Джузеппе верди джакомо мейербер жорж бизе

В XIX в. Париж завоевал славу музыкальной столицы мира. Сюда приезжали выдающиеся композиторы из разных стран: итальянцы Джоаккино Россини и Винченцо Беллини, венгр Ференц Лист и другие мастера. На сценах оперных театров выступали лучшие певцы, проходили концерты известных музыкантов-виртуозов.

В 20-х гг. XIX столетия во французской музыке сложился особый жанр — «большая опера» (фр. grand opera). На его формирование оказали влияние традиции французской лирической трагедии и итальянской оперы-сериа. «Большая опера» представляла собой монументальное и пышное музыкально-драматическое действо; сюжет был обычно историческим, герои переживали и социальную драму, и личную. Для солистов писались арии, арии с хором, мелодические речитативы, вокальные ансамбли; в действие вводили массовые хоровые и балетные сцены. Постановки отличались необычайной роскошью декораций и костюмов.

Вершиной в развитии «большой оперы» стало творчество Джакомо Мейербера (настоящие имя и фамилия Якоб Либман Бер, 1791 — 1864). Джакомо Мейербер — одна из интереснейших фигур в европейской музыкальной культуре, однако его творчество вызывало противоречивые оценки современников — от восторженных до критических и даже резко отрицательных. Композитор сумел сделать свои произведения интересными не только для знатоков. Мейербер учитывал запросы обычного слушателя, давал ему то, что тот хотел получить. Отсюда определённая доля поверхностной развлекательности, которая присутствует даже в его лучших операх.

Влияние жанра «большой оперы» чувствуется в отдельных произведениях композиторов других национальных школ: в опере Джоаккино Россини «Вильгельм Телль», опере Винченцо Беллини «Пуритане», раннем сочинении Рихарда Вагнера «Риенци».

К началу второй половины XIX в. произведения, написанные в жанре «большой оперы», утратили ведущее положение на сцене французских театров. Публике стал интересен внутренний мир обычного человека, а не преувеличенно романтические переживания исключительной личности. В музыке усилилось влияние реализма. На смену драматическому пафосу и героической позе пришли простота и искренность. Композиторы стремились выразить в своих произведениях чувства, которые в течение жизни испытывает почти каждый человек, — радость и печаль, любовь и ревность и т. п.

Во французском оперном искусстве во второй половине XIX столетия сформировался новый жанр — лирическая опера. Его основоположник — композитор Шарль Гуно (1818—1893).

Ранние оперы Гуно не имели успеха. Славу ему принесла опера «Фауст» (1859 г.), написанная на сюжет первой части одноимённой трагедии Гёте. В основе сочинения немецкого писателя лежит предание о докторе Фаусте, который заключил договор с дьяволом, чтобы постичь тайны природы. У Гёте отношения Фауста и Маргариты только эпизод на сложном пути героя, Маргарита — «игрушка», которую Мефистофель даёт Фаусту. Композитор сделал историю любви центральным событием оперы. У Гуно Фауст всего лишь герой-любовник, призванный «обаять» публику высокими нотами и красивыми мелодиями. В партии Маргариты преобладают нежные и светлые краски, хотя в моменты столкновения с Мефистофелем появляется драматизм. Самой выразительной оказалась партия Мефистофеля; композитору удалось показать и разрушительную силу, и в то же время обаяние этого героя, заставляющее остальных персонажей подчиняться ему.

Другая известная опера Гуно — «Ромео и Джульетта» (1865 г.). Музыка произведения привлекает высоким профессионализмом и чисто французской изысканностью. Однако по глубине она несоизмерима с пьесой Шекспира. У Гуно получилась не трагедия, а мелодрама с печальным концом.

Оперы Шарля Гуно оказали большое влияние на формирование композиторского стиля Жюля Массне (1842—1912) — другого выдающегося представителя жанра. Лучшие оперы Массне — «Манон» (1884 г.) и «Вертер» (1886 г.). Первая написана на сюжет романа французского писателя XVIII в. Антуана Франсуа Прево д'Экзиля «История кавалера Де Гриё и Манон Леско», вторая — по роману Гёте «Страдания молодого Вертера». В обоих литературных произведениях рассказывается о трагической любви.

Вершина французского оперного искусства XIX в. — творчество Жоржа Бизе. Первым значительным произведением Бизе стала лирическая опера «Искатели жемчуга» (1863 г.) о жизни ловцов жемчуга с острова Цейлон. О музыке одобрительно отозвался Гектор Берлиоз, но зрители оперу не оценили. В 70-х гг. композитор создал свои главные произведения — музыку к драме французского писателя Альфонса Доде «Арлезианка» (1872 г.) и оперу «Кармен» (1875 г.).

Пьеса Доде рассказывает о роковой любви деревенского юноши Фредери к красавице из города Арль (отсюда название: арлезианка — жительница Арля). Развязка истории трагична: узнав, что возлюбленная неверна, Фредери кончает жизнь самоубийством. Музыка, написанная к спектаклю, очень выразительна. Тема трагической любви противопоставляется картинам народного быта и колоритной южной природе.

«Кармен» — уникальное явление в истории оперного искусства. Бизе удалось создать реалистическую психологическую драму и сохранить при этом основные черты французской национальной оперы, прежде всего яркую зрелищность действия. Опера написана по одноимённой новелле Проспера Мериме. Однако композитор в значительной степени отошёл от литературного источника. Хозе из романтичного разбойника превратился в наивного деревенского юношу, а Кармен из плутоватой и нечистой на руку красотки — в зрелую и очень непростую женщину.

Кроме вышеуказанных сочинений, внимания заслуживают и такие произведения Бизе, как оперетта «Доктор Миракль», опера «Иван Грозный», симфония, фортепианные пьесы и романсы.

Творчество норвежского композитора Эдварда Грига (1843—1907) открыло для Европы музыкальную культуру Скандинавских стран. Решающее влияние на формирование стиля мастера оказали сочинения немецких композиторов-романтиков.

Музыка великого композитора имеет очень своеобразные характерные черты, хотя в чем-то несколько напоминает мелодии Шумана. В основе практически всех произведений Грига лежат норвежские народные мелодии, так сильно его привлекавшие. Среди сочинений наиболее примечательны две сюиты к ибсеновскому «Пер Гюнту», сюита к бьернсоновскому «Сигурду Крестоносцу», сюита «Из времен Хольберга», норвежские танцы, фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, струнный квартет и множество фортепианных пьес и песен.

Наиболее известное произведение Грига — музыка к драматической поэме Генрика Ибсена «Пер Гюнт». В характере главного героя переплелись смелость и стремление к независимости с эгоизмом и жаждой наживы. Он ищет счастья в далёких краях и пренебрегает любовью и верностью близких. В одиночестве умирает мать Пера — Озе, тоскует брошенная им невеста Сольвейг. Мечты Пера Гюнта о благополучной и сытой жизни разбиваются вместе с попавшим в шторм кораблём, на котором разбогатевший герой возвращается домой. Он умирает на руках простившей его Сольвейг.

Ибсен сам предложил Григу написать музыку к своему произведению. Лирический центр композиции — «Песня Сольвейг», одно из лучших созданий Грига. В основе мелодии лежит народный напев. Необыкновенная красота и чистота мелодического рисунка создают образ нежной, любящей и верной девушки.

Григ многое сделал для развития культуры Норвегии. Он участвовал в создании музыкальных обществ, организовывал фестивали норвежской музыки, выступал с концертами своих произведений. Композитор заботился не о личной славе, а о славе родины. «Я горд и счастлив тем, что я норвежец, — писал Эдвард Григ. — Я искренне думаю, что симпатии к моему искусству коренятся в симпатиях к Норвегии».

Для музыкальной жизни Франции второй половины XIX в. характерно обращение к лёгким жанрам театрального искусства, в частности к оперетте. Создателем французской оперетты считают Жака Оффенбаха (настоящие имя и фамилия Якоб Эбершт, 1819—1880). Венский вариант оперетты создал Иоганн Штраус (1825—1899) — австрийский композитор, скрипач и дирижёр. Он вошёл в историю музыки не только как родоначальник оперетты, но и как крупнейший мастер вальса.

Для России XIX век стал эпохой формирования национальной музыкальной школы. В предшествующем столетии высокого уровня развития достигла только хоровая духовная музыка; традиции же оперной, камерно-вокальной и симфонической музыки сложились в новом веке. На этот процесс решающее влияние оказали, с одной стороны, западноевропейская культура, а с другой — русский фольклор.

Русские композиторы начали выезжать за границу. Там они общались с видными мастерами музыкального искусства, а главное — получали европейское музыкальное образование. Россия вызвала в Европе ответный интерес, и на протяжении столетия немало выдающихся музыкантов гастролировали в Москве и Петербурге. Приобщение к европейской культуре не только повысило интеллектуальный и профессиональный уровень русских композиторов и исполнителей, но и помогло им глубже понять традиции национальной музыки, лучше узнать самих себя.

В XIX в. огромное внимание уделялось изучению фольклора. Русские композиторы считали народную музыку источником вдохновения. Они собирали народные песни и часто использовали их в своих произведениях, при этом не теряя своеобразия собственного музыкального языка.

Для русской музыкальной культуры первой половины XIX столетия характерно повышенное внимание к опере и камерной вокальной музыке. В России получили развитие практически все основные жанры европейской оперы и камерного пения. Серьёзный интерес к симфонии появился лишь во второй половине столетия. Особенно популярны были программные симфонические произведения, в том числе симфоническая миниатюра.

Творчество Михаила Ивановича Глинки (1804—1857) стоит у истоков русской композиторской школы, а его произведения, методы работы, отношение к музыкальным жанрам и традициям воспринимались в XIX столетии как образцовые. Получив серьёзное музыкальное образование в Европе, Глинка сумел первым глубоко осознать особенности русской национальной музыки, и во многом благодаря этому мастеру европейские жанры получили в России оригинальную трактовку.

М.И. Глинке были присущи основные черты художественного мышления европейских романтиков: стремление к смелым экспериментам, тонкий литературный вкус (свидетельство тому — постоянное обращение к поэзии А. С. Пушкина), острый интерес к отечественной истории, любовь к народной музыке (причём не только русской). С одинаковым блеском композитору удавались как опера, так и вокальная миниатюра, что в Европе XIX в. встречалось довольно редко. И эта особенность Глинки сближает его музыку с наследием венских классиков, особенно с сочинениями Моцарта.

Благодаря творчеству Михаила Ивановича Глинки русская музыкальная школа достигла признания в Европе. Последующие поколения композиторов, да и просто любителей музыки, всегда высоко ценили вклад мастера в культуру России.

Творчество Александра Сергеевича Даргомыжского (1813—1869) достигло расцвета в 40—50-х гг. XIX в., когда в русской культуре утвердилось новое направление — реализм. Как и его современники в искусстве, Даргомыжский стремился в своих сочинениях к жизненной правдивости. Он создал выдающиеся произведения в жанрах оперной, камерно-инструментальной и симфонической музыки.

К лучшим произведениям Даргомыжского относится опера «Русалка» (1855 г.). Опираясь на текст одноимённой незаконченной пьесы А. С. Пушкина, композитор сам написал либретто. После опер Глинки это сочинение — важнейшее явление русской сцены.

В развитии отечественного музыкального искусства XIX столетия особую роль сыграл Милий Алексеевич Балакирев (1836 или 1837—1910). Он был основателем и руководителем творческого содружества русских композиторов, которое вошло в историю музыки как Балакиревский кружок, или «Могучая кучка». Началом образования «Могучей кучки» можно считать знакомство Балакирева с военным инженером Цезарем Антоновичем Кюи (1835— 1918) в 1856 г. Вскоре образовался музыкальный кружок, в который также вошли любители музыки, ставшие впоследствии знаменитыми композиторами: М.П. Мусоргский, Н.А. Римский-Корсаков и А.П. Бородин.

Систематические собрания кружка превратились в школу композиторского мастерства. Под руководством Балакирева изучались произведения Глинки, Даргомыжского, Бетховена, Шуберта, Шумана, других русских и западных композиторов, разбирались сочинения членов кружка. В собственном композиторском творчестве М А. Балакирев отдавал предпочтение инструментальной музыке. В сочинениях для симфонического оркестра он нередко обращался к фольклору В конце 70-х — начале 80-х гг. Балакиревский кружок распался. Каждый композитор нашёл свой путь в музыке, но тот опыт, который молодые музыканты получили в «Могучей кучке», явился основой для их дальнейшего творчества. Сам же Милий Алексеевич Балакирев постепенно отошёл от активной музыкальной деятельности.

Композиторский стиль Николая Андреевича Римского-Корсакова (1844—1908) отличают гармоничность и ясность музыкального мышления. Основу творческого наследия мастера составили оперы, многие из которых написаны по произведениям русских писателей. Наиболее полно его дар проявился в сочинениях, запечатлевших мир сказок и старинных преданий.

В 60-х гг. композитор писал в основном программные симфонические произведения. В симфонической музыкальной картине «Садко» (1867 г.) нашли отражение впечатления от плавания на «Алмазе»: образы русской былины соседствуют в сочинении с картинами моря. Вторая симфония — «Антар» (1868 г.) — написана по мотивам арабских народных сказаний.

Первая опера Римского-Корсакова — «Псковитянка» (1872 г.; по пьесе русского поэта и драматурга Льва Александровича Мея). События происходят во времена царствования Ивана Грозного. На историческом фоне (покорение Пскова Московским царством) развивается драма юной псковитянки Ольги, оказавшейся внебрачной дочерью самого Ивана Грозного. За «Псковитянкой» последовали другие оперы — «Майская ночь» (1879 г.; по повести Н. В. Гоголя), опера-сказка «Снегурочка» (1881 г.; по пьесе А. Н. Островского), опера-балет «Млада» (1890 г.; либретто написано по сказаниям западных славян), «Ночь перед Рождеством» (1895 г.; по повести Н. В. Гоголя).

Римский-Корсаков обращался и к внутреннему миру человека. Камерная опера «Моцарт и Сальери» (1897 г.; по пьесе А.С. Пушкина) — одно из наиболее глубоких произведений композитора. Римский-Корсаков следовал идее Пушкина: Моцарт и Сальери противопоставлены — как «гений и злодейство».

Мелодии вокальных партий и хоровых эпизодов в операх Римского-Корсакова основаны на интонациях русской народной песни. Важнейшую роль играет симфонический оркестр, с помощью которого композитор рисует картины природы, народного быта, сказочные образы.

Симфоническое творчество Римского-Корсакова не так значительно по объёму, как оперное, но не менее ценно. К лучшим произведениям относятся «Испанское каприччио» (1887 г.)

Большое внимание Римский-Корсаков уделял совершенствованию композиторского мастерства. Он серьёзно изучал теорию музыки, гармонии и искусства инструментовки. В результате упорной работы Римский-Корсаков стал одним из самых профессионально подготовленных русских музыкантов.

В 1871 г. Н.А. Римского-Корсакова пригласили преподавать в Петербургскую консерваторию. В числе его учеников — многие выдающиеся русские композиторы. Как дирижёр Римский-Корсаков с 1874 г. руководил симфоническими оркестрами, а позднее — оперными спектаклями.

Творчество Петра Ильича Чайковского (1840—1893) — яркая страница в истории не только отечественного, но и зарубежного музыкального искусства. На образном и идейном уровне его сочинения развивают традиции европейского романтизма. Стремление же композитора к отточенным и гармоничным формам свидетельствует о глубинной близости его музыки к наследию венских классиков.

П.И. Чайковский обращался почти ко всем музыкальным жанрам и формам. В области симфонической музыки он разрабатывал программную симфоническую поэму (композитор называл её «фантазия» или «увертюра-фантазия») и «классическую» четырёхчастную симфонию. В качестве программ Чайковский использовал литературные сюжеты. Он обращался к наиболее популярным у европейских романтиков авторам: Шекспиру (увертюры-фантазии «Ромео и Джульетта», 1869 г., и «Гамлет», 1888 г.; фантазия «Буря», 1873 г.), Данте (фантазия «Франческа да Римини», 1876 г.), Байрону (программная симфония «Манфред», 1885 г.)

В творческом наследии композитора — шесть симфоний (не считая программной симфонии «Манфред»). Чайковский стал первооткрывателем жанра инструментального концерта в русской музыке. Самые известные сочинения — Первый фортепианный концерт (1875 г.), концерт для скрипки (1878 г.) и Вариации на тему рококо (1876 г.) — масштабная пьеса для виолончели с оркестром, которая воспринимается исполнителями как концерт. Музыка этих произведений полна света, радостной энергии и внутреннего благородства.

Одно из центральных мест в творчестве композитора принадлежит опере. Поиск собственного пути в оперной музыке был для Чайковского сложен и мучителен. Всего Чайковский создал десять опер, две из которых — «Евгений Онегин» (1878 г.) и «Пиковая дама» (1890 г.) считаются лучшими образцами лирико-психологической музыкальной драмы в русской музыке. Опера «Евгений Онегин» написана по одноимённому роману в стихах А. С. Пушкина. Центральное место в опере занимают герои, жизнь которых основана на любви, — Татьяна Ларина и Владимир Ленский. Опера «Пиковая дама» также создана по одноимённой повести А. С. Пушкина, однако литературный сюжет композитор серьёзно изменил.

П.И. Чайковский изменил отношение к музыкальному содержанию балета. Уровень балетной музыки в XIX в. был невысоким. От композитора требовалось лишь сочинить красивые мелодии — всё внимание публики было сосредоточено на виртуозности танцовщиков. Несмотря на сказочные сюжеты и традиционно благополучные развязки балетов Чайковского — «Лебединого озера» (1876 г.), «Спящей красавицы» (1889 г.) и «Щелкунчика» (1892 г.), в музыке немало подлинного трагизма. В драматургии спектаклей она играет столь же важную роль, как и хореография. В развитии музыкальных тем композитор нередко использует приёмы, которые применял в симфониях.

Чайковский — первый русский композитор, получивший широкое признание за рубежом. Его гастроли (он выступал и как дирижёр) проходили в странах Европы, а в 1891 г. — в США. В Гамбурге под управлением выдающегося дирижёра Густава Малера была поставлена опера «Евгений Онегин». Незадолго до смерти П. И. Чайковский был избран членом-корреспондентом французской Академии изящных искусств (1892 г.) и почётным доктором Кембриджского университета в Великобритании (1893 г.).