Е) Об исполнительском искусстве в классической музыке.

В отличие от творения живописца или скульптора, воплощающего произведение в материале, сохраняющем его на века, материал музыки (звук) живет, пока он звучит, и после исполнения перестает реально существовать. Умение каждый раз заново возрождать к жизни и есть то, что называется музыкально-исполнительским искусством. Вот почему исполнительство (как особая художественная специальность) существует не во всех искусствах. Произведения искусств, такие как - картина, скульптура, архитектурное сооружение, — не нуждаются ни в каком воссоздании. Только в тех искусствах, которые протекают во времени, возникает надобность в особых посредниках между произведением и его слушателями или зрителями, посредниках — актерах, танцорах, чтецах, музыкантах. В старину совмещение композитора и исполнителя было даже правилом: еще в XVIII-м столетии почти все крупнейшие музыканты — Бах, Гендель, Куперен, Рамо, Скарлатти, Моцарт и другие делали это с блеском. Постепенно профессии разъединяются на композиторов и исполнителей.

От исполнителя требуется и призвание к сценической деятельности, и природные данные, и силы для постоянных занятий. Успеху исполняемого произведения способствует и темперамент, и голос, и техника игры и т.п. Творческое наследие любого композитора не смогло бы стать достоянием культуры без многочисленных и постоянно пополняемых рядов профессиональных исполнителей.

Многие образцы древней живописи и скульптуры дожили до наших дней, в отличие от музыки тех времён. К счастью, человечество придумало способ графической записи звуков. Нотная запись важнейшее подспорье музыканта, единственный источник познания произведения. Правда, нотная запись фиксирует высоту каждого звука, метроритм, а темп, тембр, динамика и т. д. лишь обозначаются дополнительными знаками. Как показывает практика, расшифровка одной и той же нотной записи и придает задаче исполнителя творческий характер.  

Художественный дар, интуиция, талант исполнителя придаёт, например, бетховенской «Аппассионате» разное звучание в интерпретациях А.Рубинштейна или Бюлова, Гофмана или Шнабеля, д’Альбера или Бузони.

Музыкальное произведение допускает различные исполнительские толкования. «Музыкальное произведение, - говорит композитор Скрябин, - изменчиво, как море: сегодня оно одно, завтра другое». Примеры исполнительства сюит Баха, опер Моцарта, симфоний и сонат Бетховена имели иногда немало истолкований, но были позже оправданы временем и остались в истории как замечательные образцы в исполнении великих пианистов.

Сольно-инструментальное исполнительство получило особенное развитие с XIXв. Выдвинулся ряд великих представителей: скрипача Паганини, пианистов Ф.Листа и А.Рубинштейна, дирижеров Берлиоза и Вагнера. Однако, увлечение виртуозностью привело к появлению пианистов, демонстрирующих свои виртуозные достижения, позволявших им бесцеремонно искажать не только «букву», но и дух, и смысл исполняемых произведений. Часто композиторы оставляли многое в интерпретации пьесы на творческий вкус исполнителя. Так, И.С.Бах во многих сочинениях предоставлял исполнителю даже расшифровку цифрованного баса. Гайдн, Моцарт и другие авторы в своих концертах инструмента с оркестром оставляли место для вставной каденции, фрагмента импровизации солиста. Салонные же пианисты первой половины XIX века умаляли художественность своего искусства, демонстрируя трели, октавы и другие атрибуты виртуозной техники.

Великий венгерский пианист и композитор Франц (Ференц) Лист (1811-1886), увлекавшийся виртуозным излишествам в текстах произведений в молодости, позже подчинил свою феноменальную технику и артистическую индивидуальность глубинному раскрытию исполняемого произведения.

Проблема «исполнитель и произведение» вновь оказалась в центре внимания в начале XX столетия. Так, один из крупнейших пианистов эпохи Бузони внедрял новации, в основе которых лежали серьезное отношение к произведению, вдумчивое изучение его. С изобретением грамзаписи выявилась новая тенденция - «стандартизация» исполнения тех или иных произведений под влиянием других интерпретаций. Исполнитель должен быть соавтором и опираться на вдохновение. Так, А.Рубинштейн считал, что, прежде всего это тщательное изучение текста, потом освоение произведения, и уже далее, его свободное исполнение, по требованию чувств не боясь что-то менять в нем. Исполнительство это искусство сотворчества художника и зрителей, воспринимающих его искусство.

«Искусство, — говорил знаменитый пианист Иосиф Гофман, — это посредник, связывающий, подобно телеграфу, два пункта — отправителя послания и получателя. Оба должны быть настроены одинаково высоко для того, чтобы передача была безупречной»[37].

 

Контрольные вопросы:

1. Что отличает великого исполнителя-классика? Репертуар, мастерство, владение стилистикой? 

2. Учитель и ученики: заповеди и секреты.

3. Об изменчивости звучания одного и того же произведения.

4. Исполнитель соавтор композитора. Так ли это?

 

г) неожиданный ракурс в исполнительском искусстве в классической музыке

Никто не предполагал, что через несколько столетий музыка барокко, Баха, Генделя и других композиторов будет переосмыслена и сыграна музыкантами ХХ века, имеющих отношение к новому искусству ХХ века к джазу. Чувство стиля, тонкий вкус, бережное отношение к Классике, всё это позволило создать новое обрамление к хорошо известным образцам прошлого. Случайно или нет, среди этих новых творцов имена французских исполнителей: трио Жака Люсье и вокальный ансамбль «Свингл Сингерс» (период 60-х гг. ХХв.). Париж первой половины ХХв. был культурным эпохальным центром мировой культуры во всех её проявлениях (живописи, музыки, литературы…)

 Вокальная группа “Swingle Singers” была основана вокалистом-аранжировщиком У.Л.Свинглом в конце 50-х гг. Сенсацией в мире музыки стало появление в начале 60-х вокального ансамбля безупречно, бережно и с высочайшим искусством исполнявшего произведения В.А.Моцарта, И.С.Баха, Генделя и др. Это было словно ниспослание свыше, ангельские голоса «Свингл Сингерс» (8 вокалистов), поддержка ритма контрабасом и ударными (игра щётками) уводили слушателя в другой, божественный мир изысканной красоты.

В 1963г. пластинка группы “Bach’s Greatest Hits” вошла в топ 15 мировых записей США, на следующий 1964г.: “Jazz Sebastian Bach” - пластинка года в Англии, в тот же год успех “Going Baroque” и “Place Vendome” в содружестве с “Modern Jazz Quartet”(1965)

Эту музыку моментально разобрали кинематографисты и для музыкального отображения переживаний героев в художественном кино, и для документального показа архитектурных монументальных и скульптурных сюжетов.

Ещё один пример джазово-эстрадного прикосновения к классической музыке – оркестр и хор Рэя Кониффа (американский тромбонист, аранжировщик). В конце 50-х гг. выходят первые записи этого коллектива, и сразу же становятся сенсацией и для любителей классической музыки. Мужские и женские голоса имитируют звучание труб и тромбонов, мелодия оригинала звучит в вокальном (слоговом) изложении, без импровизации, но инструменты (прежде всего: ритм-секция фортепиано, гитара,контрабас, ударные + духовые, струнные) и хор создают волшебное ощущение «раскачивания», свинга, и придают хорошо известным классическим шедеврам новый ракурс звучания. 

Жак Лусье́ (фр. Jacques Loussier; род. 26 октября 1934, Анжер, Франция – 2019г.) — французский пианист, стал известен джазовыми импровизациями на музыку таких классических композиторов, как Бах, Вивальди, Сати, Равель, Дебюсси, Гендель. В 1950 году Лусье поступил в Парижскую консерваторию. Начинающий музыкант попробовал себя в различных направлениях: играл на Кубе в составе цыганского ансамбля, аккомпанировал Ш.Азнавуру и другим известным шансонье, сочинял аранжировки и музыку для кино. Но его привлекал в те годы и искусство джаза и носитель «третьего течения» Modern Jazz Quartet. Ж.Лусье, впервые записывая его фортепианные эксперименты с музыкой Баха, добавил к роялю контрабас и ударные. В 1959 году вышла первая пластинка Жака Лусье, которая была воспринята с восторгом: популярные темы И. С. Баха звучали с джазовыми вариациями. Один за другим начали выходить альбомы под общим названием «Play Bach», которые демонстрировали наличие музыкального поиска. К середине 1960-х ансамбль Лусье завоевал мировую известность. К 300-летию Баха в 1985 году Лусье вернулся к его музыке, насыщая баховский материал теперь уже не только джазовыми, но и роковыми аллюзиями. В 1990-е годы к обработкам Баха добавились в творческой практике Лусье аранжировки произведений А.Вивальди, М.Равеля, К. Дебюсси, Э.Сати. Лусье также пишет оригинальные сочинения, среди которых «Lumieres», Барочная месса XXI века, концерт для трубы и оркестра, квинтет для медных «Огненная лошадь». Пианист выразителен и классически уравновешен исполняя «Bolero». На диске не только «Bolero» Равеля, но и «классически джазовый» опус самого Лусье.

Выдающийся джазовый финский пианист, румынского происхождения, Марион Петреску ещё один пример исполнения классических произведений. В начале и конце звучит авторский оригинал мелодии (И.С.Бах, В.А.Моцарт и др. композиторы-классики), а внутренняя часть пьесы наполнена джазовой импровизацией пианиста.

 

Контрольные вопросы:

1. Возможна ли интерпретация классики?

2. Кто в этом преуспел?

3. Что превуалировало: репертуар, композиторы, состав ансамбля?

4. В большой музыке не существует «водораздела»?

5. Находки одного направления (вида) музыки используются в другом (примеры).

 

3. Вид искусства – балет. Исполнительское искусство в хореографии. 

Балет:

 1) вид сценического искусства (начальная форма в Европе в XVIв., расцвет во 2-ой половине XIXв.) основанный на танце, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах.

       2) театральное представление, состоящее из танцев и пантомимы, сопровождаемых музыкой. Балеты, ставшие классикой: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П.И.Чайковского, «Жизель», «Корсар» А.Адана, «Баядерка», «Дон Кихот» Л.Минкуса, «Ромео и Джульетта», «Золушка» С.С.Прокофьева, «Раймонда» А.Глазунова и др.

 

    История искусства хореографии, этапы развития,

Балет зародился в конце XV века в Италии, где князья нанимали мастеров танца для постановки пышных зрелищ. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты. И хотя интерес к этой моде стал падать, в 1643 г. французским королём Людовиком XIV, была возрождина угасающая традиция, король сам принимал участие в спектаклях. Его прозвище пришло из балета "Ballet de la nuit", где он выступил в роли Короля-Солнца.

В 1661 г. Людовик учредил Королевскую академию танца "в целях совершенствования сего искусства", а спустя 10 лет - Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.

Именно в Парижской опере в 1681г. впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.

Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными - до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.

В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля "Тщетная предосторожность". Это историю о любви деревенской девушки к молодому крестьянину, но мать девушки хочет выдать её богатого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.

                  Романтический балет

В начале XIX в. балет оказался под мощным влиянием романтизма. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли "Сильфида" и "Жизель". Примерно тогда же балерины начали танцевать на пуантах. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.

Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 г. "Сильфиду" на сцене Парижской оперы.

В 1836 г. О.Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою "Сильфиду". Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.

Другой романтический балет, где юная крестьянка, лишается разума и умирает, узнав, что ее возлюбленный, дворянин Альберт, не сможет на ней жениться. После смерти она превращается в призрак и спасает Альберта от смерти. Премьера "Жизели" состоялась в 1841 г. на сцене Парижской оперы с Карлоттой Гризи в заглавной партии.

Романтический балет был по преимуществу искусством женского танца. Ко времени постановки па-де-катра пик популярности романтического балета уже миновал, и Париж как центр классического танца стал понемногу угасать.