Понятие о творческом (художественном) методе.

Творческий (художественный) метод – одна из самых молодых эстетических категорий. Она возникла в советской критике конца 1920-х – начала 30-х гг. В этот период некоторые теоретики прямо переносили философский метод в область художественного творчества. Это было упрощение: не учитывалась специфика искусства. В процессе споров сложилось ранее не существовавшее в эстетике понятие – художественный метод. Введение этого понятия в эстетику и теорию искусства было своеобразным ответом советских критиков искусства на споры о природе художественного творчества: его введением подчеркивался сознательный, осмысленный, идейно-выверенный подход к созданию художественного образа – в противовес западным идеологам, отрицавшим сознательную доминанту в творчестве художника.

Несмотря на «молодость» этого термина, в истории искусства он осмысливался давно. Так, уже Аристотель отмечал три типа выразительности в искусстве: подражание действительности такой, какая она есть; такой, как о ней думают или говорят многие; и такой, какой она должна быть. Здесь речь идёт, собственно, о разных методах творчества, хотя самого понятия «художественный метод» нет. В философском трактате «Рассуждение о методе» (1637) Декарт изложил принципы рационализма – требование строжайшей систематизации знаний, выработки канонов и правил, регулирующих всю познавательную деятельность людей. Эти принципы легли в основу классицизма. Золя писал об экспериментальном методе в искусстве. Понятие художественного метода стоит за мыслями Белинского о «натуральной школе» и за высказыванием Чернышевского о «критическом направлении» в русской литературе.

О природе художественного метода идут споры. Одни учёные определяют его как совокупность художественных приёмов; другие – как принципы эстетического отношения искусства к действительности; третьи – как систему мировоззренческих направляющих творчества. Рассмотрим эти взгляды.

I. Нельзя сводить художественный метод к совокупности приёмов и средств. Ведь одни и те же средства обслуживают различные методы. Скажем, и метод реализма, и метод сентиментализма используют ряд тождественных средств в решении художественного образа: погружение в мир человеческих чувств и переживаний, подчёркнутое внимание к проблеме колорита, пространства, но творческие результаты художника-сентименталиста В. Боровиковского и реалиста И.Репина различны – трогательность сентиментализма контрастна аналитическому подходу метода реализма.

II. Ошибочно отождествлять творческий метод с эстетическим отношением искусства к действительности. В рамках одного и того же метода возможны разные принципы этого отношения. Так, для разных теоретиков и практиков романтизма искусство есть или отражение субъективного мира художника, или выражение принципа романтической иронии, или идеализация прошлого, или предугадывание будущего, или изображение желаемого. И, несмотря на столь разное понимание принципов эстетического отношения искусства к действительности, все эти художники пользовались одним и тем же художественным методом – романтизмом.

III. Было бы упрощением сводить сущность художественного метода лишь к общим идеологическим позициям, к мировоззрению художника. При подобном подходе к искусству невозможно понять особенности творчества, например, Леже или Пикассо. Многообразие художественных методов (классицизм, сентиментализм, романтизм, критический реализм и т.д.) нельзя втиснуть в рамки противоположных политических взглядов (реакционные – прогрессивные), или противоположных философских, мировоззренческих (материализм - идеализм).

Необходимо рассматривать художественный метод, исходя из его собственной эстетической природы. Начиная с дискуссии в журнале «Литературная критика» конца 30-х гг. многие теоретики считали, что главный вопрос метода: творит художник благодаря или вопреки мировоззрению?..

Метод – инструмент познания, освоения той или иной сферы действительности. Метод – аналог познаваемого, осваиваемого предмета. В искусстве таким предметом и является действительность. Другими словами, художественный метод – исторически обусловленный тип образного мышления, на формирование которого определяющее воздействие оказывают три фактора: эстетическое богатство действительности, миросозерцание художника и художественно-мыслительный материал, накопленный в предшествующие эпохи (традиции, на которые художник опирается).

Итак, жизнь в её эстетическом богатстве запечатлевается в искусстве, преломившись сквозь призму миросозерцания, закреплённого в эстетических идеалах и на основе воспринятой художником традиции. Таким путём отражённое эстетическое богатство действительности преломляется в искусстве, формируя его содержание. Эстетика, обобщая узловые моменты содержания искусства, вычленяет художественный метод, придаёт ему вид научной формулы, подразумевающей объективные требования, предъявляемые к художнику.

Художественный метод исторически изменчив. Новый художественный метод появляется всякий раз, когда изменяется эстетическое содержание действительности в силу сдвигов в общественной практике.

Но откуда же берутся разные художественные методы в одну и ту же эпоху? Так, в XX в. сосуществуют романтизм, критический реализм, социалистический реализм, экзистенциализм, экспрессионизм, сюрреализм… Это многообразие объясняется тем, что существуют разные слои и сферы общественной практики, различное миросозерцание у художников и их ориентация на различные традиции в предшествующем искусстве. Можно говорить и о методе целого направления в искусстве, и о методе отдельного художника. Каждый художник вырабатывает свой творческий метод самостоятельно, а с другой стороны – метод индивидуального творчества во многом оказывается близким методу, которым работают другие художники, поскольку он формируется у каждого из них под влиянием социальных запросов.

Таким образом, творческий метод художника – это система принципов, положенных им в основу его практической деятельности.

Установки творческого метода: познавательная, оценочная, созидательная и семиотическая (знаковая). При этом творческий метод может и не осознаваться художником во всей своей структурной полноте.

Познавательный интерес проявляется достаточно ярко и определённо у художников: например; в творчестве О.Ренуара познавательный интерес сосредоточен на познании цвето-пластической формы бытия человека в природе; а в искусстве П.Сезанна познавательный интерес направлен на выявление определённой геометрической конструкции тел и её цветового выражения; у Ван-Гога природа познавалась как живое, наделённое душой существо.

Оценочная установка.

То, в чём видит художник высшую ценность человеческого бытия, определяет его оценочную установку. Так, в творчестве И. Репина доминирует отрицание грубо-жестокого монархического строя России, а система ценностей художника А. Бенуа строилась на идее эстетизации мира, ухода в мир давних прекрасных грёз о прошлом искусстве.

Созидательная установка.

Она выражается в том, какие принципы кладутся художником в основу создаваемых им образных моделей жизни, в том, какие пути избираются для этого воплощения в творчестве. Так, творческий метод может основываться на создании жизнеподобных образов, выраженных в правдоподобной же форме, – такой была установка А. Федотова, В. Перова и др. Творческий метод может, напротив, иметь установку на создание образов, не схожих внешне с жизненной реальностью, – неправдоподобных, фантастических, гротескных: такова позиция И. Босха, М. Врубеля.

Четвёртая сторона творческого метода – семиотическая установка. Она определяет способ превращения художественной конструкции в систему знаков, в специфический художественный «язык», на котором данное произведение должно «разговаривать» с людьми.

И тут каждый художник встаёт перед необходимостью выбора определённой позиции – идти ли по пути использования традиционного, сложившегося и апробированного художественного языка или пытаться создать новый язык искусства, не имеющий ничего общего с традицией. В этом смысле, скажем, на одном полюсе – эпигоны классицизма или передвижничества, на другом – новаторы XX века – кубофутуристы, абстракционисты и пр.

Таковы основные компоненты структуры творческого метода. Разумеется, в реальном творческом процессе они выступают не раздельно, не самостоятельно, а в неразрывной взаимосвязи.

В мировой истории искусства существует несколько творческих методов. Рассмотрим метод реализма. Метод, основанный на познании жизненной реальности, называется реалистическим. Реализм (от лат. вещественный) – правдивое, объективное отражение действительности средствами искусства. Термин «реализм» употребляется в двух значениях: широком и узком. В широком смысле реализм – это способность искусства верно, истинно, правдиво отражать жизнь в присущих ему художественных формах. Синонимами реализма в этом значении будут такие слова, как реалистичность, правдивость, истинность. Реализм основан на видимом сходстве, подобии образа и действительности. Но реалистическое творчество – это не мелочно-протокольное, бездумное копирование натуры, а сознательный отбор основных, определяющих черт изображаемого, проникновение в его сущность, значительность и глубина идей, образов.

В узком смысле слова реализмом называют конкретно-историческое направление в искусстве XIX в., провозгласившее правду жизни основой своей творческой программы. Термин «реализм» был выдвинут французским литературным критиком Шанфлери в 50-х гг. XIX в., и быстро получил распространение в различных искусствах и странах. Если в широком смысле реализм является общей чертой различных конкретно-исторических течений и школ, то в узком смысле он, наоборот, отличен от других художественных направлений, в частности, от предшествовавшего ему романтизма, в преодолении которого он развился.

Реализм стал формироваться в XIX веке, одновременно в Западной Европе (Курбе) и в России (передвижник Перов). Основой реализма XIX века было резко- критическое отношение к буржуазной действительности, поэтому его называют также критическим реализмом. Его характерными чертами были: постановка и отражение в художественном творчестве острых социальных проблем, осознанное стремление произносить «приговор» явлениям общественной жизни. Яркая страница в развитии критического реализма в изобразительном искусстве – творчество русских художников – передвижников (И.Н. Крамской, В.Г. Перов, И.Е. Репин и др.). В правдивых образах они показывали страдания русского народа под гнётом помещичье-буржуазного государства. Особая сила их искусства – в широких социальных обобщениях на основе правдивого отображения жизни.

В реалистическом творчестве в отличие, например, от натурализма, изображение всегда осмысленно, прочувствованно и одухотворено. Оно имеет идейный смысл, является воплощением воззрений художника на мир в целом. Мастера реалистического искусства, изображая конкретное событие, раскрывают большие идеи, относящиеся к жизни вообще. Через условность они идут к правде, через внешнее – к внутреннему, через явление – к сущности.

Реализм искусства XIX-XX в.в. отмечен социальной направленностью, многомерным изображением существенных сторон жизни и нередко наличием нереалистических черт. Так, например, в конце XIX века реализм не всегда успешно дистанцировался от натурализма, хотя по своему подходу он во многом противоположен ему. А в начале ХХI века он обогатился элементами пластического языка разнообразных «измов».

Реализм предполагает глубокое проникновение в жизнь, художественное познание ее важнейших сторон и качеств, и прежде всего, социальных отношений. В процессе своего исторического развития этот метод приобретал новые черты, не изменяя главному; так, мы говорим о просветительском реализме ХVIII века, о критическом и демократическом реализме ХIХ века, о социалистическом реализме. Отметим ведущие черты и подходы в реалистическом методе:

– Типизация действительности (от единичного к общему, типическому).

– Показ жизни в существующих противоречиях, в развитии, носящих, прежде всего, общественный характер.

– Стремление раскрыть сущность жизненных явлений без ограничений тем и сюжетов.

– Устремленность к нравственным исканиям и воспитательному воздействию.

В современном искусствознании отсутствует окончательно установленное определение реализма, его хронологических рамок. В западном искусствознании реализм нередко соотносится или даже отождествляется с натурализмом.

Итак, художественный метод – исторически обусловленный тип образного мышления, на формирование которого оказывают воздействие:

1. Эстетическое богатство действительности,

2. миросозерцание художника,

3. художественный багаж, накопленный в предшествующие эпохи (традиции, на которые художник опирается).

Приведем ряд высказываний о творческом (художественном) методе (1,6):

«Метод – инструмент познания, освоение той или иной сферы деятельности».

«Художественный метод – результат активного отражения предмета искусства».

«Метод – это художественная организация действительности, типхудожественного мышления, выраженный в конкретно-исторической форме».

«Метод художественный влияет на направление развития искусства. Различные эпохи в истории искусства характеризуются своеобразием художественных методов».

«Метод – исторически сложившаяся совокупность принципов художественно-образного мышления в искусстве».

«В художественном методе находят отражение основные вопросы творчества, выдвигаемые временем, прежде всего вопросы о средствах выражения явлений жизни. Творческий метод художника – это система принципов, положенных им в основу его практической деятельности».

 

Стиль в искусстве.

Творческий метод, о котором мы рассказали ранее, обозначает закономерности процесса созидания художественных ценностей, а понятие «стиль» – закономерности структуры самих произведений. Стиль – определенная система форм, в которой закрепляются результаты творчества. «Стиль в пластических искусствах – категория формальная, ибо она означает общность пластического языка, общность художественной формы…Мы имеем дело с формой, в которой реализуется определенное содержание. Но форма обладает известной самостоятельностью, как обладает самостоятельностью та сумма идей, которая реализуется в стиле. Когда мы определяем стиль, мы «измеряем» прежде всего, элементы формы. Разумеется, каждый стиль является местом своеобразного средоточения определенных идей. Но они сопутствуют стилю, они могут им управлять, но не являются его прямыми носителями. Стиль выражается в том, что мы можем «потрогать», а не в том, что мы можем представить. Итак, стиль – это общность формы. За ней, или, лучше, над ней, располагаются другие общности и системы: общность мировоззренческая, иконографическая и др.» (7;С.49).

Так как понятие художественного стиля очень многогранно и дискуссионно, приводим ряд его определений:

1. Стиль – исторически сложившаяся устойчивая целостность или общность образной системы, средств художественной выразительности и приемов.

2. Стиль – комплекс устойчивых признаков, характеризующих образную и формальную структуру искусства той или иной эпохи. Наиболее отчетливо стиль проявляется в условиях сложения развитой и устойчивой системы синтеза искусств.

3. Стиль – устойчивая совокупность, системное единство содержательных и формальных компонентов. Стиль – многоуровневая образно-пластическая система.

4. Стиль – общность формы, общность мировоззренческая, общность на основе единства творческого метода, иконографическая общность.

5. Стиль – идейно и художественно обусловленная общность изобразительных приемов в искусстве определенного времени и направления,а также выраженная в отдельном произведении.

6. Стиль – определенный закон формы.

Термин “стиль” многозначен и разномасштабен. Он употребляется и для характеристики отдельного произведения искусства,и для характеристики всего творчества какого-либо мастера (или отдельного этапа его творчества), и для характеристики искусства определенной эпохи. Различают:

а) Стиль эпохи. Он объединяет все идейно-эстетическое богатство данной эпохи. Стиль эпохи инвариантен и предполагает разнообразие своих проявлений, по-разному соответствующих сути времени. Стиль в этом значении – знак эстетического единства художественной культуры своего времени. По мере усложнения этого единства (начиная с ХVIII века) все труднее отыскать в нем это единство,поэтому некоторые исследователи отрицают наличие в современном искусстве признаков стиля эпохи и видят его лишь на ранних стадиях развития художественной культуры. Однако и в наше время,при всем усложнении художественного процесса,при всем нарастании в нем стилистической пестроты и увеличения ее стилистических слоев,не утрачивается эпохальная типологическая общность искусства. Именно она и составляет стиль эпохи. Стиль эпохи (барокко, классицизм, романтизм и др.) определяется общими чертами идеологического, эстетического содержания,национальными и другими особенностями своего времени.Стиль – явление историческое,он изменяется вместе с изменением общества в целом, т.е., это понятие конкретно-историческое. Теория стиля как художественно-исторической категории была разработана в к.ХIХ – начале ХХ века Генрихом Вельфлиным и Алоизом Риглем, понимавшими стиль прежде всего как формальную структуру и рассматривавшими смену стилей как один из важнейших принципов исторического развития искусства. Эта теория внесла системность в изучение стиля и в то же время абсолютизировала его типологические формальные признаки;она не только не исчерпала проблему стиля,но и была искусственно наложена на живой, сложный и противоречивый процесс художественного развития.

 

Стиль как устойчивая совокупность образных, художественных принципов наиболее отчетливо и последовательно проявляется в те художественно-исторические эпохи, где исторически сложилась система синтеза искусств. Однако стилистическое единство такого рода оказывается не столь очевидным в те художественно-исторические эпохи, когда изобразительное искусство приобретает самостоятельное, отдельное от архитектуры существование (а архитектура является ведущим видом в классическом синтезе искусств), и их взаимоотношения определяет принцип равноправного развития, а не подчинения, – например, в искусстве античности или Возрождения. С возрастанием начиная с эпохи Возрождения роли художественной индивидуальности огромное значение имеет личный стиль мастера, а общие стилистические черты, объединяющие, например, стиль Рафаэля, Микеланджело и Тициана, становятся очень широкими и суммарными. С ХVII – ХVIII вв в развитие европейского искусства не подчиняется нормам единого стиля: одновременно существуют, находясь в сложной взаимосвязи,классицизм и барокко, рококо и классицизм. В искусстве ХIХ – ХХ веков стилистическое единство окончательно распадается, и развитие искусства определяется сложным взаимоотношением творческих индивидуальностей и художественных течений (романтизм, реализм, импрессионизм, кубизм, абстракционизм, сюрреализм и др.), имеющих свои стилевые признаки. Попытка создания в к.ХIХ – начале ХХ века единого стиля эпохи (модерн) дала недолговечные и противоречивые результаты,но послужила толчком для поиска новых вариантов современного стиля времени сер. ХХ – нач. ХХI века.

Итак, стиль эпохи определяется общими чертами идеологического и эстетического содержания, национальными и другими особенностями искусства того или иного периода. Одним из самых ярких стилей можно считать барокко. Барокко (от итал. причудливый, странный) – художественный стиль, зародившийся в к.ХVI века в Италии и распространившийся в других странах Западной Европы к началу ХVIII века. В ХVII – ХVIIIвв. барокко появилось в Восточной Европе, Латинской Америке, в России.

Барокко формируется в Европе в эпоху интенсивного сложения наций и национальных государств (абсолютных монархий), и было тесно связано с аристократическими кругами и церковью. В то же время это была эпоха антифеодальных народных выступлений. Барокко воплотило новые представления о сложном устройстве мира с его противоречиями и драмами. Гармония времени Возрождения ушла, мир представлялся контрастным, полным противоречий, конфликтов, борьбы. Отсюда свойственная барокко интенсивность чувств, приподнятость, грандиозность, пышность, динамика, пристрастие к эффектам, контрастам, игре света и тени. Искусство барокко имело в своей основе некоторые черты искусства Возрождения – жизнеутверждающий характер, энергичность, тяготение к ансамблю и синтезу искусств. Однако для барокко характерна значительно большая степень взаимопроникновения архитектуры, скульптуры и живописи. Эта синтетичность – основополагающая черта барокко, которому присущи динамичность, напряженность, сила чувств, слияние иллюзии и реальности, возвышенного и бытового, идеального и реального, что было способом выражения сложности мироздания, его динамической изменчивости. Искусство барокко отличается пышностью форм, экзальтацией образов.

В архитектуре барокко преобладают эффектный размах, текучесть криволинейных форм, богатство и зрелищность, слияние объемов и ярусов в одну динамичную массу, преодоление горизонталей с помощью скульптурного декора. Именно в эпоху барокко получили распространение городские и дворцово-парковые ансамбли.

Для живописи характерны монументальность,осязательная пластичность в эффектных декоративных композициях, парадных портретах, контрасты идеального и достоверного. Живописные произведения также активно взаимодействуют с архитектурным пространством: они изначально создавались для определенного типа интерьера, зрительно увеличивали их пространство, используя перспективные иллюзионистические эффекты.

В скульптуре утвердилась вещественность, осязаемость в трактовке форм вместе с повышенной эмоциональностью, динамичностью форм, патетикой, слиянием мистического и реального, разнообразием фактуры. Органическое существование скульптуры в пространстве, слияние с ним особенно ощущается в парковых ансамблях.

Проникновению барокко в Россию способствовали преобразования Петра I. Расцвет праздничного, оптимистического русского барокко приходится на середину ХVIII столетия. Однако в России барокко не существовало в “чистом” виде, а вобрало в себя традиции классицизма ХVII века и черты рококо, что сообщило архитектурным сооружениям особую парадность и торжественность, прямолинейность планов в сочетании с прихотливой нарядностью декора (Растрелли, Чевакинский, Ухтомский). Знамениты Зимний дворец в Санкт-Петербурге, Большой дворец в Царском Селе и др.

Богатая узорчатость и многоцветность искусства барокко способствовали его проникновению в изобразительный и декоративный фольклор, что породило “народное барокко”.

Близок по времени к барокко стиль рококо. Рококо (от фр. вычурный, причудливый) – стиль европейского искусства ХVIII века. Появился он во Франции и получил свое название от орнамента рокайль, характерного для данного стиля. Интерьеры, мебель и декоративные изделия украшались причудливыми, изысканными орнаментами, состоящими из рокайльных завитков, резными и лепными узорами и т.д. Утратив присущую барокко монументальность и размах, стиль рококо был обращен к удобству повседневного быта, утонченности обстановки. В убранстве помещений большую роль играли орнаменты, покрывавшие стены и потолки, рельефы, изображения амуров, живописные панно и зеркала. Прихотливым изяществом отличаются изделия декоративно-прикладного искусства. В целом для стиля рококо характерен отказ от прямых линий, ордерной системы в архитектуре, приверженность к светлым, пастельным тонам, воздушная легкость, асимметрия, изысканность и причудливость форм. С 1760-х гг. на смену рококо пришел классицизм.

Классицизм – художественнный стиль в европейском искусстве ХVIII – нач.Х1Х века. Основная его черта – обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому образцу. В основе эстетики классицизма лежат принципы рационализма, взгляд на произведение искусства как на плод разума и логики. Большое значение придается общественно-воспитательной роли искусства, выдвигаются новые эстетические нормы, формируется образ героя эпохи – стойкого, жертвующего личным ради общественного, живущего идеей долга, разума, служения обществу. Характерна для этого стиля система норм и правил, ограничений образно-пластического, художественного языка и он по праву может считаться нормативным, идеализирующим стилем. Существенными чертами классицизма во всех видах искусства являются рационализм, симметрия, гармоничность, монументальность, уравновешенность композиции, соответствие содержания произведения его форме. Классицизм ХVII века дал миру выдающихся мастеров живописи – Пуссена и Лебрена, архитекторов Мансара и Ленотра (создателей дворцово-паркового ансамбля в Версале). Классицизм ХVIII века, крупнейшим представителем которого был живописец Давид, обращался, прежде всего, к гражданственным, республиканским идеям античности. Поздний классицизм эпохи наполеоновской империи (так называемый ампир) приобретает черты помпезности, ориентируясь главным образом на искусство императорского Древнего Рима. Ампир – стиль в европейском искусстве первой трети ХIХ века, ставший завершением классицизма. Для него характерны строгие монументальные формы и образы. В римской по преимуществу античности ампир черпал монументальность, лаконизм, идею утверждения имперского величия, выраженную посредством многочисленных военных атрибутов и символов. Широкое распространение в архитектуре ампира получили массивные портики дорического и тосканского ордеров, контрастирующие с гладью стен и геометризмом объемов, а декор зданий был нередко перегружен военной атрибутикой (доспехи, венки, геральдические орлы и пр.). В Рссии ампир получил наибольшее распространение в градостроительных ансамблях центра Петербурга: ансамбль Дворцовой площади Росси, Адмиралтейство Захарова.

Рассмотрим еще один пример стиля эпохи—романтизм. Романтизм – идейно-стилевое движение в европейской культуре к.ХVIII – пер. пол. ХIХ века. Романтизм проявил себя во всех видах искусства. Он возник как реакция на рационализм и нормативность классицизма и основан на устремлении личности к безграничной свободе, на тяготении к духовному совершенству, к недостижимому идеалу. Романтики – разрушители норм и канонов, устоявшихся догм. Блистательно выразила себя французская рмантическая школа (Жерико, Делакруа), открывшая вновь колористическую живопись и свободную композицию. Острый разлад между мечтой и действительностью – стержень романтического воззрения. В России романтизм впервые заявил о себе в первой трети ХIХ века. В центре внимания романтизма находится человеческая личность, – яркая, неповторимая, уже освобожденная от феодальных пут личной зависимости человека от человека (на этом основан расцвет жанра портрета). Не находя в реальной действительности воплощения своих идеалов, романтики искали их в примерах активной современной борьбы за социальную и национальную свободу, в истории человечества (и в истории своего народа). Не чужда им и фантазия, мир религиозных идеалов, нетронутая природа и жизнь людей, не испорченных цивилизацией (расцвет исторической картины, пейзажа). В русском искусстве пер. пол. ХIХ века романтизм имеет свою специфику. Россия только шла навстречу буржуазным преобразованиям, оставались проявления феодализма, и именно против него и обращен был романтический протест. Поэтому русский романтизм выступает в тесной связи с просветительскими идеалами (а на Западе наоборот, Просвещение отвергалось романтиками). Ярче всего романтизм проявил себя в портрете, где утверждается ценность неповторимых движений души, свободной от сословных пут. Ведущие портретисты – Кипренский, Орловский, Тропинин, Варнек. Русский романтизм развивается и во второй трети ХIХ века(Брюллов,Иванов,Бруни). Важной особенностью русского романтизма было то, что в его сфере лежал один из путей развития реализма.

Стиль отдельного художника.

Иногда понятие “индивидуальный стиль художника” подменяется понятием “манера”, однако манера и стиль – не одно и то же. Манера художника – это чисто внешнее своеобразие его выразительного языка. А вот стиль художника – неповторимая художественная структура, вырастающая из особенностей его художественного восприятия, суммы идейно-творческих воззрений, особого, неповторимого пластического языка (почерка). Можно вспомнить индивидуально-неповторимый стиль Микеланджело, Рафаэля, Тициана, Репина и др. Начиная с нового времени, с эпохи Возрождения, индивидуальный стиль начинает играть новую, определяющую стилевую роль, тогда как до этого стиль отдельных мастеров строго соответствовал нормам стиля времени. Индивидуальные стили Микеланджело, Дюрера, Тициана, будучи высшими проявлениями стиля своей эпохи,никак не исчерпываются ее содержанием. Многие крупные мастера: Рембрандт, Веласкес, Гойя и др. вообще не могут быть помещены в рамки какого-либо стиля эпохи. С ХIХ века основой художественного процесса становится не смена исторических стилей, а сложное взаимодействие стилевых направлений и творчества крупных индивидуальностей. Например, таких как Винсент Ван Гог (1853—1890). Искусство Ван Гога единственно и неповиторимо, а вместе с тем оно, как никакое другое, вобрало в себя духовный опыт ХIХ столетия.

Сын сельского пастора, Винсент до 27-летнего возраста считал своим призванием священнослужительство и добился своей цели. В 1880году, пережив глубокий душевный кризис, Ван Гог порывает с церковью и решает посвятить себя искусству. Пришлось начинать с азов – он ничего не умел. Ван Гог – самоучка, если не считать двух месяцев занятий с живописцем Мауве. Вершиной голландского периода стала картина “Едоки картофеля”. Почти все его картины символичны. Птичьи гнезда, дом, стул, сапоги, работа крестьянина – все это становится средствами выразительности в символическом искусстве Ван Гога. “Жатва”, “Ткач”, “Жнец” – работы этого периода. В Париже художник овладевает импрессионистической техникой. Его мазок становится острее. Картины окрашиваются в светлые тона – “Хижины”. “Красные виноградники”. Цвет для Ван Гога – главное средство передачи духовной сущности предмета. Желтый цвет – цвет солнца, спелого хлеба; красный – кровь, молодость, огонь; коричневый – земля, тяжесть и т.д. Через живописный почерк Ван Гога, через эти удары кистью как хлыстом мы, зрители, как бы входим в прямой контакт с художником. Техника художника постоянно меняется даже в пределах одной картины. Он видел мир как вечное движение, как неустанный круговорот. Он изображал не один схваченный миг, подобно Клоду Моне, а непрерывность мигов. Все случайное он мог претворить в космическое. Это – особенность его творчества. Но еще более выразительной, нежели его техника, был колорит. Душа Ван Гога требовала ярких красок. Он постоянно жаловался на недостаточную силу его любимого ярко-желтого цвета. Работы “Сеятель”, “Подсолнухи”, “Долина Кро” напоены солнцем. Художник считал, что будущее принадлежит портретной живописи, и писал много портретов, герои которых – почтальон, крестьянин, солдат, врач. Ван Гог – великий мечтатель, поэт в жизни и в искусстве.