Санкт-Петербургский государственный институт культуры

Министерство культуры Российской Федерации

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования

Санкт-Петербургский государственный институт культуры

Факультет музыкального искусства эстрады

Кафедра музыкознания и музыкально-прикладного искусства

Корнев П.К.

История исполнительского искусства

Учебно-методическое пособие

                                                 К 67

 

Санкт-Петербург

СПбГИК

2019

УДК	[78.04+782] (07)
ББК	85.313 (0) р 30
	К 67 здесь должен стоять авторский знак
	Практическое руководство издается по решению Редакционно-издательского совета Санкт-Петербургского государственного института культуры (Абзац оставляем, если вы попали в Тематический план изданий вуза). Утверждено учебно-методическим советом СПбГИК № _ от ______________ в качестве ______________
	Рецензент внешний: профессор РГПУ им.А.И.Герцена Аврамкова И.С. Рецензент внутренний: доцент Арутюнян Ю.И.
	Корнев Пётр Казамирович
К 67	История исполнительского искусства: учебно-методическое пособие / П.К. Корнев. – Санкт-Петербург, СПбГИК, 2019.С.
	В данном учебном пособии автор предлагает познакомиться с историей возникновения и развития временно-пространственных видов искусства (академической музыки, хореографии, театра, кино и джаза) и исследовать их взаимосвязь. Пособие предназначено для студентов факультета музыкального искусства эстрады СПбГИК и для всех любителей этих видов искусства.
УДК				[78.04+782] (07)
ББК				85.313 (0) р 30
		© Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение высшего образования «Санкт-Петербургский государственный институт культуры», 2019

 

Оглавление

Введение

Раздел 1. Искусство - часть культуры

а) произведение искусства - вершина творчества;

б) функции искусства;

в) о взаимосвязи искусства и коммерции;

г) задачи и цель исполнительского искусства и выдающегося мастера-исполнителя;

д) роль исполнительского искусства на рубеже ХIХ-ХХ веков;

е) многогранное использование исполнительского искусства в творчестве (синтез искусств).

О видах искусств. Вид искусства – музыка

а) краткая история музыки;

б) об истории музыки конца XIX – начала XX века;

в) музыка в контексте бурных исторических процессов: экспрессионизм и музыкальный авангард;

г) искусство классических композиторов;

д) исполнительское искусство классических вокалистов, дирижёров, инструменталистов;

е) об исполнительском искусстве в классической музыке;

ж) неожиданный ракурс в исполнительском искусстве в классической музыке.

Новые виды синтез-искусства.

Заключение

Приложение 1: список используемой литературы

От автора

 

 

Уважаемый автор учебного издания! Я – УММ_шаблон, предназначенный для облегчения задачи по оформлению учебного издания. Я явлюсь Приложением № 8 к практическому руководству: Учебные издания. Подготовка к публикации.

Если у вас получится соблюсти простые правила, то даже содержание сформируется автоматически, и вам не придется вручную проставлять страницы.

Каждому виду текста задан свой определенный стиль. Как только вы кликните курсором на строку того или иного текста, справа в окошке «Стили» отобразится его название. Придерживайтесь данных стилей, и ваше издание будет блистать красотой оформления и форматирования.

Если в вашем издании будут размещаться рисунки, графики и т.п., они обязательно группируются, устанавливается обтекание текстом (по контуру), для того чтобы при дальнейшем корректировании текста схемы не разрывались.

Если нужно набрать формулы, то они создаются в редакторе формул MicrosoftEquation.

Библиографический список оформляется в строгом соответствии с правилами, установленными ГОСТ [1-4][1].

Вы внимательно все прочитали? А теперь смело заменяйте весь текст, помеченный, вместе с на авторский и приступайте к творчеству. Я желаю вам удачи!

Введение

Курс по дисциплине «История исполнительского искусства» охватывает и изучает следующие виды искусств - временные: музыка (исключаялитературу, которую не изучаем в данном пособии), и пространственно-временные: балет, театр, ораторское искусство, кино, джаз. Данный курс, рассматривая искусство с тысячелетней историей, сосредотачивается более подробно на XIX-XX столетиях. «Исполнительское искусство есть вторичная, относительно самостоятельная художественная деятельность, творческая сторона которой проявляется в форме художественной интерпретации».[2] Изучая творчество актеров и режиссеров, чтецов, музыкантов (певцов, инструменталистов, дирижеров), танцоров, хореографов, мы убеждаемся в том, что исполнитель перевоплощается, создавая образ. Он вживается в содержание произведения, выражает своё отношение к реальности произведения, использует собственные художественные средства. Истинно творческий исполнитель, выполняя задачу проникновения в образ, выстраивает между собой и произведением диапазон отношений: от гармоничного слияния до вызывающего противоречивую оценку созданного им образа у публики.  

«Реальные и душевные источники искусства, т.е. художественного творчества, усматриваются…в сознательном расширении сферы стилей в искусстве (формализм), в возможности сохранения для культуры неизвестных творений благодаря коммерциализации культуры…»[3]

Воспитание - главная сила, способная дать обществу полноценную, гармоничную личность исполнителя, мастера. В первую очередь, это деятельность общества, которое использует для этого важнейшую часть культуры – искусство. Есть общее в целях воспитания в различные эпохи:              

 - Античная Греция (Спарта и Афины), Древний Рим и Римская империя провозгласили умственное, нравственное, эстетическое и физическое развитие личности;

- Средневековье омрачает историю целью воспитать смиренного, терпеливого, покорного человека. В период Средневековья воспитание и образование приняло религиозный характер и таким образом во многом потеряло прогрессивную направленность античных времен;

- в эпоху Возрождения (XIV-XVI века) возвращение к благородной цели: воспитать здоровых, жизнедеятельных людей, обладающих многосторонними интересами. Эпоха Возрождения дала целый ряд ярких мыслителей, педагогов-гуманистов;

- XVII век продолжал формировать «дисциплину тела» и «дисциплину духа» (физическое и нравственное воспитание);

- XVIII век воспитывает всесторонне развитого, гармоничного человека.  Эпоха Просвещения [4] ориентирует эстетическое воспитание [5] на широкую аудиторию. Проблемы эстетического вкуса исследуются в работах Иоганна Готшеда[6], Дэвида Юма[7], Клода-Адриана Гельвеция[8]. Само же понятие эстетического воспитания было введено Шиллером в работе «Письма об эстетическом воспитании человека», который утверждал, что искусство должно сформировать всесторонне развитую гармоничную личность.

- XIX век трактует гармоничное развитие физических, интеллектуальных и духовных сил личности. В начале XX века иррационалистичная философия Ф.Шеллинга, А.Шопенгауэра, Ф.Ницше, А.Бергсона и 3.Фрейда подготовила процесс элитаризации искусства. Но с другой стороны, искусство рассматривается как средство социально-политического воспитания[9], что отражается в творчестве Б.Брехта, Д.Хартфилда, Г. Эйслера (Германия), также и В.Маяковского, В.Мейерхольда, С.Эйзенштейна (СССР), что также было осмыслено в работах Т.Адорно, Ж.П.Сартра, В.Беньямина. Предвоенные десятилетия бремя столицы мирового искусства «нёс на себе» Париж. «Технологический прогресс в виде кинематографа, автомобиля, электрического освещения, авиации оказали влияние на искусство… после Второй мировой войны столицей художественного мира становится Нью-Йорк».[10]

- ХХ век нацелен на развитие личности. Новый виток развития исполнительского искусства возлагает более высокую ответственность на артистов. Современные исполнители могут, уходя от реальности, погружать себя и зрителей в отображаемое ими произведение искусства. Этот принцип берет своё начало в эпохе романтизма, но и сегодня он сможет оказаться опорой для создания модели действительности. Сегодня в обязанности исполнительского искусства входит и пропаганда духовных ценностей, с демонстрацией опоры на образцы мировой и достижения своей национальной культуры.[11]

В работе над учебно-методическим пособием использованы источники указанные в приложении 1.

 

Искусство:

1) образное осмысление действительности, особый способ её познания и отражения, одна из форм художественной деятельности общественного сознания и часть духовной культуры, как человека, так и всего человечества, результатом которого является художественное произведение;

2) высокая степень умения, мастерства в любой отрасли практической деятельности, прекрасное владение присущей ей системой приёмов и методов.

а) произведение искусства – вершина творчества

Произведение искусства[12] – материальное воплощение (звуковое, пластическое, словесное, цветовое и т.д.) духовного образа модели мира, художественная структура которого определяется особенным стилем и творческим методом художника. Искусство, с древних времён, является средством общественного воспитания индивида, его эмоционального и интеллектуального развития, общения людей и приобщения к накопленному человечеством опыту.

Искусство оценивает отношения общества и человека к окружающему миру с позиции основных эстетических категорий:

- «прекрасного»,

- «возвышенного»,

- «трагического» и

- «комического».

 Прекрасное - центральная категория эстетики, характеризующая явления, обладающие высшей эстетической ценностью; выступает принципиальным и основополагающим критерием в оценке отражаемой и преображаемой жизни.

Возвышенное - категория эстетики, характеризующая внутреннюю значительность, величие предметов и явлений; характерна для эстетики XVIII – начала XIXвв.

Трагическое – философско-эстетическая категория, характеризующая неразрешимый общественно-исторический конфликт, развёртывающийся в процессе противоборства героя обстоятельствам, сопровождающими его страданиями, гибелью, с заложенных в действии сложнейших вопросов бытия, мировых проблем; раскрывается в специальном виде драмы – трагедии.

Комическое (от греч. «весёлый, смешной», “komos”- весёлые ряженые на сельском празднестве Диониса в Древней Греции) – категория эстетики, означающая смешное и основанное на контрасте, «разладе», противоречии (безобразного-прекрасному, ничтожного-возвышенному, нелепого-рассудительному, ложного-значительному); на «комическом» основаны каламбур, гротеск, шарж, карикатура, анекдот, пародия, а также один из главных видов драмы – комедия. Виды: ирония, юмор, сатира.

 

б) функции искусства

Совокупность получаемых познаний и впечатлений от произведения искусства, обогащающих наш духовный мир называется эстетическим переживанием. Сложное по своей природе, эстетическое переживание рождается в сознании, в воображении человека под воздействием художественного произведения. Убедительность и правдивость искусства, заставляющие нас эстетически сопереживать, связаны с нравственными, психологическими ассоциациями, построенными на жизненном опыте человека. Изучая искусство, ещё Аристотель в теоретических разработках, выделял следующие его три функции:

1) познавательную: искусство познает мир через систему художественных образов, используя специфические средства и приемы;

2) воспитательную: основная по учению Аристотеля - теория «катарсиса», духовного очищения человека в процессе восприятия произведения искусства. Важнейшая роль при этом отводилась музыке, театру или литературе. Древнегреческий писатель Лукиан писал: «Душу мы, совершенствуем... обучая юношей музыке, счету и грамоте... затем они учат высказывания мудрецов и … полезные мысли». Так, веря в воспитательную силу искусства, А.Скрябин мечтал о создании «Мистерии» - сочетании видов искусства - музыки, поэзии, танца, архитектуры, и света, приведших бы к новой эре осознания мира.

3) эмоционального воздействия (гедонистическая)

Современная наука добавляет и другие функции:

4) компенсационная функция: искусство позволяет человеку компенсировать  впечатления, переживания, эмоции которые он не получает в реальности.

5) суггестивная функция: связана с определенным гипнотическим действием, оказывает влияние на человеческую психику. Так, суггестивной функцией в Средневековье было то, что благодаря искусству иконописи и архитектуры, «собор являлся Библией для неграмотного человека».

6) коммуникативная функция: феномен искусства во все исторические периоды коммуникативно преобладал над другими формами общественного сознания. Причём музыка, балет, скульптура, живопись коммуникативно доступны абсолютному большинству, а языковый барьер театра, кино, литературы ограничивает их воздействие.

 

в) о взаимосвязи искусства и коммерции

Искусство существует столько, сколько существует общество. Искусство, с появлением в обществе иерархии и власти (с Месопотамии и Древнего Египта[13]), становится на службу богатства и религии. Лучшие художники Древнего искусства, мастерски изображавшие богов, птиц и животных, пользовались известностью и славой за свои творения (например, Пракситель около IVв. до н.э.). Позднее появляется новые классы потребителей искусства. Знать для украшения своих жилищ использовала различные работы художников: пейзажи, портреты, натюрморты, изображения животных и сюжеты из мифологии (сохранились лишь мозаики, фрески). Христианская религия с IVв. преобразовывает византийское искусство.

Искусство Западной Европы постепенно изменяется с ХII по ХIIIвв. Всё более изысканной живописью и скульптурой украшаются храмы, соборы. Заказчиками предметов искусства в городах становятся крупные торговцы. На смену религиозным темам приходит мифология и изображение роскоши. Картины, которые начинают писать маслом, становятся равноценны гобеленам.   

Эпоха Возрождения XV-XVI вв. приносит разнообразие в технику живописи, появляется метод линейной перспективы. Именитые и богатые жители городов покровительствуют знаменитым творцам – гениям искусства. Ещё большего разнообразия стилей живопись достигает в период Ренессанса и Реформации. Подчёркнутая театральность Барокко рождает новые яркие индивидуальности  (поздний Рембрант(1606-69), Караваджо(1571-1610)).

В Европе XVIII-XIX веков современные художники стремятся подражать Мастерам прошлого. На фоне происходящей промышленной революции, искусство наполняется идеями романтизма. Появляется и класс продавцов произведений искусства и мир критики. Постепенно творцы искусства начинают всё больше зависеть от заказчиков, вынуждающих художников имитировать тот или иной стиль: от примитивизма до авангарда. На вкусы заказчиков влияет экзотика стран разных континентов. Возникшая связь Искусства и коммерции и опасна и благотворна.

Наконец, крушение всех художественных границ происходит в западно-европейском искусстве в начале ХХ века с помощью нового в искусстве (кубизм, старт абстракционизма), нового в технике (появление кино, развитие и наступление автомобилестроения, электроприборов, авиации). Расширяется и разнообразие стилей: искусство модерна становится символом капиталистической демократии. Новая столица мирового искусства после Второй мировой войны из Парижа «переезжает» в Нью-Йорк.

Позже «перфоманс» и концептуальное искусство со своими беспредметными произведениями помпезно выходят на сцену, демонстрируя «обработанные» и уже существующие в истории произведения (таков Э.Уорхолл, 1928-1987). Такая форма, как «инсталляция» позволяет добиться быстрого успеха и популярности у множества зрителей. Некоторым художникам нравится положение звёзд масс-культуры, приносящее скандальную известность и деньги. Ещё знаменитый английский критик Х1Хв. Дж.Рескин[14] прозорливо заметил: «Общество получает искусство, которое оно заслуживает».   

 

г) задачи и цель исполнительского искусства и выдающегося мастера-исполнителя

Воспринимая художественнее произведение, зритель становится сопричастным к творческому акту, воплощаемому творческой личностью художника. С одной стороны, зритель получает чувство духовного обогащения, эстетической радости, с другой стороны, от реакции зрителя зависит успех или провал спектакля, пьесы, музыкальной постановки. Между искусством и зрителем появляется «мост», посредник, передающий энергию автора – Исполнитель. Но и от зрителя требуется умение, почти талант – услышать и увидеть в исполнении смысл задуманного.

Задачи исполнительского искусства:

- развитие новых творческих моделей, создание произведений искусства;

- удовлетворение духовных потребностей зрителей в пространственно-временных видах искусства;

- пропаганда высоких моральных, гражданских и духовных идей и ценностей средствами искусства;

К целямисполнительского искусства относятся:

- возвышение духовной жизни общества

- формирование высоких моральных, нравственных качеств

- совершенствование и развитие исполнительного искусства

д) роль исполнительского искусства на рубеже ХIХ-ХХ веков.

Все более заметной становится роль исполнительства в развитии мирового искусства, расширяется его воздействие на различные социально-культурные процессы. Помимо творцов и создателей произведений искусства высоко оценивается и творчество исполнителей во всех сферах искусства, индивидуальных и коллективных (театральных, балетных трупп, оркестров, народных ансамблей). Выступление исполнителей перед массовой аудиторией повышает ответственность артиста перед обществом в целом.

Под влиянием импрессионизма в живописи, направления созданного группой французских художников в 1874г. (Э.Л.Буден, Э.Дега, Э.Мане, К.О.Моне, К.Писарро, П.О.Ренуар, А.Сислей и др.) появляется и музыкальное направление с тем же названием (Э.Сати, Кл.Дебюсси, М.Равель). Много позже импрессионизм проявился в стилистике джаза середины ХХв.

На рубеже ХIХ-ХХ веков в академической музыке происходит переход от романтизму к модернизму и авангарду. Выразительные средства радикально обновлялись (отказ от традиционной мелодики, деструкция тонального плана и системы ладов). В этот период сосуществовали поздний романтизм, импрессионизм, экспрессионизм, неофольклоризм. На рубеже XIX-XX столетий творцы нового направления экспрессионизма (от лат. expressio - "выразительность") передавали трагичность, страх одиночества присущих человеку первой послевоенной эпохи. Другим музыкальным явлением оказался поздний романтизм. Произведения композиторов этого направления отличали грандиозные масштабы пьес и философские идеи, лежащие в основе их музыки.

е) многогранное использование исполнительского искусства в творчестве (синтез искусств)

Появление двух новых видов искусства: кино и джаза почти совпадает, также совпадает и их зависимость существования одного от другого. Немое кино стимулирует развитие сольного фортепианного исполнительства. Сопровождение киносеанса «провоцирует» появлению фигуры пианиста (органиста) – тапёра рядом с экраном.

 Пианисты делают шаги от привычного рэгтайма, записанного в нотах, к спонтанной переделке этого материала и добавления собственных интерпретаций. Это был «шаг» в новый фортепианный стиль – страйд. Талантливые исполнители Фэтс Уоллер, Лайон Смит и другие тапёры, присутствуя на сцене, рядом с экраном, доставляли огромное удовольствие зрителям.  

Именно начало ХХв. даёт «взлёт» гармоничному суммарному развитию отношений новых (кино и джаза) и существовавших (классич.музыки, балета, театра) пространственно-временных видов искусств.

В своём творчестве «совмещают» различные виды искусства (кино, танец, вокал, музыка):

- Чарли Чаплин: актёр, режиссёр, композитор, создавший трагикомический образ маленького человека; артистом-Чаплиным придумано огромное количество приёмов и находок для мим- и клоун- искусства; его бесценный творческий багаж продвигает искусство пантомимы и клоунады вот уже многие десятилетия;

- Мерэлин Монро: сексопильность, комедийный и драматический талант, эксцентричность;

- Джин Келли: танцор, певец, актёр;

- Фрэд Астер: топ-дансер, актёр, певец;

- Лайза Минелли: актриса, певица, танцовщица;

- Фрэнк Синатра: актёр, певец эстрадно-джазовый, секс-символ Америки 50-60-х гг. ХХ в.;

- Любовь Орлова: внешние данные, музыкальный, драматический талант, синтез жанров;

- Юрий Никулин: комедийный, драматический талант, буфф-клоунада;

- Людмила Гурченко: прирождённая артистка жанра мюзикл, блистательная драматическая актриса;

- Андрей Миронов: актёр широчайшего диапазона от комического до трагедийного, склонного к гротеску;

- Лариса Голубкина: музыкально-драматическая актриса;

- Владимир Трошин: вокальный, драматический талант;

- Стивен Сигал: знание восточных единоборств, актерский талант, музыкальность;

- Олег Ануфриев: певец, актёр, музыкант, актёр дубляжа мультфильмов;

 

Контрольные вопросы:

1. Сколько значений у слова «искусство» и его функции.

2. Задачи и роль исполнительского искусства ХIХ-ХХ вв.

3. Синтетизм в искусстве ХХ века.

4. Искусство и коммерция – первый опыт.

 

Балет:

 1) вид сценического искусства (начальная форма в Европе в XVIв., расцвет во 2-ой половине XIXв.) основанный на танце, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах.

       2) театральное представление, состоящее из танцев и пантомимы, сопровождаемых музыкой. Балеты, ставшие классикой: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» П.И.Чайковского, «Жизель», «Корсар» А.Адана, «Баядерка», «Дон Кихот» Л.Минкуса, «Ромео и Джульетта», «Золушка» С.С.Прокофьева, «Раймонда» А.Глазунова и др.

 

    История искусства хореографии, этапы развития,

Балет зародился в конце XV века в Италии, где князья нанимали мастеров танца для постановки пышных зрелищ. Став супругой французского короля, итальянка Екатерина Медичи привезла во Францию и моду на диковинные придворные балеты. И хотя интерес к этой моде стал падать, в 1643 г. французским королём Людовиком XIV, была возрождина угасающая традиция, король сам принимал участие в спектаклях. Его прозвище пришло из балета "Ballet de la nuit", где он выступил в роли Короля-Солнца.

В 1661 г. Людовик учредил Королевскую академию танца "в целях совершенствования сего искусства", а спустя 10 лет - Королевскую академию музыки. Так был заложен фундамент будущей Парижской оперы.

Именно в Парижской опере в 1681г. впервые появились профессиональные танцовщицы. Спустя 32 года при театре открылась балетная школа. Тогда же были заложены основы балетной техники и появились первые знаменитости. К их числу принадлежат балерины Мари-Анн де Камарго и Мари Салль, а также танцовщик Луи Дюпре.

Долгое время техника и стиль танца оставались неизменными - до той поры, когда в практику начали внедряться идеи французского танцовщика и хореографа Жана-Жоржа Новерра. Он нарядил актеров в легкие, не стеснявшие движений костюмы, запретил надевать маски и требовал от них не только танцевального, но и драматического мастерства.

В 1789 г. многое из того, что проповедовал Новерр, нашло воплощение в балете Жана Доберваля "Тщетная предосторожность". Это историю о любви деревенской девушки к молодому крестьянину, но мать девушки хочет выдать её богатого сынка местного помещика. Танец обрел свободу и естественность движений.

                  Романтический балет

В начале XIX в. балет оказался под мощным влиянием романтизма. Возродился интерес к фольклору и фантазии. Ярким проявлением романтизма в балете стали спектакли "Сильфида" и "Жизель". Примерно тогда же балерины начали танцевать на пуантах. Не имея балетных туфель с жестким носком, как у нынешних танцовщиц, они держались на пуантах лишь какую-то долю секунды.

Одной из первых начала танцевать на пуантах итальянская балерина Мария Тальони, отец которой поставил для нее в 1832 г. "Сильфиду" на сцене Парижской оперы.

В 1836 г. О.Бурнонвиль поставил в Копенгагене свою "Сильфиду". Он создал для танцовщиков особенный, легкий и воздушный, стиль, который по сей день отличает мастеров датского Королевского балета.

Другой романтический балет, где юная крестьянка, лишается разума и умирает, узнав, что ее возлюбленный, дворянин Альберт, не сможет на ней жениться. После смерти она превращается в призрак и спасает Альберта от смерти. Премьера "Жизели" состоялась в 1841 г. на сцене Парижской оперы с Карлоттой Гризи в заглавной партии.

Романтический балет был по преимуществу искусством женского танца. Ко времени постановки па-де-катра пик популярности романтического балета уже миновал, и Париж как центр классического танца стал понемногу угасать.

Материал для позвоночника

Система направлена на подробное рассмотрение ощущений и устройства деталей опорно-двигательного аппарата. Она дает широкие возможности вести персональную углубленную работу с движением и формой. Начало этого направления было положено на мастер-классе «Исследование движений» (Нью-Йорк, 1986г.). Главный вопрос, каким образом позвоночник и скелет организуются в движении? Базовой концепцией исследования является осознавание взаимосвязей, взаимодействий мускулатуры от области таза до пальцев рук. Зто мягкая энергетическая система рычагов, которая, и есть путь, течения энергии (в восточной терминологии и Айкидо — chi или ki (ци)), одна из базовых концепций, общая для боевых искусств и танца. В нашем теле несколько центров: физический центр, энергетический центр, центр нашей нервной системы, центр нашего внимания. Итак, я играю с одной из важнейших для меня идей: где в теле находится мое внимание, в каком центре мой фокус. Что с ним происходит? Что я делаю с ним? Как он влияет на мои движения? Подумайте, в вашем теле уже столько всего: вес, масса, энергия, механизмы для прыжков, скручивания, падения и качения и т.д. Вам всего лишь нужно начать простым шагом идти — и все это заработает. Любой танец начинается с шага», - С.Пэкстон.

Мерс Каннингем (1919-2009) - американский хореограф, создатель собственного стиля современного танца. Хореографию М.Каннингема часто противопоставляется раннему современному танцу: свободному, или танцу модерн: с его экспрессией и текучими ритмами.

В 1939 г. Каннингем поступил в труппу Марты Грэм и сразу проявил себя виртуозным мастером. Вскоре, однако, ему наскучили некоторые черты танца Вигман, в особенности, то значение, которое немецкая танцовщица придавала связи души и тела, считая, что движение должно выражать «внутреннее Я». Вместе с композитором Дж.Кейджем Каннингем считал, что современный танец слишком полагается на отдельных личностей и слишком много заимствует у литературы. Как и Кейдж, Каннингем стал использовать в хореографии так называемый «случайный метод», принципы алеаторики (решая, какую структуры танца выбрать, с помощью жребия — например, игральных костей). Это, как он считал, при сочинении композиций позволяло избавиться от сюжета и стереотипных решений, диктуемых бессознательным «вдохновением», и заменить их «объективным» и, в то же время, допускавшим случай методом.

С 1940-х годов фрагментарность была ключевой характеристикой работ Каннингема. В его танце разные части тела двигались как бы независимо друг от друга, что создавало трудности для исполнителей. Переход между отдельными движениями был резким, разрывным, нарушавшим текучесть и ритм, вызывал изумление. Каннингем непривычно использовал пространство сцены и то, что в его танце движения не были связаны с музыкой.

В 1991 г. он начал использовать в своей хореографии компьютер, а именно программу под названием «LifeForms» («Формы жизни»). Новая техника только усилила свойственную Каннингему тенденцию придумывать «неестественные» движения. Некоторые из его движений — например, сгибания рук в противоритме со сгибанием ног — типичны для движений, порожденных компьютером. В хореографической композиции «Beach Birds for Camera» (1991) фрагментированность тела, похожие на роботов жесткие движения, странные угловатые движения рук и ног выдают влияние компьютерной программы. Другая хореографическая работа, «BIPED» (1999), использует технику «остановленного движения». Камера ловит движение сенсоров, закрепленных на теле танцоров, и переводит его в цифровое изображение, передаваемое на установленный на сцене экран.

Использование Каннингемом новых технологий требует от танцоров необычайных усилий, изменяющих привычные им способы движения. Танцоры труппы «переписывают» законы человеческой координации. Каннингема часто критиковали за их формальность и даже отсутствие гуманизма. Тем не менее, его объективность имеет целью борьбу с культурными стереотипами.

Гре́гори Хайнс (1946-2003) афро-американский актёр, хореограф и танцор. Увлёкся чечёткой с 5-ти лет, уже через три года уже выступал на Бродвее. Этот свой талант позже использовал в к/ф «Клуб „Коттон“», поставив там танцы. В качестве хореографа и в более драматической роли американского чечёточника, оказавшегося в советском ГУЛаге, выступил в картине «Белые ночи» (1985), сотрудничая в работе над ней с признанным мастером балета М.Барышниковым. Всё же Хайнс чаще предпочитал комедийное амплуа в кино: «Всемирная история, часть первая» (1981); «Афера века» (1983); «Бежим без оглядки» (1986); «Ярость в Гарлеме» (1991); «Человек эпохи Возрождения» (1994); «Ожидая выдох» (1995). Но и мистические фильмы («Волки», 1981), фантастические («Канун разрушений», 1990), музыкальные ленты («Степ», 1989; «Боджанглс», 2001).

Алвин Эйли (Alvin Ailey, 1931-1989) американский танцовщик и хореограф, основатель собственного театра танца. Эйли популяризировал  модерн-танец и отстаивал развитие искусства негритянских танцовщиков как части афро-американской культуры XX века. В Нью-Йорке 1950-х Эйли, вдохновлённому техникой Хортона, не были близки стили ни Д.Хамфри, ни Х.Лимона ни М.Грэм. В 1958 году он собирает свой «Театр танца Алвина Эйли». Акцентируя особое внимание к негритянской культуре, он создаёт постановки эмоционально насыщенные и человечные, с верой в мечты и радости, но отмечая в них и страдания темнокожих американцев. Используя все виды афроамериканского фольклора и джаз, в своих постановках не забывал о важности костюмов, света, не отказывался от театральности (декорации и т.п.) Так, использование блюзовой музыки в «Блюзовой сюите» (1958), привело к успеху. Стиль хореографа  эклектичен: в нём классика, джаз-танец и элементы африканских танцев, в сочетании с силой, амплитудой, динамичностью движений и сверхпластикой тела. Постановки Эйли: «Откровения»(1960), «Торжество праха»(1962), (по пьесе Ф.Г.Лорки «Дом Бернарды Альбы»), «Язык Мазекелы», «Река»(1969), «Плач»(1971), «В честь Дюка Эллингтона».

Контрольные вопросы:

1. Какие новшества в технику движений придумали американские хореографы?

2. Актёр, чечёточник – сколько было таких совместителей?

3. Единение балета и джаза отражено в творчестве каких групп?

4. Новая динамика, пластика пришла из африканских танцев в постановки на музыку композиторов-модернистов и джаза (о творчестве этих трупп). 

 

История театра

Театр - (греч.«место для зрелищ») род искусства особенностью которого является художественное отражение жизни посредством драматического действия, осуществляемого актёрами перед зрителями. Сочетает выразительные средства драмы, музыки, пения, танца, живописи. Театр объединяет действенное и зрелищное начала, в результате достигается синтетизм театрального искусства. Специфика театра в изображении актёром событий, которые как бы непосредственно происходят перед зрителем. Одной из первичных форм драматического действия является пантомима. Пантомима была широко распространена в ряде стран Востока, сопровождалась музыкой и ритмизированным текстом. Принцип синтетизма существует и в опере: музыка сочетается с драмой, пением, и также танцем.

Носитель театрально-драматического действия это актёр с его перевоплощением (данные, грим, речь). С другой стороны театр это коллективное искусство творцов: драматурга, актёра, режиссёра, художника, композитора, сценографа.

Зарождался театр в глубокой древности: трудовые обряды, племенные игры, Мистерия Озириса в Древнем Египте, в Древнем Востоке (Индия,Китай, Бирма, Индонезия). Театр Античности в Древней Греции: подъём этого искусства в Vв. до н.э. - драматургия Эсхила, Софокла, Еврипида, Аристофана несла идеи служения родине, моральной стойкости. Продолжение этих традиций - в Древнем Риме: комедии нравов (Плант, Теренций), при этом развивается и зрелищная сторона представлений.

В Средние Века в западно-европейском театре темами для постановок становятся: борьба реалистических демократических тенденций народного искусства с религиозно-мистической идеологией. В XIв. появляются бродячие актёры – жонглёры. Демократический жанр театра – фарс получает развитие во Франции во второй половине XVв.

Эпоха Возрождения рождает театр высокого гуманизма, сказывается воздействие античной драматургии (Аристотель, Гораций) в Италии, Испании, Англии. Начало XVIв. выдвигает импровизированную сатирическую комедию – итальянскую «комедию масок». Идейную направленность театра эпохи Возрождения определили В.Шекспир, Лопе де Вега. В это же время появляются первые профессиональные труппы.

Театр классицизма начинается с Франции XVIIв.: в произведениях П.Корнеля, Ж.Расина звучит героическая декламация. На этом фоне творчество Мольера связано с лучшими традициями народного фарса, что требовало от актёра глубокого изучения жизни.

В XVIIIв. происходит расцвет просветительского театра: критика общественного строя, новые идеи: Д.Дидро, Г.Лессинг(нем.), Р.Шеридан(англ.), К.Гольдони(итал.).

Конец XVIIIв. характерен ростом культурных потребностей широких масс: появляются «бульварные театры» (Париж), «малые» (Нью-Йорк).