Характеристика живописи как вида пластических искусств.

Слово « живопись» означает «писать жизнь», «писать живо», то есть полно и убедительно передавать действительность. Живопись – искусство цвета.

Живопись – вид изобразительного искусства, с произведения которого (картины, фрески, росписи и др.) создаются помощью красок, наносимых на какую-либо основу.

Образы живописи очень наглядны и ярки. Художники создают полотна живописными и пластическими средствами. Они используют возможности рисунка и композиции, но главным средством выразительности в живописи является цвет. Именно он способен вызывать различные чувства, ассоциации, усиливать эмоциональность изображения.

Изобразительные и выразительные возможности цвета используются в живописи в полную силу, свободно, так, как необходимо художнику. Цветом можно выделить главное в композиции, акцентировать важные детали, передать глубину пространства или подчеркнуть плоскостность изображения. Сама красочная масса с тончайшими переходами цвета, нюансами, контрастами, рефлексами – ценность в живописи.

Как и другие виды искусства, живопись выполняет идеологические и познавательные задачи, а также служит сферой создания предметных эстетических ценностей.

Живопись отражает и в свете тех или иных концепций оценивает духовное содержание эпохи, её социальное развитие. Мощно воздействуя на чувства и мысли зрителей, заставляя последних переживать действительность, изображённую художником, она служит действенным средством общественного воспитания. Многие произведения живописи обладают и документально-информационной ценностью.

В силу наглядности образа оценка жизни художником, выраженная в его произведении, приобретает особую убедительность для зрителя. Создавая художественные образы, живопись использует цвет и рисунок, выразительность мазков, что обеспечивает гибкость её языка, позволяет ей с недоступной другим видам изобразительного искусства полнотой воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное своеобразие и материальную плоть, глубину изображаемого пространства, свето-воздушную среду. Живопись не только непосредственно и наглядно воплощает все зримые явления реального мира, показывает жизнь людей, но и стремится к раскрытию и истолкованию сущности совершающихся в жизни процессов и внутреннего мира человека.

Доступные данному виду искусства широта и полнота охвата реальной действительности сказываются и в обилии присущих ей жанров (исторический, бытовой, батальный, анималистический и др.).

Искусство живописи имеет свою классификацию, оно делится на роды и жанры.

Среди родов живописи выделяют: монументальную и станковую живопись, миниатюрную и декоративную, театрально-декорационную, декоративно-оформительскую (17; С.7).

В понятие «монументальная живопись» входят: витраж, мозаика, роспись, диорама и панорама.

Монументальная живопись – это большие картины на внутренних или наружных стенах зданий (фрески, панно и др.). Произведение монументальной живописи нельзя отделить от его основы (стены, опоры, потолка и т.д.). Темы для монументальных картин тоже выбираются значительные: исторические события, героические подвиги, народные сказания и др. Здесь важно достижение стилевого и образного единства монументальной живописи и архитектуры, – синтез искусств.

Монументальная живопись нераздельно связана с архитектурой – это роспись фасадов зданий, стен, потолков и т.д. Это, как правило, крупные по своим размерам произведения, связанные с назначением архитектурных сооружений.

Роспись включает в себя по технике исполнения: фреску, энкаустику, темперную, акриловую, гуашевую, клеевую, масляную живопись.

Фреска – живопись водяными красками по штукатурке. Фреска по сырой штукатурке выполняется по свежей, сырой штукатурке разведёнными на чистой или известковой воде красками. Другая разновидность фрески – по сухому. Ещё античные мастера заканчивали фреску по сухому с помощью темперы. Этот приём получил распространение в искусстве Византии, Древней Руси, Грузии, Сербии, Италии, Франции. Новый расцвет фрески – в эпоху Возрождения (Джотто, Мазаччо, Рафаэль, Микеланджело). С XVI в. в Италии распространилась «чистая» фреска без применения темперы. При работе в технике фрески краски по высыхании сильно бледнеют. Важную роль во фреске играют лессировки (15). В те короткие десять минут, пока раствор ещё не «схватился» и свободно впитывает краску,и возможна работа художника-фрескиста. Фреска – один из самых трудоёмких видов живописи, требующий величайшего мастерства. Такими мастерами в мировой живописи были Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, П.Веронезе, православные русские живописцы Феофан Грек, Андрей Рублёв.

Существуют и другие техники стенописи, также называемые «фреска» в широком значении этого слова, С новыми составами красок и основ экспериментировали многие художники. Так, Леонардо да Винчи написал свою знаменитую фреску «Тайная вечеря» на стене трапезной миланского монастыря Санта-Мария делле Грацие красящим составом собственного изобретения, окончательный секрет которого до сих пор не раскрыт. Однако и краски Леонардо оказались невечными – они темнеют и отслаиваются.

Слово «витраж» происходитот латинского «витро» (стекло) – это вид монументально-декоративной живописи, выполненный из цветного стекла или другого пропускающего свет материала; это изобразительная композиция, рассчитанная на сквозное освещение в проёме (окно, дверь, прозрачная перегородка). Цветные витражи создают богатую игру света и эмоциональную атмосферу в интерьере. Предполагается, что витражи были известны в Древнем Египте и Древнем Риме. В Х-ХII вв. в романских храмах Франции и Германии появились сюжетные витражи из разнообразных по форме красных и синих стёкол, скреплённых свинцовыми полосками. В готических соборах многоцветные витражи с бесцветными вставками (в ХIII-ХIV вв. также росписью по стеклу) заполняли огромные окна и «розы», изображали как религиозные сюжеты, так и бытовые сцены. Роза – большое круглое окно на фасадах романских и готических храмов ХII-ХVвв. Розы украшались цветными витражами. Иногда розы достигали огромных размеров, свыше 10 м в диаметре.

Витражи создавали таинственную, возвышенную атмосферу в храме. В эпоху Возрождения витражи стали живописью на стекле с объёмным изображением фигур, в т.ч. по картонам крупных художников–Донателло, Дюрера. В ХVIв. распространились монохромные «кабинетные» витражи со светскими сюжетами для украшения жилища. Интерес к витражу возродился в искусстве модерна и позже в творчестве таких мастеров, как Фернан Леже и Анри Матисс во Франции, Михаил Врубель в России. В современных витражах используется цветное стекло, толстое колотое стекло, цветные зеркала, обработка незастывшего стекла, работа по стеклу росписью, пескоструйным способом, травлением, гравированием. Литому и прессованному стеклу придаются разнообразная фактура и разная степень прозрачности. Разнообразны и сюжеты современных витражей: исторические, символические, декоративные и др.

Мозаика (от лат. «посвящённое музам») – изображение или узор, выполненные из однородных или различных по материалу частиц (камень, смальта, керамические плитки и т.д.) – один из основных родов монументального искусства.

Существует два способа набора мозаики: «прямой», при котором частицы вдавливаются в грунт, нанесённый на декорируемую поверхность, и «обратный», когда частицы, наклеиваются лицевой стороной на картон с нанесённым рисунком; затем тыльная сторона набора заливается закрепляющим составом, а временная основа отделяется. Возникновение мозаики – в глубокой древности. Яркий расцвет этого искусства – в эпоху средневековья в Византии и Древней Руси (храмы Константинополя, Киева). В XIX веке – возрождение этой надолго забытой и сложной техники. Великолепны мозаики Исаакиевского собора в Петербурге. Эпоха модерна на рубеже XIX–XX веков также широко использовала мозаику (В Европе – А. Гауди, Г. Климт, в России – М. Врубель).

Особое место среди видов монументальной живописи занимает диорама и панорама.

Диорама – лентообразная картина, вертикально натянутая на внутреннюю поверхность полукруглого в плане подрамника. Обычно диорама сочетается с объёмным (бутафорским) передним планом, макетом. С помощью искусственного освещения создаётся иллюзия непосредственного перехода пространства от первого плана в глубину, от материально-конкретного переднего плана в живописное пространство диорамы. Применяется в театрально-декоративном искусстве (занавеси, задники и пр.) (15; С. 224).

Панорама – вид пространственного искусства, рассчитанного на искусственное освещение. Обычно она размещается в специальном помещении; получили широкое распространение в XIX в. Особенно популярны батальные панорамы («Оборона Севастополя», 1905; «Бородинская битва», 1912; обе работы Ф. Рубо). (15; С. 100).

С монументальной живописью имеет много общего декоративная живопись (монументально-декоративная живопись).

Декоративная живопись (от лат. decorare – украшать) – живопись, являющаяся частью архитектурного ансамбля или произведения и предназначенная, прежде всего для украшения, а также для подчёркивания конструкции и функции здания или предмета. К декоративной живописи относятся орнаментальные росписи или рассчитанные на декоративный эффект изобразительные композиции. Декоративная живопись имеет многие общие цели с монументальной живописью, отличаясь тем, что декоративная и конструктивная роль в выявлении особенностей архитектурной конструкции являются в ней ведущими. Декоративная живопись, как и монументальная, может быть росписью, панно, мозаикой, витражом.

Ещё одна разновидность живописи – театрально-декорационная – это декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника; она помогает глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия декорации требуют учёта множества точек зрения публики, их большой удалённости, воздействия искусственного освещения и цветных подсветок. Декорация даёт представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит; она является частью театрально-декорационного искусства и, как оно, направлена на создание зрительного образа спектакля. Художественное оформление спектакля также называют сценографией.

Театрально-декорационная живопись зависит не только от характера произведения, но ещё от режиссуры спектакля и творческой индивидуальности художника. Поэтому один и тот же спектакль в разных театрах может иметь совершенно различное оформление, а значит, и разное звучание.

История театра запечатлела много замечательных шедевров театрально-декорационной живописи. В русской культуре конца XIX –первой трети XX в. театрально-декорационное искусство сфокусировало творческие поиски крупнейших мастеров всех художественных направлений этого времени: реалистические и сказочные образы классической школы, блистательные дебюты художников «Русских сезонов», феерические, яркие эксперименты футуристов, смелые сценические находки конструктивистов и др. Прославленные шедевры Л. Бакста, А. Бенуа, Н. Гончаровой, М. Ларионова, Э. Лисицкого, К. Малевича, С. Чехонона, М. Шагала, А. Экстер и других русских художников – ярчайшая страница истории театрально-декорационной живописи.

С 10-х гг. XX в. в декорациях к экспериментальным спектаклям проявились искания авангардизма. В.Е. Татлин, К.С. Малевич, П.Н. Филонов и другие использовали в оформлении сцены приёмы кубизма, футуризма, примитивизма, урбанистический гротеск.

В наше время театрально-декорационное искусство представляет сложную картину разнообразных тенденций и явлений. Одни художники развивают реалистические традиции декорационной живописи, а другие продолжают разнообразные поиски в области эксперимента с формой, цветом, светом и пространством. Они используют нетрадиционные материалы с разнообразной фактурой (пластик, металл, верёвки, рогожу и т.п.), лазерные эффекты, люминесцентные краски, видеоаппаратуру, компьютерную графику и др.

Рассмотрим еще один род живописи – миниатюру.

Миниатюра – это художественное произведение малых размеров, отличающееся богатством и декоративностью форм, фактуры, орнаментальностью, тонкостью письма. Художественный язык миниатюры определяется её небольшими размерами и назначением – станковым или прикладным. Этот язык формируется на основе стилевого развития времени и на национальных художественных традициях.

Первоначально миниатюрами называли изображение, сопровождающее текст средневековых рукописных книг. Высокого совершенства искусство книжной миниатюры достигло в средние века в Византии, Древней Руси, странах Западной Европы, на Ближнем Востоке, в Центральной и Средней Азии, Иране, Индии. Тончайшие узоры, лирические образы и цветущие пейзажи, изысканные цвета и сложные композиции, включение в них каллиграфии отличают восточную книжную миниатюру. Западноевропейская и древнерусская средневековая книжная миниатюра до сих пор поражает нас чистотой и яркостью красок, затейливыми орнаментами, занимательностью сюжета и изящным исполнением. В дальнейшем каждое изображение малого размера стали называть миниатюрой. В XVI-XIX вв. широкое распространение получили живописные миниатюры, особенно портретные, – как самостоятельные,так и включенные в изделия ДПИ. Их выполняли гуашью или акварелью на пергаменте, бумаге, картоне, слоновой кости, маслом на металле, керамическими красками на фарфоре, эмалью на металле, часто в медальонах, табакерках, часах, перстнях и т.д. Популярны были не только портреты, но и пейзажи, сюжетные и орнаментальные композиции.

Особый вид представляет собой лаковая миниатюра – живопись на небольших лаковых изделиях (шкатулках, пудреницах, ювелирных украшениях и др.). Во всём мире известны работы русских художников-миниатюристов из Федоскина, Палеха, Мстеры и Холуя. Художники русской лаковой миниатюры выработали неповторимый стиль для каждого традиционного центра.

Декоративно-оформительская живопись предназначена для украшения улиц и площадей.

Станковая живопись.

Этот род изобразительного искусства, объединяющий произведения самостоятельного значения, не связанные с какими либо художественными ансамблями или утилитарными функциями, получил название станкового искусства. Это, прежде всего живопись, которая создавалась на станке (мольберте): она не входила в архитектуру, а играла самостоятельную роль. Затем название «станковое искусство» распространилось и на другие виды изобразительного творчества.

Станковая живопись возникла в эпоху Возрождения. В рамках этого искусства развивались портрет, батальный, мифологический и другие жанры. С изобретением масляной живописи станковое искусство приобрело в художественной культуре ведущую роль.

В этом роде живописи наиболее полно представлены жанры искусства: портрет, пейзаж, историческая картина, бытовая, натюрморт, анималистический жанр.

В свою очередь каждый из жанров имеет свои внутренние подразделения – жанровые разновидности, которые иногда тоже называют жанрами. Так, пейзаж может быть сельский, городской, индустриальный; натюрморт – цветочный, со снедью, с бытовыми вещами, антикварный и др.

Станковая живопись наиболее непосредственно связана с природой, с натурой, с прямым изображением реальности. В какой бы области ни работал художник – является ли он монументалистом, прикладником, дизайнером, он, прежде всего, должен быть художником как таковым, т.е. владеть профессиональными навыками живописного изображения, которые как раз и вырабатываются в этой области изобразительной деятельности.

Станковая живопись раздвинула рамки и возможности художественного изображения. Только на её почве, как мы уже сказали, смогли развиться разнообразные жанры, среди которых особенно выделим портрет.

Портрет – к этому жанру относятся произведения живописи, в которых запечатлён внешний облик конкретного человека (или группы людей). Каждый портрет передаёт индивидуальные, присущие только портретируемому черты. Само название этого жанра происходит от старофранцузского выражения, означающего «воспроизводить что-либо черта в черту». Однако внешнее сходство не единственный, да и, пожалуй, не главный критерий художественных достоинств портрета. В образном решении портрета художник должен, конечно, средствами своего искусства передать сходство и вместе с тем угадать то неповторимое, что составляет психологическую характеристику изображаемого человека. Из истории мирового изобразительного искусства мы знаем много замечательных образцов портретного жанра. Всемирной известностью пользуются портреты, созданные великими мастерами эпохи Возрождения – Леонардо да Винчи, Рафаэлем, Веронезе, Тинторетто, Тицианом, которые до сих пор привлекают внимание тонкостью живописного исполнения и передачей сложных, едва уловимых душевных переживаний.

В XVII веке в европейской живописи на первый план выдвигается камерный, интимный портрет в противоположность портрету парадному, официальному, направленному на возвеличивание и прославление изображаемых.

Своим «Портретом старушки» гениальный голландский портретист Рембрандт вводит нас во внутренний мир простого, причём не примечательного человека и открывает в нём величайшее богатство доброты и человечности. Рембрандт раскрывает духовную жизнь модели, словно длящуюся во времени. Это своего рода портрет-биография. Таковы, также, например, его работы «Хендрикье у окна», «Читающий Титус», портреты друзей художника, многочисленные автопортреты.

Большой вклад в развитие портрета внес нидерландский живописец Ян ван Эйк. Реалистические тенденции искусства художника ярко проявились именно в области портрета, который в то время оформляется в самостоятельный жанр. Главное для художника – душевный мир человека, индивидуальный характер модели. Один из шедевров портретного творчества Ян ван Эйка – «Портрет четы Арнольфини». Впервые в истории европейского портрета здесь создаётся парный портрет.

С начала XVIII в. портретный жанр активно развивается в русском искусстве.

В первой половине XIX в. главным героем портретного искусства становится романтическая личность, разнообразная в своих проявлениях. Мечтательность и одновременно склонность к героическому порыву, живая естественность лица и нарочитая эффектность позы переплетаются в принадлежащем кисти О.А. Кипренского портрете гусара Е.В. Давыдова.

В 1860-1870-е гг. демократическое обновление русского искусства, становление реализма, в полной мере сказавшееся в деятельности передвижников, непосредственно затронули и портретную живопись. Ими была развита особая форма портрета – портрет-тип, где человек, изображаемый во всей своей психологической сложности, оценивался ещё и по его роли в обществе, воссоздавался в неразрывном сочетании его индивидуальных и типических черт.

Важное место в творчестве одного из ведущих художников-передвижников В.Перова занимала портретная живопись. Пронзительно-проницательными глазами всматривается в мир драматург А.Н. Островский (1871 г.). Мучительны раздумья о жизни, о человеческом страдании писателя Ф.М. Достоевского (1872 г.). В этом портрете художник создал образ русского интеллигента, «общественной совести» своего времени.

Во все века характерным было обращение портретистов к увековечиванию средствами живописи выдающихся государственных и общественных деятелей, представителей поэзии, культуры и искусства, и ныне это – бесценный историко-художественный «архив».

Портрет по идейно-смысловому решению бывает парадным, интимным, психологическим, лирическим и др.

«Сюжетно-тематическая картина (тематическая картина) – определение своеобразного скрещения традиционных жанров живописи (бытового, исторического, батального, композиционного портрета, пейзажа и др.), возникшее в советском искусствознании и художественной практике 1930-х годов; способствовало созданию крупномасштабных произведений на социально значимые темы о революции, о гражданской, а впоследствии о Великой Отечественной войне,о социалистическом строительстве в городе и деревне, о борьбе за мир и т.п.) с четко выраженным сюжетным действием, запечатленным, как правило, в сложной многофигурной композиции. Сюжетно-тематическая картина мыслилась как непременная часть и вершина соцреализма, необходимый продукт реалистического метода. Среди других жанров живописи она считалась наиболее престижной, выше оплачиваемой при госзаказах и закупках. Она была как бы супержанром. Немалый вклад в развитие практики сюжетно-тематической картины внесли такие мастера как Б.Иогансон, Вл.Серов, братья Ткачевы, Е.Моисеенко, Г.Коржев и другие.» (20;С.592). Ее жанровые разновидности: историко-революционная картина, национально-фольклорная тематика, социалистический быт и труд, военно-патриотическая, тематический пейзаж и др. В последние десятилетия ХХ-в начале ХХI века появляются модифицированные, обновленные звучания прежних вариантов тематической картины, обусловленные важными социально-культурными сдвигами в обществе. Художников волнуют темы экологии, понимаемой очень широко; место человека в мире, развитие мировой цивилизации; осмысливаются в современном контексте традиционные (в том числе национальные) ценности. По-прежнему тематическая картина в состоянии решать разнообразные творческие задачи.

Деление на роды и жанры сложилось в европейском изобразительном искусстве в XV-XVII вв. и способствовало более глубокому и конкретному отражению действительности в искусстве, а также выработке необходимых для этого художественных средств.

Промежуточное положение между станковой и монументальной живописью занимает иконопись.

Икона (от греч. изображение, образ) – произведение живописи, имеющее культовое назначение. В христианской религии в широком смысле – это изображения святых, Богоматери, Христа, сцен из Священного писания; в узком значении – произведение специфического вида средневекового искусства. Иконопись (писание икон) – род живописи, религиозной по темам и сюжетам, культовый по назначению. Икона – не вполне станковое произведение, т.к. реально она помещается в интерьер культового здания и должна с ним взаимодействовать. Икона – книга для неграмотных, и в средние века она была одним из основных средств художественного освоения мира. В иконе отсутствует передача реальных объёмов и трёхмерного пространства; плоскостные изображения помещены на отвлечённом фоне. Главную роль в формировании образного строя иконы играет композиционно-ритмическое начало, символика образов, выразительность линий и цвета. Икона рассматривалась как символ, таинственно связанный с горним миром, а поэтому всякие аналогии с реальностью не допускались.

Сила иконы – в большой духовной силе, нравственной глубине, в эмоционально-символическом решении образа. Первые иконы создавались в IV в. (не сохранились). Древнейшие—византийские и коптские иконы VI-VII вв. На Руси первые иконы появились после принятия христианства в 988 г. из Византии.

Иконы писались на специально подготовленных досках (из липы и сосны, реже из ели и кипариса). На лицевой стороне делалось небольшое углубление (ковчег), так что по краям образовывалась своеобразная рама. Классические иконы писались темперой на желтке яйца. На деревянную основу наклеивали льняную ткань – поволоку, сверху наносили грунт – белый левкас.

За долгий путь развития на Руси (от нач. XI до XVII в.) икона прошла большой путь развития.

В X-XII вв. центром иконописи стала Византия. В XII в. были созданы неповторимые шедевры византийской иконописи. Представление о её высоком уровне даёт знаменитая икона Владимирской Богоматери, уже в XII в. попавшая на Русь. Живописец создал необычайно человечный образ матери, предчувствующей будущую трагическую судьбу своего сына, что достигается скупыми, чрезвычайно точно найденными художественными средствами, среди которых главную роль играют тонкая одухотворённая линия и мягкий приглушённый колорит. Владимирская богоматерь – один из шедевров мировой живописи.

Иконопись – искусство символическое. В основе его лежит представление, согласно которому в мире решительно всё – лишь оболочка, за которой скрывается, как ядро, высший смысл. Художественное произведение приобретает отсюда несколько значений.Язык условностей и символов – основа создания образа в иконе. Символичны здесь как сюжет, так и художественная форма. Каждая икона, помимо того что она изображает легендарное событие или персонаж, имеет ещё и подтекст, в котором раскрывается её истинное содержание.

Иконы по своему содержанию обращены не к одному человеку, а к сообществу людей. Они образовали в храме несколько упорядоченных рядов – иконостас, выигрывая от соседства друг с другом.

Древнерусский иконостас представлял собой целостное стройное единство. Многие иконы нельзя объяснить и понять вне того сочетания, в котором они находились в иконостасе.

В иконописи выработалось высочайшее художественное мастерство, особое понимание рисунка, композиции, пространства, цвета и света.

Композиция – особенно сильная сторона икон. Едва ли не каждая икона мыслилась как подобие мира, и соответственно этому в композиции всегда присутствует средняя ось. В верхней части – небо (высшие ярусы бытия), а внизу обычно земля (“позём”), иногда “под” – преисподня. Эта основополагающая структура икон независимо от сюжета влияла на всю её композицию.

По характеру связующих веществ в живописи различают: масляную живопись, темперную, гуашевую, акварельную, клеевую, энкаустику (живопись восковыми красками), пастельную живопись.

Масляная живопись (англ. oil-painting; фр. peinture a l,huile; нем. Olmalerei) – разновидность живописной техники, основанная на применении растительного масла (отбелённого льняного, орехового, подсолнечного) в качестве основного связующего вещества, а также на определённых приёмах работы с красками. Для масляной живописи используются множество разновидностей основы (холст, картон, дерево, металл), многочисленные виды грунта, разнообразные сорта кистей; её красочный слой может быть тонким и густым, пастозным и плотным, блестящим и матовым, светлым и очень тёмным, глубоким по тону.

Наряду с многослойной живописью (с подмалёвком илессировками) возможна живопись по сырому. В отличие от клеевой живописи, в особенности от гуаши, цвет масляной краски остаётся после высыхания неизменным. Масляная живопись может использоваться не только для станковых картин, но и для исполнения панно и росписей на известковой штукатурке (хотя их стойкость ниже, чем у фрески). Масляной живописи свойственны особые возможности непосредственного выражения авторского замысла, настроения, внутренних импульсов; она позволяет создавать самые богатые и тонкие варианты колорита, иллюзию пространства и объёма на плоскости. Масляной живописи присущи гибкость, податливость материала и сравнительная прозрачность красочного слоя, вместе с тем склонность со временем к почернению, пожелтению и растрескиванию (кракелюр).

Известная уже в античном и средневековом искусстве масляная живопись широкое распространение получила только с кон. ХIV – нач. ХV в, особенно после усовершенствования её Яном Ван Эйком. Масляная живопись – техника, в которой работает подавляющее большинство художников с ХVIв. (в России – широко с ХVIII в.). До ХIХ в. было принято многослойное письмо с заключительной лакировкой картин. С Х1Х в. распространяется однослойная живопись – письмо алла прима по грунту или по лёгкому подмалёвку. Возможность изображать явления жизни с исключительной полнотой обусловили широчайшее распространение масляной живописи в современном искусстве. Одно из присущих живописи качеств – живописность.

Живописность – особое свойство художественного исполнения. Живописным и в натуре и в искусстве можно называть всё, что ясно говорит о динамике цветовых отношений, богатстве контрастов, о мягких свето-теневых переходах и пр. (в произведениях выдающихся живописцев, таких, как Тициан, Рембрандт, Веласкес, В.И. Суриков, И.Е. Репин, В.А. Серов, А.А. Пластов). Живописность выступает как мощное художественное средство, передающее натуру со всей трепетностью жизни.

Термин «живописность» применим также к графике, скульптуре, декоративно-прикладному искусству в соответствии с характером задач и изобразительных возможностей каждого из этих видов искусства.