, заставляет думать над своими поступками и поведением окружающих. Вместе с героями пьесы зрители переживают счастье и горе, вместе с ними борются, осуждают, спорят, соглашаются, смеются и плачут, любят и ненавидят.

Многие из нас в юности, наверняка, мечтали приблизить то время, когда искусство не только станет понятным каждому человеку, но и сделается для кого-то второй профессией. Но желания наши иногда идут в разрез с действительностью.

В человеке изначально живет или художник, или поэт, или артист. Артистизм находит для себя разные проявления и надо только правильно подобрать роли. В п. Любытино в свое время каждый, если бы он того пожелал, мог обрести благодатную почву, чтобы посеять семена любви к искусству.

Когда мы произносим: «Любытинский народный театр», - то говорим это с чувством гордости и одновременно с грустью. С гордостью – потому что было время, когда театр громко заявил о себе. А грустить заставляет то, что оказалось некому продолжить театральные традиции и восстановить его работу.

Но еще живы в памяти любытинцев спектакли, артисты и режиссеры; восторг и ожидание чуда.

 

Предлагаемое пособие «Костюмы, музыка, игра – и с ними светлый мир добра…» призвано познакомить читателя со славной историей театрального объединения, напомнить имена тех, кто осуществлял постановки и воплощал задумки режиссеров на сцене; вспомнить, чьим трудом было завоевано почетное звание «Народный».

 

С помощью данного пособия мы постараемся осуществить путешествие в страну Любытинского сценического творчества. И чтобы в этой стране не потеряться, нам необходим путеводитель.

К.С. Станиславский сказал когда-то, что театр начинается с вешалки, имея в виду атмосферу искусства, наполняющую и само место, где происходит действо. Но, конечно, не с номерка от пальто начинается театр, а, скорее всего, с программки. Ведь взяв ее в руки, зритель даже не замечает, как в ту же секунду он прикасается к искусству, берет в руки своеобразный кончик ариадниной нити, которая ведет его по всем закоулкам театра, открывает его секреты. И пусть в годы существования театрального объединения при Любытинском ДК не было программок, сегодня мы погрузимся в историю народного театра именно с помощью ее страничек. С первой страницы, где написано название спектакля, перейдем на вторую, где значатся режиссер-постановщик и художник, его оформивший, затем на третью, где указаны действующие лица и исполнители.

По ходу дела мы сможем выяснить, какой вклад вносит каждый из участников постановки в ее создание, в превращение пьесы, написанной на бумаге, в живое, увлекательное, красочное театральное действо. А в результате, возможно, поймем, как создается спектакль.

 

Памятка составлена на основе публикаций в районных и областных газетах и не претендует на исчерпывающую информацию, точно устанавливающую все даты и факты. Список литературы представлен в хронологическом порядке, в рамках одного периода – в алфавите авторов и заглавий.

Пособие предназначено жителям и гостям района – всем, кому интересна его история, кому не безразлично его настоящее и будущее.

 

Страничка первая

«…И рождается чудо спектакля»

 

 

История каждого театра – это длительный и сложный процесс, множество спектаклей, это разные режиссеры и конгломерат исполнителей с различными индивидуальностями. Каждый театр – это целая книга, да вряд ли и в целую книгу можно вместить всю историю творческого коллектива, даже непрофессионального.

Театр народного творчества – это не просто прокатная площадка, на которой самодеятельный коллектив показывает свои постановки, это - театр самодеятельного искусства. Здесь не только демонстрируют свои достижения – здесь учатся, анализируют победы и поражения, спорят.

Истоки любытинского народного театра стоит искать в далеком прошлом. «До 1917 года драматические коллективы зарождались в двух населенных пунктах: селах Белое и Шереховичи. В работе этих коллективов главным образом принимали участие учителя, медицинские работники и другая сельская интеллигенция.

В селе Белое самодеятельностью руководил Петр Иванович Илларионов, а местом, где ставились спектакли, был пожарный сарай, и потому постановки были возможны только в теплое время года. В Шереховичах репетиции и постановки проходили в одном из классов школы, а руководителем был Дмитрий Петрович Петров. Играли пьесы классиков: Островского, Чехова, Горького». [13]

В конце 20-х годов в районном центре был открыт Дом культуры. При нем стали организовываться различные кружки, в том числе и драматический. Впоследствии его руководителем на общественных началах стал Петр Георгиевич Соболев. Он же согласился оборудовать сцену. «Для изготовления декораций доски и гвозди брали со старых построек и ящиков. Участники кружка ходили по деревням: искали холст для задников и кулис», - вспоминал А.П. Никандров, один из старейших участников театрального коллектива.

Первым спектаклем, поставленным на сцене Дома культуры, была пьеса Германа Хейфмана «Гибель Надежды» с участием большого количества самодеятельных актеров. С этого момента и стал почти регулярно работать драматический кружок, ставивший по 2-3 спектакля в год.

Первые актеры кружка. Кто они? К сожалению, человеческая память избирательна и многое давно забыто – канули в лету и имена многих самодеятельных артистов тех лет…

 

 

Искусство театра отличается от прочих, даже смежных с ним искусств, тем, что оно сиюминутно, что существует оно однажды, и существование его возможно лишь при участии зрителей. Спектакль состоится только при наличии обеих сторон: и актера, творящего на глазах аудитории, и зрителя, непосредственно сейчас и непосредственно здесь, в зрительном зале, присутствующего. И не просто присутствующего, но становящегося активным участником происходящего. Именно для него выходит на сценические подмостки артист, одетый в костюм, созданный по эскизу художника, и для него – зрителя - произносит текст, написанный драматургом, перевоплощаясь с помощью режиссера в действующее лицо спектакля.

Зритель в районе был очень благодарный. Его душевная чистота, жадность на художественные впечатления, активность отклика на спектакль - окрыляли и вселяли уверенность в артистах драмкружка, вызывало желание творить на сцене.

 

 

…Занавес – волшебная стена,

Взлетающая вверх, но в миг, когда она

Совсем взвилась, для зрительного зала

Вся прелесть ожидания пропала.

Зато как славно ждать, волнуясь все сильней,

Пред этою стеной, и как минуты сладки,

Когда она для нас еще полна загадки

И мы не знаем, что скрывается за ней.

Как будто ветерок ее чуть-чуть колышет,

Со сцены смутный шум уж наше ухо слышит,

В нем звуки разные стараясь уловить.

Момент любимый мой хочу продлить немного,

И пусть фантазия с улыбкой даст нам нить

Того, что будет здесь.

Э. Ростан

 

 

Премьерный спектакль – праздник. Но он же и экзамен. Как напряжены, до предела заполнены волнением минуты до открытия занавеса – в зале и за непроницаемыми складками занавеса, на сцене, где молчаливо высится, словно ждет чего-то, декорация, и куда вот-вот вступит истинный хозяин нынешнего вечера, его главная фигура – актер.

За годы своего существования коллективом было подготовлено большое количество различных пьес. Репертуар был серьезный. Играли и классику: «Женитьба» Н.В. Гоголя, «Недоросль» Д.И. Фонвизина, «Не в свои сани не садись» А.Н. Островского.

 

Сцена из спектакля «Женитьба», 1970 г.

Режиссер П.Г. Соболев

 

Когда в 1960 году появилась афиша о постановке коллективом пьесы А.П. Чехова «Дядя Ваня», многие сомневались – по силам ли выбрали спектакль? Но уже первое действие заставило поверить в силы самодеятельных артистов, взявшихся действительно за нелегкий материал.

Роль дяди Вани исполнил работник районной конторы связи А.Т. Трубицын, а роль доктора Астрова сыграл П.П. Жуков.

Пьеса получилась. Это лишний раз доказало, что не следует жалеть усилий для развития художественной самодеятельности, чтобы через классику и шедевры мировой драматургии соединять своих зрителей-современников с общечеловеческим и вечным.

Комедия А.В. Сухово-Кобылина «Свадьба Кречинского», поставленная в 1961 году П.Г. Соболевым, особо удалась любытинским артистам.

Похождения кутилы и картежника Кречинского вместе с плутом и проходимцем Расплюевым заставили зрителя от души посмеяться.

Наиболее трудной была роль Михаила Васильевича Кречинского. Но исполнителю - П. Жукову - удалось донести до зрителей суть характера своего персонажа: человека легкомысленного, пытающегося поправить свои пошатнувшиеся финансовые дела женитьбой на богатой невесте Лидочке (исп. Л. Гаврилова).

Подстать Кречинскому его приятель Расплюев – довольно темная личность, махинатор и пройдоха, которого с блеском сыграл А. Баринков, сумев избежать переигрывания.[4]

В 1975 году на сцене ДК сыграли пьесу А.Н. Островского «Поздняя любовь» (режиссер К.К. Серов) - историю из далекого прошлого, которая оказалась как никогда актуальной и современной. Современна она была пафосом утверждения и страстью отрицания. Современна грустной мыслью, что нет ничего печальнее несбывшихся иллюзий юности и горше мечтаний, раздавленных жизнью.

Яркий образ легкомысленной молодой купчихи Лебедкиной создала на сцене учительница Любытинской школы Л.С. Бывшева. Интересно сыграла роль мещанки Шабловой Александра Ивановна Доброхотова, правдиво был раскрыт образ Маргаритова в исполнении Б. Бочкова.

Время шло, внося в искусство свои коррективы. Новые пьесы несли новые проблемы, сменялся, обновлялся арсенал выразительных средств, и уже по-новому должны были прозвучать пьесы. На сцену пришел новый герой.

Еще в 1956 году драмкружок обратился к советской драматургии: силами коллектива была поставлена пьеса Алексея Арбузова «Таня». Безоблачная жизнь семьи Германа и Татьяны Балашовых длилась до того момента, пока Герман не полюбил другую женщину. Узнав об этом Таня уходит от него, чтобы не быть преградой мужу на пути к новому счастью. Этот шаг дается нелегко, но он единственно верный - женщина учится на врача, находит себя в новой жизни, создает семью…

С тех пор произведения советских драматургов заняли прочное место в репертуаре народного коллектива. Среди них пьеса современного украинского писателя А. Макаенка «Левониха на орбите» (1963), лирическая комедия А. Успенского «Девушка с веснушками» (1967 г.), комедия А. Сафронова «Летят гуси» (1968), лирическая пьеса о чистой и счастливой любви «Зовут голубые дали» (режиссер П.Г. Соболев).

1967 год явился знаменательным для драматического коллектива. За спектакли «Девушка с веснушками» и «Мораль пани Дульской» театру было присвоено звание Народный.

Остановимся на отдельных спектаклях, может и не столь важных для театрального искусства вообще, но характерных для самодеятельного коллектива и вызвавших живой отклик у зрителей.

Любой спектакль существует в строгом соотнесении со своим временем. Каким бы событиям ни был он посвящен, когда бы ни был поставлен, он с обязательной необходимостью вступает в контекст времени. Зритель, которому открываются жизненные ситуации героев, будет следить за развертыванием их судеб, но одновременно искать и читать в них что-то свое, особенно волнующее, важное в настоящий момент, составляющее заботу и содержание современности.

В 1962 году П.Г. Соболевым была поставлена пьеса Афиногенова «Мать своих детей». Это история пожилой женщины Екатерины Ивановны, которая отправляется в далекий путь по стране с целью навестить своих детей. Главную роль глубоко и проникновенно сыграла Полина Васильевна Дмитриевна. Умная, принципиальная, чрезвычайно тактичная женщина – такова «мать своих детей» в ее исполнении. Каждому своему ребенку (а их у нее пятеро) она смогла помочь: где советом, где утешением, где твердым словом.

Пьеса довольно трудна для исполнения из-за обилия картин и большого количества действующих лиц. П.Г. Соболеву удалось добиться сыгранности всего коллектива, правильной трактовки каждого образа. И, наконец, именно он выполнил декорации, применив при этом новшество - сборные щиты, что позволило до минимума сократить перерывы между картинами.

В спектаклях народного театра, прежде всего, отмечается стремление режиссуры «перелиться» в исполнителя, поставить человека, и, следовательно, артиста, в центр сценического повествования.

Многие переживали за успех спектакля «Антонина», поставленного по пьесе Г. Мамлина режиссером Константином Константиновичем Серовым – в нем на протяжении двух с половиной часов ведут словесное действие три человека. Но спектакль прошел с успехом. Самодеятельные артисты – Надежда Петрова, Петр Жуков и Лариса Бывшева – достоверно и выразительно показали распад и слияние семьи.

Герои лучших спектаклей советской драматургии – это обязательно и герои времени, люди, занимающие ключевые авангардные рубежи в современности.

При постановке пьесы украинского драматурга М. Зарудного «Тают белые снега» (1975 г., режиссер К.К. Серов) любытинский зритель оказался среди лесников на берегу озера. Пьеса воспринималась тогда, как злободневное произведение, не утратила она, на наш взгляд, актуальности и на сегодняшний день. Комичные ситуации разного рода сменялись на сцене – зал реагировал дружным хохотом.

 

 

Сцена из спектакля «Тают белые снега».

 

Актеры ярко и правдоподобно представили старания и подхалимство лесников, «создававших условия» для охоты одному большому начальнику – в пьесе это директор спиртзавода, которого сыграл ветеран сцены А.М. Баринков. В паре с ним хорошо смотрелся и «блюститель лесного порядка» - лесник невысокого пошиба в исполнении П.П. Жукова.

Всю компанию, живущую радостями браконьерства, растревожила молодая лесничиха Василинка (исп. Галя Григорьева), которая все-таки нашла на них управу…

В спектакле были заняты О.М. Серова, Г.Н. Петров, А.П. Никандров, Е.П. Петрова, Наташа Денисова и Неля Печенкина.

Темой спектакля «Женатый жених», поставленного П.Соболевым в 1969 году, стала вера в человека, торжествующая над бездушием; человеческое достоинство, побеждающее стяжательство и бюрократизм. Постановка этой пьесы еще раз показала, какие богатые возможности у любителей драматического искусства Любытина. К тому же, каждая новая работа знакомила зрителей с новыми талантливыми исполнителями – в данном случае это были Людмила Михайловна Васильева и десятиклассник Леня Федоров.

 

Спектакль «Крестьянин Тимофеев (Щорс в Сибири)», в основу которого положен исторический факт, вызывал много вопросов и накладывал на самодеятельных артистов особую ответственность. Со сложным этапом подбора актеров на роли отлично справился режиссер К.Серов. Щорса сыграл Геннадий Андреев, который воплотил в своем герое два образа – простоватого крестьянина Тимофеева и стремительного, резкого партизанского командира.

В других ролях были заняты А.М. Баринков, Б.Н. Бочков, Н.И. Кошкина, А.П. Никандров, П.П. Жуков. Поиски в области сценического творчества – это всегда коллективные поиски, и одна из важных черт Любытинского народного театра - единство устремлений каждого члена коллектива. Благодаря их стараниям и энтузиазму тема спектакля была раскрыта, и пьеса имела успех.

За свою историю народный театр не раз обращался к теме подвига народа в Великой Отечественной войне и теме становления человека в послевоенном мире.

Главный вопрос, который стоял перед режиссером при постановке спектакля по пьесе А. Салынского «Барабанщица» (1967), - кто сыграет главную роль девушки-разведчицы Нилы Снежко? Сумеет ли актриса показать двойную игру, да так, чтобы за легкомыслием и показной грубостью зритель смог разглядеть лучшие черты ее героини. Эту роль Петр Георгиевич доверил учительнице Н.Н. Гусевой. И не ошибся. Пьеса захватила и актеров и зрителей.

Огромным успехом у зрителей пользовалась пьеса К. Симонова «Жди меня». А в 1985 году Виктория Лахенмайер поставила спектакль «Так и будет» по произведению этого же автора.

Действие пьесы происходит ранней осенью 1944 года в Москве. Обстановка вполне мирная. В давно пустующую московскую квартиру поселяют семью профессора Дмитрия Воронцова. Старый хозяин - полковник Дмитриев не был дома несколько лет и не спешит возвращаться, т.к. все в ней напоминает о смерти жены и дочки. Но однажды решает заглянуть – и находит в ней новых жильцов.

Воронцовы – очень милые и порядочные люди – встречают хозяина приветливо и убеждают Дмитрия Ивановича остановиться у них в его квартире, на всю неделю командировки. Эта неделя превратилась в счастливые дни, благодаря профессору и его дочери Ольге.

В спектакле роль профессора сыграл участник Великой Отечественной войны и ветеран сцены П.П. Жуков, полковника Дмитриева – Б.Н. Бочков. Творческой удачей режиссера стала роль Ольги в исполнении учительницы Любытинской школы Натальи Михайловны Даник. Дебютантами сцены на этот раз стали учащиеся школы Игорь Васильев и Валера Шинко.

Артисты смогли раскрыть перед зрителями характеры своих героев, задуманные Симоновым и не потерявшими своей актуальности много лет спустя.

Постановка спектакля по пьесе талантливого советского драматурга Вадима Собко «За вторым фронтом», повествующей о событиях Второй мировой войны, была очень трудной. Для четырнадцати действующих лиц пьесы надо было подобрать исполнителей, способных понять и передать в актерском исполнении замысел автора.

В этом спектакле совершенно новую для себя роль сыграла Н.И. Кошкина, которую зритель привык видеть исполнительницей лирических героинь. Здесь же она предстала в образе Мари Клер, властной надзирательницы в концлагере.

Вообще, спектакль отличался множеством удачных ролей, но особенно отличали зрители сильную игру молодежи, например, недавней выпускницы Любытинской школы Надежды Ивановой, сыгравшей бесстрашную девушку-комсомолку. Первую роль, очень серьезную, сыграла в пьесе и Ольга Харьковец. Ее героиня - Джен Кросби, предстала личностью сложной и неоднозначной.

 

 

Сцена из спектакля «Одна береза знает…», 1973. Режиссер К.К. Серов

Надежда – Людмила Скородумова, Семен – Геннадий Петров.

Лирическую драму А. Ларченкова «Одна береза знает» тепло встречали не только зрители нашего района. В 1974 году спектакль стал своеобразным отчетом коллектива в областном смотре народных театров.

Главные герои – молодые люди Лена (Тамара Родичева) и Сергей (Анатолий Малышев), чье детство пришлось на военную пору. Они ведут все сценическое действо, постоянно возвращая зрителя в тревожные и героические времена предвоенных и военных лет. Едва ли не полноценным «главным героем» пьесы становится белоствольная береза – символ Родины, чистоты и красоты человеческой души.

В спектакле были заняты Л. Скородумова, Б. Бочков, Г. Андреев, Н. Кошкина, Г. Петров.

В 1977 году на сцене народного театра была осуществлена постановка пьесы эстонского драматурга Э. Ранета «Блудный сын», отличающаяся острыми конфликтами, резко очерченными характерами, важной социальной тематикой.

 

 

 

Сцена из спектакля «Блудный сын»

 

Много сделал для правильной трактовки образов режиссер спектакля К.К. Серов. Он удачно избрал исполнителей главных ролей. Леена Туйск в исполнении Нины Ивановны Кошкиной не только глубоко любящая своего запутавшегося в сетях западного шпионажа сына, но и человек высочайших гражданских качеств. Ее сына искренне сыграл Геннадий Александрович Андреев. В других ролях были заняты П.П. Жуков, В.М. Гончарова, Б.Н. Бочков.

В 1979 году Константин Серов поставил на сцене Любытинского ДК свой последний спектакль. Это была пьеса Владимира Железникова «Игра мотыльков». Особенностью спектакля было то, что в нем играла, в основном, молодежь.

Тема постановки остается актуальной и на сегодняшний день - воспитание молодежи. Ученик 9-го класса Костя Зотиков, роль которого исполнил Александр Смирнов, – это милый, любимый, избалованный сын. Его мать (исп. Людмила Алексеева) во всем идет ему навстречу, исполняет все его желания и прихоти. И, как ни странно, растит эгоиста, докатившегося до тюрьмы.

Пьеса отличается острыми конфликтами, резко очерченными характерами, важной социальной тематикой и заставляет задуматься родителей над вопросом воспитания детей, а молодежь – над своим поведением и жизнью в обществе.

 

 

Сцена из спектакля «Игра мотыльков». В центре Александр Смирнов

 

Шли годы, менялся возраст артистов, опыт постановщиков. В театр пришло новое поколение. Молодые исполнители перенимали эстафету у старших.

 

Запомнился любытинцам спектакль по пьесе А. Казанцева «Старый дом» (режиссер Н.Г. Андреев). Место действия – старинный московский дом с множеством квартир, предназначенный на снос. Он был примечателен и знаменит тем, что некогда в нем бывал Л.Н. Толстой. Великий писатель как бы своей тенью приглашает зрителя проникнуть в глубины душ обитателей дома.

Не просто разные люди, отвечающие сами за себя, проживают в доме, а люди, которые проявляют активное участие и заинтересованность в судьбах друг друга. И не всегда эта заинтересованность уместна, бескорыстна и честна. Режиссер Н.Г. Андреев

 

Сцена из спектакля

 

 

Действие постоянно переносит зрителя из одной квартиры в другую, что достигалось умелым применением декораций и правильно подобранной музыкой.

Спектакль, горячо отстаивающий право молодости на счастье, право любить и быть любимым. Главных действующих лиц двое – это выпускники школы Олег и Александра (Н.Г. Андреев и Л. Егорова). Их первая любовь, искренняя и чистая, задает тему всей пьесы.

Все остальные герои разбиваются на два лагеря: одни понимают и поддерживают юных влюбленных, другие их осуждают. Девушка и юноша сражаются с мещанством, с банальными представлениями о любви. Спектакль не рассуждает: а что, если это любовь? – нет, он кричит: это любовь, а потому не мешайте ей, не унижайте ее! Но, к сожалению, хеппи-энда не случается…

В спектакле были заняты: Людмила Алексеева, Б.Н. Бочков, Е.П. Петрова, А.П. Никандров, Г.Н. Петров, Л. Захарова и другие

Финальная сцена спектакля «Старый дом».

 

Считается, что поставить на сцене настоящую смешную комедию, да еще самодеятельным артистам, очень трудно. Ведь чтобы сыграть подлинно комедийно, актеру нужен максимум искренности, задора, энергии, юмора и, что немаловажно, таланта. Но такие работы в истории Любытинского драматического коллектива были. Среди особо удавшихся работ – комедия Эмиля Брагинского «Игра воображения», показанная зрителю в 1982 году. Спектакль был поставлен за короткое время – 6 недель – новым режиссером Станиславом Владиславовичем Юрионасом-Юргансом. Всего пятеро актеров сумели так динамично и свободно раскрыть сюжет, что зрители смотрели действие на одном дыхании.

Автор пьесы подсмотрел в жизни удивительную историю о том, как супруга приводит своему, ошарашенному ее внезапным уходом из семьи, мужу «замену» - одинокую молодую женщину. Шутка оказалась роковой для Риты Сергеевны – «замена» стала ближе и родней ее бывшему супругу, чем была многие годы она сама…

Роли четы Антошиных с блеском исполнили В.В. Самарина и С.В. Юрионас-Юрганс. В спектакле также были заняты Виктория Лахенмайер, Александр Зинченко, Людмила Захарова.

В 1983 году режиссером театра стала Виктория Лахенмайер. Она поставила несколько спектаклей, среди них «Весьма порядочные люди» по пьесе Э. Раннета. Пьеса была выбрана не случайно: проблемы, которые решают ее герои, были весьма актуальны тогда и остаются таковыми по сей день. «Нельзя воспитать ребенка морально устойчивым, если в семье говорят одно, а делают другое… Нельзя человека в 18 лет считать ребенком»,- сказала после спектакля режиссер.

В постановке участвовали актеры старшего поколения и начинающие: молодые специалисты и учащиеся 9 и 10 классов.

 

Сцена из спектакля «Гвоздики». Режиссер В. Лахенмайер

Радовал и волновал своей детской непосредственностью и юным счастьем ощущения себя в роли любимых героев коллектив детской театральной студии «Алый парус», которая была открыта в 1978 году при народном театре. Она состояла из двух возрастных групп. Руководителями были работники ДК Людмила Захарова и Ольга Улеева.

Целью студии было приобщение юного человека к сценическому искусству, увлечение его живым обаянием театрального зрелища.

 

 

Театральная студия «Алые паруса».

В центре Людмила Григорьевна Захарова

 

Младшей группой были поставлены сказки «Двенадцать месяцев», «Муха-Цокотуха», «Сказка о попе и работнике его Балде». С ними дети выступали не только на сцене Дома культуры, но и гастролировали по поселку и району.

Старшей группой были осуществлены постановки: «Приключение на вокзале», «Свинопас», «Два капитана», комедия Ю. Сотника «Держи его!», отрывок из поэмы Н.Гоголя «Мертвые души», множество юмористических сценок.

За три года в детской студии «Алый парус» попробовали свои силы многие. Среди них: Люда Петрова, Света Большакова, Таня Дмитриева, Оля Суворова, Саша Ильин, Таня Петрова, Лариса Яковлева, Света Барышникова, Люба Иванова, Лена Ванина, Света Никитина, Света Русова, Лена Горбачева…

Занятие общим делом сблизило и подружило участников студии между собой. Общее творчество помогало им расти мужественными и честными, добрыми и бескомпромиссными людьми, воспитывало взаимопомощь и сопереживание.

 

Юные артисты Л. Яковлева (слева) и О. Суворова.

 

Спектакль – живой и развивающийся процесс. На сцене может быть драма, комедия, трагедия, но всегда искусство театра должно поднимать человека, а не принижать, не сгибать его; духовно окрылять людей, давать им мужество и веру в трудах и борениях жизни, делать счастливее. Недаром столь важно основополагающее в театре понятие катарсиса – очищения, наступающего в финале увиденного и сопережитого зрелища.

Мы попытались рассказать о разных постановках (далеко не всех) театра, чтобы можно было представить, как многообразна, ярка и всегда неповторима палитра сценического искусства, в каких разных обличьях предстает это искусство перед нами, зрителями. Народный театр при Любытинском ДК стал достоянием истории. Но спектакли не ушли бесследно – они сохранились в воспоминаниях актеров и зрителей. Спектакль помнят? Значит, не пропал даром труд его создателей!

Говоря о художественной манере коллектива, о направленности его поисков, о результате творческого процесса – спектакле, мы не ограничимся анализом того, что происходило на сцене. Появилась необходимость рассказать о режиссерах, художниках и актерах… Из многих слагаемых рождается искусство театра. И невозможно его существование без какого-либо из них. Раскроем программку, обратимся к ее второй страничке. Речь пойдет о людях, в чьих руках судьба спектакля.

 

 

Страничка вторая

«Они работают волшебниками…»

«Режиссер – толкователь;

он же показывающий, как играть;

так что его можно назвать

режиссером-актером

или режиссером-педагогом…»

В.И. Немирович-Данченко

Фамилия режиссера-постановщика пишется вслед за фамилией автора пьесы и ее названием. Что же это за человек – главный в театре? Кто он – режиссер, взявший в руки пьесу, а вместе с ней все нити, все начала будущего спектакля?

Режиссер – это, прежде всего, интерпретатор («толкователь») произведения драматургии. В его задачу входит сценическое прочтение пьесы. Он должен найти и определить в ней то главное, что именно ему, режиссеру, исходя из его собственной творческой индивидуальности и из художественного направления коллектива, в котором он работает, кажется наиболее важным и созвучным со временем, с теми вопросами, которые интересуют людей сегодня.

Из самой пьесы, из ее единого «зерна», вырастает режиссерский замысел спектакля. Режиссер планирует (вместе с художником) вещественный мир, в котором будут жить герои спектакля, его ритмы, его «музыку».

Станиславский считал, что «режиссер – это не только тот, кто умеет разобраться в пьесе, посоветовать актерам, как ее играть, кто умеет их расположить на сцене… Режиссер – это тот, кто умеет наблюдать жизнь и обладает максимальным количеством знаний во всех областях, помимо своих профессионально-театральных».

Подготовка спектакля в народном театре – это тоже сложная, кропотливая работа, требующая большого напряжения и больших знаний. Каждый спектакль – это отрезок жизни какого-то коллектива людей определенной эпохи, места, условий, конкретной жизни, отраженной драматургом. Этим изучением авторского текста и перевоплощением в живые сценические образы занимались режиссеры Любытинского народного театра, и, конечно, без этих вожаков не родился бы, не осуществил бы свою художественную миссию самодеятельный театр.

Петр Георгиевич Соболев – это имя навсегда связано с народным коллективом - театр для него стал верным спутником и другом.

Еще до революции, в 1910 году, двенадцатилетним мальчиком он впервые поднялся на подмостки любительского дачного театра под Петербургом. Ставилась пьеса-сказка, где роль принца была доверена Пете Соболеву, он же читал пролог к пьесе.

Петр Георгиевич вспоминал: «Пролог был в стихах. Когда увидел полный зал зрителей, оробел сначала, но потом отлично прочитал. Режиссер остался доволен. Вот таким образом состоялось крещение в артисты».

 

 

 

Третий справа во втором ряду – «мушкетер» Петя Соболев

 

Затем, будучи уже учеником Боровичского реального училища, он получил роль Хлестакова в комедии Гоголя «Ревизор». Это была его первая серьезная роль, привязавшая Петра Соболева к театральной деятельности на всю жизнь.

После Октябрьской революции Петр Георгиевич был призван во флот. Служил в Петрограде, в отряде подводного плавания. По счастливому совпадению, часть, где он проходил службу, имела драматическую студию. В отряде существовал клуб моряков, на сцене которого ставились спектакли, в которых Петр принимал участие, а иногда суфлировал.

Клубу моряков ежемесячно высылали бесплатные билеты в государственные театры, так что Петр имел возможность пересмотреть игру многих известных профессиональных актеров. Таким образом, можно сказать, он получил основательную театральную закалку.

Петра Георгиевича Соболева (на снимке) можно отнести к коренным жителям Любытинского района. Здесь он проживал с 1915 года. Учительствовать начал с 1922 года, вначале в Любытине, затем в школах района.

В 1929 году Петр Георгиевич возвратился в Любытинскую школу - преподавал математику, рисование и черчение, директорствовал, но без театра себя уже не мог представить. Поэтому с момента организации и по 1969 год он руководил драматическим кружком.

В 1958 году П.Г. Соболев ушел на заслуженный отдых, но, оставив педагогическое поприще, он не оставил сценическую деятельность, а еще энергичнее, с большим энтузиазмом стал готовить спектакли.

Не секрет, что именно ему, как режиссеру, удавалось добиться сыгранности всего коллектива, правильной трактовки каждого образа. Не случаен тот факт, что практически каждый спектакль удавался самодеятельным артистам народного театра. В 1967 году театральный коллектив был удостоен звания Народный театр, а Петр Георгиевич назначен его режиссером.

За годы его руководства коллективом было сыграно более пятидесяти многоактных и одноактных пьес. Среди них пьесы А.Н. Островского «Бедность не порок», «Не все коту масленица», «На бойком месте», «На всякого мудреца довольно простоты»; А.М. Горького «На дне», «Егор Булычев и другие»; А.П. Чехова «Юбилей», «Медведь», «Дядя Ваня»; «Женитьба» Н.В. Гоголя; «Свадьба Кречинского» А.В. Сухово-Кобылина», «Недоросль» Фонвизина и другие.

…Пятьдесят спектаклей. Над каждым из них – месяцы упорного труда, часы горения, тревог и раздумий, удач и разочарований, и только одно чувство почти не появлялось в сердце режиссера: успокоение. «Использованы не все выразительные средства, следующий поставим лучше».

В возрасте 75 лет П.Г. Соболев оставил театральное дело, отдав ему 42 года. Столько лет в жизни театра – это немало, тем более для театра на общественных началах, путь которого так не похож на привычные формы театрального существования. За сорок лет многое изменилось в самодеятельном искусстве: оно «повзрослело», расширилось, охватило новых любителей прекрасного. И в то же время самодеятельность оставалась молодой, ибо в молодости, в творческом дерзании суть этого общественного движения. Для Петра Георгиевича бала характерна забота о будущем театра, о преемниках и учениках, поэтому он, передав режиссерский «пост», помогал тем, кто пришел ему на смену.